Kutani-yaki – Cinq couleurs, un nouveau départ après cent ans de silence

Certaines traditions céramiques se développent de façon continue sur des siècles. Le Kutani-yaki, en revanche, a une histoire pleine de ruptures : une ascension rapide, un silence soudain des fours, encore aujourd'hui non entièrement élucidé, pendant environ cent ans – et enfin une renaissance tout aussi puissante. Qui contemple un bol Kutani avec sa riche palette de couleurs en vert, jaune, pourpre, bleu et rouge ne perçoit rien de cette histoire mouvementée. Et pourtant, c'est précisément cette intensité de couleurs, pour laquelle le Kutani-yaki est célèbre encore aujourd'hui, qui est indissociablement liée à cette interruption et à cette redécouverte.

Qu'est-ce que le Kutani-yaki ?

Le Kutani-yaki (九谷焼) est une porcelaine japonaise originaire de la préfecture d'Ishikawa, sur la côte ouest du Japon, nommée d'après le village de Kutani, où les premiers fours ont vu le jour au XVIIe siècle. Ce qui caractérise la céramique de Kutani, c'est sa peinture sur émail vive et polychrome, exécutée dans des tons particulièrement éclatants de vert, de jaune, de pourpre, de bleu et, à l'occasion, de rouge. Ce style aux cinq couleurs est désigné en japonais sous le nom de Gosai-de et il est considéré comme le signe distinctif le plus connu de la tradition Kutani – à tel point que le registre japonais des métiers d'art traditionnels prescrit expressément, pour le Kutani-yaki reconnu, l'emploi des « cinq couleurs de Kutani » dans la peinture sur émail.

Un potier rentre au pays

Les origines du Kutani-yaki remontent au potier Gotō Saijirō, qui avait appris son métier à Arita, alors déjà centre établi de la production de porcelaine japonaise sur Kyūshū. De retour dans sa région natale d'Ishikawa, il fonda au milieu du XVIIe siècle un four à lui dans le village de Kutani, où des matières premières porcelainières appropriées avaient déjà été découvertes auparavant. Le registre japonais des métiers d'art traditionnels cite précisément cette conjonction comme point de départ : la découverte de pierre à porcelaine dans les gisements de Kutani et le retour d'artisans du fief de Kaga, qui avaient appris leur métier de la porcelaine dans l'actuelle Arita. Les pièces créées durant cette période précoce sont désignées sous le nom de Ko-Kutani, « ancien Kutani », et se distinguent par une peinture intense, couvrant souvent l'ensemble de la surface, aux motifs de paysages et de nature dans le style caractéristique Gosai-de aux cinq couleurs.

Une fin énigmatique – et un retour

Après une durée de production d'à peine une cinquantaine d'années, le four de Kutani cessa son activité – les raisons exactes n'en sont pas définitivement établies sur le plan historique et font l'objet de débats dans la recherche. La tradition de Kutani resta ensuite en sommeil pendant près de cent ans, avant de connaître sa renaissance au début du XIXe siècle sous la forme de ce que l'on appelle le Saiko-Kutani, le « Kutani ressuscité ». Cette seconde phase donna naissance à une diversité stylistique nettement plus grande que le Ko-Kutani d'origine : outre des développements du style classique aux cinq couleurs, apparurent de nouvelles formes telles que le style Eiraku, marqué par un rouge et un or éclatants, le style Yoshidaya, misant sur un bleu, un jaune, un pourpre et un bleu de Prusse intenses, ainsi que des variantes où un rouge voyant domine. Le registre japonais des métiers d'art traditionnels répertorie ces fours individuellement : le four de Kasugayama dans le style Mokubei, le four de Yoshidaya, qui visait expressément à faire renaître l'ancien Kutani, le four de Miyamoto avec sa peinture fine rouge, et le four d'Eiraku avec son décor de brocart doré.

Fabrication : la peinture comme forme d'art à part entière

La fabrication de la porcelaine de Kutani suit le procédé classique en plusieurs étapes de la production porcelainière japonaise : le façonnage à partir d'une pâte de porcelaine fine, une première cuisson de dégourdi destinée à stabiliser le corps brut, puis le décor peint, élaboré, à l'aide de pigments minéraux, et enfin une seconde cuisson qui fait fusionner durablement les couleurs avec la glaçure. Ce qui distingue le Kutani-yaki des autres traditions porcelainières japonaises comme celle d'Arita, c'est l'accent particulier mis sur une peinture sur glaçure intense et couvrante : au lieu d'une peinture sous glaçure discrète en bleu cobalt, les pièces de Kutani se caractérisent souvent par des compositions denses et aux couleurs intenses, qui confèrent à la porcelaine un effet presque pictural. Ce décor peint exige une formation artisanale de plusieurs années et est considéré comme une discipline artistique à part entière au sein de la production porcelainière.

De l'objet d'art au produit d'exportation

Comme beaucoup d'autres traditions artisanales japonaises, le Kutani-yaki connut lui aussi un essor considérable pendant l'ère Meiji (1868–1912), lorsque le Japon, après des siècles d'isolement, s'ouvrit au commerce international et que les collectionneurs occidentaux développèrent un intérêt croissant pour l'art japonais. La porcelaine de Kutani devint à cette époque un produit d'exportation recherché et fut présentée lors d'expositions universelles internationales, ce qui valut à cette tradition un prestige supplémentaire également en dehors du Japon.

La céramique de Kutani aujourd'hui

Aujourd'hui encore, la porcelaine de Kutani est produite dans la préfecture d'Ishikawa, dans de nombreux ateliers, dont certains existent depuis des générations – de la pièce de collection peinte selon la tradition à la vaisselle de table moderne, qui associe des motifs classiques à un design contemporain. Le Kutaniyaki Art Museum, en Ishikawa, documente l'histoire mouvementée de cette tradition, de Ko-Kutani jusqu'à nos jours. Qui souhaite reconnaître un original fait main devrait prêter attention à l'éclat caractéristique et à la profondeur des couleurs sur glaçure, ainsi qu'au tracé fin et jamais tout à fait régulier du pinceau – des détails que la sérigraphie industrielle ne permet pas de reproduire.

Le Kutani comparé à d'autres traditions de porcelaine

Tandis que les porcelaines Arita et Imari sont surtout connues pour leur combinaison de bleu cobalt, de rouge et d'or, le Kutani-yaki mise sur une palette de couleurs plus large, souvent plus froide, avec un accent plus marqué sur les tons verts et pourpres. Ce langage chromatique différent permet aux collectionneurs et connaisseurs de distinguer dès le premier regard les deux grandes traditions de porcelaine japonaise – un exemple de la manière dont deux régions géographiquement pas si éloignées ont pu se développer stylistiquement de façon si différente.

L'énigme non résolue de Ko-Kutani

Jusqu'à aujourd'hui, il n'est pas définitivement établi parmi les historiens de l'art pourquoi la production du four originel de Ko-Kutani a cessé après seulement une cinquantaine d'années. Différentes hypothèses vont de difficultés économiques à des restructurations politiques au sein du fief local, en passant par des conflits internes aux familles de potiers. Certains chercheurs supposent même qu'une partie des pièces désignées comme Ko-Kutani auraient en réalité été fabriquées à Arita et simplement destinées au marché de Kutani – un débat qui, dans les milieux spécialisés, n'est toujours pas définitivement tranché aujourd'hui et qui fait de l'étude de l'histoire ancienne de Kutani un domaine particulièrement vivant de l'histoire de l'art japonais.

Cette incertitude historique ne nuit toutefois en rien à l'estime dans laquelle les collectionneurs tiennent les pièces Ko-Kutani – bien au contraire : c'est précisément la combinaison entre énigme d'histoire de l'art et qualité picturale exceptionnelle qui fait des pièces originales de Ko-Kutani des objets de collection particulièrement recherchés et onéreux, tandis que la production ultérieure de Saiko-Kutani du XIXe siècle constitue encore aujourd'hui le fondement de la tradition contemporaine de Kutani, vivante et plus largement accessible.

La ville de Kanazawa, dans la préfecture d'Ishikawa, centre historique du mécénat artistique féodal, a elle aussi joué un rôle important dans le développement du Kutani-yaki : en tant que siège de l'un des fiefs les plus riches de l'époque d'Edo, elle offrait le terreau financier et culturel qui a rendu possible la peinture sur glaçure, exigeante et longue à réaliser, de la tradition de Kutani. Ce lien étroit entre puissance économique féodale et essor artistique s'observe dans de nombreuses traditions céramiques japonaises et explique pourquoi certaines régions sont historiquement devenues des centres de techniques bien précises, souvent exigeantes. Kanazawa elle-même est encore aujourd'hui considérée comme l'une des villes les plus riches culturellement du Japon et conserve, dans de nombreux musées et ateliers, l'héritage de ce lien étroit entre mécénat princier et maîtrise céramique.

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Sources et bibliographie

Traditional Crafts Aoyama Square (registre japonais des métiers d'art traditionnels) : KUTANI Yaki (Porcelain), kougeihin.jp.

The Metropolitan Museum of Art : Tall Vase with Kingfishers, n° d'inventaire 2001.733, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art : Wine bottle, n° d'inventaire 23.25a, b, metmuseum.org.

Nicole Coolidge Rousmaniere : Vessels of Influence. China and the Birth of Porcelain in Medieval and Early Modern Japan. Bristol Classical Press, Londres 2012.