Traditionelle Japanische Malerei – Zwischen Tusche, Seide und stiller Andeutung

Wer zum ersten Mal vor einem klassischen japanischen Rollbild steht, bemerkt oft zuerst, was fehlt: keine Ölfarbe, keine perspektivische Tiefenillusion, oft nicht einmal Farbe im westlichen Sinne. Stattdessen: viel leerer Raum, wenige, aber genau gesetzte Linien, eine Komposition, die mehr andeutet als ausformuliert. Die traditionelle japanische Malerei folgt eigenen ästhetischen Gesetzen, die sich über mehr als tausend Jahre in engem Austausch mit China und in ständiger Auseinandersetzung mit einheimischen religiösen und philosophischen Strömungen entwickelt haben.

Nihonga: die „japanische Malerei“

Der Sammelbegriff für die klassische japanische Malerei lautet Nihonga (日本画), wörtlich „japanisches Bild“ – ein Begriff, der erst in der Meiji-Zeit geprägt wurde, um die einheimische Maltradition bewusst von der zeitgleich aus dem Westen importierten Ölmalerei (Yōga) abzugrenzen. Nihonga umfasst dabei eine Vielzahl historisch gewachsener Techniken und Stile, die sich in Material, Bildträger und Bildsprache oft deutlich voneinander unterscheiden, aber gemeinsame Grundprinzipien teilen: die Verwendung natürlicher Pigmente, feiner Pinsel und traditioneller Bildträger wie Papier, Seide oder Holz.

Sumi-e: Malen mit schwarzer Tusche

Eine der einflussreichsten Techniken der japanischen Malerei ist Sumi-e (auch Suibokuga genannt), die Tuschmalerei. Mit einem einzigen Pinsel, schwarzer Tusche und variierendem Druck auf die Pinselspitze werden Form, Volumen und selbst atmosphärische Tiefe erzeugt – vollständig ohne Farbe. Diese aus China übernommene Technik gelangte über buddhistische Mönche nach Japan und wurde besonders im Umfeld des Zen-Buddhismus während der Muromachi-Zeit (1333–1573) verfeinert. Klassische Sumi-e-Motive reichen von Landschaften über die „Vier Edlen“ – Orchidee, Bambus, Chrysantheme und Pflaumenblüte – bis zu Porträts von Zen-Patriarchen wie Bodhidharma. Beide Pole lassen sich in Metropolitan Museum of Art nebeneinander betrachten: eine Landschaftsrolle des Maejima Sōyū aus der Muromachi-Zeit und ein Bodhidharma in Tusche auf Papier von Unkoku Tōgan (1547–1618). Beide Pole lassen sich in Metropolitan Museum of Art nebeneinander betrachten: eine Landschaftsrolle des Maejima Sōyū aus der Muromachi-Zeit und ein Bodhidharma in Tusche auf Papier von Unkoku Tōgan (1547–1618).

Yamato-e: einheimische Bildkunst des Hofes

Parallel zur chinesisch geprägten Tuschmalerei entwickelte sich bereits in der Heian-Zeit (794–1185) mit Yamato-e eine dezidiert einheimische Bildtradition, die höfische Szenen, literarische Erzählungen und Naturmotive in kräftigeren Farben und mit dekorativem Goldeinsatz darstellte. Berühmtestes Beispiel sind die Emakimono, horizontale Bildrollen, die literarische Werke wie die „Geschichte des Prinzen Genji“ in einer fortlaufenden Bildfolge illustrierten. Yamato-e steht damit in einem bewussten stilistischen Gegensatz zur reduzierten, monochromen Ästhetik der später aufkommenden Zen-Tuschmalerei.

Kanō- und Rinpa-Schule: Höfische Pracht und dekorative Innovation

Ab der Muromachi- und insbesondere in der Edo-Zeit (1603–1868) etablierten sich mehrere einflussreiche Malschulen, die die japanische Bildkunst über Jahrhunderte prägten. Die Kanō-Schule, über Generationen hinweg von einer einzigen Künstlerfamilie geleitet, verband chinesische Tuschmaltechniken mit kräftigen Farben und goldenem Hintergrund und wurde zur offiziellen Malschule des Shogunats. Die Rinpa-Schule dagegen, benannt nach dem Maler Ogata Kōrin, zeichnete sich durch dekorative, oft stark stilisierte Naturmotive auf Goldgrund aus und beeinflusste später auch die europäische Kunst des Jugendstils. Beide Schulen zeigen, wie vielfältig sich die japanische Malerei innerhalb ihrer eigenen Tradition entwickeln konnte, ohne die grundlegende Wertschätzung für Reduktion, Linienführung und die Bedeutung des leeren Raums aufzugeben.

Bildträger: Kakemono, Byōbu und Fusuma

Traditionelle japanische Malerei ist eng mit ihren spezifischen Präsentationsformen verbunden. Das Kakemono, das vertikale Hängerollbild, ist bis heute die bekannteste Form und wurde traditionell im Tokonoma, der Ausstellungsnische eines japanischen Wohnraums, gezeigt – häufig abhängig von Jahreszeit oder Anlass ausgetauscht. Daneben etablierten sich der Byōbu, der mehrteilige Faltschirm, sowie die Fusuma, bemalte Schiebetüren, die in traditionellen japanischen Wohnhäusern und Tempeln oft raumgreifende, zusammenhängende Landschafts- oder Naturkompositionen trugen. All diese Formate haben gemeinsam, dass sie nicht auf Dauer, sondern auf saisonalen oder situativen Wechsel angelegt sind – ein grundlegender Unterschied zur westlichen Tradition des dauerhaft gerahmten Gemäldes. Wie groß dabei die Formate ausfallen konnten, zeigt ein Paar sechsteiliger Stellschirme des Kano Chōkichi in Metropolitan Museum of Art, das die Landschaft der vier Jahreszeiten über die gesamte Bildfläche entfaltet. Wie groß dabei die Formate ausfallen konnten, zeigt ein Paar sechsteiliger Stellschirme des Kano Chōkichi in Metropolitan Museum of Art, das die Landschaft der vier Jahreszeiten über die gesamte Bildfläche entfaltet.

Zentrale Bildmotive

Bestimmte Motive ziehen sich durch die gesamte Geschichte der japanischen Malerei und tragen jeweils eigene, oft mehrschichtige Bedeutungen. Landschaften mit Kiefern, Kranichen und Wasserfällen stehen für Langlebigkeit und Beständigkeit. Drachen symbolisieren Macht, Weisheit und Schutz. Blüten wie Kirschblüten oder Pflaumenblüten verweisen auf die Vergänglichkeit des Lebens und die Schönheit des Augenblicks. Religiöse und philosophische Motive wie Bodhidharma oder das Enso-Symbol verkörpern zentrale Ideen des Zen-Buddhismus. Diese wiederkehrenden Bildthemen bilden ein gemeinsames visuelles Vokabular, das über Jahrhunderte hinweg verstanden und weiterentwickelt wurde.

Prinzipien der Bildkomposition: Leere, Andeutung, Asymmetrie

Was die traditionelle japanische Malerei über alle Schulen und Epochen hinweg verbindet, ist eine grundlegend andere Herangehensweise an den Bildraum als in der westlichen Kunstgeschichte. Statt eine Fläche möglichst vollständig auszufüllen, wird der leere Raum, Ma genannt, bewusst als gestalterisches Element eingesetzt – als Atempause, als Andeutung dessen, was nicht gezeigt wird, aber mitgedacht werden soll. Asymmetrische Kompositionen werden gegenüber symmetrischen bevorzugt, da sie natürlicher und lebendiger wirken. Dieses Prinzip der bewussten Auslassung, das sich besonders deutlich in der Zen-beeinflussten Tuschmalerei zeigt, ist eng mit der Ästhetik des Wabi-Sabi verwandt: der Wertschätzung des Unvollständigen als eigentlicher Quelle von Schönheit.

Ukiyo-e: Die Kunst der fließenden Welt

Neben den klassischen Rollbild- und Wandmalerei-Traditionen entwickelte sich in der Edo-Zeit mit Ukiyo-e eine eigenständige, deutlich volksnähere Bildtradition, die zunächst als Gemälde, ab dem 17. Jahrhundert zunehmend als Farbholzschnitt verbreitet wurde. Ukiyo-e, wörtlich „Bilder der fließenden Welt“, widmete sich vorrangig dem urbanen Vergnügungsleben der aufstrebenden Handels- und Handwerkerschicht: Schauspieler des Kabuki-Theaters, Kurtisanen der Vergnügungsviertel, Landschaften und später auch historische und mythologische Szenen. Meister wie Katsushika Hokusai und Utagawa Hiroshige erreichten mit ihren Werken nicht nur in Japan, sondern auch international enorme Bekanntheit und beeinflussten im 19. Jahrhundert maßgeblich den europäischen Impressionismus. Das Metropolitan Museum of Art führt Hokusais „Große Welle“ als Blatt der Serie „Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji“ und datiert den Druck auf etwa 1830 bis 1832. Das Metropolitan Museum of Art führt Hokusais „Große Welle“ als Blatt der Serie „Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji“ und datiert den Druck auf etwa 1830 bis 1832.

Anders als die meist auf Auftragsarbeit für Tempel, Adel oder Samurai-Klasse ausgerichtete klassische Nihonga-Malerei war Ukiyo-e von Beginn an auf Reproduzierbarkeit und breite Verfügbarkeit angelegt: Durch das arbeitsteilige Verfahren aus Entwurfszeichner, Holzschneider und Drucker konnten Farbholzschnitte in vergleichsweise hoher Auflage und zu erschwinglichen Preisen hergestellt werden – ein früher Vorläufer der später einsetzenden Demokratisierung von Kunst, die bis heute die Wahrnehmung japanischer Bildkunst im Westen mitprägt. Für Sammler bedeutet dies, dass Nihonga-Werke aufgrund ihrer Einzelanfertigung und der aufwendigeren Materialien in der Regel eine andere Wertschätzung genießen als die reproduzierbaren Ukiyo-e-Drucke, obwohl beide Traditionen gleichermaßen zum reichen Erbe der japanischen Bildkunst zählen. Wer beide Traditionen kennt, versteht besser, warum die japanische Malerei bis heute so vielfältig geblieben ist: als Zusammenspiel exklusiver Einzelwerke und breit zugänglicher, ebenso kunstvoll gestalteter Drucke.

Bei densho.art finden Sie handgemalte Kakemono japanischer Künstler, die diese jahrhundertealten Techniken und Bildtraditionen bis heute lebendig halten. Wer ein Kakemono kaufen oder ein original japanisches Rollbild kaufen möchte, entdeckt in unserer Auswahl japanischer Malerei die stille Ausdruckskraft von Tusche, Farbe und leerem Raum. So bleibt die traditionelle japanische Malerei bis heute eine Quelle stiller Inspiration für jeden, der sich auf ihre eigene Bildsprache einlässt.

Quellen und Literatur

The Metropolitan Museum of Art: Landscape of the Four Seasons, Kano Chōkichi, Acc.-Nr. 1975.268.42, .43, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Landscape, Maejima Sōyū, Acc.-Nr. 1975.268.41, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Under the Wave off Kanagawa (Kanagawa oki nami ura), Acc.-Nr. JP2569, metmuseum.org.

Timothy Clark (Hrsg.): Hokusai. Beyond the Great Wave. Thames & Hudson / British Museum, London 2017.