Peinture traditionnelle japonaise – entre encre, soie et allusion silencieuse

Qui se trouve pour la première fois devant un rouleau suspendu japonais classique remarque souvent d'abord ce qui manque : pas de peinture à l'huile, pas d'illusion de profondeur en perspective, souvent même pas de couleur au sens occidental du terme. À la place : beaucoup d'espace vide, peu de lignes, mais posées avec exactitude, une composition qui suggère plus qu'elle ne formule. La peinture japonaise traditionnelle obéit à ses propres lois esthétiques, qui se sont développées sur plus de mille ans dans un échange étroit avec la Chine et dans une confrontation constante avec les courants religieux et philosophiques autochtones.

Nihonga : la « peinture japonaise »

Le terme générique désignant la peinture japonaise classique est Nihonga (日本画), littéralement « image japonaise » – un terme forgé seulement à l'époque Meiji afin de distinguer délibérément la tradition picturale autochtone de la peinture à l'huile importée d'Occident à la même époque (Yōga). Nihonga englobe ainsi une multitude de techniques et de styles issus d'une évolution historique, qui se distinguent souvent nettement les uns des autres par le matériau, le support et le langage pictural, mais partagent des principes fondamentaux communs : l'emploi de pigments naturels, de pinceaux fins et de supports traditionnels tels que le papier, la soie ou le bois.

Sumi-e : la peinture à l'encre de Chine noire

Une des techniques les plus influentes de la peinture japonaise est le sumi-e (aussi appelé suibokuga), la peinture à l'encre. Avec un seul pinceau, de l'encre noire et une pression variable sur la pointe du pinceau, on crée forme, volume et même profondeur atmosphérique – entièrement sans couleur. Cette technique reprise de Chine est parvenue au Japon par l'intermédiaire de moines bouddhistes et fut particulièrement affinée dans l'environnement du bouddhisme zen pendant l'époque Muromachi (1333–1573). Les motifs classiques du sumi-e vont des paysages aux « Quatre Nobles » – orchidée, bambou, chrysanthème et fleur de prunier – jusqu'aux portraits de patriarches zen comme Bodhidharma. Ces deux pôles peuvent être observés côte à côte au Metropolitan Museum of Art : un rouleau paysager de Maejima Sōyū datant de l'époque Muromachi et un Bodhidharma à l'encre sur papier d'Unkoku Tōgan (1547–1618). Ces deux pôles peuvent être observés côte à côte au Metropolitan Museum of Art : un rouleau paysager de Maejima Sōyū datant de l'époque Muromachi et un Bodhidharma à l'encre sur papier d'Unkoku Tōgan (1547–1618).

Yamato-e : la peinture nationale de la cour

Parallèlement à la peinture à l'encre d'inspiration chinoise, une tradition picturale résolument nationale s'est développée dès l'époque Heian (794–1185) avec le Yamato-e, représentant des scènes de cour, des récits littéraires et des motifs naturels dans des couleurs plus vives et avec un usage décoratif de l'or. L'exemple le plus célèbre en est les Emakimono, rouleaux d'images horizontaux qui illustraient des œuvres littéraires telles que le « Dit du Genji » sous forme d'une suite d'images continue. Le Yamato-e s'inscrit ainsi dans une opposition stylistique délibérée avec l'esthétique épurée et monochrome de la peinture à l'encre zen apparue plus tard.

École Kanō et école Rinpa : faste courtois et innovation décorative

À partir de l'époque Muromachi, et en particulier durant l'époque Edo (1603–1868), plusieurs écoles de peinture influentes s'établirent et marquèrent l'art pictural japonais pendant des siècles. L'école Kanō, dirigée sur plusieurs générations par une seule et même famille d'artistes, associait les techniques chinoises de peinture à l'encre à des couleurs vives et à des fonds dorés, et devint l'école de peinture officielle du shogunat. L'école Rinpa, quant à elle, nommée d'après le peintre Ogata Kōrin, se distinguait par des motifs naturels décoratifs, souvent fortement stylisés, sur fond doré, et influença plus tard également l'art européen de l'Art nouveau. Ces deux écoles montrent à quel point la peinture japonaise a pu se développer de manière variée au sein de sa propre tradition, sans pour autant renoncer à l'appréciation fondamentale de la réduction, du tracé des lignes et de l'importance de l'espace vide.

Supports picturaux : Kakemono, Byōbu et Fusuma

La peinture japonaise traditionnelle est étroitement liée à ses formes de présentation spécifiques. Le Kakemono, le rouleau suspendu vertical, en est aujourd'hui encore la forme la plus connue et était traditionnellement exposé dans le Tokonoma, la niche d'exposition d'un intérieur japonais – souvent changé selon la saison ou l'occasion. Se sont établis à côté de lui le Byōbu, le paravent pliant à plusieurs panneaux, ainsi que les Fusuma, portes coulissantes peintes, qui portaient souvent, dans les maisons d'habitation et les temples japonais traditionnels, de vastes compositions paysagères ou naturelles continues. Tous ces formats ont en commun de n'être pas conçus pour durer, mais pour un changement saisonnier ou circonstanciel – une différence fondamentale par rapport à la tradition occidentale du tableau encadré de façon permanente. L'ampleur que pouvaient prendre ces formats est illustrée par une paire de paravents à six panneaux de Kano Chōkichi, conservée au Metropolitan Museum of Art, qui déploie le paysage des quatre saisons sur toute la surface picturale. L'ampleur que pouvaient prendre ces formats est illustrée par une paire de paravents à six panneaux de Kano Chōkichi, conservée au Metropolitan Museum of Art, qui déploie le paysage des quatre saisons sur toute la surface picturale.

Motifs picturaux centraux

Certains motifs traversent toute l'histoire de la peinture japonaise et portent chacun des significations propres, souvent à plusieurs niveaux. Les paysages avec pins, grues et cascades symbolisent la longévité et la constance. Les dragons symbolisent le pouvoir, la sagesse et la protection. Les fleurs telles que les fleurs de cerisier ou les fleurs de prunier renvoient à la fugacité de la vie et à la beauté de l'instant. Les motifs religieux et philosophiques tels que Bodhidharma ou le symbole Enso incarnent des idées centrales du bouddhisme zen. Ces thèmes picturaux récurrents forment un vocabulaire visuel commun, compris et développé au fil des siècles.

Principes de la composition picturale : le vide, la suggestion, l'asymétrie

Ce qui unit la peinture traditionnelle japonaise à travers toutes les écoles et toutes les époques, c'est une approche fondamentalement différente de l'espace pictural par rapport à l'histoire de l'art occidental. Plutôt que de remplir une surface aussi complètement que possible, l'espace vide, appelé Ma, est délibérément employé comme élément de composition : comme une pause, comme une suggestion de ce qui n'est pas montré mais doit être pensé en même temps. Les compositions asymétriques sont préférées aux compositions symétriques, car elles paraissent plus naturelles et plus vivantes. Ce principe de l'omission délibérée, qui se manifeste de manière particulièrement nette dans la peinture à l'encre influencée par le zen, est étroitement lié à l'esthétique du wabi-sabi : la valorisation de l'inachevé comme véritable source de beauté.

Ukiyo-e : l'art du monde flottant

À côté des traditions classiques de la peinture sur rouleau suspendu et de la peinture murale, l'époque d'Edo vit se développer avec l'ukiyo-e une tradition picturale autonome, nettement plus proche du peuple, qui se répandit d'abord sous forme de peintures, puis, à partir du XVIIe siècle, de plus en plus sous forme d'estampes en couleurs sur bois. L'ukiyo-e, littéralement « images du monde flottant », se consacrait avant tout à la vie citadine des plaisirs de la classe montante des marchands et des artisans : acteurs du théâtre kabuki, courtisanes des quartiers de plaisir, paysages et, plus tard, également des scènes historiques et mythologiques. Des maîtres comme Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige acquirent avec leurs œuvres une immense notoriété, non seulement au Japon mais aussi à l'international, et influencèrent de manière déterminante l'impressionnisme européen au XIXe siècle. Le Metropolitan Museum of Art présente la « Grande Vague » de Hokusai comme une planche de la série « Trente-six vues du mont Fuji » et date l'estampe d'environ 1830 à 1832. Le Metropolitan Museum of Art présente la « Grande Vague » de Hokusai comme une planche de la série « Trente-six vues du mont Fuji » et date l'estampe d'environ 1830 à 1832.

Contrairement à la peinture nihonga classique, la plupart du temps réalisée sur commande pour des temples, la noblesse ou la classe des samouraïs, l'ukiyo-e était dès l'origine conçu pour la reproductibilité et une large diffusion : grâce au procédé fondé sur la division du travail entre dessinateur, graveur sur bois et imprimeur, les estampes en couleurs sur bois pouvaient être produites en tirages relativement importants et à des prix abordables – un précurseur précoce de la démocratisation de l'art qui s'imposera plus tard, et qui marque encore aujourd'hui la perception de l'art pictural japonais en Occident. Pour les collectionneurs, cela signifie que les œuvres nihonga, en raison de leur caractère de pièce unique et de matériaux plus élaborés, jouissent en général d'une considération différente de celle des estampes ukiyo-e reproductibles, bien que les deux traditions appartiennent à égalité au riche héritage de l'art pictural japonais. Qui connaît ces deux traditions comprend mieux pourquoi la peinture japonaise est restée jusqu'à aujourd'hui si diverse : comme un jeu entre œuvres uniques exclusives et estampes largement accessibles, tout aussi soigneusement conçues.

Chez densho.art, vous trouverez des kakemono peints à la main par des artistes japonais qui font vivre jusqu'à aujourd'hui ces techniques et ces traditions picturales séculaires. Que vous souhaitiez acheter un kakemono ou acheter un rouleau suspendu japonais original, vous découvrirez dans notre sélection de peinture japonaise la force d'expression silencieuse de l'encre, de la couleur et de l'espace vide. Ainsi, la peinture japonaise traditionnelle demeure aujourd'hui encore une source d'inspiration silencieuse pour quiconque se laisse porter par son langage visuel propre.

Sources et bibliographie

The Metropolitan Museum of Art : Landscape of the Four Seasons, Kano Chōkichi, n° d'inventaire 1975.268.42, .43, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art : Landscape, Maejima Sōyū, n° d'inventaire 1975.268.41, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art : Under the Wave off Kanagawa (Kanagawa oki nami ura), n° d'inventaire JP2569, metmuseum.org.

Timothy Clark (dir.) : Hokusai. Beyond the Great Wave. Thames & Hudson / British Museum, Londres, 2017.