Termes de l'art japonais de A à Z – Le glossaire Densho

Agano-yaki 上野焼

L'Agano-yaki est une tradition céramique japonaise originaire du district de Tagawa, dans la préfecture de Fukuoka, sur l'île de Kyūshū, née en 1602 lorsque le seigneur de Kokura, Hosokawa Tadaoki, fit venir le potier coréen Sonkai au pied du mont Fukuchi. Comme le Karatsu, elle remonte donc à des artisans coréens, mais fut dès l'origine une céramique à thé destinée à la cour. Elle se distingue par une paroi particulièrement fine et légère ; s'y ajoute une gamme inhabituelle de glaçures, parmi lesquelles le bleu-vert courant sur des surfaces claires est la plus connue. L'Agano compte parmi les sept fours attribués au maître de thé Kobori Enshū.

Aussi : Agano-yaki, Agano yaki, céramique Agano, poterie Agano, Ueno-yaki, Agano

Aka-Raku 赤楽

Aka-Raku, le « Raku rouge », est l'un des deux types classiques fondamentaux du bol à thé Raku : un tesson façonné à la main à partir d'une argile rouge ferrugineuse, sur lequel est appliquée une glaçure transparente. La cuisson se fait à basse température, généralement autour de 800 à 900 degrés, de sorte que les tons chauds de rouge, d'ocre et d'orange de l'argile apparaissent à travers la glaçure. Contrairement au Kuro-Raku, cuit plus chaud et retiré incandescent du four, l'Aka-Raku refroidit plus calmement ; l'effet en est plus doux et plus accueillant. Comme toute céramique Raku, le tesson reste poreux et remarquablement léger.

Aussi : Akaraku, Aka Raku, Aka-Raku, céramique Raku rouge, chawan Aka-Raku

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Akae 赤絵

Akae, littéralement « peinture rouge », désigne le décor polychrome sur couverte appliqué sur la porcelaine japonaise, dans lequel un rouge de fer chaud donne le ton. Les couleurs sont posées sur la surface déjà cuite, dure comme du verre, puis fixées par une seconde cuisson nettement plus douce ; c'est pourquoi elles restent légèrement en relief et se laissent percevoir au toucher de l'ongle. C'est précisément par là que l'Akae se distingue du Sometsuke, dont le bleu de cobalt se trouve sous la couverte. Lorsqu'on combine les deux, le bleu sous couverte et le décor polychrome sur couverte, on parle de Somenishiki ; lorsque l'or s'y ajoute, on parle de Kinrande. L'Akae est répandu surtout à Arita, à Kutani et à Kyōto.

Aussi : Aka-e, Akae, décor rouge, décor sur glaçure, émaux sur couverte, décor rouge de fer

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Akahada-yaki 赤膚焼

Akahada-yaki est une tradition céramique japonaise originaire des collines du mont Gojō, à l'ouest de la ville de Nara, et compte parmi les sept fours associés au goût de Kobori Enshū. Le nom renvoie en partie à l'ancienne appellation du lieu, Akahada-yama, en partie à la terre qui prend une teinte rougeâtre à la cuisson ; les sources divergent sur ce point. Cette céramique se caractérise par un émail blanc laiteux, finement craquelé, sous le bord duquel apparaît le tesson rougeâtre. Le décor le plus connu est le Nara-e, une peinture fine et naïve représentant des cerfs, des temples et des scènes tirées de récits anciens ; son introduction est attribuée au potier Okuda Mokuhaku. Le four fut soutenu par les Yanagisawa, seigneurs de Kōriyama.

Aussi : Akahada-yaki, céramique Akahada, Akahada yaki, Akahadayama-yaki, Akahada

Akazu-yaki 赤津焼

Akazu-yaki est une tradition céramique japonaise originaire du quartier d'Akazu, à l'est du centre-ville de Seto, dans la préfecture d'Aichi, et constitue ainsi une branche de la céramique de Seto. Les fours de cet endroit sont attestés depuis l'époque Heian ; leur orientation actuelle remonte au début du XVIIe siècle, lorsque des potiers y furent délibérément réinstallés. Ce qui la caractérise n'est pas tant un aspect unique que la coexistence de sept glaçures traditionnelles - glaçure de cendres, glaçure de fer, Ko-Seto, Ki-Seto, Shino, Oribe et Ofuke - ainsi que de douze techniques de décoration. En 1977, l'Akazu-yaki a été reconnue comme artisanat d'art traditionnel. L'orthographe Akatsu, que l'on rencontre parfois, désigne la même céramique.

Aussi : Akazu-yaki, Akatsu-yaki, céramique d'Akatsu, céramique d'Akazu, Akazu

Amakusa-Porzellan 天草陶磁器

La porcelaine d'Amakusa est la porcelaine fabriquée sur les îles Amakusa, dans la préfecture de Kumamoto, dont la base est la pierre à porcelaine d'Amakusa qui y est extraite. La roche, découverte à la fin du XVIIe siècle et exploitée à des fins céramiques à partir du XVIIIe siècle, est remarquablement blanche, dure et translucide ; elle représente environ quatre cinquièmes de l'extraction japonaise de pierre à porcelaine et est encore livrée aujourd'hui à Arita, Mikawachi et d'autres centres de porcelaine. Sur place travaillent notamment les fours Uchida Sarayama, Takahama, Maruo et Mizunodaira, en partie avec de la porcelaine blanche translucide, en partie avec du grès sous glaçures namako et noires. En 2003, la céramique d'Amakusa a été reconnue comme artisanat d'art traditionnel.

Aussi : Amakusa-yaki, céramique d'Amakusa, porcelaine d'Amakusa, Amakusa-tōjiki, Amakusa

Anagama 穴窯

Un anagama est un four à bois à chambre unique, creusé sous forme de long tube dans le flanc d'une colline et recouvert de terre ; le nom signifie littéralement « four-grotte ». Ce type de construction est arrivé au Japon depuis la péninsule coréenne au cours du premier millénaire et est resté pendant des siècles la seule forme utilisée dans les anciens centres de poterie. La cuisson dure plusieurs jours sans interruption, la flamme et les cendres volantes passant directement au-dessus des pièces – d'où le dépôt naturel de cendres et les zones de couleur si appréciées sur les pièces non émaillées. Il convient de distinguer l'anagama du noborigama, plus tardif, qui se compose de plusieurs chambres successives et cuit de façon plus régulière.

Aussi : Anagama, four à tunnel, four à une chambre, four-tunnel, cuisson Anagama

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Arita-yaki 有田焼

L'Arita-yaki est une porcelaine dure japonaise provenant de la région d'Arita, dans la préfecture de Saga, sur l'île de Kyūshū, et passe pour la première porcelaine fabriquée au Japon. Elle trouve son origine dans la découverte de kaolin sur la colline d'Izumiyama en 1616 par le potier coréen Yi Sam-pyeong. Le tesson, cuit à environ 1 300 degrés, est dur, lisse et légèrement translucide aux endroits fins - un net contraste avec les traditions de grès terreux comme le Bizen. Parmi les styles connus figurent le Ko-Arita bleu cobalt, le style Kakiemon, raffiné, et l'Iro-Nabeshima, de cour. L'Imari-yaki désigne la même céramique, mais tire son nom du port d'embarquement : Arita désigne la région de fabrication, Imari la voie commerciale.

Aussi : Arita-yaki, porcelaine d'Arita, céramique d'Arita, Arita

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Asahi-yaki 朝日焼

L'Asahi-yaki est une céramique à thé japonaise d'Uji, dans la préfecture de Kyōto, dont la tradition rapporte qu'elle fut fondée vers 1600 au pied du mont Asahi et qui compte parmi les sept fours au goût de Kobori Enshū. Elle est étroitement liée au thé d'Uji : des bols à thé étaient joints en cadeau aux livraisons de thé en feuilles. Elle se caractérise par un tesson brun clair à mouchetures rouge-noir, que l'on appelle ailleurs Gohon, mais qu'à Uji l'on nomme Kase, « dos de cerf » ; les traces de spatule et de tournage restent visibles sous forme de Keshiki. Contrairement au Kyō-yaki, de caractère urbain, l'Asahi renonce en grande partie à la décoration sur glaçure.

Aussi : céramique Asahi, Asahi-yaki, Uji-Asahi, Asahi

Azuchi-Momoyama-Zeit 安土桃山時代

La période Azuchi-Momoyama (1573–1603) est la courte époque de transition entre l'époque Muromachi et l'époque Edo, durant laquelle Oda Nobunaga et Toyotomi Hideyoshi unifièrent le Japon ; certaines présentations la font déjà se terminer avec la bataille de Sekigahara en 1600. Pour la céramique japonaise, ces trois décennies sont décisives : dans le contexte de la cérémonie du thé naquirent, dans la région de Mino, les traditions de glaçure Shino, Oribe, Ki-Seto et Setoguro ; le potier Chōjirō créa, avec le maître de thé Sen no Rikyū, le Raku-yaki ; et des traditions telles que Bizen ou Karatsu connurent leur apogée en tant que céramique de thé de tout premier rang. Les pièces Momoyama sont considérées aujourd'hui encore comme une référence.

Aussi : époque Momoyama, période Momoyama, Momoyama, Azuchi-Momoyama, époque Azuchi-Momoyama

Banko-yaki 萬古焼

Le Banko-yaki est une céramique japonaise originaire de Yokkaichi et de Komono, dans la préfecture de Mie, qui remonte au marchand Nunami Rōzan, originaire de Kuwana ; celui-ci commença vers 1740, à Obuke, par passion, à cuire lui-même des ustensiles à thé. Le nom provient de son cachet Banko fueki, signifiant en substance « invariable pour l'éternité ». Aujourd'hui, Banko désigne deux types de production : des théières non émaillées en argile ferrugineuse cuite en réduction, dont le tesson brun pourpré se nomme Shidei, et des marmites en terre réfractaires pour la cuisson au feu, auxquelles on adjoint de la pétalite. La très grande majorité des donabe japonais provient de cette région.

Aussi : Bankoyaki, céramique Banko, Yokkaichi-Banko, Banko, Banko-yaki

Benzaiten 弁財天

Benzaiten, le plus souvent appelée simplement Benten, est la déesse japonaise des arts, de la musique, de l'éloquence et de l'eau, et la seule figure féminine parmi les Sept Dieux du Bonheur. Elle remonte à la déesse fluviale hindoue Sarasvati et est généralement représentée avec un luth Biwa. Son lien avec l'eau se retrouve au Japon dans les lieux de culte qui lui sont consacrés : les sanctuaires de Benzaiten se trouvent souvent au bord de lacs, de rivières ou sur des îles. Pour les musiciens, les écrivains et les orateurs, une image la représentant est traditionnellement considérée comme un cadeau approprié, ce qui fait d'elle, parmi les sept dieux, celle qui est la plus proche de la création artistique.

Aussi : Benten, Benzaiten-sama, Sarasvatî, déesse Benzaiten, Benzai-ten

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Bidoro ビードロ

Bidoro désigne les flaques vitreuses et verdâtres qui se forment lors de la cuisson de céramique non émaillée, lorsque les cendres volantes fondent sur le tesson et s'accumulent dans les creux ou sur les épaulements. Contrairement au dépôt de cendres ponctuel, le bidoro évoque du verre translucide comme coulé goutte à goutte et peut former des coulures. Le nom vient du mot portugais « vidro », qui signifie verre, et rappelle les premiers contacts européens. Ce phénomène est particulièrement apprécié sur la céramique de Bizen, où il fait partie, avec le goma et le hidasuki, du répertoire des formes propres à la cuisson au bois.

Aussi : Bidoro, glaçure Bidoro, coulée vitreuse Bidoro, Bīdoro

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Bijin-ga 美人画

Bijin-ga (美人画, « image d'une belle femme ») est un genre de la peinture japonaise qui représente des figures féminines comme des types, et non comme le portrait d'une personne précise. Le sens réside dans les détails d'accompagnement : motif et coupe du kimono, coiffure, position des mains, saison suggérée par l'arrière-plan – une dame devant un prunier en fleurs est en même temps une image de printemps. Né dans l'ukiyo-e de l'époque d'Edo, le genre fut transposé au XXe siècle dans la peinture nihonga par des artistes tels qu'Itō Shinsui (1898–1972). Le rang d'un bijin-ga se juge le plus souvent à la matérialité : la façon dont un peintre rend la chute de la soie et le passage du col à la nuque.

Aussi : Bijinga, Bijin-e, portrait de beauté, image de femme

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Bishamonten 毘沙門天

Bishamonten est le dieu du bonheur japonais des guerriers et protecteur, représenté en armure complète, tenant une lance d'une main et une petite pagode de l'autre – cette dernière symbolisant le trésor bouddhique qu'il garde. Il fait partie des Sept Dieux du Bonheur, les Shichifukujin, et est originaire du bouddhisme indien. Il est le seul du groupe à apparaître également dans un second rôle : sous le nom de Tamonten, il compte parmi les Quatre Rois Célestes, qui gardent les points cardinaux dans les temples. Dans les représentations, il se reconnaît facilement au fait qu'il est le seul à paraître martial et non joyeux.

Aussi : Bishamon, Tamonten, Bishamonten, Vaishravana, Vaiśravaṇa

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Bizen-yaki 備前焼

Le Bizen-yaki est une céramique japonaise de grès non émaillée originaire de la préfecture d'Okayama, dont la coloration naît uniquement du feu. La cuisson s'effectue selon la technique du yakishime, à une température d'environ 1 200 à 1 300 degrés Celsius, pendant plusieurs jours dans un four chauffé au bois ; la flamme et la cendre y laissent des effets de cuisson (yōhen) qui portent des noms propres — goma, sangiri et hidasuki. La base en est l'argile hiyose, riche en fer, provenant des environs d'Imbe. Bizen fait partie des six anciens fours du Japon et est reconnu comme artisanat d'art traditionnel depuis 1982. Contrairement à Seto, le deuxième de ces six centres, Bizen se passe encore aujourd'hui systématiquement de tout émail et de toute peinture.

Aussi : Bizen-yaki, céramique de Bizen, Bizen ware, Bizen

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Bokuseki 墨蹟

Le bokuseki (墨蹟, « traces d'encre ») est la calligraphie des moines zen et constitue au Japon une catégorie à part au sein de l'art de l'écriture. Y sont écrits le plus souvent de courtes sentences zen, des caractères isolés ou des vers de poèmes, souvent avec rapidité, force et une absence délibérée de raffinement. À la différence du shodō en général, ce n'est pas la perfection stylistique qui prime ici, mais l'autorité spirituelle du scripteur : nombre d'auteurs n'étaient pas des calligraphes de métier, mais des abbés et des maîtres zen. Le bokuseki occupe une place bien établie dans la culture du thé, où un tel rouleau suspendu est accroché dans le tokonoma de la salle de thé et donne le ton de la réunion ; les inscriptions portées sur les ustensiles de thé en font également partie.

Aussi : Bokuseki, calligraphie zen, calligraphie Bokuseki, traces d'encre, encre zen

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Byōbu 屏風

Un byōbu est un paravent japonais composé de plusieurs panneaux pliants reliés par des charnières en papier, dont les surfaces sont peintes ou ornées de calligraphie. Littéralement, le nom signifie « rempart contre le vent » et désigne ainsi la fonction d'origine : le paravent structurait l'espace et arrêtait les courants d'air, tout en servant de support pictural. Il est courant de trouver des paires de deux paravents à six panneaux chacun, dont la composition se lit à travers les deux moitiés. À la différence du kakemono, un byōbu est autoportant et ne s'enroule pas, mais se replie.

Aussi : Byōbu, paravent japonais, paravent pliant, écran pliant japonais

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Chabana 茶花

Chabana (茶花, littéralement fleur de thé) est la composition florale de la cérémonie du thé japonaise et se compose en général de très peu de chose : un bouton de camélia, une branche, quelques herbes, disposés comme s'ils avaient poussé ainsi. Ce qui est montré, c'est ce qui fleurit précisément selon la saison, placé dans un hanaire en céramique, en bambou ou en bronze, qui se trouve dans le tokonoma à côté du rouleau de calligraphie. Par rapport à l'ikebana, qui permet davantage de construction et de mise en forme visible, le chabana se retient délibérément : la fleur ne doit pas paraître arrangée, mais seulement apporter un instant de l'année dans la salle de thé.

Aussi : Chabana, fleurs de thé, arrangement floral Chabana, art floral de la cérémonie du thé, ikebana pour la cérémonie du thé

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Chadō 茶道

Chadō (茶道, également lu Sadō) est la « voie du thé » – la cérémonie du thé japonaise, comprise comme une pratique d'exercice tout au long de la vie. Le Dō est le même que dans Shodō (calligraphie) ou Budō (art martial) et désigne toujours une voie d'exercice plutôt qu'un simple apprentissage technique : on apprend le maniement du bol, du fouet et de l'eau pendant des décennies, sous la direction d'une école. Les quatre principes Harmonie (Wa), Respect (Kei), Pureté (Sei) et Tranquillité (Jaku) en constituent l'orientation intérieure. Chanoyu désigne en revanche la réunion singulière au cours de laquelle le thé est effectivement préparé et bu.

Aussi : Sadō, Chado, Chadō, voie du thé, cérémonie du thé, Chanoyu

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Chaire 茶入

Un chaire est la petite boîte en céramique dans laquelle est conservé le matcha épais destiné à la cérémonie du thé, généralement dotée d'un couvercle en ivoire ou en matériau de substitution et protégée par une bourse en brocart de soie, le shifuku. Historiquement, les chaire comptaient parmi les objets les plus prisés de la culture du thé ; certaines pièces s'échangeaient comme des terres. Il se distingue du natsume par le matériau et l'usage : la boîte en laque natsume est réservée au thé léger, la boîte en céramique chaire au thé épais – une répartition qui vaut encore aujourd'hui.

Aussi : Pot à thé, pot à thé en céramique, cha-ire, chaire

Chaji 茶事

Un chaji (茶事) est la forme complète et formelle de la réunion de thé japonaise : l'hôte invite peu de convives, les reçoit avec un repas kaiseki, sert des douceurs puis prépare d'abord un koicha épais, ensuite un usucha léger. Un tel déroulement dure traditionnellement environ quatre heures. Sept formes fondamentales sont transmises, qui se distinguent surtout selon le moment de la journée, du chaji du matin au chaji du soir. Le chaji se distingue du chakai par sa durée, le repas et le cercle restreint d'invités ; lors du chakai, on ne sert généralement qu'une douceur et un bol de thé. Le chanoyu est le terme générique désignant la réunion en tant que telle.

Aussi : Cha-ji, réunion de thé formelle, cérémonie du thé complète

Chakai 茶会

Un chakai (茶会) est la réunion de thé japonaise la plus courte et la plus informelle, au cours de laquelle une douceur et un bol de thé sont servis aux invités, le plus souvent de l'usucha léger, plus rarement du koicha épais. Aucun repas n'en fait partie ; un chakai dure ainsi plutôt une petite heure qu'une demi-journée. L'ōyose-chakai est particulièrement répandu : il s'agit d'un grand événement où des groupes d'invités sont conduits successivement dans le salon de thé, et pour lequel aucune connaissance préalable n'est requise. Le chakai se distingue du chaji, qui dure plusieurs heures et comprend un repas kaiseki, par son ampleur et son degré de formalité, non par les ustensiles utilisés.

Aussi : Cha-kai, réunion informelle du thé, Ōyose-Chakai, Oyose-Chakai

Chakin 茶巾

Un Chakin (茶巾) est le petit tissu blanc en lin ou en chanvre avec lequel, dans la cérémonie du thé japonaise, on essuie et sèche le bol à thé. L'hôte réchauffe d'abord le Chawan avec de l'eau chaude, verse celle-ci dans le récipient à eaux usées Kensui, puis sèche le bol avec le Chakin légèrement humide, plié en bandes, avant d'y verser la poudre de matcha. Le format habituel est d'environ trente sur quinze centimètres ; le chanvre blanchi de Nara, appelé Narazarashi, est particulièrement apprécié. Il se distingue du Fukusa en soie par la matière et la fonction : le Chakin touche le bol, le Fukusa nettoie les ustensiles.

Aussi : chakin, tissu chakin, linge à thé, linge de la cérémonie du thé, cha-kin

Chanoyu 茶の湯

Chanoyu (茶の湯, littéralement « eau chaude pour le thé ») est la cérémonie du thé japonaise en tant que rencontre concrète : un hôte prépare du matcha selon un déroulement établi pour des invités conviés et leur présente le bol. Le terme met l'accent sur l'événement : l'espace, les ustensiles choisis, l'ordre des gestes, le rouleau suspendu dans le tokonoma. On distingue la rencontre plus courte et informelle (Chakai) et le Chaji, formel et de plusieurs heures, avec repas. Chadō, la voie du thé, désigne la même pratique, mais met l'accent sur la pratique tout au long de la vie. Les deux mots coexistent encore aujourd'hui ; Chanoyu est le plus ancien et le plus proche du quotidien.

Aussi : Chanoyu, Cha-no-yu, cérémonie du thé, cérémonie du thé japonaise, Chadō, Sadō, voie du thé

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Chasen 茶筅

Un chasen (茶筅) est le fouet à thé japonais en bambou avec lequel la poudre de matcha et l'eau chaude sont battues directement dans le bol à thé pour former une mousse fine et régulière. Il est taillé dans une seule pièce de bambou et porte, selon le modèle, une soixantaine à une centaine vingt fines dents recourbées vers l'extérieur. L'espace qu'il requiert détermine la géométrie du chawan : la tête du fouet doit pouvoir tourner librement, c'est pourquoi les bols à thé sont larges et plats à l'intérieur. Un chasen est un consommable – après usage, il est simplement rincé à l'eau claire, séché à la verticale et remplacé le jour où les dents se cassent.

Aussi : fouet à thé, fouet en bambou, fouet à matcha, chasen

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Chashaku 茶杓

Un chashaku (茶杓) est la fine cuillère à thé japonaise en bambou, utilisée pour prélever la poudre de matcha dans la boîte à thé et la verser dans le bol. Il est façonné d'une seule pièce, légèrement plié en son milieu, et se termine par une lame plate en forme de cuillère ; un nœud du bambou se trouve souvent, bien visible, sur le manche. Avec le chawan et le chasen, il constitue l'équipement de base à proprement parler pour la préparation du matcha - tout le reste relève du confort. Dans la cérémonie du thé, les chashaku comptent parmi les ustensiles les plus personnels : ils sont souvent nommés, signés et conservés dans un étui qui leur est propre.

Aussi : Chashaku, cuillère à thé, cuillère en bambou, cuillère à matcha, cuillère à thé japonaise

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Chawan 茶碗

Un chawan (茶碗) est le bol à thé japonais large et sans anse, dans lequel le matcha est battu directement avec le fouet en bambou (Chasen) puis bu à même le récipient. Il est donc à la fois un outil et un récipient à boire, ce qui explique sa forme : large ouverture, fond intérieur en grande partie plat, paroi évasée en oblique et un pied non émaillé (Kōdai). Les pièces classiques mesurent le plus souvent de onze à treize centimètres de diamètre. Un yunomi est en revanche le gobelet plus haut et plus élancé destiné au thé infusé en feuilles, tandis qu'un guinomi n'est pas un petit chawan, mais un récipient à saké à part entière. Les chawan sont façonnés dans presque toutes les traditions céramiques, du Raku au Hagi en passant par le Shino et l'Oribe.

Aussi : bol à thé, bol à matcha, chawan

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Daikokuten 大黒天

Daikokuten est le dieu japonais du bonheur associé à la prospérité, à l'agriculture et au commerce. Son attribut est un maillet magique avec lequel, selon la légende, il répand la richesse partout où il frappe ; il est le plus souvent représenté debout sur des sacs de riz et accompagné de rats. À l'origine, il remonte à une divinité indienne effrayante et s'est transformé au Japon en une figure sympathique et trapue, coiffée d'un bonnet plat. Il fait partie des Sept Dieux du Bonheur, les Shichifukujin, et apparaît particulièrement souvent en compagnie d'Ebisu. Daikokuten figurait sur les premiers billets de banque japonais de 1885.

Aussi : Daikoku, Daikoku-ten, Daikokusama, Daikokuten

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Daruma 達磨

Daruma est le nom japonais de Bodhidharma et désigne également la figurine porte-bonheur populaire issue de son iconographie. La figurine est ronde, sans bras ni jambes, et se redresse d'elle-même après avoir été renversée - une image de la persévérance, résumée dans le proverbe « Nanakorobi yaoki », sept fois à terre, huit fois debout. Elle tire son origine des talismans du Daruma-dera à Takasaki ; c'est vers 1770 qu'apparaissent les premiers moules. Traditionnellement, elle est vendue avec deux yeux vierges : on peint l'un lorsqu'on formule un vœu, le second dès que l'objectif est atteint. Bodhidharma désigne en revanche la figure du moine telle que la transmet la tradition.

Aussi : poupée Daruma, Bodhidharma, Bodaidaruma, Daruma

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E-Shino 絵志野

E-Shino, « Shino peint », est le sous-type le plus répandu de la céramique Shino de la région de Mino. Sur le tesson cru, un motif est tracé avec une couleur picturale ferrugineuse – appelée Oniita –, puis recouvert de l'épaisse glaçure feldspathique blanc laiteux. À la cuisson, le dessin transparaît comme à travers une brume et apparaît dans des tons bruns à brun grisâtre. Les motifs restent le plus souvent sobres : herbes, rameaux, treillis ou lignes abstraites. E-Shino se distingue du Nezumi-Shino par le procédé : dans ce dernier, la surface est d'abord entièrement recouverte d'un engobe ferrugineux dont le motif est ensuite regratté, tandis qu'ici il est peint directement.

Aussi : Eshino, E Shino, E-Shino, Shino peint, chawan E-Shino

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Ebisu 恵比寿

Ebisu est le dieu japonais du bonheur associé au commerce, à la prospérité et aux pêcheurs, reconnaissable à sa canne à pêche et à sa grande daurade rouge. Il est le seul des Sept Dieux du Bonheur, les Shichifukujin, à être d'origine purement japonaise et shintoïste, et il est particulièrement apprécié des commerçants et des artisans ; une image de lui est traditionnellement considérée comme un cadeau approprié pour une ouverture de commerce. Il apparaît souvent en paire avec Daikokuten, les deux se complétant : Ebisu représente une bonne pêche et un commerce prospère, Daikokuten la prospérité du foyer. Dans les régions rurales du Japon, les deux ont longtemps été vénérés ensemble sur un petit autel domestique.

Aussi : Yebisu, Ebisu-sama, Ebisu, dieu du bonheur Ebisu

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Echizen-yaki 越前焼

L'Echizen-yaki est une céramique japonaise en grès non émaillé provenant de la région d'Echizen, dans la préfecture de Fukui, et l'un des six anciens fours du Japon. Ses débuts sont datés de la fin du XIIe siècle ; pendant des siècles, on y a produit surtout de grandes jarres de stockage, des pots et des mortiers, qui étaient acheminés le long de la côte de la mer du Japon vers de vastes régions du pays. L'argile ferrugineuse cuit en une teinte sombre, et comme à Bizen ou à Tamba, seule la retombée naturelle de cendres lors de la cuisson au bois façonne la surface. Le fait qu'Echizen soit reconnu comme une tradition de four ancienne à part entière remonte aux recherches de l'historien de la céramique Koyama Fujio, vers 1948.

Aussi : Echizen-yaki, céramique d'Echizen, poterie d'Echizen, Echizen

Edo-Zeit 江戸時代

L'époque d'Edo (1603–1868), également appelée époque Tokugawa, est la période de paix d'environ 250 ans de l'histoire japonaise durant laquelle le shogunat Tokugawa gouvernait depuis Edo, l'actuelle Tokyo. À partir de 1624, la politique du sakoku isola largement le pays, Nagasaki restant pratiquement le seul port de commerce. C'est précisément dans cet isolement que se sont formées de nombreuses traditions encore vivantes aujourd'hui : la porcelaine d'Arita, le Hagi-yaki et le Kutani-yaki, l'estampe polychrome Ukiyo-e, la peinture décorative Rinpa et le profond ancrage social de la cérémonie du thé. Elle succède à l'époque Azuchi-Momoyama et se termine en 1868 avec la restauration de Meiji. En tant que datation, « époque d'Edo » désigne donc une pièce préindustrielle, créée avant l'ouverture du Japon.

Aussi : période Edo, ère Edo, période Tokugawa, ère Tokugawa, époque Edo, époque Tokugawa

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Emakimono 絵巻物

Un emakimono est un rouleau peint japonais à format horizontal : un support d'image en papier ou en soie, orienté horizontalement, que l'on déroule et regarde section par section de droite à gauche. Contrairement au kakemono, de format vertical, qui est suspendu au mur, un emakimono repose sur une surface pendant qu'on le regarde ; l'image se déploie à la lecture comme un récit et associe souvent la peinture à des passages de texte insérés. Le genre s'est fait connaître grâce aux illustrations de la littérature de cour des époques Heian et Kamakura. Aujourd'hui, on ne le rencontre presque plus que dans les musées et les collections de temples.

Aussi : Emaki, Emakimono, rouleau narratif horizontal, rouleau enluminé, rouleau à main

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Enso 円相

L'enso (円相, « forme circulaire ») est un cercle tracé d'un ou deux traits de pinceau non retouchés, propre à l'art zen japonais, qui exprime l'illumination, le vide (Shunyata) et l'univers dans son ensemble. Il naît d'un seul mouvement, le plus souvent très rapide, généralement dans le style cursif Sōsho, et n'est jamais corrigé ; il est ainsi considéré comme le reflet immédiat de l'état intérieur de son créateur. Un cercle laissé ouvert symbolise le mouvement, le devenir et la perfection continue, tandis qu'un cercle fermé exprime plutôt l'achèvement et la totalité. La plus ancienne représentation connue est attribuée au maître chan chinois Kyōzan (814–890).

Aussi : Ensō, cercle Ensō, cercle zen, symbole Ensō

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Fuchin 風鎮

Les fuchin (風鎮) sont des poids décoratifs japonais allant par paires, qui pendent aux deux extrémités inférieures d'un kakemono et le maintiennent stable. Le nom signifie littéralement « apaiseur de vent » : ils empêchent que la bande peinte ne se balance dans les courants d'air, tout en l'étirant doucement en longueur, de sorte que les légères ondulations se défont plus vite. Ils sont fixés au moyen d'un cordon de soie à gland, passé par-dessus les jikusaki, les embouts du rouleau inférieur. Les fuchin sont fabriqués en céramique, en marbre, en onyx, en cristal de roche, en bois ou en métal, et s'acquièrent traditionnellement par paire. Un poids mesuré est essentiel, car des fuchin trop lourds sollicitent durablement la montage.

Aussi : poids décoratifs, poids pour kakemono, poids pour rouleau suspendu, fuchin, fu-chin

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Fude 筆

Un fude (筆) est le pinceau japonais destiné à l'écriture et à la peinture, fait de poils d'animaux réunis en faisceau dans un manche en bambou ou en bois, avec lequel s'exécutent la calligraphie et la peinture à l'encre. Selon le tracé souhaité, différents poils sont utilisés, par exemple de chèvre, de belette ou de cheval : des faisceaux souples donnent des traits pleins et très absorbants, des faisceaux plus fermes une pointe précise. Parce qu'un fude est façonné de forme ronde et peut être conduit dans toutes les directions, la largeur, la pression et la densité de l'encre naissent uniquement du mouvement de la main. Le pinceau est de ce fait considéré comme un prolongement direct de la main du calligraphe et compte parmi les « Quatre Trésors du Cabinet du Lettré ».

Aussi : Fude, pinceau de calligraphie japonaise, pinceau à encre, pinceau japonais, pinceau à calligraphie

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Fuji-San 富士山

Le Fuji-San, avec ses 3 776 mètres, est la montagne la plus haute du Japon et, en même temps, le motif le plus fréquemment représenté de l'histoire de l'art japonais. Volcan sacré, il est considéré depuis des siècles comme la demeure de divinités ; depuis l'époque d'Edo, Konohanasakuya-hime y est vénérée comme sa divinité principale. L'exemple le plus célèbre de cette tradition picturale est constitué par les « Trente-six vues du Fuji » de Katsushika Hokusai, dont les premières esquisses datent de 1830. Il est frappant de constater que les artistes représentaient régulièrement la montagne plus grande qu'elle n'apparaissait réellement : il ne s'agissait pas de restituer une vue exacte, mais la forme idéale. Ici, la terminaison -San signifie « montagne », et non la formule de politesse.

Aussi : Fuji, mont Fuji, Fuji-San, Fujiyama, Fujisan

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Fukinsei 不均斉

Fukinsei est le principe esthétique japonais de l'asymétrie délibérée : il évite le centre en miroir et lui substitue des axes décalés, des nombres impairs et des formes irrégulières. Le philosophe Hisamatsu Shin'ichi (1889–1980) le compte, dans son livre « Zen and the Fine Arts », parmi les traits fondamentaux de l'esthétique zen. Fukinsei se manifeste dans le bord légèrement irrégulier d'un bol à thé façonné à la main, dans la composition d'un ikebana ou dans la disposition des objets dans le tokonoma. À la différence du wabi-sabi, qui décrit une attitude globale, Fukinsei est une règle de composition concrète — il s'agit d'un déséquilibre voulu, non d'un arbitraire.

Aussi : Asymétrie, Fukinsei, principe de Fukinsei, asymétrie volontaire, irrégularité

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Fukurokuju 福禄寿

Fukurokuju est le dieu japonais du bonheur qui réunit en lui la chance, la prospérité et la longévité – les trois caractères de son nom désignent précisément ces trois dons. On le reconnaît à son front proéminent, haut et allongé, qui symbolise une grande sagesse ; il est souvent accompagné, dans les représentations, d'une grue ou d'une tortue. Il fait partie des Sept Dieux du Bonheur et provient de la tradition sino-taoïste. Il est souvent difficile à distinguer, dans l'image, de Jurōjin, qui symbolise lui aussi la longévité et arbore le même front haut ; certaines traditions les considèrent même comme un seul et même personnage.

Aussi : Fukurokujin, Fukurokuju, dieu du bonheur Fukurokuju, Fukuroku

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Fukusa 袱紗

Un fukusa (袱紗) est le carré de soie avec lequel l'hôte d'une cérémonie du thé japonaise nettoie rituellement les ustensiles, en particulier la cuillère en bambou Chashaku et la boîte à thé. Le pliage et le maniement du tissu, appelé Fukusa-Sabaki, constituent une étape à part entière et précisément codifiée du déroulement ; les différents plis sont traditionnellement interprétés de façon symbolique. La couleur et l'usage varient selon l'école et la personne : pour les hommes, les tissus violet foncé sont usuels, pour les femmes, les tissus rouges ou orangés. Contrairement au linge de lin Chakin, qui essuie exclusivement le bol à thé, le fukusa ne s'utilise jamais humide.

Aussi : Fukusa, tissu Fukusa, Tsukai-Fukusa, carré de soie, tissu de soie de la cérémonie du thé

Funpon 粉本

Les funpon (粉本) sont les recueils de modèles d'un atelier de peinture japonais : des reproductions d'œuvres plus anciennes, tantôt des copies exactes, tantôt des esquisses rapides, le plus souvent réduites et transmises sur plusieurs générations. Ils constituaient le véritable capital d'un atelier et étaient gardés avec le plus grand soin. Les élèves d'atelier n'avaient guère l'occasion de voir les originaux des anciens maîtres ; ce qu'ils étudiaient, c'étaient les reproductions de leur maître, qui servaient de manuel de style. L'école Kanō a poussé ce système plus loin que toute autre – à tel point que des critiques ultérieurs y ont vu la cause de son enlisement. Le funpon se distingue du mosha en ce qu'il désigne un fonds et non une copie isolée : le mosha désigne l'acte de reproduire lui-même, le funpon le fonds de modèles dans lequel puisait un atelier.

Aussi : Funpon, fun-pon, recueil de modèles, cahier de modèles, modèles d'atelier, modèles à copier

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Furuta Oribe 古田織部

Furuta Oribe (古田織部, 1544–1615), de son vrai nom Furuta Shigenari, était un guerrier et maître de thé japonais, qui a donné son nom à la céramique Oribe, de couleur verte. Il servit Oda Nobunaga et Toyotomi Hideyoshi, devint élève de Sen no Rikyū et passa, après la mort de ce dernier en 1591, pour le maître de thé le plus en vue du Japon ; il enseigna au shōgun Tokugawa Hidetada et fonda avec l'Oribe-ryū sa propre école de thé. Là où Rikyū recherchait la réduction, Oribe misait sur le mouvement : bords enfoncés, parois tirées de biais, vert cuivré appuyé. Dans quelle mesure il dirigeait réellement et directement les potiers de Mino reste discuté dans la recherche ; ce qui est établi, c'est surtout que son goût a marqué le style.

Aussi : Oribe, Furuta Shigenari, Furuta Oribe, maître de thé

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Fusuma 襖

Les fusuma sont les portes coulissantes opaques de la maison japonaise : une légère armature en bois, tendue de papier ou de tissu sur les deux faces, bordée d'une baguette-cadre et pourvue d'une encoche creusée servant de poignée. Elles divisent l'espace intérieur et peuvent être retirées, de sorte que plusieurs pièces n'en forment plus qu'une seule. À la différence des shōji, dont le treillis de bois tendu d'un seul côté laisse passer une lumière du jour tamisée, les fusuma sont opaques – et deviennent ainsi surface picturale : leurs panneaux comptent, aux côtés des kakemono et des byōbu, parmi les supports classiques de la peinture japonaise et portent souvent, dans les temples et les châteaux, un paysage se poursuivant sur plusieurs portes.

Aussi : Fusuma, porte fusuma, cloison fusuma, panneau coulissant fusuma, fusuma-shōji, cloison coulissante peinte

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Gō 号

Un gō est un nom d'artiste japonais que les peintres, calligraphes et céramistes portent à la place de leur nom civil et avec lequel ils signent leurs œuvres. Il est souvent adopté à la fin de l'apprentissage, parfois attribué par le maître, et de nombreux artistes en portent plusieurs au cours de leur vie – lors d'un changement d'atelier, de la reprise d'un nom de famille ou après une rupture dans leur propre œuvre. Deux signatures qui semblent n'avoir aucun rapport entre elles peuvent donc provenir de la même main. Pour la recherche, cela signifie ceci : un gō est un terme de recherche, non une preuve d'identité. Dans les dynasties de céramistes s'ajoute en outre le nom de la lignée, transmis de génération en génération.

Aussi : Gō, nom d'artiste, gagō, nom d'atelier, pseudonyme

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Gohonte 御本手

Gohonte (御本手) désigne un motif de fines taches, allant du rose au clair, sur un fond gris-beige, tel qu'il apparaît surtout sur les bols à thé. Il n'est pas peint, mais se forme lors de la cuisson par l'interaction de l'argile ferrugineuse avec la glaçure de cendres claire qui la recouvre, et émerge ainsi du tesson lui-même. Le nom remonte aux Gohon, ces modèles de commande avec lesquels les maîtres de thé japonais faisaient commander des bols auprès de fours coréens à partir de la fin du XVIe siècle. Aujourd'hui, le Gohonte est particulièrement lié à la céramique de Hagi, où il constitue, aux côtés du Shira-Hagi et de l'Ido-Hagi, une variante chromatique à part entière.

Aussi : Gohon, Gohon-te, Gohon-de, Gohon-Chawan, céramique Gohon

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Goma 胡麻

Goma, terme japonais signifiant « sésame », désigne les mouchetures granuleuses de cendre sur la céramique de Bizen non émaillée, qui donnent l'impression que quelqu'un avait répandu des graines de sésame sur la surface. Elles se forment lorsque les cendres volantes, issues de la cuisson au bois qui dure plusieurs jours, se déposent sur le tesson et y fondent par endroits en verre, sans former une couche continue. Les grains sont denses sur la face exposée au feu, et se raréfient vers la face arrière. Le goma est ainsi une manifestation particulière du shizen-yū, le dépôt naturel de cendre ; lorsque la cendre se rassemble en une flaque claire aux reflets verdâtres, on parle en revanche de bidoro.

Aussi : goma, effet goma, cendre goma, mouchetures de cendre, éclaboussures de cendre

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Gosu 呉須

Le gosu est le pigment cobaltifère utilisé dans la peinture sous glaçure japonaise : un pigment minéral qui est appliqué avant la cuisson de la glaçure, sur le tesson préalablement biscuité, et qui résiste sans dommage à la haute température de cuisson. Le gosu naturel n'est pas un oxyde de cobalt pur, mais un minerai contenant des adjonctions de manganèse et de fer ; celles-ci confèrent au bleu historique sa teinte grisâtre, souvent tirant vers le bleu gris. Le matériau fut longtemps importé de Chine, puis également extrait au Japon ; s'y ajouta ensuite le cobalt de synthèse, dont le bleu paraît plus clair et plus froid. Le gosu est ainsi le matériau, le sometsuke la technique décorative qui en est réalisée.

Aussi : gosu, bleu gosu, bleu de cobalt, pigment de cobalt, asbolane, oxyde de cobalt

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Guinomi ぐい呑

Un guinomi (ぐい呑) est la coupe à saké japonaise pour la gorgée franche – un peu plus grande et plus profonde que le petit ochoko, généralement en céramique et rarement en verre. Le nom fait allusion au fait que le saké se boit en quelques gorgées ; en conséquence, une telle coupe ne contient que quelques gorgées. On verse depuis le tokkuri, et au Japon, traditionnellement, on ne se sert pas soi-même, mais on sert la personne en face de soi. Un guinomi n'est pas un chawan en format miniature, mais est conçu pour boire et non pour préparer : il lui manque la surface de fond nécessaire au fouet à thé. Parce que la main d'un potier se révèle dans un si petit espace, les guinomi sont appréciés des collectionneurs.

Aussi : coupe à saké, coupe à saké japonaise, Gui-nomi, tasse à saké

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Gyōsho 行書

Gyōsho (行書) est l'écriture semi-cursive de la calligraphie japonaise, dans laquelle les différents traits d'un caractère sont reliés entre eux sans que la forme de base ne soit perdue. Elle naît du mouvement rapide et ininterrompu du pinceau et paraît plus fluide et plus personnelle que l'écriture régulière Kaisho, tout en restant nettement plus lisible que l'écriture cursive fortement abrégée Sōsho. Ainsi, Gyōsho occupe une position intermédiaire parmi les cinq styles classiques et fut historiquement l'écriture courante pour les lettres et les notes. Dans l'apprentissage, elle ne vient habituellement qu'après la maîtrise assurée du Kaisho.

Aussi : Gyosho, Gyōsho-tai, semi-cursif, écriture semi-cursive

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Hagi no Nanabake 萩の七化け

Hagi no Nanabake (萩の七化け), « les sept métamorphoses de Hagi », désigne la lente transformation de couleur que subit une pièce de céramique de Hagi à l'usage. Comme la glaçure et le tesson sont poreux et portent un fin réseau de craquelures (Kannyū), le thé ou le saké pénètrent au fil des années dans la terre et colorent progressivement la surface, initialement claire et aux reflets rosés, de teintes ambrées à brunâtres. Le chiffre sept n'est pas à prendre au pied de la lettre ; il signifie qu'une telle pièce prend, au fil des années, plusieurs visages différents. Les connaisseurs n'y voient pas une usure, mais la véritable maturation – c'est pourquoi le Hagi se nettoie à l'eau claire, car même le produit vaisselle pénètre dans la terre.

Aussi : Nanabake, Hagi no Nanabake, les sept métamorphoses de Hagi

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Hagi-yaki 萩焼

Le Hagi-yaki est une céramique japonaise de grès de la ville de Hagi, dans la préfecture de Yamaguchi, fondée en 1604 par des potiers coréens sous le seigneur féodal Mōri Terumoto. Elle se caractérise par une glaçure claire et translucide présentant un fin réseau de craquelures (Kannyū), à travers lequel le thé ou le saké s'infiltrent au fil des années dans la céramique poreuse et lui donnent progressivement une teinte plus sombre – un processus de maturation appelé Hagi no Nanabake, les « sept transformations ». De nombreux chawan présentent en outre une encoche dans le pied, appelée Kirikodai. Aux côtés du Raku-yaki et du Karatsu-yaki, le Hagi-yaki compte parmi les trois traditions les plus estimées de la cérémonie du thé ; contrairement au Raku, il est ici tourné sur le tour.

Aussi : Hagi-yaki, céramique de Hagi, Shira-Hagi, Hagi

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Hakogaki 箱書き

Hakogaki désigne l'inscription au pinceau sur la boîte en bois dans laquelle est conservée une œuvre d'art japonaise. Elle suit un ordre étonnamment stable : sur le couvercle ou la face avant figure la désignation de l'objet, à côté le four ou le style, sur une autre face le nom de l'artiste, suivi d'un sceau ou d'un kakihan manuscrit. Elle est presque toujours écrite en sōsho, la cursive fortement simplifiée, ce qui rend le déchiffrage laborieux même pour les connaisseurs du japonais. Lorsque l'inscription provient de l'artiste lui-même ou de son atelier, on parle de tomobako. Une boîte de tierce main, par exemple celle d'un maître du thé, porte elle aussi un hakogaki – mais elle atteste alors d'autre chose.

Aussi : Hako-gaki, hakogaki, inscription sur la boîte, boîte signée, boîte d'origine avec inscription

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Hanko 判子

Un hanko désigne le sceau lui-même, un petit bâtonnet de pierre, de bois, de corne ou d'ivoire, dont la face frontale porte un nom gravé en miroir. Au Japon, il remplace la signature dans la vie quotidienne ; dans l'art, il authentifie les peintures, les calligraphies et les inscriptions sur les boîtes en bois. Son empreinte est obtenue avec du shuniku, une pâte de cinabre rouge, se dépose de façon dense et légèrement en relief, et présente des bords irréguliers – un sceau simplement imprimé paraît en revanche plat et régulier. Il convient de distinguer le hanko du rakkan, c'est-à-dire l'ensemble formé par la signature et l'empreinte, et du kakihan, qui est écrit et non estampé. De nombreux artistes utilisent plusieurs hanko en parallèle.

Aussi : Inkan, sceau japonais, cachet japonais, sceau personnel, hanko

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Hannya Shingyō 般若心経

Le Hannya Shingyō (般若心経) est la dénomination japonaise du Sûtra du Cœur, un texte central du bouddhisme Mahayana et particulièrement du bouddhisme Zen, qui résume l'enseignement de la vacuité (Shunyata) en 262 caractères. Il est né vraisemblablement entre le 1er et le 3e siècle dans le nord de l'Inde et se présente comme un dialogue entre le Bodhisattva Avalokiteśvara et le moine Śāriputra ; « Hannya » restitue ici le mot sanskrit Prajñā, la sagesse. En raison de sa brièveté et de sa profondeur conceptuelle, le Sûtra du Cœur est le texte le plus copié de la calligraphie japonaise et orne fréquemment, sous forme de kakemono, les salles de méditation domestiques.

Aussi : Sûtra du Cœur, Hridaya Sûtra, Hannya Shingyō, Prajnaparamita, Sûtra de la Perfection de la Sagesse

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Hasami-yaki 波佐見焼

Le Hasami-yaki est une porcelaine japonaise originaire de la ville de Hasami, dans la préfecture de Nagasaki, dont les fours remonteraient selon la tradition à des potiers coréens au service du fief d'Ōmura en 1599 ; les découvertes archéologiques suggèrent toutefois une période d'activité un peu plus tardive. Contrairement aux traditions voisines de caractère aristocratique, Hasami s'est orientée dès l'origine vers la vaisselle utilitaire produite en grande quantité : vers les bols Kurawanka, rustiques, destinés aux gens du peuple, et vers les bouteilles Compra, dans lesquelles la sauce de soja et le saké étaient exportés via Nagasaki. À la fin de l'époque d'Edo, Hasami était le plus grand producteur de porcelaine bleu et blanc du Japon. Comme cette production a longtemps été commercialisée sous le nom d'Arita, elle n'apparaît sous son propre nom que depuis les années 2000.

Aussi : Hasami-yaki, porcelaine de Hasami, céramique de Hasami, Hasami

Hashira 柱

On appelle Hashira (柱, « pilier ») les deux bandes verticales de brocart qui, dans le montage d'un rouleau suspendu japonais, longent le Honshi à gauche et à droite. Elles font partie du Chūmawashi, l'encadrement intérieur, et délimitent l'œuvre latéralement, tandis que les Ichimonji l'encadrent horizontalement en haut et en bas. Pour les Hashira, on choisit habituellement un tissu plus sobre que pour les Ichimonji, afin que l'encadrement ne domine pas l'œuvre; leur largeur contribue elle aussi à l'effet d'ensemble du montage. Leur largeur et le tissu dont elles sont faites dépendent de la forme de montage choisie.

Aussi : Hashira, bande hashira, bordure latérale, bande latérale, chūmawashi-hashira

Hassō 八双

Le Hassō (八双) est la fine baguette de bois située à l'extrémité supérieure d'un rouleau suspendu japonais, dont la section est travaillée en forme de demi-lune ; on utilise également pour la désigner le terme Hyōmoku. C'est à lui que sont fixés, par le biais de deux anneaux métalliques (Kan), le cordon de suspension Kakehimo, et c'est autour de lui que s'enroule en dernier la bande peinte lors de l'enroulement. Contrairement à la baguette ronde inférieure Jiku, qui tend le kakemono par son propre poids, le Hassō est volontairement conçu léger : il referme le rouleau par le haut et le porte sans l'alourdir. Ensemble, le Hassō et le Jiku forment les deux baguettes transversales entre lesquelles est tendu l'ensemble du montage.

Aussi : Hassō, Hasso, Hachisō, Hyōmoku, baguette supérieure de suspension, tringle supérieure

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Heian-Zeit 平安時代

La période Heian (794–1185) est l'époque durant laquelle la cour impériale gouverna depuis Heian-kyō, l'actuelle Kyōto ; l'empereur Kanmu y transféra la capitale en 794. Sur le plan politique, la cour était dominée par les régents Fujiwara ; sur le plan culturel, après la fin des ambassades en Chine, se développa une culture de cour délibérément autochtone. C'est dans ce contexte que se développèrent l'écriture syllabique kana et, avec elle, la littérature de cour – le Genji Monogatari de Murasaki Shikibu en est l'œuvre la plus connue – ainsi que la tradition picturale colorée Yamato-e avec les rouleaux peints emakimono. Cette époque succède à la période Nara et se termine en 1185 avec la victoire des Minamoto sur les Taira.

Aussi : période Heian, ère Heian, époque Heian

Heisei-Zeit 平成時代

L'ère Heisei (1989–2019) est l'époque du règne de l'empereur Akihito, qui débuta au sommet de la « bubble economy » et se prolongea, après l'effondrement de celle-ci, dans les « décennies perdues » de stagnation économique. Elle fut également marquée par de graves catastrophes : le séisme de Hanshin en 1995 et le séisme de Tōhoku, avec son tsunami et l'accident de Fukushima, en 2011. C'est précisément dans cette incertitude que l'artisanat d'art fait main a regagné en considération, comme contrepoint aux produits manufacturés éphémères, tandis que le wabi-sabi et le kintsugi devenaient connus à l'échelle internationale. Elle succède à l'ère Shōwa et s'acheva en 2019 avec l'abdication d'Akihito ; depuis, c'est l'ère Reiwa qui a cours. Les pièces datées de l'ère Heisei sont donc des œuvres contemporaines.

Aussi : ère Heisei, période Heisei, Heisei

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Hidasuki 緋襷

Hidasuki, littéralement « cordons de feu », désigne les lignes orange-rouge que l'on observe sur la céramique de Bizen non émaillée, et qui apparaissent lorsqu'une pièce est entourée de paille de riz avant la cuisson. Aux endroits où la paille reposait contre la terre, les composants de sa cendre réagissent avec le fer contenu dans le tesson et laissent des tracés nettement dessinés sur un fond clair. À l'origine, cet enveloppement était un procédé pratique destiné à empêcher les pièces empilées de se souder entre elles dans le four ; ce n'est que plus tard que ce dessin a été recherché de manière délibérée. Contrairement au goma ou au shizen-yū, le hidasuki ne résulte pas d'une projection de cendres portées par l'air, mais d'un contact direct - la ligne suit exactement le tracé de la paille.

Aussi : Hidasuki, Hi-dasuki, motifs de paille de riz, marques de paille de riz, céramique de Bizen Hidasuki

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Hira-jawan 平茶碗

Un Hira-jawan (平茶碗) est le bol à thé japonais plat et très largement évasé destiné au cœur de l'été. Sa large surface permet au matcha de refroidir plus rapidement, et le regard se pose sur une large étendue verte où se reflète la lumière – une image qui évoque la fraîcheur avant même la première gorgée. Il constitue le pendant estival du Tsutsu-jawan, haut et cylindrique, qui conserve la chaleur en hiver. Entre ces deux extrêmes se situe le bol rond ordinaire, qui convient toute l'année. Le changement saisonnier de bol compte parmi les traits les plus parlants de la culture japonaise du thé.

Aussi : Hirajawan, Hira-chawan, bol à thé plat, bol à thé d'été

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Hirado-yaki 平戸焼

Hirado-yaki est l'ancienne appellation de la porcelaine des fours de Mikawachi, dans l'actuelle Sasebo, préfecture de Nagasaki, nommée d'après le fief de Hirado, dont la maison seigneuriale Matsura entretenait la manufacture depuis le XVIIe siècle. Il s'agit de la même céramique que le Mikawachi-yaki : un tesson très blanc et à grain fin, réalisé à partir de la pierre à porcelaine de l'île de Hariojima et d'Amakusa, avec un décor sous glaçure discret en bleu de cobalt et un travail élaboré d'ajours et de reliefs. C'est sous ce nom que cette céramique s'est fait connaître en dehors du Japon au XIXe siècle. Ce qui la distingue de l'Arita voisin, c'est son origine seigneuriale et l'absence de décors colorés denses et couvrants.

Aussi : Hirado-yaki, porcelaine de Hirado, céramique de Hirado, poterie de Hirado, Hirado

Hishaku 柄杓

Un Hishaku (柄杓) est la louche en bambou de la cérémonie du thé japonaise, avec laquelle l'eau chaude est puisée dans la bouilloire en fer Kama pour la verser dans le bol à thé, et l'eau froide est ajoutée depuis le récipient à eau fraîche Mizusashi. Elle se compose d'un morceau de bambou évidé faisant office de coupe et d'une fine tige, au milieu de laquelle se trouve un nœud de bambou. Il existe des versions propres aux deux moitiés de l'année : pour le brasero portable Furo des mois chauds, la tige est plus longue et la coupe est taillée en biais vers le bas à son extrémité ; pour le foyer encastré Ro des mois froids, elle est plus courte et la coupe est plus grande. La façon de déposer la louche obéit elle aussi à des formes précises.

Aussi : Louche en bambou, hishaku, louche à eau, louche pour thé

Hiyose ひよせ

Hiyose est l'argile riche en fer avec laquelle est fabriquée la céramique de Bizen non émaillée. Elle est extraite dans la région d'Imbe, centre historique de la tradition, principalement dans les couches profondes sous les rizières – une argile de montagne que l'eau courante y a déplacée et déposée. Elle est à grain fin et extrêmement plastique, mais peu réfractaire, ce qui détermine en partie la cuisson lente et de plusieurs jours des fours de Bizen. Avant sa transformation, elle repose plusieurs mois, voire plusieurs années à l'air libre, puis est décantée et mélangée. Son utilisation à Bizen est généralement datée de la fin de l'époque Muromachi. C'est sa forte teneur en fer qui, lors de la cuisson sans émail, fait naître ces couleurs et effets pour lesquels Bizen est connue.

Aussi : terre Hiyose, argile Hiyose, terre de Bizen, argile de Bizen, terre des champs, hiyose

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Honshi 本紙

Le honshi (本紙) est l'œuvre d'art proprement dite au sein d'un rouleau suspendu japonais – la peinture ou la calligraphie exécutée sur papier ou sur soie, qui occupe le centre du montage. Tout ce qui l'entoure n'en fait pas partie : les bandes de brocart de l'encadrement, l'étroite baguette supérieure, le bâton inférieur. Lors du montage, le honshi est doublé au dos par le hyōgu-shi de plusieurs couches extrêmement fines de washi, traditionnellement à l'aide d'une colle d'amidon de blé. Quiconque évalue l'état d'un kakemono considère les deux séparément : un encadrement qui se détache est un problème de montage, une déchirure traversant le honshi concerne l'œuvre elle-même.

Aussi : Hon-shi, honshi, champ pictural, support de l'image, partie centrale du rouleau suspendu

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Hoshino-yaki 星野焼

Le Hoshino-yaki est une tradition céramique japonaise originaire du village de Hoshino, aujourd'hui rattaché à la ville de Yame dans la préfecture de Fukuoka, qui fut exploitée durant l'époque d'Edo comme four féodal de la maison Arima de Kurume. La région étant une zone de culture du thé, on y produisait surtout des jarres de conservation pour le thé et des ustensiles à thé. L'argile locale, riche en fer, est réputée difficile à travailler ; le Yūhi-yaki, rare, est célèbre pour sa paroi qui s'illumine d'un éclat doré dès qu'on y verse du thé ou du saké. En 1894, le dernier four s'éteignit. Ce n'est qu'en 1969 que Yamamoto Genta reprit la tradition, après environ quatre-vingts ans d'interruption ; depuis, d'autres ateliers se sont installés dans le village.

Aussi : Hoshino-yaki, céramique Hoshino, Hoshino

Hotei 布袋

Hotei est le dieu japonais du bonheur, rond et toujours souriant, qui symbolise la satisfaction et l'abondance ; en Occident, on l'appelle souvent le « bouddha rieur ». Son attribut est un grand sac de tissu dans lequel, selon la légende, il porte des cadeaux pour les enfants ; il est représenté le ventre nu, riant ouvertement et tenant souvent un éventail. Ses racines se trouvent dans le bouddhisme chinois, où il est rattaché à la figure d'un moine errant. Hotei fait partie des Sept Dieux du Bonheur, les Shichifukujin, et il est, avec Jurōjin, celui qui apparaît le plus souvent seul dans la peinture, sans le reste du groupe.

Aussi : Bouddha rieur, Budai, Hotei-son, Hôtei, dieu du bonheur Hotei

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Hyōgu-shi 表具師

Un Hyōgu-shi (表具師) est un monteur japonais - l'artisan qui monte les peintures et calligraphies sous forme de rouleaux suspendus, de paravents ou de portes coulissantes. Son travail s'appelle Hyōgu : il contrecolle le Honshi de plusieurs couches extrêmement fines de Washi et de colle d'amidon de blé, choisit les bandes de brocart de l'encadrement en fonction du motif et pose la baguette, la tige cylindrique, les embouts et le cordon. La remontage fait également partie de son travail : l'œuvre y est entièrement détachée de ses anciennes couches de support, nettoyée puis reconstituée. Au Japon, une telle intervention est traditionnellement prévue à intervalle d'environ cent à cent cinquante ans.

Aussi : Hyogu-shi, Hyōgushi, Hyogushi, monteur de rouleaux suspendus, monteur de rouleau suspendu

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Ichimonji 一文字

On appelle Ichimonji (一文字) les étroites bandes transversales de brocart fin qui, dans le montage d'un rouleau suspendu japonais, se trouvent immédiatement au-dessus et au-dessous du Honshi. Le nom vient du caractère 一 signifiant « un » – un simple trait horizontal, auquel les bandes correspondent par leur forme. Traditionnellement, on utilise pour cela le tissu le plus précieux de l'ensemble du montage, souvent brodé de fils d'or ; la bande supérieure est généralement plus large que la bande inférieure. Les Ichimonji encadrent l'œuvre et font la transition entre elle et les bandes de brocart plus sobres qui l'entourent – un détail auquel on reconnaît bien le soin apporté à un montage.

Aussi : Ichi-monji, Ichimonji-jō, Ichimonji-ge, bande de brocart

Iga-yaki 伊賀焼

L'Iga-yaki est une céramique de grès japonaise originaire de la ville d'Iga, dans la préfecture de Mie, reposant sur les mêmes gisements d'argile réfractaire de l'ancien lac Biwa que la Shigaraki-yaki voisine. Elle est devenue une tradition autonome à l'époque Momoyama et au début de l'époque Edo, lorsque les seigneurs Tsutsui Sadatsugu, puis plus tard Tōdō Takatora, y firent cuire spécifiquement des ustensiles de thé : récipients à eau et vases à fleurs de forme délibérément rude, souvent gauchie. Sont caractéristiques la coulée vitreuse verte de cendres volantes fondues (Bidoro), les traces noires de cuisson et les anses rapportées en forme d'oreilles. C'est précisément sur ce point que la tradition distingue les deux fours : « Iga a des oreilles, Shigaraki n'en a pas. » Depuis le milieu de l'époque Edo, la production est dominée par des marmites réfractaires.

Aussi : Iga-yaki, céramique d'Iga, Ko-Iga, Iga

Ikebana 生け花

L'ikebana est l'art japonais de la composition florale, qui associe branches, fleurs et récipient pour former une composition volontairement construite, le plus souvent asymétrique. Contrairement au bouquet occidental, ce n'est pas l'abondance qui compte, mais la ligne : les tiges, les intervalles et la direction vers laquelle pointe une branche font partie intégrante de la composition. Le choix du récipient suit le style – des coupes plates et larges (Suiban) pour le style Moribana avec pique-fleurs, des vases hauts pour les arrangements dressés. Il convient de distinguer l'ikebana du chabana, la fleur du thé : celui-ci se contente souvent d'une seule branche et suit l'idée directrice de disposer la fleur telle qu'elle se tient dans les champs.

Aussi : Kadō, Kado, ikebana, art floral japonais

Imari-yaki 伊万里焼

Imari-yaki désigne la porcelaine japonaise produite dans la région d'Arita, dans la préfecture de Saga, qui était expédiée via le port voisin d'Imari – le nom désigne donc la voie commerciale, et non le lieu de fabrication. À partir de 1659, cette production fut exportée massivement vers l'Europe par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, après l'effondrement des exportations de porcelaine chinoise lors du changement dynastique des Ming aux Qing. En Europe, ce terme est également devenu un nom de décor : un décor dense en bleu sous couverte rehaussé de rouge et d'or sur couverte, appelé Kinrande au Japon. La production d'exportation historique porte le nom de Ko-Imari. Au Japon, aujourd'hui, seule la porcelaine produite sur le territoire de la ville d'Imari est considérée comme Imari-yaki, tandis que la production d'Arita est appelée Arita-yaki.

Aussi : Imari-yaki, Ko Imari, céramique Imari, décor Imari

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Ishigaki-yaki 石垣焼

Ishigaki-yaki est une céramique japonaise récente originaire de l'île d'Ishigaki, dans la préfecture d'Okinawa, dont le four a été ouvert en 1999 par Kaneko Haruhiko. Elle se caractérise par un procédé mis au point spécialement pour elle, dans lequel du verre transparent est fusionné avec une glaçure Yuteki-Tenmoku : sur le fond de glaçure noire aux gouttelettes argentées se superpose une couche de verre qui reproduit le bleu translucide des récifs environnants et qui est de ce fait appelée bleu d'Ishigaki. Contrairement aux anciennes traditions du continent, l'Ishigaki-yaki ne se réclame pas d'un four historique, mais d'une technique moderne ; des pièces de cette céramique se trouvent notamment au British Museum.

Aussi : Ishigaki-yaki, céramique Ishigaki, Ishigaki

Iwami-yaki 石見焼

Le Iwami-yaki est une céramique grès japonaise provenant de la région de Gōtsu et Hamada, dans l'ouest de la préfecture de Shimane, l'ancienne province d'Iwami, dont les débuts remontent au milieu du XVIIIe siècle. C'est une céramique résolument utilitaire : les handō, grandes jarres à eau que l'on cuisait en quantité à l'époque Meiji et que l'on écoulait dans tout le pays via le trafic maritime Kitamae, en firent la renommée. L'argile locale supporte des températures de cuisson élevées et donne un tesson dense, résistant à l'acide et au sel. La glaçure la plus courante est le kimachi, d'un brun rougeâtre profond, ou une coulée bleuâtre translucide à base de pierre de Yunotsu. Les grandes pièces sont montées selon la technique du colombin.

Aussi : Iwami-yaki, céramique Iwami, Gōtsu-yaki, Iwami

Izushi-yaki 出石焼

Izushi-yaki est une porcelaine japonaise provenant du quartier d'Izushi de Toyooka, dans la préfecture de Hyōgo. Elle repose sur la pierre à porcelaine découverte en 1789 à Kakitani, exceptionnellement pauvre en fer ; en 1793, avec l'aide d'un spécialiste de Hizen, la première cuisson de porcelaine réussit, à la suite de quoi l'ancien four à poterie du lieu fut reconverti à la porcelaine. Le résultat est un tesson presque entièrement blanc, qui reste le plus souvent non peint ; l'ornementation est assurée par le travail de façonnage lui-même, à savoir la sculpture en relief et le travail ajouré. C'est précisément là que réside la différence avec Arita, où l'effet repose sur la peinture bleue et polychrome.

Aussi : Izushi-yaki, porcelaine d'Izushi, Izushi-Hakuji, Izushi

Jiki 磁器

Jiki est le terme japonais désignant la porcelaine : une pâte cuite à une température d'environ 1 250 à 1 400 degrés, densément frittée, fabriquée à partir de pierre à porcelaine ou de kaolin, blanche et imperméable à l'eau, translucide dans ses parties fines et rendant un son clair lorsqu'on la frappe. Au Japon, le Jiki n'est fabriqué que depuis le début du XVIIe siècle, d'abord à Arita ; Imari, Kutani, Hirado et Nabeshima appartiennent à ce groupe. Il se distingue du Tōki, la faïence poreuse et colorée, par la matière première, la température de cuisson et la densité – et, dans l'usage, par le fait qu'il n'absorbe pas de liquide. Ensemble, ils forment le champ du Yakimono.

Aussi : Porcelaine, Porcelaine Jiki, Jiki, Porcelaine japonaise, Porcelaine dure

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Jiku 軸

Le Jiku (軸) est la baguette cylindrique fixée à l'extrémité inférieure d'un rouleau suspendu japonais, autour de laquelle s'enroule la bande peinte ; sa désignation plus complète est Jikugi (軸木). Son poids tend le Kakemono, de sorte qu'il pende bien à plat et reste immobile contre le mur. Le caractère 軸 signifie axe ou essieu, et c'est pourquoi on le retrouve dans le mot Kakejiku, l'« axe suspendu ». Il convient de distinguer du Jiku les Jikusaki (軸先), ses embouts visibles en os, bois, céramique ou matière plastique : la baguette est l'élément porteur, tandis que les Jikusaki en sont les finitions décoratives à ses deux extrémités.

Aussi : Jikugi, jiku, baguette de roulage, bâton de montage inférieur

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Jikusaki 軸先

Les jikusaki (軸先) sont les extrémités visibles du rouleau inférieur d'un rouleau suspendu japonais – les deux embouts qui dépassent de part et d'autre de la peinture. Ils sont fabriqués en os, en bois tourné, en céramique, en laque ou en matière plastique, et leur matériau constitue un indice utile sur le soin apporté à un montage : os, bois et céramique témoignent d'un travail soigné, tandis qu'une matière plastique brillante évoque plutôt un montage simple ou plus tardif. Il convient de les distinguer du jiku lui-même, le rouleau, à l'extrémité duquel ils sont fixés. C'est également sur les jikusaki que sont posés les cordons des fuchin.

Aussi : Jiku-saki, extrémités de la baguette, embouts du rouleau, embouts de rouleau suspendu

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Jōmon-Zeit 縄文時代

La période Jōmon est l'époque préhistorique du Japon, généralement datée d'environ 14 000 à 300 av. J.-C. ; les indications varient selon les sites archéologiques et l'état de la recherche. Elle tire son nom des motifs de cordes imprimés sur ses vases – Jōmon signifie « motif de corde » –, obtenus en roulant des cordelettes tressées dans l'argile encore humide. Cette céramique, cuite à ciel ouvert à une température relativement basse, est considérée comme l'une des plus anciennes du monde. La période Jōmon est suivie par la période Yayoi, marquée par la riziculture inondée et des vases aux formes nettement plus sobres ; Jōmon se trouve ainsi au commencement de l'histoire de la céramique japonaise.

Aussi : période Jōmon, ère Jōmon, culture Jōmon, Jomon, Jōmon, période Jomon

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Jurōjin 寿老人

Jurōjin est le dieu japonais de la longévité, représenté sous les traits d'un vieux savant au front haut, à la longue barbe blanche et muni d'un bâton. En peinture, il est presque toujours accompagné d'un cerf ou d'une grue – deux animaux qui symbolisent au Japon la longévité. Il fait partie des Sept Dieux du Bonheur, les Shichifukujin, et provient de la tradition chinoise. Les images de Jurōjin sont un cadeau répandu pour les anniversaires marquants. Il n'est pas toujours possible de le distinguer clairement, dans les représentations, de Fukurokuju, qui symbolise lui aussi la longévité et arbore le même front étonnamment haut.

Aussi : Jurōjin, Jurojin, Jurōjin dieu de la longévité, dieu de la longévité

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Kachō-ga 花鳥画

Le kachō-ga (花鳥画, « peinture d'oiseaux et de fleurs ») est le genre japonais de la peinture de fleurs et d'oiseaux, dans lequel plantes, oiseaux et insectes apparaissent le plus souvent dans un fragment de nature à peine esquissé. Ce genre est issu de la peinture chinoise et fut cultivé au Japon par la quasi-totalité des écoles ; Araki Kanpō (1831–1915) est considéré comme l'un de ses représentants les plus importants de l'époque Meiji. Le kachō-ga allie une observation précise de la nature à une référence saisonnière claire, raison pour laquelle ces rouleaux suspendus sont traditionnellement accrochés en fonction de la saison. Contrairement à la peinture de paysage Sansui, qui porte le regard vers le lointain, le kachō-ga travaille dans l'espace rapproché et vit du détail unique, observé avec précision.

Aussi : Kachoga, Kacho-ga, Kachōga, kachō-ga, peinture de fleurs et d'oiseaux, peinture d'oiseaux et de fleurs

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Kaisho 楷書

Le kaisho (楷書) est l'écriture régulière de la calligraphie japonaise : chaque trait est posé individuellement, nettement détaché et exécuté dans un ordre prescrit, de sorte que les caractères restent clairs et bien lisibles. Il est considéré comme le fondement de l'apprentissage de la calligraphie, car la structure et les proportions d'un caractère s'y montrent le plus clairement, et sert en même temps de modèle aux caractères d'imprimerie. Parmi les cinq styles classiques, le kaisho se situe entre l'écriture de chancellerie plus ancienne, le reisho, et les formes liées entre elles : face au gyōsho semi-cursif et au sōsho fortement abrégé, il reste strict et posé. Les copies de sûtras sont souvent exécutées en kaisho.

Aussi : Kaisho-tai, style kaisho, écriture régulière, style régulier

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Kakehimo 掛緒

Le kakehimo (掛緒) est le cordon de suspension d'un rouleau suspendu japonais. Il est fixé par deux anneaux métalliques à la baguette étroite du haut et se place sur le crochet mural au moment de l'accrochage – et ce, tant que le rouleau suspendu est encore entièrement enroulé, car ce n'est qu'ensuite qu'on laisse la bande se dérouler lentement vers le bas. Au décrochage, l'ordre s'inverse : on enroule d'abord, on décroche ensuite, puis on dispose soigneusement le cordon autour du rouleau et on le fixe avec le lien de fermeture. Assez serré pour que rien ne se défasse, mais pas au point que le lien ne marque la soie.

Aussi : Kake-himo, cordon de suspension, cordelette de suspension, cordon à rouleau suspendu

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Kakejiku 掛軸

Un kakejiku (掛軸) est un rouleau suspendu japonais, c'est-à-dire une peinture ou une calligraphie exécutée sur papier ou sur soie, montée dans un encadrement de tissu et enroulée autour d'une baguette inférieure. Littéralement, le terme signifie « rouleau suspendu » ou « axe suspendu », soulignant ainsi la construction mobile faite de baguettes, de bandes de brocart et de cordon de suspension. Dans l'usage actuel, kakejiku et kakemono (掛物) désignent en grande partie la même chose. Kakemono est le terme plus général pour une œuvre suspendue, kakejiku le terme technique plus étroit pour le rouleau monté ; dans la pratique, les deux sont le plus souvent employés de manière synonyme.

Aussi : Kakemono, Kake-jiku, rouleau suspendu japonais, rouleau suspendu Kakejiku

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Kakemono 掛物

Un kakemono (掛物) est un rouleau suspendu japonais : une peinture ou une calligraphie sur papier ou sur soie, entourée d'un encadrement en brocart de soie, fermé en haut par une baguette étroite et en bas par une tige plus lourde autour de laquelle la bande peut s'enrouler. Contrairement à un tableau encadré, il n'est pas accroché en permanence au mur, mais sorti à l'occasion ou selon la saison – traditionnellement dans le tokonoma – puis rangé de nouveau dans sa boîte en bois. Le terme signifie littéralement « chose suspendue » et est aujourd'hui largement employé comme synonyme de kakejiku (掛軸), qui met davantage l'accent sur la forme enroulable avec ses tiges.

Aussi : Kakejiku, rouleau suspendu, rouleau suspendu japonais, kakemono

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Kakiemon 柿右衛門

Kakiemon est un style de décor de la porcelaine japonaise d'Arita, dans la préfecture de Saga, nommé d'après la famille de potiers Sakaida Kakiemon, qui l'a développé dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Il repose sur un tesson appelé nigoshide, un blanc laiteux chaud rappelant l'eau de lavage du riz. S'y ajoute une peinture sur couverte dans des tons chauds de rouge et d'orange, de jaune, de vert et de bleu, disposée de façon asymétrique et laissant volontairement de grandes surfaces libres ; le bleu sous couverte en est généralement absent, et le bord porte souvent un liseré brun de fer. Contrairement au décor Imari, densément peint, le Kakiemon vit du blanc laissé libre. En 1971, la technique du nigoshide a été reconnue comme bien culturel immatériel important du Japon.

Aussi : Kakiemon-yaki, style Kakiemon, porcelaine Kakiemon, Nigoshide, Nigoshide-de

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Kakihan 花押

Un kakihan est un monogramme manuscrit, développé à partir du nom de son porteur et tracé au pinceau en un seul geste. On le trouve surtout dans le hakogaki, l'inscription portée sur une boîte en bois, le plus souvent sous ou à côté du nom de l'artiste, où il tient lieu de sceau. Contrairement à un hanko, il ne nécessite aucun outil : il est dessiné, non imprimé, et présente donc à chaque fois de légères variations. Sur le plan historique, cette forme remonte à des documents médiévaux, où elle remplaçait la signature. Pour l'attribution d'une pièce, un kakihan est un indice parmi d'autres, non une preuve d'authenticité.

Aussi : Kaō, monogramme au pinceau, signature manuscrite, kakihan

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Kama 釜

Un Kama (釜) est la bouilloire en fonte de la cérémonie du thé japonaise, dans laquelle l'eau destinée au matcha est chauffée et maintenue chaude tout au long de la réunion ; son nom exact est Chagama, bouilloire à thé. Selon la saison, elle repose sur le brasero portable Furo ou au-dessus du foyer encastré dans le sol, le Ro ; sur les côtés se trouvent deux anses destinées à recevoir des poignées amovibles. Depuis le XVe siècle, Ashiya, dans l'actuelle préfecture de Fukuoka, Tenmyō, dans l'actuelle ville de Sano, ainsi que Kyōto sont considérés comme les centres de la fonte des bouilloires. Il ne faut pas confondre 釜 avec 窯, qui se prononce de la même façon et désigne le four de cuisson, comme dans Anagama ou Noborigama.

Aussi : Chagama, Kama, bouilloire à thé, bouilloire pour la cérémonie du thé, chaudron à thé, cérémonie du thé

Kamakura-Zeit 鎌倉時代

La période Kamakura (1185–1333) est l'époque du premier shogunat guerrier du Japon : après sa victoire sur les Taira, Minamoto no Yoritomo établit son shogunat à Kamakura, tandis que la cour impériale demeurait à Kyōto. Pour l'art, c'est avant tout l'époque où le bouddhisme zen arriva de Chine au Japon – Eisai apporta la lignée Rinzai, Dōgen la lignée Sōtō – et où une sculpture résolument réaliste se développa autour d'Unkei et de Kaikei. C'est aussi jusqu'à cette époque, et à la période Heian qui la précède, que remonte la production des Rokkoyō, les six anciens fours. Elle s'achève en 1333 avec la chute des régents Hōjō et cède la place à la période Muromachi.

Aussi : période Kamakura, ère Kamakura, époque de Kamakura, période de Kamakura

Kana 仮名

Les kana (仮名) sont les syllabaires japonais dont les caractères, contrairement aux kanji, ne portent pas de sens propre mais représentent chacun une syllabe. Il existe deux séries de 46 caractères de base chacune : le hiragana, aux formes arrondies, et le katakana, aux formes anguleuses, tous deux issus d'une simplification des kanji. Dans la calligraphie, le terme kana désigne le plus souvent le hiragana, écrit en traits souples et liés, d'un effet presque pictural, et cultivé historiquement surtout à la cour impériale et dans la poésie de cour. Les haiku et les tanka sont aujourd'hui encore traditionnellement calligraphiés dans le style kana, souvent associés à une peinture à l'encre épurée et suggestive.

Aussi : Hiragana, Katakana, syllabaire kana, écriture kana

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Kanji 漢字

Les kanji (漢字, « caractères Han ») sont les caractères d'écriture du japonais empruntés à la Chine, dont chacun représente un sens et possède le plus souvent plusieurs lectures - l'une proche du chinois, l'autre japonaise. Ils sont arrivés au Japon avec les sûtras bouddhiques et constituent encore aujourd'hui le fondement de la calligraphie : un seul kanji comme « amour », « bonheur » ou « calme » porte à lui seul toute une œuvre en tant que rouleau suspendu. Pour l'usage courant, une liste officielle fixe 2 136 caractères. Contrairement aux kana, qui ne rendent que des syllabes, les kanji transportent un sens - une des raisons pour lesquelles ils agissent même sans connaissance de la langue.

Aussi : Kanji, caractères kanji, sinogrammes, caractères chinois, écriture japonaise

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Kannon 観音

Kannon est le nom japonais du bodhisattva de la compassion, appelé Avalokiteshvara en sanskrit et Guanyin en chinois. Au Japon, Kannon est le plus souvent représenté sous une forme d'apparence féminine : visage paisible, souvent légèrement incliné, yeux clos ou mi-clos, coiffe raffinée. La figure est considérée comme une aide dans la détresse et compte parmi les motifs bouddhiques les plus fréquemment représentés dans l'art japonais – aussi bien en peinture qu'en céramique, par exemple sous forme de figure non émaillée en céramique de Bizen. Outre la forme simple de base, de nombreuses formes d'apparition ont été transmises, dont la Senju-Kannon aux mille bras et la Byakue-Kannon en robe blanche.

Aussi : Kannon Bosatsu, Kanzeon, Guanyin, Avalokiteshvara, Kwannon

Kannyū 貫入

On appelle kannyū le fin réseau de craquelures qui apparaît dans la glaçure d'une pièce en refroidissant, parce que la glaçure et le tesson se contractent différemment. En Europe, ce phénomène est connu sous le nom de craquelé, et il ne s'agit pas d'un défaut : les craquelures ne traversent que la couche de glaçure. De nombreuses traditions les recherchent expressément – dans la céramique de Hagi, ce réseau de craquelures est considéré comme une caractéristique déterminante, de même que pour les glaçures céladon. Si le tesson est poreux, le thé s'infiltre au fil des ans dans les craquelures et les colore, de sorte que le motif s'accentue avec l'usage. Il convient de distinguer le kannyū d'une véritable fêlure, qui traverse à la fois la glaçure et le tesson.

Aussi : Kannyu, Kannyū, craquelé, craquelure, réseau de craquelures, effet craquelé, fêlures de l'émail

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Kanō-Schule 狩野派

L'école Kanō (狩野派) fut l'école de peinture japonaise la plus influente du début de l'époque moderne, dirigée sur plusieurs générations par une seule famille d'artistes et école de peinture officielle du shogunat. Son style associait les techniques chinoises de peinture à l'encre à des couleurs vives et à un fond doré, et marqua surtout la peinture murale, celle des cloisons coulissantes et des paravents de grand format. Kanō Masanobu (1434–1530) en est traditionnellement considéré comme le fondateur ; de l'époque Muromachi jusqu'à l'époque Edo (1603–1868), la famille détermina le goût officiel, et des peintres de l'époque Meiji comme Hashimoto Gahō étaient encore issus de sa formation. À la différence du courant Rinpa, l'école Kanō était une tradition familiale et d'atelier fermée, avec une succession pédagogique fixe.

Aussi : École Kanō, Kano-ha, Kanō-ha, école Kano, école de peinture Kanō

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Kanzake 燗酒

Le kanzake (燗酒) est du saké japonais servi chaud. Il n'est pas chauffé directement à la flamme, mais en plaçant la bouteille remplie, le tokkuri, dans un bain-marie chaud ; on utilise généralement une température d'environ 40 à 50 degrés. Pour les différents paliers, la culture japonaise de la dégustation a ses propres noms : hinatakan désigne environ 30 degrés, hitohadakan la température du corps, nurukan environ 40, jōkan environ 45, atsukan environ 50 degrés, et tout ce qui dépasse s'appelle tobikirikan. Les sortes corsées et marquées par le riz gagnent en umami une fois chauffées, tandis que les sortes premium fruitées et aromatiques se boivent le plus souvent fraîches.

Aussi : Kan-zake, saké chaud, saké tiède, Atsukan

Karatsu-yaki 唐津焼

Le Karatsu-yaki est une céramique grès japonaise originaire de la région de Karatsu, dans la préfecture de Saga, au nord de Kyūshū, apparue à la fin du XVIe siècle sous une forte influence de la technique céramique coréenne. Elle est travaillée à partir d'une argile grossière et ferrugineuse, avec une glaçure délibérément appliquée avec parcimonie, de sorte que le tesson granuleux – en particulier au niveau du pied non glaçuré – reste visible ; les tons bruns, gris et blancs terreux sont caractéristiques. Parmi les variantes connues figurent l'E-Garatsu, peint à l'oxyde de fer, et le Chōsen-Garatsu, dans lequel une glaçure ferrugineuse sombre et une glaçure blanche à la cendre de paille se fondent l'une dans l'autre. Dans le classement traditionnel des bols à thé, le Karatsu se situe après le Raku et le Hagi ; c'est la matière qui le distingue de l'Arita tout proche.

Aussi : Karatsu-yaki, céramique de Karatsu, E-Garatsu, Chōsen-Garatsu, Karatsu

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Kasama-yaki 笠間焼

Le Kasama-yaki est une céramique japonaise de grès provenant de la ville de Kasama, dans la préfecture d'Ibaraki, et considérée comme le plus ancien centre de céramique de la région du Kantō. Elle est apparue à l'ère An'ei (1772–1781), lorsque le chef de village Kuno Han'emon fit construire un four sous la conduite d'un potier de Shigaraki. On y travaille une argile ferrugineuse très plastique issue de granit altéré, qui cuit sans glaçure en une teinte allant du brun-rouge au foncé. Jusqu'à l'après-guerre, on y produisait surtout des récipients de conservation destinés à la grande région d'Edo ; par la suite, le lieu s'est ouvert à une céramique de studio libre, si bien que le Kasama-yaki ne connaît pas de canon stylistique contraignant. La ville voisine de Mashiko fut fondée en 1853 par un potier formé à Kasama.

Aussi : Kasama-yaki, céramique de Kasama, Kasama ware, Kasama

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Kensui 建水

Un kensui (建水) est le récipient à eaux usées de la cérémonie japonaise du thé, dans lequel l'hôte verse l'eau ayant servi à réchauffer le bol à thé et à rincer le fouet à thé. Il est le plus souvent fabriqué en céramique, mais aussi en cuivre ou en laiton, avec une ouverture largement évasée afin que le chawan puisse s'y vider proprement. Il est considéré comme l'ustensile de rang le plus bas de la réunion et se trouve donc placé près de la gauche de l'hôte, hors du champ de vision des invités – contrairement au récipient à eau fraîche mizusashi, qui est disposé de façon visible et fait l'objet d'une contemplation partagée. Une appellation plus ancienne est mizukoboshi.

Aussi : kensui, mizukoboshi, koboshi, bol à eaux usées, vase à eaux usées de la cérémonie du thé

Kenzan 剣山

Un Kenzan (剣山, littéralement « montagne d'épées ») est le porte-piques de l'ikebana : une plaque lourde, généralement en plomb, hérissée de courtes pointes métalliques serrées les unes contre les autres, dans lesquelles on plante branches et tiges. Il repose dans le récipient plat, le Suiban, sous la surface de l'eau, et maintient le végétal selon l'angle souhaité ; c'est lui qui rend possible le style Moribana. De façon générale, un tel accessoire se nomme Hanadome, littéralement « support à fleurs » ; l'usage du Kenzan s'est répandu vers la fin de l'ère Meiji et au début de l'ère Taishō, l'invention étant attribuée à plusieurs personnes et son origine demeurant incertaine. Il ne faut pas le confondre avec Ogata Kenzan, le potier et peintre de Kyoto.

Aussi : Kenzan, pique-fleurs, fixe-fleurs, Hanadome

Keshiki 景色

Keshiki, littéralement « paysage » ou « scène », est le terme japonais désignant tout ce qui s'est produit à la cuisson à la surface d'une pièce : la coulée de la glaçure fondue, le dépôt de cendres, les zones de flamme, le réseau de craquelures, les taches et les altérations de couleur. Cela n'est pas considéré comme une liste de défauts, mais comme un tableau de paysage, avec un premier plan, un horizon et un temps. Dans la cérémonie du thé, cela va jusqu'à ce que l'endroit le plus expressif du keshiki détermine quel côté est considéré comme le shōmen, la face avant – c'est précisément ce côté que l'hôte tourne vers son invité. Une pièce possède ainsi une face de présentation que personne n'a conçue.

Aussi : keshiki, paysage, scène, paysage de surface, paysage de cuisson

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Ki-Seto 黄瀬戸

Ki-Seto, « Seto jaune », est l'un des quatre grands styles de céramique de la région de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu, et se distingue par une glaçure jaune délicate, le plus souvent appliquée en couche fine. Traditionnellement, le Ki-Seto servait surtout à la vaisselle élégante de la cuisine kaiseki. Comme le Shino, l'Oribe et le Setoguro, ce style est apparu pendant l'époque Momoyama dans le contexte de la cérémonie du thé, bien que son nom renvoie à la ville voisine de Seto – une attribution longtemps admise, avant que les fouilles du XXe siècle ne mettent au jour les fours Momoyama de Mino. Ce qui distingue le Ki-Seto du Shino, c'est sa fine couche de glaçure jaunâtre, par opposition à l'épaisse glaçure feldspathique blanc laiteux de ce dernier.

Aussi : Kiseto, Ki-Seto, Ki-Seto-yaki, Kizeto-yaki, Seto jaune, Ki Seto

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Kinrande 金襴手

Le kinrande, le « brocart d'or », est un décor de porcelaine associant le bleu sous glaçure, la peinture rouge sur glaçure et l'or, nommé d'après les étoffes de soie brochées de fils d'or dont il s'inspire. Il naît en deux cuissons : le tesson est d'abord peint au gosu contenant du cobalt, puis émaillé et cuit à environ 1 300 degrés, ensuite le rouge de fer et l'or sont appliqués sur la glaçure achevée et cuits à une température plus basse. Le style est attesté à Arita vers la fin du XVIIe siècle, en référence aux plus anciennes porcelaines chinoises à brocart d'or de l'époque Ming. En Europe, il est connu sous le nom de décor Imari - la peinture dense, couvrant toute la surface, est née principalement pour le marché de l'exportation.

Aussi : Kinran-de, Kinrande, décor kinrande, décor à l'or, décor brocart d'or, décor Imari, porcelaine kinrande

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Kintsugi 金継ぎ

Kintsugi, littéralement « jonction d'or », est la technique japonaise consistant à recoller les cassures d'une céramique avec de la laque urushi, puis à saupoudrer la jointure de poudre d'or, d'argent ou d'étain. La réparation n'est donc pas dissimulée, mais mise en valeur : la ligne de cassure reste visible comme un fin trait et appartient désormais à l'histoire de la pièce. Réalisée selon la tradition, l'opération dure des semaines, car chaque couche de laque doit durcir en atmosphère chaude et humide ; les kits à base de résine synthétique répandus dans le commerce sont un raccourci et ne conviennent pas sans réserve aux récipients à boire. Dans l'esthétique wabi-sabi, une telle jointure n'est pas considérée comme un défaut, mais comme la preuve qu'un objet a vécu.

Aussi : Kintsukuroi, réparation à l'or, art de la réparation à l'or, réparation Kintsugi, laque dorée, kintsugi

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Kiri 桐

Le kiri (桐) est le bois de l'arbre à laque du Japon, appelé le plus souvent paulownia en français – le matériau classique pour les boîtes de conservation des objets d'art japonais. Il est exceptionnellement léger et en même temps stable, conduit mal la chaleur et amortit les variations d'humidité de l'air, ce qui explique que l'on y conserve au Japon depuis toujours aussi bien les kimonos, les documents que les instruments de musique. Au Japon, il était autrefois d'usage de planter un paulownia à la naissance d'une fille et d'en faire, au moment du mariage, un meuble destiné au trousseau. Le terme désigne le matériau, non le contenant : la boîte fabriquée dans ce bois s'appelle kiribako.

Aussi : Paulownia, bois de paulownia, paulownia impérial, kiri, bois de kiri, arbre à la princesse

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Kiribako 桐箱

Une Kiribako (桐箱) est une boîte de rangement en kiri, le bois de l'arbre à laque du Japon (Paulownia), telle qu'elle est utilisée au Japon pour la céramique, les rouleaux suspendus, les kimonos et les documents. Le kiri est particulièrement léger et stable dans sa forme, il amortit les variations d'humidité et contient des substances qui éloignent les insectes – d'où sa longue tradition en tant que bois de conservation. Le terme désigne d'abord uniquement le matériau : une Kiribako est une simple boîte en bois de paulownia. Si elle porte en revanche la désignation calligraphique et le sceau de l'artiste, on parle alors d'une Tomobako (共箱). Dans la pratique, les deux termes sont souvent employés de manière synonyme.

Aussi : boîte en paulownia, boîte kiri, boîte en bois de paulownia, coffret en paulownia, kiribako

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Kirikodai 切高台

Le kirikodai (切高台) désigne la petite encoche, le plus souvent en forme de coin, taillée dans le pied annulaire d'un bol à thé japonais. Il est le plus étroitement associé à la céramique de Hagi, où un très grand nombre de chawan en portent une. Plusieurs explications existent quant à son origine ; la plus répandue veut que la céramique de Hagi ait été, à l'époque d'Edo, réservée au fief du clan Mōri, et que les potiers aient libéré certaines pièces pour la vente libre au moyen d'une « altération » volontairement pratiquée au pied. Il convient de distinguer le kirikodai du warikodai, le pied annulaire divisé par plusieurs entailles. Aujourd'hui, cette encoche est un détail esthétique dans lequel se révèle la main du potier.

Aussi : Kiri-kodai, Kirikōdai, pied à encoches, encoche dans le pied annulaire

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Kiyomizu-yaki 清水焼

Le Kiyomizu-yaki est la céramique produite dans les fours situés sur les pentes en contrebas du temple de Kyoto Kiyomizu-dera, et constitue donc, à proprement parler, un sous-ensemble du Kyō-yaki, la céramique de la ville entière. À l'origine, le nom désignait uniquement la production de la zone entourant le Gojōzaka, la ruelle escarpée qui monte vers le temple. Comme les autres sites de cuisson de Kyoto ont disparu au fil du temps, ce seul nom a subsisté et est aujourd'hui le plus souvent employé comme synonyme de Kyō-yaki ; l'artisanat est officiellement reconnu par l'État depuis 1977 sous la double appellation Kyō-yaki · Kiyomizu-yaki. Depuis les années 1960, de nombreux ateliers travaillent dans le quartier de Yamashina, qui porte encore aujourd'hui le nom de Kiyomizu-yaki-Danchi.

Aussi : Kiyomizu-yaki, céramique de Kiyomizu, Kiyomizu

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Ko-Imari 古伊万里

Ko-Imari, « ancien Imari », désigne la porcelaine historique de l'époque d'Edo, produite dans la région de Hizen autour d'Arita, et, au sens strict, la céramique d'exportation des XVIIe et XVIIIe siècles, expédiée par le port d'Imari. Le terme est une catégorie de collectionneurs et de datation, non une indication de provenance ou d'atelier : les fours ne signaient en règle générale pas leur céramique d'exportation, ce qui fait des grands ensembles fermés, comme la collection Shibata du musée de la céramique de Kyūshū, un élément déterminant pour le classement. Sur le marché européen, le terme Ko-Imari est souvent employé de manière plus large que dans la littérature spécialisée japonaise, et y désigne le plus souvent simplement une pièce dans l'ancien décor d'exportation.

Aussi : Koimari, Ko-Imari, Vieil Imari, ancien Imari, porcelaine Ko-Imari

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Ko-Kutani 古九谷

Ko-Kutani, « ancien Kutani », désigne les porcelaines à décor peint sur couverte du milieu du XVIIe siècle, traditionnellement attribuées au premier four du village de Kutani. Caractéristique en est une peinture puissante, souvent couvrante, aux motifs de paysages, d'oiseaux et de plantes dans le style aux cinq couleurs Gosai-de, ainsi que la variante Aote, qui renonce au rouge et recouvre entièrement la surface. Après une cinquantaine d'années, ce four s'éteignit pour des raisons qui, à ce jour, ne sont pas définitivement élucidées ; ce n'est qu'au début du XIXe siècle que le renouveau s'amorça avec le Saiko-Kutani. L'attribution elle-même est contestée : des découvertes archéologiques indiquent qu'une part importante de ces pièces fut réalisée à Arita.

Aussi : Kokutani, Ko-Kutani, Ancien Kutani, style Ko-Kutani, porcelaine Ko-Kutani

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Kōan 公案

Un kōan est un exercice paradoxal du bouddhisme zen – une question, une parole ou un bref épisode que le maître pose au disciple et qui ne peut se résoudre par la pensée logique. Le terme vient de la langue administrative chinoise et désignait à l'origine le document officiel d'une autorité, c'est-à-dire un précédent juridique faisant autorité. Les kōan nous sont transmis dans des recueils tels que le Mumonkan du moine Mumon Ekai (1183–1260), dont le premier cas est le célèbre « Mu » du maître Jōshū ; on parle traditionnellement d'environ 1 700 cas. C'est surtout l'école Rinzai qui travaille avec les kōan, tandis que l'école Sōtō place au centre la méditation assise sans but, le Shikantaza.

Aussi : Koan, kōan zen, Zen-kōan

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Kobori Enshū 小堀遠州

Kobori Enshū (小堀遠州, 1579–1647) était un daimyō japonais, maître bâtisseur et maître de thé du début de l'époque d'Edo, et un disciple de Furuta Oribe. Son idéal du thé est souvent décrit comme le kirei-sabi, une conception plus claire, plus élégante que la sobriété rigoureuse de Sen no Rikyū. Il est rapporté qu'il exerça une influence sur la production du village de potiers de Tachikui ; les chaire, mizusashi et chawan qui y furent créés devinrent connus sous le nom d'Enshū-Tamba et jouissaient d'une grande estime auprès des gens de thé de l'époque. À quel point ce contact fut réellement étroit ne peut plus être établi aujourd'hui dans le détail - cette attribution relève de la tradition.

Aussi : Kobori Enshū, Enshū, Kobori Enshu, Enshu, Kobori Masakazu

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Kobushi-yaki こぶ志焼

Le Kobushi-yaki est une céramique japonaise d'Iwamizawa à Hokkaidō, fondée en 1946 par Yamaoka Sanshū ; il est considéré comme le plus ancien four encore en activité de l'île et se trouve aujourd'hui dirigé par la troisième génération. Le nom vient du magnolia Kobushi, qui fleurissait au moment de la première cuisson. L'atelier prépare lui-même l'argile et les glaçures et produit surtout de la vaisselle d'usage courant ; la glaçure Namako aux dégradés bleu et blanc en constitue le signe distinctif, aux côtés de glaçures vertes, brun-fer, rouge cinabre et blanches. À la différence des anciens fours de Honshū, le Kobushi-yaki représente un paysage céramique apparu seulement au XXe siècle.

Aussi : Kobushi-yaki, céramique Kobushi, Kobu-shi-yaki, Kobushi

Kochi-yaki 交趾焼

Kochi-yaki, plus précisément Kōchi-yaki, désigne une céramique cuite à basse température, à glaçures plombifères polychromes, telle qu'elle est apparue dans le sud de la Chine à la fin de l'époque Ming et qu'elle est parvenue au Japon par le commerce. Le nom renvoie à Kōchi, l'ancien nom chinois du nord du Vietnam, dont la route a servi au transport de ces marchandises. Elle se caractérise par des glaçures colorées vives, finement craquelées, en turquoise, jaune, violet et bleu, séparées les unes des autres par des cloisons rapportées, des lignes incisées ou des reliefs. Dans la voie du thé, les petites boîtes à encens Kōchi comptent parmi les pièces les plus prisées. Depuis l'époque d'Edo, ce style est imité au Japon, notamment dans le Kyō-yaki par la famille Eiraku, ainsi qu'à Kutani.

Aussi : Kōchi-yaki, Kochi-Yaki, céramique Kōchi, céramique Kochi

Kōdai 高台

Le kōdai est le pied annulaire sur la face inférieure d'un bol japonais, cet anneau étroit sur lequel il repose. Il est réalisé en dernier : lorsque la terre est dure comme du cuir, la pièce est retournée sur le tour et l'excédent de terre est retiré au moyen du couteau à tourner, le kanna. Il reste le plus souvent non émaillé, car c'est sur cette partie que la pièce repose dans le four ; le tesson y apparaît ainsi à nu et laisse voir la couleur de la terre, son grain et les traces d'outil. Pour les collectionneurs, c'est donc l'endroit le plus révélateur de toute la pièce, d'autant que les signatures s'y trouvent presque toujours. Dans la culture du thé, le pied fait l'objet d'une attention particulière : un bol Tenmoku, par exemple, se reconnaît à son kōdai remarquablement petit.

Aussi : Kōdai, pied annulaire, pied en anneau, pied d'un bol à thé

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Kōgō 香合

Un kōgō est un petit récipient japonais à couvercle, dans lequel on conserve l'encens destiné à la cérémonie du thé. Il ne mesure généralement que quelques centimètres et est réalisé en céramique, en bois ou en laque urushi, souvent avec un décor soigneusement travaillé. Selon une convention répandue, les kōgō laqués sont destinés à l'usage du bois odorant, tandis que les kōgō en céramique sont réservés à l'encens tendre et malaxé. Au cours d'une réunion de thé, le récipient est présenté aux invités pour être examiné, ce qui fait que, malgré sa petite taille, il constitue un domaine de collection à part entière. Il convient de distinguer le kōgō du kōro, le brûle-parfum dans lequel l'encens se consume : le kōgō, lui, se contente de le conserver.

Aussi : Kōgō, boîte à encens, contenant à encens, brûle-encens

Kohiki 粉引

Le kohiki est une technique de décor dans laquelle un tesson sombre et ferrugineux est entièrement recouvert d'un engobe blanc, puis recouvert d'une glaçure transparente. Le nom signifie littéralement « saupoudré de poudre » et décrit la surface blanche mate, légèrement nuageuse, à travers laquelle la terre sombre transparaît aux arêtes et sur le pied. Cette technique remonte à des modèles coréens et fut reprise au Japon principalement dans les fours de Karatsu. Avec le temps, le revêtement poreux absorbe le thé et se tache par endroits – ce qui est considéré comme un attrait recherché.

Aussi : Kohiki, technique Kohiki, engobe blanc, Ko-hiki, glaçure Kohiki

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Koicha 濃茶

Le koicha (濃茶, thé épais) est la préparation cérémonielle du matcha : plusieurs fois la quantité de poudre pour peu d'eau, pétrie lentement avec le chasen plutôt que battue, sirupeuse et sans couche de mousse. Traditionnellement, un seul bol circule au sein du cercle, ce qui fait du koicha la partie la plus solennelle d'une réunion de thé. On lui préfère un bol un peu plus profond, à la glaçure intérieure lisse et bien couvrante, afin que le thé visqueux puisse se rassembler sans rester accroché à une surface rugueuse ; la poudre provient classiquement d'un chaire en céramique. La forme inverse du quotidien est l'usucha, fin et mousseux.

Aussi : Koicha, thé épais, Koi-cha, matcha épais, Usucha

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Koishiwara-yaki 小石原焼

Le Koishiwara-yaki est une céramique utilitaire japonaise provenant du village de Tōhō, dans le district d'Asakura, préfecture de Fukuoka. Ses débuts remontent à l'année 1662, lorsque le seigneur Kuroda Mitsuyuki fit venir des potiers d'Imari; par la suite, les échanges avec le four voisin de Takatori marquèrent cette céramique. Les motifs géométriques réguliers, obtenus sur le tour en rotation, sont caractéristiques, parmi lesquels le tobi-kanna, le hakeme ainsi que les tracés au peigne et aux doigts, le plus souvent en engobe blanc sur argile rouge. En 1954, Yanagi Sōetsu et Bernard Leach firent l'éloge des ateliers; en 1975, le Koishiwara fut déclaré premier artisanat d'art traditionnel du Japon dans le domaine de la céramique. Onta est le four « fils » de cette tradition.

Aussi : Koishiwara-yaki, Koishiwarayaki, céramique de Koishiwara, Nakano-yaki, Koishiwara

Kurinuki 刳り貫き

Le kurinuki est une technique de façonnage dans laquelle un récipient est taillé et creusé dans un bloc d'argile massif, plutôt que tourné sur le tour ou monté à partir de colombins. Le potier travaille de l'intérieur vers l'extérieur à la boucle et à la spatule, ce qui fait que l'épaisseur de la paroi reste volontairement irrégulière et que les traces d'outils restent visibles. Cette technique se reconnaît le plus souvent à des formes anguleuses, légèrement irrégulières, et à l'absence de sillons de tournage concentriques. Elle est particulièrement appréciée pour les guinomi et les bols à thé, où l'on recherche un effet vigoureux et sculptural.

Aussi : Kurinuki, technique kurinuki, Kuri-nuki, technique du creusement, céramique creusée

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Kuro-Raku 黒楽

Le Kuro-Raku, le « Raku noir », est le type fondamental d'un noir profond de la Teeschale Raku ; il remonte au potier Chōjirō au XVIe siècle. La glaçure est traditionnellement obtenue à partir d'une roche ferrugineuse de la rivière Kamo à Kyōto ; elle fond à une température plus élevée que la glaçure Aka-Raku, en général autour de 1 000 degrés et au-delà. Une fois la glaçure fondue, la Teeschale est retirée incandescente du four et refroidie brutalement à l'air libre - c'est ainsi que le fer se fige en un noir profond. Comparé à l'Aka-Raku, plus chaud, le Kuro-Raku paraît austère et fait particulièrement ressortir le vert du matcha.

Aussi : Kuroraku, Kuro Raku, Kuro-Raku, Raku noir, céramique Raku noire, chawan Kuro-Raku

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Kutani Gosai 九谷五彩

Le Kutani Gosai, les « cinq couleurs de Kutani », est la palette classique de la peinture sur couverte pour la porcelaine de Kutani originaire de la préfecture d'Ishikawa : vert, jaune, pourpre, bleu et rouge. Les couleurs sont appliquées sous forme d'émaux fusibles épais et vitreux sur la couverte déjà cuite, puis fixées lors d'une seconde cuisson, nettement plus basse en température ; c'est pourquoi elles restent en relief et gagnent en profondeur sous la lumière. C'est de cette palette que vient le nom du style aux cinq couleurs pour lequel Kutani est reconnue. Il convient de le distinguer de l'Aote, où le rouge est omis et où la surface est entièrement recouverte par les autres couleurs.

Aussi : Kutani Gosai, Gosai, style Gosai de Kutani, cinq couleurs de Kutani, Kutani-Gosai

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Kutani-yaki 九谷焼

Le Kutani-yaki est une porcelaine japonaise de la préfecture d'Ishikawa, nommée d'après le village de Kutani, où le potier Gotō Saijirō fonda le premier four au milieu du XVIIe siècle. Sa marque distinctive est la peinture sur glaçure vive, souvent couvrante, dans le style Gosai-de, aux couleurs vert, jaune, pourpre, bleu et rouge. Après environ cinquante ans, le four d'origine cessa son activité – les raisons n'en sont, à ce jour, pas définitivement élucidées ; les pièces de cette période sont appelées Ko-Kutani. Ce n'est qu'au début du XIXe siècle que la tradition renaquit sous le nom de Saiko-Kutani. Contrairement à Arita et Imari, qui misent sur le bleu de cobalt, le rouge et l'or, le Kutani travaille avec une palette plus large et une forte proportion de vert et de pourpre.

Aussi : Kutaniyaki, céramique de Kutani, Kutani-yaki, gosai-de

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Kyō-yaki 京焼

Kyō-yaki, littéralement « ce qui est cuit dans la capitale », est le terme générique désignant toute céramique et porcelaine produite à Kyoto. Contrairement à Bizen ou Hagi, le terme ne désigne pas un style de four, mais un lieu de fabrication : il englobe historiquement les quartiers de fours d'Awataguchi, Omuro, Yasaka, Mizoro et Kiyomizu. Comme Kyoto ne possède pas de gisements d'argile propres dignes de ce nom, l'accent a toujours été mis sur le façonnage et le décor – sur des parois proprement tournées, des pieds annulaires découpés avec précision et des couleurs peintes. Nonomura Ninsei et son élève Ogata Kenzan ont marqué cet art au XVIIe siècle. Le Kiyomizu-yaki est, à proprement parler, un sous-ensemble du Kyō-yaki.

Aussi : Kyo-yaki, Kyoyaki, Kyō-yaki, porcelaine de Kyoto, céramique de Kyoto, Kiyomizu-yaki, Kyoto-yaki

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Ma 間

Ma est le terme japonais désignant l'intervalle façonné – l'écart entre deux choses, la pause entre deux sons, l'espace libre qui donne à un objet son effet propre. Le caractère désigne à la fois les intervalles spatiaux et temporels, c'est pourquoi le terme est employé en architecture, en musique, au théâtre et en peinture. Dans la peinture à l'encre, le fond non peint n'est pas un reste, mais fait partie de la composition ; dans le tokonoma, la surface vide porte le rouleau suspendu. Ma ne signifie donc pas simplement le vide, mais l'espace sciemment laissé libre : ce qui se tient seul est regardé, ce qui se tient dans un ensemble est compté.

Aussi : Ma, espace Ma, espace-temps Ma, intervalle, vide, espace vide, espace vacant, espace habité par le vide

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Maki-e 蒔絵

Le maki-e (蒔絵, littéralement « image saupoudrée ») est la technique laquée japonaise qui consiste à peindre un motif avec de l'urushi encore humide, puis à y saupoudrer de la poudre d'or ou d'argent, qui adhère au laque en train de durcir. Selon le procédé, la surface est ensuite relaquée puis à nouveau polie jusqu'à devenir brillante, de sorte que le métal semble flotter dans l'épaisseur du laque. Les supports typiques sont les boîtes à thé comme le natsume, les boîtes à écrire et les bols. Le maki-e se distingue du raden par le matériau employé : dans ce dernier, la nacre est incrustée en morceaux, tandis qu'ici, c'est de la poudre de métal saupoudrée qui porte l'image. Les deux techniques apparaissent souvent sur un même objet.

Aussi : Maki-e, laque maki-e, laque saupoudrée d'or, décor à la poudre d'or

Makuri まくり

Un Makuri (まくり) est une feuille non montée de peinture ou de calligraphie japonaise : l'œuvre achevée, mais sans encadrement, sans baguettes et sans cordon de suspension. Au Japon, c'était longtemps l'état habituel dans lequel une œuvre quittait l'atelier – le montage intervenait plus tard, selon l'usage auquel la feuille était destinée. Un Makuri est nettement moins onéreux qu'un rouleau suspendu achevé, ne demande guère de place et peut à tout moment être monté en Kakemono chez un atelier spécialisé. Il se conserve à plat et au sec, de préférence entre des papiers non acides. À la différence du Shikishi ou du Tanzaku, un Makuri n'est pas un format en soi, mais un état de montage.

Aussi : makuri, feuille non montée, peinture non montée, rouleau suspendu sans montage

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Mashiko-yaki 益子焼

Le Mashiko-yaki est une céramique japonaise de grès originaire de la ville de Mashiko, dans la préfecture de Tochigi ; elle remonte à 1853, au potier Ōtsuka Keizaburō, formé dans la ville voisine de Kasama. L'argile locale, sableuse, riche en silice et en fer, se laisse difficilement étirer finement ; la poterie de Mashiko est de ce fait épaisse et lourde. Elle se caractérise par des glaçures puissantes issues de matières premières régionales : la glaçure kaki brun-rouge, le nuka laiteux obtenu à partir de cendres de balles de riz et l'ame brun caramel. Contrairement à Kasama, resté ouvert sur le plan stylistique, Mashiko a acquis une empreinte bien définie : à partir de 1924, le potier Hamada Shōji fit de ce lieu le centre du mouvement Mingei.

Aussi : Mashiko-yaki, céramique de Mashiko, Mashiko ware, Mashiko

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Masu 枡

Un masu est un récipient en bois de forme carrée qui a servi pendant des siècles au Japon de mesure officielle de capacité pour le riz et qui est traditionnellement fabriqué en cyprès hinoki. Le format courant contient un gō, soit environ 180 millilitres - la même quantité qui sert également d'unité de référence pour le saké. Lors des occasions festives, le saké se boit encore aujourd'hui dans le masu, le bois apportant alors une odeur propre bien marquée. Il se distingue ainsi fondamentalement du guinomi : le masu est une mesure, non un bol à saké, et se passe de la main du potier.

Aussi : Masu, boîte à saké, mesure en bois, verre à saké en bois

Matcha 抹茶

Le matcha (抹茶) est un thé vert japonais finement moulu qui n'est pas infusé puis filtré, mais bu entièrement sous forme de poudre mélangée à l'eau. Les théiers sont ombragés pendant quelques semaines avant la récolte, ce qui donne aux feuilles leur vert intense et un goût doux, marqué par l'umami ; elles sont ensuite étuvées, séchées et traditionnellement moulues en poudre sur des meules de pierre. Le matcha se prépare dans le bol à thé à l'aide du fouet en bambou, sous sa forme fine et quotidienne, l'Usucha, ou sous sa forme épaisse et cérémonielle, le Koicha. Comme la poudre a tendance à s'agglomérer, il est utile de la passer au tamis fin avant de la fouetter.

Aussi : Matcha, thé Matcha, poudre de Matcha, poudre de thé vert, Maccha

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Meiji-Zeit 明治時代

L'ère Meiji (1868–1912) est l'époque durant laquelle l'empereur Mutsuhito a repris le pouvoir de gouvernement effectif après la fin du shogunat Tokugawa, et où le Japon s'est modernisé en quelques décennies sur le modèle occidental. Pour l'art, ce fut un bouleversement à deux visages : la confrontation avec la peinture à l'huile occidentale (Yōga) a conduit à une délimitation consciente de la tradition picturale nationale sous le nom de Nihonga, et les exportations japonaises ont déclenché en Europe le japonisme, dont des centres céramiques comme Arita et Kutani ont fortement profité. Dans le même temps, de nombreux fours de céramique locaux ont perdu leur soutien avec la fin du régime féodal. L'ère Meiji suit l'ère Edo et s'achève en 1912 avec le début de l'ère Taishō.

Aussi : période Meiji, ère Meiji, Meiji

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Mikawachi-yaki 三川内焼

Le Mikawachi-yaki est une porcelaine japonaise provenant du quartier de Mikawachi, à Sasebo, dans la préfecture de Nagasaki. Elle remonte à des potiers coréens que le seigneur de Hirado installa après les campagnes de Corée, vers 1598 ; à partir de 1637, le four fonctionna comme manufacture féodale de la maison Matsura. Elle se caractérise par une porcelaine blanche particulièrement pure, une peinture sous glaçure très fine en bleu de cobalt, ainsi que par des travaux ajourés, des applications en relief et des pièces à parois fines. Le motif le plus connu est le Karako-e, des garçons chinois en train de jouer ; le nombre d'enfants représentés distinguait autrefois les cadeaux de cour des pièces destinées à la vente libre. Mikawachi-yaki et Hirado-yaki désignent la même tradition.

Aussi : Mikawachi-yaki, porcelaine de Mikawachi, céramique de Mikawachi, Mikawachi

Mingei 民藝

Mingei est le terme forgé en 1925 par le philosophe Yanagi Sōetsu conjointement avec les potiers Hamada Shōji et Kawai Kanjirō pour désigner l'artisanat populaire japonais, une forme abrégée de minshūteki kōgei. L'idée sous-jacente est que les plus belles choses ne seraient pas les pièces d'apparat de célèbres artistes, mais les objets d'usage courant fabriqués anonymement par de simples artisans ; Yanagi a résumé cela dans le concept de yō no bi, la « beauté de l'usage ». Le mouvement se concevait comme une réponse à l'industrialisation rapide du Japon et a fondamentalement revalorisé des lieux de cuisson comme Mashiko, Tamba et Tobe. En 1936 a ouvert à Tokyo le Nihon Mingeikan, le musée japonais de l'artisanat populaire.

Aussi : mouvement Mingei, Mingei, artisanat populaire japonais, mouvement des arts populaires japonais

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Mino-yaki 美濃焼

Mino-yaki est le terme collectif désignant la céramique de la province historique de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu méridionale, en particulier des villes de Toki, Tajimi, Mizunami et Kani. Le terme ne désigne pas un style unique, mais plus de quinze sous-types reconnus comme artisanat d'art traditionnel. Les quatre plus connus - le Shino blanc, l'Oribe vert, le Ki-Seto jaune et le Setoguro noir - sont nés durant l'époque Momoyama, dans le contexte de la cérémonie du thé et du maître de thé Furuta Oribe. Contrairement à la Seto voisine, d'où sont originaires les fondateurs de ces styles, Mino est aujourd'hui, avec une part estimée à 50 à 60 pour cent, la plus grande région céramique du Japon en volume.

Aussi : Mino-yaki, céramique de Mino, céramiques de Mino, Mino-yaki Gifu

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Mishima 三島

Mishima est une technique d'incrustation dans laquelle des motifs sont estampés ou incisés dans l'argile encore malléable, puis les creux ainsi obtenus sont remplis d'engobe d'une couleur différente ; après grattage, il reste un dessin affleurant, le plus souvent blanc, sur le tesson sombre. Les motifs typiques sont des fleurs, des points et des bandes disposés de façon serrée. La technique est originaire de Corée et fut adoptée au Japon par plusieurs fours. Son nom viendrait, selon la tradition, de la ressemblance entre les lignes de motifs et le calendrier imprimé du sanctuaire de Mishima.

Aussi : Mishima, technique Mishima, décor Mishima, Zōgan, incrustation, technique d'incrustation

Mizusashi 水指

Un mizusashi (水指) est le récipient d'eau fraîche de la cérémonie du thé japonaise – un contenant en céramique, le plus souvent fermé par un couvercle, dans lequel l'hôte puise avec la louche en bambou de l'eau froide pour remplir la bouilloire et rincer les ustensiles. Il reste visible dans la pièce pendant toute la préparation et compte donc parmi les pièces que l'on observe également ; c'est pourquoi il est choisi avec le même soin que le reste du matériel. Les mizusashi sont produits dans de nombreux fours, par exemple à Tamba, Ōhi ou Shigaraki. Il ne faut pas confondre le récipient d'eau fraîche avec le kensui, le récipient d'eaux usées, dans lequel on verse l'eau déjà utilisée.

Aussi : mizusashi, jarre à eau fraîche, récipient à eau fraîche, réservoir à eau pour la cérémonie du thé, pot à eau, mizusashi cérémonie du thé

Momiji 紅葉

Momiji désigne le feuillage automnal rougissant de l'érable japonais et constitue le motif principal des peintures d'automne dans la peinture japonaise. L'attrait du motif réside dans le dégradé de couleurs : une seule branche présente à la fois des feuilles vertes, jaunes et rouge foncé. Momiji est particulièrement souvent associé à l'eau courante – des feuilles rouges sur un courant sombre forment une idée picturale reprise depuis des siècles. La contemplation de la coloration automnale a, sous le nom de momijigari, un rang comparable à celui de l'observation des cerisiers en fleurs au printemps. Contrairement à la grue ou au pin, Momiji n'est pas un symbole de bonheur pour les occasions festives, mais un motif saisonnier que l'on n'accroche que pour quelques semaines.

Aussi : Erable, érable japonais, feuillage d'automne, momiji, Momijigari

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Mono no aware 物の哀れ

Mono no aware est un terme de l'esthétique japonaise qui désigne l'émotion silencieuse que suscite la conscience de l'impermanence de toute chose. Littéralement à peu près « le pathos des choses », il a été forgé au XVIIIe siècle par l'érudit Motoori Norinaga, qui l'a fait remonter à la littérature de cour de l'époque Heian, en particulier au Genji Monogatari. L'image classique qui l'illustre est celle de la fleur de cerisier qui tombe : belle précisément parce qu'elle ne demeure pas. Contrairement au Wabi-Sabi, qui décrit une attitude à l'égard de la matière et de la forme, Mono no aware désigne un sentiment du contemplateur : la mélancolie devant le beau qui passe.

Aussi : Mono-no-aware, Mononoaware, Mono no Aware, le pathos des choses, la tristesse des choses

Moribana 盛花

Moribana (盛花, « fleurs amoncelées ») est un style d'ikebana dans lequel le matériau végétal est disposé dans un récipient plat et large, le suiban, et fixé à l'aide d'un porte-fleurs à pointes, le kenzan. Le nom décrit l'effet obtenu : branches et fleurs semblent s'amonceler dans le plan, la composition s'étend à la manière d'un paysage et se lit également vue de dessus. Cette forme fut développée à l'époque Meiji par Ohara Unshin, qui installait dans de larges coupes les fleurs de jardin occidentales alors nouvellement introduites ; elle est considérée comme marquant le début de l'ikebana moderne. Moribana se distingue du nageire par le récipient et le support : là, le vase haut sans kenzan, ici, la coupe plate avec celui-ci.

Aussi : Moribana, style moribana, arrangement en coupe, ikebana en coupe

Mosha 模写

Le mosha (模写) est la reproduction fidèle d'une peinture ou d'une calligraphie existante. Pendant des siècles, il a constitué au Japon le cœur de la formation des peintres : celui qui apprenait à peindre commençait par copier pendant des années, avant de concevoir une œuvre personnelle. Par ailleurs, le mosha sert aujourd'hui encore à la conservation - des copies de peintures murales fragiles et de rouleaux suspendus sont réalisées afin que l'original puisse être préservé. Une forme particulière est le genjō-mosha (現状模写), qui reproduit également l'état actuel, y compris les lacunes et la peinture écaillée, tandis que d'autres copies reconstituent l'état d'origine. Dans le rinmo (臨模), le modèle est placé à côté pendant le travail. Le mosha se distingue de l'utsushi par l'intention : ici, il s'agit d'exactitude, là, d'appropriation.

Aussi : Mosha, Mo-sha, copie fidèle, reproduction, Genjō-Mosha, Rinmo

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Mujō 無常

Mujō est le terme bouddhique désignant l'impermanence : la perception que tout ce qui est composé naît, se transforme et disparaît à nouveau, et que rien n'est durable. Dans la formule Shogyō mujō, cette pensée compte parmi les enseignements fondamentaux du bouddhisme ; c'est le célèbre incipit du Heike Monogatari qui l'a introduite dans la littérature japonaise. Pour l'art, Mujō est la condition de l'esthétique Wabi-Sabi : les traces d'usage, les surfaces patinées et la brève floraison d'une saison n'y sont pas considérées comme un défaut. Contrairement à Mono no aware, qui désigne l'émotion ressentie par celui qui observe, Mujō désigne le fait lui-même.

Aussi : Mujō, impermanence, Shogyō mujō, éphémère

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Muromachi-Zeit 室町時代

La période Muromachi (1333–1573) est l'époque durant laquelle le shogunat Ashikaga gouverna depuis Kyoto ; elle tire son nom du quartier de Muromachi dans cette même ville. Pour l'art japonais, c'est l'une des périodes les plus lourdes de conséquences qui soient : c'est à cette époque que naissent le théâtre Nō, la peinture à l'encre selon le modèle chinois, le style d'habitation Shoin avec son tokonoma, ainsi que les débuts de la cérémonie du thé dans l'esprit du wabi. Elle succède à la période Kamakura et se prolonge dans la période Azuchi-Momoyama, durant laquelle la céramique à thé connaît son premier grand essor.

Aussi : période Muromachi, époque Muromachi, ère Muromachi, période Ashikaga, époque Ashikaga

Mushiboshi 虫干し

Le mushiboshi (虫干し) est l'aération régulière des rouleaux suspendus, des livres et des textiles, une pratique qui fait partie du cycle annuel des temples et des collections japonaises depuis des siècles. Les jours secs et clairs – traditionnellement en automne – les pièces sont sorties de leurs caisses, suspendues à l'ombre et aérées pendant quelques heures. L'idée sous-jacente est simple : l'humidité qui s'est accumulée dans le contenant fermé s'échappe, et les insectes ne trouvent plus d'environnement tranquille. Pour une collection privée, il suffit de suspendre chaque rouleau suspendu une à deux fois par an pendant quelques heures, un jour sec, sans soleil direct et sans courant d'air.

Aussi : Mushi-boshi, aération des rouleaux suspendus, aération de la collection, aération Mushiboshi

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Mushin 無心

Mushin, littéralement « non-esprit », désigne dans le bouddhisme zen un état d'action sans pensée attachante : l'esprit ne s'arrête sur aucune pensée ni aucune intention et peut donc répondre librement à l'instant. Le moine zen Takuan Sōhō l'a décrit en détail dans l'écrit Fudōchi Shinmyōroku, qu'il a dédié au maître d'épée Yagyū Munenori ; de là, la notion a rayonné dans les voies martiales et artistiques. En calligraphie et en peinture à l'encre, Mushin désigne le tracé du pinceau qui n'est ni réfléchi ni corrigé – l'Enso en est considéré comme le témoignage le plus connu. Contrairement au Satori, Mushin n'est pas une expérience unique, mais une attitude dans l'action.

Aussi : Mushin no shin, non-esprit, non-attachement, Mu-shin, esprit sans esprit

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Nabeshima-yaki 鍋島焼

Le Nabeshima-yaki est une porcelaine japonaise que la maison princière Nabeshima du fief de Saga a fait fabriquer dans sa propre manufacture seigneuriale depuis la fin du XVIIe siècle jusqu'à l'ère Meiji – non pas destinée à la vente, mais offerte en cadeau au shogunat et à d'autres maisons princières. Les fours se trouvaient à Ōkawachiyama, une cuvette entourée de montagnes dans l'actuelle Imari, ce qui facilitait le maintien du secret sur les techniques. Cette céramique se reconnaît à des tailles d'assiettes standardisées, à un pied annulaire haut orné d'un motif de dents de peigne dessiné avec précision, et à des motifs purement japonais. À côté de l'Iro-Nabeshima peint en couleurs, on trouve le bleu sous glaçure et le céladon. Contrairement à la porcelaine d'Arita et d'Imari, destinée au commerce, le Nabeshima a été produit sans égard pour le coût.

Aussi : Nabeshima-yaki, porcelaine Nabeshima, céramique de Nabeshima, Nabeshima

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Nageire 投入

Nageire (投入, « jeté dedans ») est le style d'ikebana dans lequel les branches sont placées dans un récipient haut – un vase, une cruche, un tube de bambou – et se maintiennent uniquement en appui contre le bord du récipient et les unes contre les autres ; aucun porte-pique n'est utilisé, tout au plus une petite baguette coincée. Le nom fait allusion au geste apparemment désinvolte par lequel les fleurs sont mises dans le récipient : c'est le résultat qui doit paraître naturel, non le travail sur l'inclinaison et la tenue. Cette forme s'est développée entre l'époque Muromachi et l'époque Edo, à côté du Rikka, plus élaboré, et se rapproche de la sobre fleur de thé Chabana. Son pendant est le Moribana, dans le vase plat.

Aussi : Nage-ire, Nageirebana, style Nageire, ikebana Nageire

Natsume 棗

Un Natsume (棗) est la boîte à thé japonaise en bois laqué dans laquelle est conservée la poudre de matcha destinée au thé léger. Le nom vient du jujube, la baie japonaise dont le fruit rappelle la forme trapue et le couvercle légèrement bombé de la boîte. Le noir uni est la forme classique, mais les décors en maki-e, la technique de saupoudrage à la poudre d'or et d'argent, sont également fréquents. Pour le thé épais, on n'utilise traditionnellement pas de Natsume, mais un Chaire, la plus petite boîte à thé en céramique à couvercle d'ivoire. En tant que petit objet laqué, un Natsume trouve également sa place dans une niche en dehors de la cérémonie du thé.

Aussi : Natsume, boîte à thé, boîte à matcha, boîte à thé japonaise, boîte à thé en laque, boîte à thé Natsume

Netsuke 根付

Un netsuke est un petit objet sculpté qui servait de contrepoids dans le vêtement japonais : comme le kimono n'a pas de poches, les bourses, boîtes à tabac ou inrō étaient portés à l'aide d'un cordon qui passait par-dessus la ceinture Obi et était fixé à son extrémité supérieure par le netsuke, afin d'empêcher qu'il ne glisse. Il mesure le plus souvent de trois à quatre centimètres, se compose traditionnellement de buis, d'ébène ou d'ivoire, et comporte toujours des trous pour le cordon, le himotoshi. Comme il est manipulé dans la main, il est travaillé sur toutes ses faces. Contrairement à l'okimono, purement décoratif, le netsuke est un objet d'usage ; avec l'adoption du vêtement occidental, il perdit sa fonction.

Aussi : Netsuke, Nestuké, sculpture Netsuke, figurine Netsuke, bouton de ceinture japonais

Nezumi-Shino 鼠志野

Nezumi-Shino, « souris-Shino », est le sous-type gris de la céramique Shino originaire de la région de Mino. Le tesson façonné est d'abord recouvert sur toute sa surface d'un engobe riche en fer, l'Oniita ; dans cette couche, le potier grave son motif, de sorte que l'argile claire réapparaît. Par-dessus vient l'émail feldspathique blanc typique. Lors de la cuisson, l'engobe restant prend une teinte gris souris à brun rougeâtre, tandis que les lignes grattées restent claires – le dessin apparaît donc clair sur fond sombre. C'est exactement l'inverse pour l'E-Shino, où le motif est peint directement avec une couleur ferrugineuse.

Aussi : Nezumishino, Nezumi Shino, Nezumi-Shino, céramique Nezumi Shino, Shino gris

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Nihonga 日本画

Le nihonga (日本画, « peinture japonaise ») est le terme générique désignant la peinture japonaise classique, réalisée avec des pigments naturels, des pinceaux fins et des supports traditionnels tels que le papier, la soie ou le bois. Le terme n'a été forgé qu'à l'époque Meiji, afin de distinguer la tradition picturale nationale de la peinture à l'huile importée à la même époque depuis l'Occident (yōga). Le nihonga englobe donc des styles et des écoles très différents – de la peinture monochrome à l'encre sumi-e au yamato-e de cour, en passant par la peinture Kanō et la peinture Rinpa. Ce n'est donc ni une technique ni un style, mais une dénomination collective formée a posteriori pour désigner la peinture japonaise dans son ensemble.

Aussi : Nihon-ga, peinture japonaise, peinture Nihonga, peinture japonaise classique

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Ningen Kokuhō 人間国宝

Ningen Kokuhō, littéralement « Trésor national vivant », est la dénomination courante des personnes reconnues au Japon comme détentrices d'un bien culturel immatériel important. Cette distinction remonte à la loi de protection des biens culturels de 1950 et est décernée depuis 1955 ; le titre officiel est nettement plus lourd que le titre populaire. Ce qui est reconnu n'est pas une œuvre isolée, mais la maîtrise d'une technique - une glaçure, une cuisson, un mode de décoration - assortie de la charge de la transmettre. Chez les céramistes, on rencontre souvent ce titre chez ceux qui ont reconstitué des procédés que l'on croyait perdus, comme Arakawa Toyōzō pour le Shino en 1955 ou Kaneshige Tōyō pour le Bizen en 1956.

Aussi : Ningen Kokuho, Trésor national vivant, Trésor vivant du Japon

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Noborigama 登り窯

Un noborigama est un four à chambres construit à flanc de coteau, dans lequel plusieurs chambres de cuisson s'élèvent les unes derrière les autres en gradins. La chaleur résiduelle de chaque chambre préchauffe la suivante, ce qui réduit la durée de cuisson et la consommation de bois et permet des températures nettement plus homogènes que dans l'anagama à chambre unique. Cette forme de construction, d'origine coréenne, s'est répandue au Japon vers le tournant du XVIIe siècle et a rendu possible, pour la première fois, la production de céramique émaillée en plus grande quantité ; à Tamba, par exemple, son introduction est datée aux alentours de 1611. Plus homogène ne signifie toutefois pas identique : chaque chambre et chaque emplacement en son sein cuit différemment, si bien que les résultats varient d'une pièce à l'autre.

Aussi : Noborigama, Nobori-gama, four à chambres montantes, four à chambres, four escalade, four grimpant

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Obori-Sōma-yaki 大堀相馬焼

Obori-Sōma-yaki est une tradition céramique japonaise originaire du quartier Ōbori de Namie, dans la préfecture de Fukushima, dont la fondation est datée de 1690 et qui se trouvait sous la protection du fief de Sōma. Elle porte trois signes distinctifs : un cheval au galop peint d'après les armoiries de la maison Sōma, un réseau de craquelures bleues volontairement produit dans la glaçure, et une construction à double paroi, dans laquelle un gobelet est composé de deux bols emboîtés l'un dans l'autre et reste frais à l'extérieur. Après la catastrophe nucléaire de 2011, l'ensemble de la localité a dû être évacué ; une partie des ateliers continue depuis à travailler dans d'autres localités de Fukushima.

Aussi : Obori-Soma-yaki, Ōbori-Sōma-yaki, Sōma-yaki, céramique Obori-Soma, céramique d'Obori-Soma, poterie Obori-Soma

Ochoko お猪口

Un ochoko (お猪口) est le petit gobelet à saké japonais classique, tel qu'on le connaît dans les services à saké – bas, légèrement conique et conçu pour quelques gorgées. On le remplit à partir du tokkuri, la bouteille à saké ventrue, et il est considéré comme poli de servir son vis-à-vis et de se laisser servir soi-même. Ce qui le distingue surtout du guinomi, c'est la taille : le guinomi est la coupe un peu plus grande et plus profonde, qui sert aux potiers et aux collectionneurs de petite surface artistique. Le sakazuki, plat et largement ouvert, appartient quant à lui aux occasions cérémonielles. Les ochoko sont souvent proposés en set avec un tokkuri assorti.

Aussi : Ochoko, O-choko, Choko, tasse à saké, petite tasse à saké, gobelet à saké

Ohi-yaki 大樋焼

La céramique Ohi-yaki est une céramique à thé japonaise de Kanazawa, dans la préfecture d'Ishikawa, apparue en 1666 lorsque le potier Chōzaemon accompagna le maître de thé Senso Sōshitsu de Kyoto à la cour du seigneur de Kaga, Maeda Tsunanori. Sur le plan technique, elle constitue une branche de la tradition Raku : les pièces sont montées à la main sans tour de potier, retravaillées à la spatule, puis cuites individuellement à basse température. Son signe distinctif est la glaçure Ame, ferrugineuse et couleur ambre, qui va du ton miel clair jusqu'au brun-rouge profond. C'est précisément là que réside la différence avec le Raku-yaki de Kyoto, qui travaille avec le noir et un rouge sourd ; s'y ajoute un langage des formes plus trapu et plus lourd.

Aussi : Ōhi-yaki, céramique d'Ohi, Ohi-yaki, Ohi-Chawan

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Okimono 置物

Un okimono est un objet décoratif autonome, sans fonction d'usage, traditionnellement placé au Japon dans la niche décorative tokonoma, sur une étagère ou sur un autel domestique ; le nom signifie littéralement « chose posée ». Les okimono sont réalisés en bois, en ivoire, en céramique, en bronze ou en cloisonné, et les motifs vont des animaux et créatures fabuleuses aux divinités jusqu'aux scènes de la vie quotidienne. À l'époque Meiji sont apparus de nombreux okimono, souvent d'une facture très élaborée, destinés au marché occidental, dont beaucoup étaient l'œuvre de sculpteurs ayant auparavant fabriqué des netsuke. L'okimono se distingue fondamentalement du netsuke : il n'a pas de trous de cordon et ne se porte pas, mais se contemple.

Aussi : Okimono, oki-mono, figurine décorative, objet décoratif, objet posé

Onta-yaki 小鹿田焼

Onta-yaki est une céramique japonaise originaire du hameau de Sarayama, près de Hita, dans la préfecture d'Ōita, apparue en 1705 lorsque des potiers du village voisin de Koishiwara y furent amenés. Aujourd'hui encore, seules quelques familles y travaillent, préparant l'argile à l'aide de maillets actionnés par l'eau, appelés karausu, et ne signant pas leurs pièces. Les motifs rythmiques sur engobe blanc appliqué sur un tesson rougeâtre en sont caractéristiques : entailles taillées (Tobi-kanna), coups de brosse (Hakeme) et coulées de glaçure versées. Yanagi Sōetsu loua ce lieu en 1931 comme exemple d'artisanat populaire, et Bernard Leach y travailla en 1954. En 1995, la technique fut reconnue comme bien culturel immatériel important.

Aussi : Onta-yaki, céramique Onta, Ontagawa-yaki, Onta

Oribe-yaki 織部焼

Le Oribe-yaki est une céramique grès japonaise originaire de la région de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu, produite surtout entre environ 1600 et les années 1630. Son signe distinctif est un émail cuivré vert profond, qui n'est pas appliqué de façon uniforme mais versé par endroits sur la pièce, où il coule en bandes ; s'y ajoutent des zones claires ornées de motifs géométriques peints sous glaçure à l'oxyde de fer, ainsi que des formes délibérément déformées et asymétriques. Le style tire son nom du maître de thé Furuta Oribe (1544–1615), dont le goût l'a marqué. Ainsi, l'Oribe est le plus spectaculaire des quatre styles de Mino et le contrepoint à la retenue du Shino. Après le suicide forcé d'Oribe en 1615, ce style perdit rapidement de son importance.

Aussi : Oribe-yaki, céramique Oribe, Ao-Oribe, Oribe

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Otani-yaki 大谷焼

Otani-yaki est une céramique de grès japonaise originaire du quartier d'Ōasa, à Naruto, dans la préfecture de Tokushima, sur l'île de Shikoku, dont les débuts remontent à 1780. Elle doit son essor à la culture de l'indigo dans la région : pour les cuves de fermentation des teinturiers, on fabriquait des jarres de la hauteur d'un homme. Ces récipients de grande taille sont réalisés selon la technique inhabituelle du ne-rokuro, dans laquelle un potier, allongé, fait tourner le tour avec les pieds tandis qu'un second façonne la pièce. La terre riche en fer donne une surface rugueuse aux reflets métalliques. Le four à chambres du lieu est considéré comme l'un des plus grands du Japon.

Aussi : Ōtani-yaki, céramique Otani, Otani yaki, Otani

Raden 螺鈿

Le raden (螺鈿) est la technique japonaise d'incrustation de nacre : de fines plaquettes découpées dans de la nacre de coquillage ou de coquille d'escargot de mer sont taillées, incrustées dans le fond de laque ou insérées dans un creux, recouvertes de laque puis dégagées par ponçage. Le résultat chatoie en bleu, vert et rose selon l'incidence de la lumière et se détache par un éclat froid sur le noir profond de l'urushi. Cette technique orne des coffrets, des bols, des boîtes à thé et des meubles. Contrairement au maki-e, où de la poudre d'or ou d'argent répandue forme le motif, le raden travaille avec des morceaux de matière solides et incrustés ; les deux techniques sont souvent combinées sur un même objet.

Aussi : Raden, technique Raden, incrustation de nacre, nacre

Rakkan 落款

Un rakkan est l'authentification d'une peinture japonaise ou d'une calligraphie, composée d'une signature manuscrite et d'une empreinte de sceau rouge, généralement apposée en bordure de la composition. Le terme désigne à proprement parler les deux éléments ensemble ; dans le commerce de l'art, il désigne cependant aussi souvent l'empreinte de sceau seule. L'impression se fait avec du shuniku, une pâte à sceau rouge cinabre, et le sceau porte le plus souvent le nom d'artiste dans l'écriture sigillaire archaïque tensho. Le rakkan est à distinguer du hanko, le tampon en tant qu'objet, et du kakihan, un monogramme tracé au pinceau sans tampon. Pour l'observateur, le rakkan n'est jamais une simple attestation, mais un accent rouge délibérément placé dans la composition de l'image.

Aussi : sceau de nom, signature et sceau, rakkan-in, empreinte de sceau, sceau rouge, cachet rouge

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Raku-yaki 楽焼

Le Raku-yaki est une tradition céramique japonaise née au XVIe siècle de la collaboration du potier Chōjirō avec le maître de thé Sen no Rikyū, et qui produit avant tout des chawan destinés à la cérémonie du thé. Les bols sont façonnés à la main, sans tour de potier, cuits à une température relativement basse, puis refroidis rapidement ; il en résulte les fines craquelures caractéristiques et des coulures d'émail jamais reproductibles à l'identique. Le Kuro-Raku noir et l'Aka-Raku rouge en sont les types de base les plus répandus. Le nom trouve son origine dans un hommage rendu par Toyotomi Hideyoshi ; la famille Raku perpétue la tradition à Kyōto jusqu'à aujourd'hui. Dans le classement traditionnel des bols à thé, le Raku précède le Hagi et le Karatsu.

Aussi : Raku-yaki, céramique Raku, Aka-Raku, Raku

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Reisho 隷書

Le reisho (隷書) est l'écriture de chancellerie, le deuxième plus ancien des cinq styles calligraphiques classiques de l'Asie orientale. Il est apparu dans la Chine de l'époque Qin comme une forme simplifiée et plus rapide à écrire de l'écriture sigillaire tensho, puis est devenu sous la dynastie Han l'écriture officielle des documents administratifs et des inscriptions sur pierre. Il se caractérise par des caractères larges et plutôt aplatis, ainsi que par le trait horizontal final, s'élargissant avec élan, appelé en japonais hataku. Du reisho sont issus les styles plus récents : l'écriture régulière kaisho, la semi-cursive gyōsho et l'écriture cursive sōsho. Au Japon, le reisho est aujourd'hui encore visible là où l'écriture doit dégager de la dignité : sur les billets de banque, les têtes de journaux, les plaques nominatives et les sceaux.

Aussi : Reisho-tai, écriture des scribes, style clérical, style des scribes

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Reiwa-Zeit 令和時代

L'ère Reiwa est l'ère japonaise en cours depuis 2019, qui a débuté avec le changement de trône en faveur de l'empereur Naruhito et qui suit l'ère Heisei. Étant donné que les objets d'art japonais sont habituellement datés par ère, cette indication désigne simplement une pièce de création contemporaine. Pour la céramique, cela signifie généralement : réalisée par un potier en activité aujourd'hui, souvent avec une boîte en bois signée et un atelier documenté. Contrairement aux ères plus anciennes, la datation ne renvoie donc pas à une notion de style, mais seulement à une indication de contemporanéité.

Aussi : Reiwa, ère Reiwa, période Reiwa

Rinpa 琳派

Rinpa (琳派) désigne un courant décoratif de la peinture japonaise qui met en scène des motifs naturels fortement stylisés – herbes, fleurs, vagues, oiseaux – souvent sur fond d'or. Le nom remonte au peintre Ogata Kōrin, « ha » signifiant école. Contrairement à l'école Kanō, le Rinpa ne s'est pas transmis comme une entreprise familiale, mais par l'étude des modèles : Sakai Hōitsu (1761–1829), par exemple, ne fut jamais l'élève de Kōrin, mais s'appropria son œuvre en autodidacte et fonda l'Edo-Rinpa. Ce langage pictural plan et ornemental, aux silhouettes nettes, influença au XIXe siècle également l'art européen du Jugendstil.

Aussi : Rinpa, Rimpa, école Rinpa, école Rimpa, école Kōrin

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Rokkoyō 六古窯

Rokkoyō, les « Six Anciens Fours », est la dénomination collective de six centres céramiques japonais qui produisent de manière ininterrompue depuis le Moyen Âge : Seto, Tokoname, Shigaraki, Bizen, Echizen et Tamba. Tous les six ont d'abord cuit du grès grossier non émaillé destiné aux besoins quotidiens – jarres de conservation, mortiers, récipients pour l'eau et les céréales – et n'ont été considérés que bien plus tard comme de l'artisanat d'art ; Seto fait à cet égard figure d'exception, puisque des pièces émaillées y sont apparues très tôt. Le terme lui-même est plus récent que la chose qu'il désigne : il fut forgé vers 1948 par l'historien de la céramique Koyama Fujio. En 2017, les Six Anciens Fours ont été conjointement classés Patrimoine culturel japonais.

Aussi : Rokkoyo, Rokkoyō, Six Anciens Fours, Six Fours Anciens, Six Vieux Fours

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Rokuro 轆轤

Le rokuro est le tour de potier japonais, et désigne également le travail effectué sur celui-ci. On distingue le keri-rokuro, actionné au pied, le te-rokuro, mis en mouvement à la main, et aujourd'hui le tour électrique. Celui qui travaille au tour étire la paroi vers le haut avec les doigts ; il en résulte ces fines cannelures en spirale ascendante qui permettent de reconnaître une pièce tournée. Dans presque tout le Japon, le tour tourne dans le sens des aiguilles d'une montre – le village de potiers de Tachikui, dans le Tamba, fait partie des rares exceptions. Il convient de distinguer le rokuro du tebineri, le montage à la main sans aucun recours au tour.

Aussi : tour de potier, roue de potier, keri-rokuro, rokuro, technique du rokuro

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Ryū 龍

Ryū est le dragon japonais : un être serpentiforme dépourvu d'ailes, qui règne sur l'eau, la pluie et le ciel et qui, dans la mythologie, est le plus souvent considéré comme un protecteur bienveillant. Son iconographie est née d'une fusion de conceptions chinoises, indiennes et shintō indigènes. Il se distingue traditionnellement de ses parents chinois par le nombre de ses griffes : trois au lieu de quatre ou cinq. Contrairement au dragon occidental, il ne crache pas de feu et n'a pas besoin d'ailes ; pour désigner l'être ailé et cracheur de feu propre à la tradition européenne, le japonais moderne a adopté l'emprunt Doragon. Dans les kakemono, le dragon symbolise le pouvoir, la sagesse et la protection contre les mauvais esprits.

Aussi : Dragon, Tatsu, dragon japonais, Ryu, Ryū

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Sakazuki 盃

Un sakazuki (盃) est la coupe à saké japonaise plate et largement ouverte, traditionnellement utilisée surtout lors d'occasions cérémonielles – par exemple lors du san-san-kudo, l'échange rituel de coupes à saké lors d'un mariage shintō, ainsi qu'à l'occasion du Nouvel An et des jours de fête. Elle est fabriquée en céramique ou en bois laqué, souvent laqué en rouge et décoré d'or. Ce qui la distingue avant tout des récipients du quotidien, c'est la forme : là où l'ochoko et le guinomi sont en forme de gobelet et profonds, le sakazuki est large et bas, de sorte que le liquide reste visible comme un miroir. Pour la consommation quotidienne de saké, c'est la forme la moins pratique ; pour les occasions festives, c'est la forme adaptée.

Aussi : coupe à saké plate, coupe à saké cérémonielle, coupe sakazuki, sakazuki

Sakoku 鎖国

Sakoku (鎖国, « fermeture du pays ») est la politique du shogunat Tokugawa qui a largement coupé le Japon du monde extérieur durant l'époque d'Edo. À partir de 1624, le commerce et les déplacements furent drastiquement restreints : il était interdit aux Japonais de quitter le pays, le christianisme fut proscrit, et Nagasaki resta pratiquement le seul port de commerce où les navires néerlandais et chinois étaient autorisés à accoster. Le mot lui-même est plus récent que la chose qu'il désigne - il n'apparut qu'en 1801, lorsque le traducteur Shizuki Tadao transposa en japonais un texte d'Engelbert Kaempfer. Cette fermeture prit fin avec l'ouverture forcée du Japon à partir de 1853 ; c'est précisément dans cet isolement que se sont formées de nombreuses traditions de l'artisanat d'art japonais.

Aussi : Sakoku, politique de fermeture du pays, politique d'isolement, fermeture du Japon

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Sanadahimo 真田紐

Le sanadahimo est un ruban japonais étroit, tissé à plat, utilisé surtout pour fermer des boîtes en bois telles que le tomobako ou le kiribako. Contrairement à un cordon tressé rond, il est réalisé sur métier à tisser à partir d'une chaîne et d'une trame, ce qui le rend dense, très résistant à la traction et pratiquement pas extensible – à l'origine, il servait d'ailleurs à cet effet pour les baudriers de sabre, les éléments d'armure et l'arrimage des charges. Il est le plus souvent tissé en coton ou en soie, souvent selon de fins motifs rayés ou à carreaux, qui varient selon l'école de thé, l'atelier ou la famille et servent ainsi de signe distinctif. Le nom est traditionnellement associé à la maison guerrière Sanada ; cette origine est considérée comme une légende.

Aussi : Sanadahimo, sanada-himo, cordon Sanadahimo, tressage plat

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Sangiri 桟切

Sangiri est l'un des effets de cuisson classiques de la céramique de Bizen non émaillée : des zones grises, gris-bleu à presque noires, qui se forment à l'endroit où une pièce est recouverte dans le four par de la cendre et du charbon de bois incandescent. Sous cette couche, l'oxygène fait défaut, le fer contenu dans le tesson est réduit et vire du brun-rouge habituel à des tons gris froids ; les transitions sont douces et nuageuses. Lorsque ce recouvrement résulte simplement de la position dans le four, on parle de sangiri naturel ; lorsque du charbon de bois est amoncelé délibérément vers la fin de la cuisson, on parle de sangiri artificiel. À la différence du goma et du bidoro, le sangiri ne repose pas sur de la cendre fondue, mais sur l'atmosphère de cuisson.

Aussi : San-giri, effet Sangiri, Sumi-Sangiri, Sangiri-Bizen, Sangiri

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Sansui 山水

Le sansui (山水, littéralement « montagne et eau ») est la peinture paysagère japonaise – une cascade entre des rochers, un village de pêcheurs dans la brume matinale, une colline de pins devant des chaînes de montagnes lointaines. Elle se nourrit de dégradés d'encre et de vastes surfaces vierges, lues comme brume, eau ou ciel, et se laisse comprendre sans connaissances préalables : on contemple une telle image comme une fenêtre et l'on y découvre à chaque regard un détail supplémentaire. Techniquement, les paysages sont considérés comme reconnaissants, car le fond non peint supporte mieux le jaunissement lié à l'âge qu'une mise en couleur en aplat. Contrairement à la calligraphie zen, un sansui ne s'arrête sur aucune symbolique déterminée.

Aussi : Sansui-ga, Sansuiga, peinture de paysage japonaise, peinture de paysage, paysage japonais

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Satori 悟り

Satori désigne, dans le bouddhisme zen, l'expérience de l'éveil soudain, un basculement de la perception dans lequel la séparation habituelle entre l'observateur et le monde semble, l'espace d'un instant, abolie. Elle est considérée comme imprévisible et indicible ; elle se transmet ainsi par des anecdotes et des kōan paradoxaux plutôt que par des préceptes. Pour l'art, cette notion est importante, car la calligraphie zen et la peinture à l'encre ne représentent justement pas un résultat, mais un état d'esprit au moment même du tracé du pinceau – un enso en est l'exemple le plus connu.

Aussi : Éveil, Illumination, Kenshō, expérience du satori

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Satsuma-yaki 薩摩焼

Le Satsuma-yaki est une tradition céramique japonaise (grès) originaire de l'ancienne province de Satsuma, au sud de l'actuelle préfecture de Kagoshima, fondée par des potiers coréens venus à Kyūshū à la fin du XVIe siècle. On distingue deux lignées : le Shiro-Satsuma, à la pâte couleur ivoire, à la glaçure transparente finement craquelée et au décor sur glaçure dense rehaussé d'or, à l'origine réservé à la maison seigneuriale Shimazu, et le Kuro-Satsuma, en argile riche en fer à la glaçure sombre, destiné à la vaisselle du quotidien. La distinction essentielle est la suivante : le Satsuma n'est pas une porcelaine mais un grès - la pâte reste opaque, sonne mat et présente presque toujours ce craquelé. Les porcelaines aux décors tout aussi somptueux proviennent le plus souvent de Kutani.

Aussi : Satsuma-yaki, Satsuma yaki, céramique Satsuma, grès de Satsuma, Shiro-Satsuma, Kuro-Satsuma, Nishikide, Nishiki-de

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Seiza 正座

Seiza (正座, littéralement « la façon correcte de s'asseoir ») est la posture assise formelle japonaise : agenouillé sur le sol, les fesses posées sur les talons, le dos droit, les mains posées sur les genoux. Elle s'est imposée comme forme obligatoire lors des occasions formelles à l'époque d'Edo dans le milieu des guerriers, avant de se généraliser. Dans la salle de thé, elle constitue la posture de base de l'hôte comme des invités : c'est à partir d'elle que les ustensiles sont maniés et que le rouleau suspendu placé dans le tokonoma est contemplé, si bien que la hauteur du regard et les proportions de la pièce s'y ajustent. En calligraphie comme dans les arts martiaux, Seiza est également considérée comme la posture classique.

Aussi : Seiza, position assise formelle japonaise, agenouillement japonais, position à genoux

Seladon 青磁

Le céladon désigne une glaçure translucide, aux reflets verdâtres à bleu-vert, d'origine est-asiatique, ainsi que la céramique qui en est recouverte. Sa couleur provient d'une faible teneur en fer dans la glaçure, qui, lors de la cuisson en réduction – c'est-à-dire sous privation contrôlée d'oxygène dans le four –, vire du brun rougeâtre au vert ; de faibles variations dans la conduite du four modifient déjà la teinte. Elle fut développée en Chine, où les fours de Longquan sont considérés comme son apogée ; au Japon, elle se nomme Seiji. La glaçure présente fréquemment un fin réseau de craquelures, le Kannyū. Le nom européen remonte au personnage de roman Céladon, tiré de « L'Astrée » d'Honoré d'Urfé, dont le vêtement vert pâle devint à la mode au début du XVIIe siècle.

Aussi : Céladon, Seiji, glaçure céladon, céramique céladon

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Sen no Rikyū 千利休

Sen no Rikyū (千利休, 1522–1591) fut le maître de thé le plus influent du Japon et marqua durablement l'esthétique de la cérémonie du thé, jusqu'à aujourd'hui. Il porta l'idéal du Wabi-Cha à son point extrême : des salles de thé minuscules, une entrée si basse que chaque invité devait se courber, des ustensiles simples en bois et en terre cuite ordinaire au lieu de précieuses importations chinoises. Sa collaboration avec le potier Chōjirō donna naissance à la céramique Raku, et depuis qu'il fréquentait le Daitoku-ji, les rouleaux suspendus destinés au tokonoma de la salle de thé proviennent traditionnellement de ce monastère. Rikyū mourut en 1591 par suicide forcé ; son disciple Furuta Oribe fut par la suite considéré comme le maître de thé le plus important.

Aussi : Rikyū, Rikyu, Sen no Rikyu, Sen Rikyū, Sen no Rikyū

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Sencha 煎茶

Le sencha est le thé vert japonais le plus consommé : des feuilles étuvées, roulées et séchées, que l'on infuse avec de l'eau chaude et que l'on ne fouette pas en poudre comme le matcha. Il se boit dans le yunomi, le gobelet plus haut et sans anse, et non dans le bol à thé évasé. À côté de la cérémonie du thé à base de poudre, le Japon a développé avec le senchadō une tradition d'infusion propre, moins formalisée. Pour comprendre la vaisselle à thé japonaise, cette distinction est essentielle : l'infusion et le fouettage exigent des récipients différents.

Aussi : thé vert japonais, sencha, sen-cha, thé en feuilles

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Seto-yaki 瀬戸焼

La céramique de Seto est une tradition céramique japonaise originaire de Seto et d'Owariasahi, dans la préfecture d'Aichi, et fait figure d'exception parmi les six anciens fours du Japon : alors que les cinq autres cuisaient du grès non émaillé, Seto fut pendant des siècles le seul centre japonais de céramique émaillée. Selon la tradition, cette tradition remonterait à Katō Shirozaemon, qui étudia en Chine au XIIIe siècle ; le céladon chinois et le tenmoku ont marqué la production des débuts. Plutôt qu'un aspect uniforme, Seto se caractérise par une grande diversité d'émaux ainsi que par le style sometsuke, à la peinture sous glaçure bleu cobalt. Les potiers de Seto ayant fui vers Mino y fondèrent plus tard le Shino, l'Oribe et le Ki-Seto.

Aussi : céramique de Seto, céramiques de Seto, Setomono, céramique Setomono

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Setoguro 瀬戸黒

Setoguro, « Seto noir », est l'un des quatre grands styles de céramique de la région de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu, et se caractérise par un noir profond et velouté. Il résulte d'un procédé particulier : les pièces sont sorties du four encore incandescentes et refroidies brutalement, ce qui fait figer la glaçure ferrugineuse en noir – d'où également le nom Hikidashi-guro, « noir tiré du feu ». Comme Shino, Oribe et Ki-Seto, le Setoguro est apparu à l'époque Momoyama, bien que son nom renvoie à la Seto voisine. Les variantes Oribe que sont le Kuro-Oribe et l'Oribe-guro recourent à la même technique de trempe brutale ; contrairement au Raku-yaki façonné à la main, on travaille ici au tour de potier.

Aussi : Seto-guro, Hikidashi-guro, Seto noir, Chawan Setoguro

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Shakyō 写経

Shakyō (写経, « copie de sûtra ») consiste à recopier à la main des sutras bouddhiques au pinceau et à l'encre, une pratique méditative répandue au Japon depuis des siècles. Le sûtra le plus fréquemment copié est le Sûtra du Cœur (Hannya Shingyō), dont les 262 caractères se prêtent particulièrement bien à cet exercice. Dans le zen, le shakyō n'est pas seulement considéré comme un acte de vénération, mais surtout comme un exercice de concentration : le tracé attentif de chaque kanji ramène celui qui écrit au moment présent, et cela commence déjà par le frottement du bâton d'encre. Une copie achevée peut être offerte au temple ou conservée chez soi.

Aussi : Shakyō, Shakyo, copie de sûtra, copie de sūtra, transcription de sûtra

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Shasei 写生

Le shasei (写生) est la peinture et le dessin d'après l'observation directe, c'est-à-dire l'étude sur l'oiseau vivant et sur la plante réelle plutôt que sur le modèle d'atelier. Au Japon, Maruyama Ōkyo (1733–1795) imposa cette méthode de travail au XVIIIe siècle face à la formation dominante fondée sur le funpon ; de son cercle est issue l'école Maruyama-Shijō, dont l'observation minutieuse de la nature se prolongea jusqu'à l'époque Meiji. Le fait que le shasei ait alors été considéré comme une innovation montre inversement à quel point la copie était jusque-là la norme évidente. L'opposition n'en est cependant pas une de technique : même une image travaillée d'après nature reste, dans la conduite du pinceau et la construction de l'image, redevable au langage formel traditionnel.

Aussi : Sha-sei, shasei, étude de la nature, dessin d'après nature, Shasei-ga, Maruyama-Shijō, école Maruyama-Shijō

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Shibui 渋い

Shibui est un jugement esthétique japonais qui désigne une beauté discrète, sans ostentation : sobre au premier abord et reconnue seulement riche après une contemplation prolongée. Le mot signifie à l'origine âpre ou astringent, comme le goût d'un kaki pas mûr, et il est devenu, dans la culture du thé, un éloge pour les objets qui ne cherchent pas à attirer l'attention. Il est entré dans le langage international du design par l'intermédiaire de Yanagi Sōetsu et du mouvement japonais des arts populaires. Contrairement à Wabi-Sabi, qui met l'accent sur les traces de l'âge et du hasard, Shibui est d'abord un jugement de valeur : une pièce peut être neuve et sans défaut et néanmoins shibui, tant qu'elle reste discrète.

Aussi : Shibusa, Shibumi, esthétique shibui

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Shichifukujin 七福神

Les Shichifukujin sont un groupe de sept divinités porte-bonheur de la religion populaire japonaise, qui promettent ensemble bonheur, prospérité et une vie accomplie : Ebisu, Daikokuten, Bishamonten, Benzaiten, Fukurokuju, Jurōjin et Hotei. Leur origine est remarquable, puisqu'elle se rattache à trois traditions différentes : seul Ebisu est proprement japonais et shintoïste, trois divinités proviennent du domaine indien, trois de Chine. En tant que groupe, elles n'auraient été réunies, selon la tradition, que vers la fin de l'époque Muromachi (1336–1573) à Kyōto. Selon la légende la plus connue, elles voyagent à la nouvelle année vers les hommes sur le bateau au trésor Takarabune ; en janvier, le pèlerinage Shichifukujin-Meguri est répandu.

Aussi : Sept dieux du bonheur, Les sept dieux du bonheur, 7 dieux du bonheur, Dieux du bonheur, Shichifukujin

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Shifuku 仕覆

Un shifuku (仕覆) est un sac en tissu japonais cousu, muni d'un cordon de serrage, traditionnellement en brocart de soie, qui protège en outre un objet d'art dans sa boîte en bois. Il est surtout répandu pour les ustensiles à thé particulièrement précieux, comme les boîtes à thé, et protège parfois aussi des bols ou d'autres pièces. Sa fonction est de constituer une couche souple, tout en étant perméable à l'air, entre la céramique et le bois ; les objets plus simples se contentent, eux, d'un simple linge de coton. Un shifuku d'origine fait partie de l'objet au même titre que la boîte, et il est conservé avec lui, car l'un comme l'autre relèvent de l'équipement et de l'histoire d'une pièce.

Aussi : Shifuku, sac en brocart, sac en tissu, sac en soie

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Shigaraki-yaki 信楽焼

Le Shigaraki-yaki est une céramique japonaise de grès non émaillée provenant de la région de Kōka, dans la préfecture de Shiga, et l'un des six anciens centres de céramique du Japon. Son argile riche en feldspath provient des sédiments de l'ancien lac Biwa (Ur-Biwa) et confère à la surface une texture granuleuse, presque pierreuse, avec de grossières inclusions de quartz. Comme la céramique de Bizen, elle est cuite sans émail selon le procédé Yakishime à environ 1 250 à 1 300 degrés, ce qui donne naissance à une glaçure naturelle de cendres, à des tons rouge feu et à des « yeux de crabe » perlés. Ce qui distingue le Shigaraki de la céramique de Bizen, c'est surtout ce grain clair et sableux du tesson. Le lieu est également connu dans la culture populaire pour ses figurines rondes de tanuki, une tradition du XXe siècle.

Aussi : Shigaraki-yaki, céramique de Shigaraki, poterie de Shigaraki, grès de Shigaraki, Shigaraki

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Shikishi 色紙

Un shikishi (色紙) est un carton à peindre japonais rigide, de forme presque carrée, mesurant environ 24 sur 27 centimètres, traditionnellement utilisé pour la calligraphie, les poèmes courts et la peinture à l'encre. Le bord souvent doré ou argenté est caractéristique et confère à l'œuvre achevée un cadre presque cérémoniel. Malgré son nom littéral de « papier coloré », il ne s'agit pas de papier à bricoler, mais d'un support pictural multicouche et stable, présentable sans encadrement supplémentaire. Comparé au kakemono, plus imposant, un shikishi paraît nettement plus intime ; il se distingue du tanzaku, plus étroit, par son format carré et compact, qui porte des compositions fermées plutôt qu'une simple ligne de poème.

Aussi : Shikishi, Shiki-shi, carton Shikishi, carton pour calligraphie

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Shikki 漆器

Shikki est le terme japonais désignant les objets laqués, c'est-à-dire les objets finis dont le support est recouvert de nombreuses fines couches d'urushi – bols, coupes, baguettes, boîtes, boîtes à écrire et meubles. Le support, appelé kiji en japonais, est le plus souvent en bois tourné ou sculpté, plus rarement en bambou, papier, cuir ou métal. Shikki se distingue d'urushi comme le matériau se distingue du produit fini : l'urushi est la laque elle-même, le shikki est l'objet fabriqué avec celle-ci. Des traditions régionales telles que le Wajima-nuri ou l'Aizu-nuri portent des noms qui leur sont propres. En anglais, « japan » désigne les objets laqués, tout comme « china » désigne la porcelaine.

Aussi : Shikki, laque japonaise, objets en laque japonais, art de la laque japonaise

Shin-hanga 新版画

Le shin-hanga (新版画, « nouvelle gravure sur bois ») est un mouvement de renouveau de l'estampe japonaise en couleurs au XXe siècle, porté de manière déterminante par l'éditeur Watanabe Shōzaburō. Le procédé resta celui de la tradition : dessinateur, graveur sur bois et imprimeur travaillaient selon une division des tâches, et les estampes paraissaient en tirage. Ce qui était nouveau, c'était le langage visuel - la lumière, l'atmosphère et la représentation de l'homme au XXe siècle, souvent marqués par des influences occidentales. Parmi les représentants les plus connus figure Itō Shinsui (1898–1972), qui travaillait en même temps comme peintre nihonga. À la différence de l'ukiyo-e de l'époque d'Edo, le shin-hanga est une renaissance délibérée de cette tradition de gravure ; pour la perception internationale de l'art japonais, ces estampes furent particulièrement efficaces en raison de leur disponibilité.

Aussi : Shin Hanga, Shinhanga, shin-hanga, nouvelle estampe japonaise, nouvelle gravure sur bois japonaise

Shino-yaki 志野焼

Le Shino-yaki est une céramique japonaise en grès de la région de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu, apparue à la fin du XVIe siècle et considérée comme la plus ancienne céramique japonaise à glaçure blanche. Elle se caractérise par une glaçure feldspathique blanc laiteux appliquée en épaisseur, présentant de fines porosités et de petits cratères ainsi que des taches de feu rougeâtres ; de nombreuses pièces portent des motifs discrets à l'oxyde de fer sous la glaçure. Parmi les quatre grands styles de Mino, le Shino constitue le pendant blanc et silencieux de l'Oribe vert et bruyant. Après le déclin de cette céramique durant l'époque d'Edo, le potier Arakawa Toyōzō (1894–1985) en reconstitua la technique et démontra qu'elle provenait non pas de Seto, mais de Mino.

Aussi : Shino-yaki, céramique Shino, e-Shino, Shino

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Shizen-yū 自然釉

Shizen-yū désigne le dépôt naturel de cendres sur une céramique non émaillée : les cendres volantes du feu de bois se déposent, pendant la cuisson, sur les épaules et les bords des pièces et fusionnent à cet endroit avec le fer contenu dans l'argile pour former une couche vitreuse. Cette glaçure n'est donc pas appliquée, mais se forme dans le four – c'est pourquoi elle n'est jamais identique d'une pièce à l'autre et qu'elle est la plus marquée du côté exposé au feu. Les zones particulièrement claires et aux reflets verdâtres sont appelées Bidoro, d'après le portugais vidro, qui signifie verre. À Bizen, certaines manifestations portent des noms propres : Goma pour les traces de cendres mouchetées, Hidasuki pour les lignes rouges laissées par la paille de riz.

Aussi : Shizen yu, Shizen-yu, Shizen-yaki, glaçure de cendres naturelle, cendres volantes, glaçure naturelle

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Shōchikubai 松竹梅

Shōchikubai est le terme japonais désignant le groupe de motifs formé par le pin, le bambou et le prunier, le plus souvent rendu en français par « les Trois Amis de l'hiver ». Chaque plante porte sa propre signification : le pin reste vert même en hiver et symbolise la constance et la longévité, le bambou plie sous le poids de la neige sans se rompre, et le prunier est le premier à fleurir dans le froid, avant même le cerisier. Ensemble, les trois sont considérés comme un motif de bon augure pour le Nouvel An et les fêtes, et apparaissent sur des kakemono, des céramiques et des laques. Au Japon, l'ordre Shō-Chiku-Bai sert en outre de gradation courante en trois niveaux de qualité.

Aussi : Shochikubai, Sho-Chiku-Bai, Trois amis de l'hiver, pin bambou prunier, pin bambou prunus

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Shodai-yaki 小代焼

Le Shodai-yaki est une céramique grès japonaise originaire du nord de la préfecture de Kumamoto, principalement des environs d'Arao et de Nankan, au pied du mont Shōdai. Ses débuts sont datés de 1632, lorsque Hosokawa Tadatoshi passa de Buzen à la province de Higo en emmenant avec lui des potiers des familles Hinkōji et Katsuragi ; la technique se rattache ainsi à la même lignée d'inspiration coréenne que l'Agano et le Karatsu. Le travail se fait à partir d'une argile riche en fer et contenant de petites pierres, sur laquelle est posée une glaçure à la cendre de paille, puis versée à la louche une seconde glaçure en larges coulées, appelée Nagashi-gake. Selon le résultat de la cuisson, les pièces sont nommées Shodai blanc, Shodai bleu ou Shodai jaune.

Aussi : Shōdai-yaki, céramique Shodai, Shodai yaki, Shodai

Shodō 書道

Le shodō (書道, « voie de l'écriture ») est la calligraphie japonaise, un art de l'écriture emprunté à la Chine, exécuté au pinceau et à l'encre de Chine noire, qui ne permet aucune correction une fois le trait posé. Le dō, la même « voie » que dans budō ou chadō, renvoie à un chemin de pratique s'étendant sur toute une vie : il s'agit moins d'une belle écriture décorative que de l'exécution concentrée d'un enchaînement de traits fixé à l'avance. Cinq styles classiques y sont enseignés – tensho, reisho, kaisho, gyōsho et sōsho –, exécutés à l'aide des « quatre trésors du cabinet du lettré » : fude, sumi, suzuri et washi. Le shodō est étroitement lié au bouddhisme zen, notamment par le biais de la copie de sutras, le shakyō.

Aussi : Shodo, Shodō, Calligraphie japonaise, Voie de l'écriture, Art de l'écriture japonaise

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Shoin 書院

Shoin désigne à l'origine le lieu d'étude d'un moine zen, une avancée en encorbellement dans la pièce munie d'une tablette de fenêtre, et donna plus tard son nom à tout un style architectural : le shoin-zukuri, le style d'habitation de l'aristocratie guerrière. On lui attribue habituellement les éléments d'aménagement qui caractérisent encore aujourd'hui l'espace d'habitation japonais - la niche décorative Tokonoma, les étagères murales décalées Chigaidana et le sol de tatamis continu. Ce style est important pour l'art parce qu'il a donné pour la première fois au rouleau suspendu et au vase à fleurs un emplacement fixe, conçu spécialement à cet effet.

Aussi : Shoin-zukuri, style shoin, architecture shoin

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Shōji 障子

Les shōji sont les éléments coulissants légers de la maison japonaise : une fine grille de bois tendue d'un seul côté de papier washi translucide. Ils séparent les pièces ou les ferment vers l'extérieur, tout en laissant entrer la lumière du jour de façon tamisée et diffuse, au lieu de la laisser passer de manière dirigée comme le verre. C'est précisément cette lumière douce et diffuse qui marque la perception de la céramique et de la peinture dans l'intérieur traditionnel. Il convient de les distinguer des fusuma, ces portes coulissantes opaques, souvent peintes, recouvertes de papier des deux côtés.

Aussi : Shoji, shōji, cloison coulissante japonaise, paroi coulissante en papier, porte coulissante japonaise

Shōmen 正面

Shōmen (正面, face avant) désigne le côté le plus beau, délibérément destiné à être présenté de face, d'un ustensile de thé japonais, en particulier d'un bol à thé. Comme un bol façonné à la main n'est jamais parfaitement rond, il existe toujours un endroit où la glaçure retombe plus joliment ou où une arête capte mieux la lumière. Lors de la cérémonie du thé, l'hôte pose le bol de sorte que le shōmen soit tourné vers l'invité. Celui-ci le fait pivoter avant de boire, d'environ deux petits quarts de tour, afin que sa bouche ne touche pas la face avant, puis le retourne à sa position initiale après avoir bu – une politesse, non une règle en soi.

Aussi : Shomen, face avant, face principale, côté face

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Shōwa-Zeit 昭和時代

L'ère Shōwa (1926–1989) est la plus longue période de l'histoire japonaise moderne, nommée d'après le nom de règne de l'empereur Hirohito. Elle se divise en une phase précoce (1926–1945) marquée par le militarisme, l'économie de guerre et une production artisanale drastiquement réduite, et une phase plus tardive (1945–1989) marquée par une réorganisation démocratique et le miracle économique. Dans l'après-guerre naquit le mouvement Mingei autour de Yanagi Sōetsu, et le système étatique du Ningen Kokuhō des « Trésors nationaux vivants » distingua d'importants maîtres ; des techniques que l'on croyait perdues, comme la glaçure Shino, furent reconstruites. Comme de nombreux ateliers trouvèrent alors leur forme actuelle, une grande partie de la céramique utilitaire japonaise ancienne porte la datation Shōwa.

Aussi : Shōwa, période Shōwa, ère Shōwa, Showa

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Shunyata 空

Shunyata est le terme bouddhique de la vacuité : la reconnaissance que toutes les choses et tous les phénomènes n'existent pas de manière indépendante et par eux-mêmes, mais sont dépourvus d'une nature fixe et inhérente. Le mot sanskrit est rendu en japonais par le caractère 空 (Kū). Sa formulation la plus connue se trouve dans le Sûtra du Cœur, qui résume l'enseignement en 262 caractères et le condense dans la ligne « la forme est vacuité, la vacuité est forme ». Il ne s'agit donc pas d'un néant, mais de l'absence d'une essence propre permanente. Dans l'art, ce concept est présent surtout à travers l'Enso, dont l'espace intérieur vide est lu comme une possibilité ouverte.

Aussi : Śūnyatā, Sunyata, Kū, vacuité

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Sometsuke 染付

Sometsuke est le terme japonais désignant le bleu sous couverte : un décor peint au gosu (oxyde de cobalt) sur le tesson blanc préalablement biscuité, recouvert ensuite d'une glaçure transparente. Lors de la cuisson de la glaçure, à environ 1 300 degrés, le bleu s'enfonce dans la glaçure et acquiert sa profondeur caractéristique ; il se trouve sous la surface et ne peut donc être ni perçu au toucher ni frotté. Les pièces peintes à la main présentent un tracé de pinceau irrégulier, tandis que les décors imprimés révèlent à la loupe une fine trame de points. À la différence d'Akae et de Kinrande, qui sont des couleurs sur couverte appliquées lors d'une seconde cuisson, plus basse en température, Sometsuke résulte d'une cuisson unique à haute température.

Aussi : Sometsuke, Some-tsuke, bleu sous couverte, porcelaine bleu et blanc, décor au bleu de cobalt, peinture au gosu

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Sōsho 草書

Le sōsho (草書, « écriture d'herbe ») est l'écriture cursive fortement liée de la calligraphie japonaise, dans laquelle les traits sont resserrés et des parties entières de caractères sont réduites à des mouvements courbes. Elle s'écrit particulièrement vite, tout en suivant des formes d'abréviation fixes, et reste souvent presque indéchiffrable pour les non-initiés – on la lit davantage comme une trace de mouvement que comme un texte. Par rapport au kaisho et au gyōsho, le sōsho est le plus libre des cinq styles classiques et passe de ce fait pour particulièrement adapté à l'expression immédiate ; un enso, lui aussi, est habituellement tracé dans cette manière rapide et cursive. On ne peut l'apprendre que sur la base des styles plus stricts.

Aussi : Sōsho, Sosho, Sōsho-tai, écriture cursive, style cursif

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Sueki 須恵器

Le sueki est la céramique grise et cuite à haute température de l'Antiquité japonaise, dont la technique est arrivée au Japon depuis la péninsule coréenne vers le milieu du Ve siècle. Elle est façonnée sur un tour à rotation rapide et cuite dans un four-tunnel creusé à flanc de coteau, à plus de 1 100 degrés, en atmosphère réductrice ; d'où ce tesson bleu-gris, densément fritté, sur lequel se dépose par endroits de la cendre volante fondue. Elle se distingue nettement du hajiki rougeâtre, utilisé à la même époque et cuit à l'air libre en atmosphère riche en oxygène. Le sueki a été produit jusqu'à l'époque de Heian, le plus abondamment dans le district de fours de Suemura, près d'Ōsaka. Il est considéré comme le fondement technique des traditions de grès plus tardives, telles que Bizen ou Shigaraki.

Aussi : Sueki, céramique Sueki, Sue ware, poterie Sueki

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Suiban 水盤

Un suiban (水盤) est un récipient plat et largement ouvert destiné à la composition florale — une coupe basse en céramique, en métal ou en verre, le plus souvent ronde, ovale ou rectangulaire, dans laquelle la surface de l'eau reste visible. C'est le récipient du style moribana : comme les branches n'y trouvent aucun appui contre une paroi, elles sont fixées sur un piquefleurs (kenzan) placé dans l'eau peu profonde. La même forme sert également de plateau pour les bonsaïs et pour les paysages miniatures. Le suiban se distingue fondamentalement du vase haut du nageire : là, c'est la paroi du récipient qui soutient les branches, ici, c'est le piquefleurs.

Aussi : Suiban, sui-ban, coupe à eau pour ikebana, coupe plate pour ikebana, vasque pour ikebana

Suibokuga 水墨画

Le suibokuga est la peinture japonaise à l'encre de Chine, dans laquelle on travaille uniquement avec de l'encre noire et de l'eau, de sorte que l'effet pictural naît exclusivement des dégradés entre un noir profond et un gris clair. La technique est arrivée de Chine au Japon en lien avec le bouddhisme zen et y a marqué, à partir du XIVe siècle, les paysages, les représentations de bambous et de figures. Le terme est souvent employé comme synonyme de sumi-e ; le suibokuga met toutefois davantage l'accent sur le glacis et l'effet de coulure de l'encre diluée, tandis que le sumi-e désigne plus généralement la peinture à l'encre.

Aussi : Suiboku, Suiboku-ga, peinture à l'encre, peinture monochrome à l'encre, encre de Chine, sumi-e

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Sumi 墨

Le sumi (墨) est l'encre solide japonaise – un bâton composé de suie fine et de colle animale (Nikawa), que l'on frotte avec de l'eau sur une pierre à encre avant d'écrire ou de peindre. On distingue la suie issue de bois de pin brûlé de celle issue d'huile de lampe ; les deux donnent des noirs légèrement différents. Nara est considérée depuis des siècles comme le centre de fabrication. La durée du frottement et la quantité d'eau utilisée déterminent la densité de l'encre et donc les nuances dans l'œuvre ; dans la pratique zen, le frottement compte déjà comme un premier pas méditatif. Contrairement à l'encre liquide toute prête, le sumi peut être ajusté à nouveau pour chaque œuvre.

Aussi : Sumi, encre de Chine japonaise, bâton d'encre, bâtonnet d'encre, encre Sumi

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Sumi-e 墨絵

Le sumi-e (墨絵) est la peinture japonaise à l'encre, dans laquelle les motifs naissent uniquement à partir d'encre noire, d'un pinceau et d'une pression graduée sur la pointe du pinceau. Également appelée suibokuga, cette technique est arrivée au Japon depuis la Chine par l'intermédiaire de moines bouddhistes et s'est affinée dans l'environnement du bouddhisme zen durant l'époque Muromachi (1333–1573). La forme, le volume et la profondeur atmosphérique naissent entièrement sans couleur, uniquement à partir des gradations de l'encre et du fond non peint. Les motifs classiques sont les paysages, les « Quatre Nobles » - orchidée, bambou, chrysanthème et fleur de prunier - ainsi que les patriarches zen tels que Bodhidharma. Contrairement au nihonga, qui, en tant que terme générique, englobe toute la tradition picturale japonaise, le sumi-e désigne une technique précise.

Aussi : Sumi-e, Sumie, Suibokuga, peinture à l'encre japonaise, peinture au lavis d'encre, peinture Sumi-e

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Suzuri 硯

Un suzuri (硯) est la pierre à encre de la calligraphie japonaise et de la peinture à l'encre, sur laquelle le bâton d'encre solide est frotté avec un peu d'eau pour obtenir de l'encre liquide. Il est le plus souvent constitué d'ardoise à grain fin ou d'une roche de densité comparable et comporte deux zones : une surface de frottement légèrement inclinée et une cuvette plus profonde, dans laquelle s'accumule l'encre une fois prête. Le grain de la surface détermine la finesse avec laquelle la suie est broyée et la régularité avec laquelle l'encre s'écoule. Avec le pinceau (fude), l'encre (sumi) et le papier (washi), le suzuri fait partie des « quatre trésors du lettré ».

Aussi : suzuri, pierre à encre, pierre à broyer l'encre

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Tada-yaki 多田焼

Le Tada-yaki est une céramique japonaise provenant du quartier de Tada, dans la ville d'Iwakuni, préfecture de Yamaguchi. Il vit le jour en 1700 en tant que four de la maison Kikkawa, qui fit venir pour cela des potiers de Kyōto, et fournit pendant près de cent ans surtout des bols à thé et des vases à fleurs offerts en cadeau au shogunat. Il se caractérise par un tesson clair sous une glaçure céladon verte (Seiji-yū) et par un réseau de craquelures particulièrement fines, appelé Kannyū en japonais ; un décor incisé s'y ajoute fréquemment. Le four historique s'éteignit vers la fin du XVIIIe siècle ; ce n'est qu'au début des années 1970 que le potier Tamura Unkei fit revivre la tradition à partir d'anciens documents. Les pièces historiques sont extrêmement rares.

Aussi : Tadayaki, Tada, Tada Iwakuni, Unkeizan-gama, Tada-yaki

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Taishō-Zeit 大正時代

La période Taishō (1912–1926) est la brève époque comprise entre l'ère Meiji et l'ère Shōwa, nommée d'après l'empereur Taishō, dont l'état de santé était fortement diminué et sous le règne duquel le Parlement gagna en importance – ce que l'on appelle la démocratie Taishō. Au cours de ces quatorze années de prospérité économique et d'essor de la culture urbaine naquit le romantisme Taishō, une fusion entre l'imagerie traditionnelle japonaise et l'Art nouveau ainsi que l'Art déco européens. Les ateliers traditionnels poursuivirent leur activité, tout en s'ouvrant prudemment à des formes et des décors influencés par l'Occident, tandis qu'une clientèle bourgeoise plus large acquérait des céramiques et des peintures de qualité. Le grand séisme du Kantō de 1923 détruisit de nombreuses collections et ateliers.

Aussi : Taishō, période Taishō, ère Taishō, Taisho, période Taisho

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Takarabune 宝船

Le Takarabune (宝船, « bateau au trésor ») est cette petite embarcation trapue à la voile gonflée, sur laquelle les Sept Dieux du Bonheur, selon la légende la plus connue, viennent voguer vers les hommes au Nouvel An. Il est chargé de ballots de riz et de symboles de bonne fortune ; comme motif iconographique, il apparaît sur des rouleaux suspendus, des cartes de vœux du Nouvel An et des estampes. Il était courant de placer une telle feuille sous son oreiller dans la nuit du 2 janvier, afin d'obtenir un premier rêve de l'année (Hatsuyume) de bon augure ; s'y rattache un poème palindrome, qui se lit de la même façon à l'endroit comme à l'envers. En tant qu'association fixe du bateau et des sept dieux, le motif s'est popularisé à l'époque d'Edo.

Aussi : Takarabune, Takara-bune, bateau des trésors, bateau des sept dieux du bonheur, navire des trésors

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Takasago 高砂

Takasago désigne la légende japonaise d'un vieux couple qui se révèle être les esprits de deux pins liés l'un à l'autre : le pin de Takasago et son pin partenaire, situé au loin, à Sumiyoshi. Ce récit fut rendu célèbre par la pièce de nō éponyme de Zeami, considérée depuis l'époque Muromachi comme l'une des plus importantes pièces de bon augure. Dans la peinture, le couple apparaît le plus souvent avec un râteau et un balai sous le pin, fréquemment accompagné de grues. Comme motif pictural, Takasago symbolise un mariage long et durable et est traditionnellement offert en cadeau de mariage, dans certaines régions également comme cadeau pour un 25e ou un 50e anniversaire de mariage.

Aussi : Légende de Takasago, Aioi no Matsu, Takasago no Matsu, Takasago

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Takatori-yaki 高取焼

Le Takatori-yaki est une céramique à thé japonaise originaire de la préfecture de Fukuoka, fondée vers 1600 par le potier coréen Hassan, en japonais Takatori Hachizō, sur commande du seigneur Kuroda Nagamasa. Au début de l'époque d'Edo, le four reçut les conseils du maître de thé Kobori Enshū et est depuis considéré comme l'un des sept fours auxquels on attribue son goût. Sont typiques une paroi tournée très finement et des glaçures superposées en plusieurs couches, où une coulée blanc laiteux ruisselle sur un fond de glaçure de fer brune. Le Takatori est stylistiquement proche de l'Agano, également à paroi fine ; ce qui séparait surtout les deux, c'était leur seigneur.

Aussi : céramique Takatori, Takatori-yaki, Enshū-Takatori, Takatori

Tamba-yaki 丹波焼

Le Tamba-yaki est une céramique japonaise de type grès, originaire du village de Tachikui, dans l'actuelle ville de Tamba-Sasayama, préfecture de Hyōgo, dont les débuts remontent à la fin du XIIe siècle. En tant que l'un des six anciens fours, le lieu a produit pendant des siècles des jarres de conservation, des mortiers et des flacons à saké non émaillés ; leur surface n'est marquée que par le dépôt naturel de cendres (Shizen-yū), dont les parties chatoyant clairement en vert sont appelées Bidoro. Vers 1611 s'y sont ajoutés le four à chambre de type coréen ainsi qu'un tour à pied à rotation vers la gauche, rare au Japon. Sur le plan technique, le Tamba est proche du Shigaraki-yaki et du Bizen-yaki, mais se distingue nettement des deux par la couleur et le langage des formes.

Aussi : Tamba, Tanba, céramique de Tamba, céramique de Tanba, Tamba-Tachikui-yaki, Tanba-Tachikui-yaki

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Tanuki 狸

Tanuki est le nom japonais du chien viverrin, un canidé nocturne largement répandu au Japon, qui n'est apparenté ni au raton laveur ni au blaireau. Dans la tradition populaire, il est considéré depuis des siècles comme un maître de la métamorphose : sous le nom de Bake-danuki, il prend forme humaine ou se transforme en objets. En tant que figurine en céramique, il est surtout associé à Shigaraki – silhouettes debout au ventre rond, coiffées d'un chapeau de paille et munies d'une bouteille de saké, que l'on place devant les boutiques et les auberges comme porte-bonheur. Les huit attributs qui lui sont attribués aujourd'hui n'ont été réunis que dans les années 1950 sous le nom de « Hachisō Engi ».

Aussi : Tanuki, chien viverrin, Shigaraki-Tanuki, statuette Tanuki, Bake-danuki

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Tanzaku 短冊

Un tanzaku (短冊) est une longue et étroite bande de papier japonais, typiquement d'environ 7,5 sur 36 centimètres, traditionnellement destinée à recevoir des vers de poésie isolés, notamment des waka et des haiku. Le format étroit et vertical impose une disposition fluide et verticale des caractères et suit ainsi souvent plus directement le flux de la langue d'un poème que le shikishi carré, qui accueille plutôt des compositions closes sur elles-mêmes. Ces deux formats comptent encore aujourd'hui parmi le matériel classique de la calligraphie japonaise. Les tanzaku sont également connus dans le cadre de la fête de Tanabata, où des bandes portant des vœux personnels sont accrochées à des branches de bambou.

Aussi : Tanzaku, Tan-zaku, bande de papier pour poèmes, bande de papier pour calligraphie, bande Tanabata

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Tatami 畳

Les tatamis sont les épais tapis de sol de l'habitat japonais, traditionnellement composés d'une âme en couches de paille de riz compressée, d'une couche de surface en jonc igusa tressé et d'une bordure de tissu sur les côtés longs. Ils constituent aussi l'unité de mesure de la pièce : au Japon, la taille des pièces s'indique en nombre de tattamis, et une salle de thé de quatre tatamis et demi est considérée comme un format classique. Les dimensions exactes varient selon les régions. Pour l'art, cela importe dans la mesure où la hauteur de contemplation et la position assise devant un tokonoma partent du principe que l'on est assis sur le tatami.

Aussi : tatami, natte de tatami, natte en paille de riz

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Tebineri 手捻り

Tebineri désigne le façonnage d'une pièce uniquement à la main, sans tour de potier : la terre est pressée et étirée à partir d'une masse, ou montée en colombins, puis travaillée à l'aide de spatules en bois et en métal, les hera. On le reconnaît à une épaisseur de paroi qui varie nettement d'un endroit à l'autre, à des surfaces de coupe planes et à un bord volontairement irrégulier – les stries de tournage sont absentes. C'est ainsi que naissent traditionnellement les bols Raku et Ohi. Le terme opposé est Rokuro, le travail au tour ; il donne des formes plus rondes, plus régulières, tandis que le Tebineri confère à chaque bol une silhouette qui lui est propre.

Aussi : Tebineri, Te-bineri, façonnage à la main, modelage à la main, technique de montage à la main, sans tour de potier

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Tenmoku 天目

Tenmoku désigne une glaçure sombre, très riche en fer, ainsi que la forme conique du bol à thé avec laquelle elle est arrivée au Japon – ce n'est donc ni une région ni un four. Elle trouve son origine dans les fours de Jian, dans la province chinoise du Fujian, qui produisaient sous la dynastie Song du Sud (1127–1279) des bols à thé à glaçure noire ; le nom remonte au mont Tianmu, d'où des moines japonais rapportèrent de tels bols. En refroidissant, l'oxyde de fer dissous précipite sous forme de cristaux à la surface et produit les motifs Nogime, Yuteki et le rare Yōhen. Une glaçure n'étant pas liée à un lieu, on trouve le Tenmoku aussi bien à Seto qu'à Kyōto ou à Mino.

Aussi : Temmoku, glaçure Tenmoku, Tenmoku-yaki, Jianzhan, bol à thé noir

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Tensho 篆書

Le tensho est l'écriture sigillaire archaïque, le plus ancien des cinq styles calligraphiques classiques de la calligraphie est-asiatique. Ses caractères sont construits de manière rigoureuse, formés de traits d'épaisseur régulière, et remplissent un espace presque carré ; même au Japon, elle se lit rarement de façon fluide. C'est précisément pour cette raison qu'elle s'est maintenue là où l'écriture est aussi ornement : presque tous les sceaux d'artiste portent leur nom en tensho. À côté figurent le reisho, l'écriture de chancellerie, le kaisho, l'écriture d'imprimerie conforme aux règles, le gyōsho, la semi-cursive, et le sōsho, la cursive fortement liée. Les inscriptions sur les boîtes sont le plus souvent écrites en sōsho, tandis que les sceaux le sont presque toujours en tensho.

Aussi : Tenshō, écriture sigillaire, style sceau, Tensho-tai, Seal Script

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Tobe-yaki 砥部焼

Le Tobe-yaki est une porcelaine japonaise originaire de la ville de Tobe, dans la préfecture d'Ehime, sur l'île de Shikoku. Il trouve son origine dans une décision du fief d'Ōzu de 1775, qui souhaitait exploiter les déchets de la production locale de pierres à aiguiser ; en 1777, le potier Sugino Jōsuke réussit la première cuisson utilisable. Il se caractérise par un tesson remarquablement épais et résistant aux chocs, un blanc légèrement teinté de gris et un décor sous couverte simple, appliqué à la main, en bleu de cobalt (Sometsuke). Le Tobe s'oppose ainsi à la porcelaine d'exportation à paroi fine d'Arita : il a toujours été une vaisselle d'usage quotidien. En 1953, Yanagi Sōetsu, Bernard Leach et Hamada Shōji ont salué le travail artisanal qui s'y était maintenu.

Aussi : Tobe-yaki, porcelaine de Tobe, céramique de Tobe, Tobe

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Tōki 陶器

Tōki est le terme japonais désignant la faïence, c'est-à-dire la céramique fabriquée à partir d'une argile de potier ordinaire, cuite entre 800 et 1 200 degrés environ et qui conserve un tesson coloré et poreux. Comme celui-ci absorbe l'eau, le Tōki est généralement émaillé ; il rend un son sourd lorsqu'on le frappe, il se révèle plus chaud au toucher et n'est pas translucide. À l'opposé se trouve le Jiki, la porcelaine blanche dense. Le vocabulaire technique japonais connaît par ailleurs le Doki, la cuisson basse non émaillée, et le Sekki, le grès dense - dans l'usage courant, cependant, des traditions à haute cuisson comme Bizen ou Shigaraki sont le plus souvent rattachées au Tōki.

Aussi : Tōki, grès, poterie, céramique Tōki

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Tokkuri 徳利

Un tokkuri (徳利) est la bouteille à saké japonaise à la panse arrondie et au col resserré, dans laquelle on verse le saké pour remplir un ochoko ou un guinomi. Traditionnellement, elle contient environ un gō – l'ancienne mesure de capacité japonaise d'environ 180 millilitres. Le col étroit n'est pas un simple ornement : il dose le versement et ralentit le refroidissement lorsque le saké est servi chaud. Pour le réchauffer, on place le tokkuri rempli dans un bain-marie, à une température habituelle d'environ 40 à 50 degrés ; un chauffage direct sur le feu ou des changements de température brusques endommagent la céramique. Les tokkuri et les coupes à saké sont souvent proposés en ensemble, mais ne vont pas nécessairement de pair.

Aussi : tokkuri, flacon à saké, carafe à saké, bouteille à saké japonaise, flacon à saké japonais

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Tokobashira 床柱

Le tokobashira est le pilier décoratif latéral d'un tokonoma – le montant qui délimite la niche décorative par rapport au reste de la pièce. Il s'agit souvent d'un tronc à peine travaillé, qui conserve son écorce, des amorces de branches ou une courbure naturelle, et qui constitue ainsi le seul élément volontairement irrégulier d'une construction par ailleurs strictement rectiligne. Il convient de le distinguer du tokogamachi, l'arête avant visible, souvent teintée en foncé ou laquée, du plancher surélevé. Quiconque reconstitue un tokonoma dans un logement européen n'a pas besoin d'un véritable tokobashira : les éléments japonais reconstitués y font vite office de décor de théâtre, la sobriété porte l'idée.

Aussi : Tokobashira, toko-bashira, pilier du tokonoma, pilier décoratif du tokonoma

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Tokoname-yaki 常滑焼

Le Tokoname-yaki est une céramique japonaise originaire de la ville de Tokoname, sur la péninsule de Chita, dans la préfecture d'Aichi, et compte parmi les six anciens fours du Japon. Ses origines remontent au XIIe siècle, époque à laquelle on y produisait surtout de grands récipients de stockage non émaillés. Tokoname est aujourd'hui surtout connue pour ses kyūsu, ces théières à prise latérale en argile rouge ferrugineuse (shudei), cuites sans émail ; on prête au tesson poreux la vertu d'adoucir l'amertume du thé vert. Contrairement à la ville voisine de Seto, qui produisit très tôt des céramiques émaillées, l'accent reste mis à Tokoname, jusqu'à aujourd'hui, sur le tesson non émaillé et densément fritté.

Aussi : Tokoname-yaki, céramique de Tokoname, Tokoname ware, Tokoname

Tokonoma 床の間

Un tokonoma est la niche surélevée destinée à l'exposition d'œuvres dans la pièce de réception d'une maison japonaise traditionnelle : une niche murale peu profonde dont le sol est légèrement rehaussé, contre le mur du fond de laquelle est accroché un kakemono et sur laquelle est posé un vase à fleurs, parfois aussi un kōro (brûle-encens). Cette forme architecturale est généralement rattachée au style shoin. Le tokonoma est considéré comme la place d'honneur de la pièce : on n'y pénètre pas, on ne pose rien devant et on n'y range aucun objet du quotidien. À la différence d'une étagère, ce n'est pas un lieu d'accumulation, mais une surface destinée à un très petit nombre d'objets, qui changent selon la saison — la plus grande partie reste volontairement vide.

Aussi : Toko, niche tokonoma, niche à rouleau suspendu

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Tomobako 共箱

Une tomobako (共箱) est la boîte en bois qui accompagne un objet d'art japonais, inscrite par l'artiste ou l'atelier lui-même – littéralement la « boîte compagne ». Sur le couvercle figure, en calligraphie, la désignation de l'œuvre ; à l'intérieur ou sur le dessous, l'artiste appose sa signature de sa propre main, le plus souvent complétée d'un sceau rouge. Elle se ferme au moyen d'un cordon tressé, le sanadahimo. Elle est ainsi plus qu'un simple emballage : elle atteste de la provenance et de l'authenticité et fait partie intégrante de l'objet ; en être séparée constitue, pour les collectionneurs, un motif clair de dépréciation. La différence avec la kiribako (桐箱) tient à l'inscription, non à la matière.

Aussi : Boîte d'artiste, boîte d'origine, boîte signée, tomobako, boîte en bois de kiri

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Tsuboya-yaki 壺屋焼

Le Tsuboya-yaki est la céramique du quartier de Tsuboya, à Naha, sur Okinawa, et la plus importante tradition de potiers des anciennes îles Ryūkyū. Elle est née en 1682, lorsque le gouvernement royal réunit en ce lieu trois anciens quartiers de fours plus anciens. On distingue l'Arayachi, un grès non émaillé cuit à basse température, destiné aux jarres de conservation et aux récipients à awamori, et le Jōyachi, une vaisselle émaillée au décor vigoureux. À la différence des fours de l'île principale, le Tsuboya s'inscrit dans une lignée propre, marquée par des influences chinoises et sud-est asiatiques ; les figures tutélaires Shīsā en font également partie. Localement, la céramique ne se nomme pas Yakimono, mais Yachimun.

Aussi : Tsuboya-yaki, céramique de Tsuboya, Yachimun, Tsuboya

Tsuru 鶴

Tsuru est le mot japonais désignant la grue, l'un des symboles de bonheur les plus fréquents de l'art japonais. Cet oiseau est traditionnellement considéré comme l'emblème de la longévité et de la fidélité conjugale ; le dicton « Tsuru wa sennen, kame wa mannen » – la grue vit mille ans, la tortue dix mille – explique pourquoi la grue et la tortue, Tsuru et Kame, apparaissent si souvent ensemble sur les rouleaux suspendus, la céramique et les laques. En tant que motif en couple, la grue convient aux mariages et aux anniversaires de mariage, et seule, aux anniversaires marquants. Dans la peinture, elle accompagne également Jurōjin, le dieu de la longévité, et perdure sous forme de figure pliée, l'Orizuru, dans l'artisanat du papier.

Aussi : Tsuru, grue, grues, motif de la grue, Tsuru et Kame

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Tsutsu-jawan 筒茶碗

Un tsutsu-jawan (筒茶碗) est le bol à thé japonais haut et cylindrique destiné aux mois froids. Son ouverture étroite dissipe peu de chaleur, les mains enveloppent la paroi, et le matcha reste sensiblement plus longtemps chaud. Le prix à payer est un peu plus de patience lors du fouettage, car le chasen dispose de moins de place dans cette forme étroite que dans un bol large. Le tsutsu-jawan est le pendant hivernal du hira-jawan plat de l'été. Qui ne possède qu'un seul bol a en revanche intérêt à choisir la forme ronde ordinaire, qui peut être utilisée tout au long de l'année.

Aussi : Tsutsujawan, Tsutsu-chawan, bol cylindrique, bol à thé d'hiver

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Ukiyo-e 浮世絵

Ukiyo-e (浮世絵, « images du monde flottant ») est une tradition picturale populaire japonaise de l'époque d'Edo, qui vit d'abord le jour sous forme de peintures avant de se répandre à partir du XVIIe siècle principalement sous forme d'estampe en couleurs sur bois. Les motifs sont tirés de la vie citadine des quartiers de plaisir : acteurs de kabuki, courtisanes des quartiers de plaisir, paysages, plus tard aussi des scènes historiques et mythologiques. Des maîtres tels que Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige acquirent une renommée internationale et influencèrent l'impressionnisme européen. En tant qu'estampe, l'Ukiyo-e naquit d'un travail en collaboration - dessinateur concepteur, graveur sur bois et imprimeur - et fut dès l'origine conçu pour être tiré en plusieurs exemplaires. En cela, il se distingue fondamentalement des œuvres uniques peintes à la main de la tradition Nihonga.

Aussi : Ukiyo-e, Ukiyoe, estampe japonaise, estampe japonaise en couleurs, gravure sur bois japonaise, images du monde flottant

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Urushi 漆

L'urushi (漆) est le laque naturel japonais, obtenu à partir de la résine de l'arbre à laque et appliqué en de nombreuses couches fines sur un support le plus souvent en bois. En séchant, il polymérise et devient exceptionnellement résistant à l'eau, à l'alcool et aux acides ; les pièces bien réalisées traversent les siècles. Le noir profond et le rouge sont typiques, souvent rehaussés d'or selon la technique du maki-e ou de nacre en incrustations raden. Seule la sève brute de l'arbre, avec son urushiol allergène, est toxique ; le laque durci, lui, est inoffensif au contact des aliments. Les objets laqués ne doivent jamais passer au lave-vaisselle, au four à micro-ondes ou au four traditionnel, mais être nettoyés à la main.

Aussi : Urushi, laque urushi, laque japonaise, objets laqués, laque naturelle

Usucha 薄茶

Usucha (薄茶, thé léger) est la préparation quotidienne du matcha : peu de poudre, une quantité généreuse d'eau chaude mais non bouillante, fouettée rapidement au Chasen jusqu'à obtenir une couche de mousse à fines bulles. Chaque invité reçoit son propre bol, et l'étiquette est nettement plus détendue que pour le thé épais. Un bol avec une surface de fond bien dégagée est idéal, car le fouet peut y travailler à plat et rapidement ; la poudre, elle, se conserve classiquement dans le Natsume laqué. La forme opposée est le Koicha, le thé épais et visqueux des occasions solennelles. Qui boit du matcha chez soi boit presque toujours de l'Usucha.

Aussi : usucha, thé fin, Usu-cha, koicha

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Utsushi 写し

Utsushi (写し) désigne la reprise d'une œuvre plus ancienne, à la fois appropriation et révérence. Celui qui copie entre en dialogue avec le maître du passé : il s'approprie sa technique, son matériau et ses choix esthétiques, et relie ainsi son époque à une époque antérieure. Dans la culture du thé, cela va de soi – les maîtres de thé successifs reprennent délibérément des ustensiles que leurs prédécesseurs appréciaient, et les potiers réalisent des utsushi de bols à thé célèbres. L'utsushi se distingue expressément du mozō (模造), la simple reproduction, et n'a rien à voir avec une contrefaçon : un utsushi ne dissimule pas son modèle, il s'en réclame au contraire, et l'exécutant signe en règle générale de son propre nom.

Aussi : Utsushi-mono, réplique d'après un modèle, hommage, reprise, Mozō

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Wabi-Cha 侘茶

Le wabi-cha (侘茶) est le courant délibérément sobre de la préparation japonaise du thé, qui remplace la précieuse vaisselle chinoise importée par des récipients simples, souvent d'origine locale, et érige la petite salle de thé dépouillée en idéal. Murata Jukō en est considéré comme le fondateur, lui qui associa la pratique zen et le thé ; Takeno Jōō fit évoluer cette posture, et c'est au XVIe siècle que Sen no Rikyū la porta à son plein épanouissement, exigence de laquelle est née la céramique Raku. Le wabi-sabi désigne quant à lui l'attitude esthétique générale qui conçoit l'imperfection et l'impermanence comme sources de beauté – le wabi-cha en est l'expression concrète dans la voie du thé.

Aussi : Wabicha, Wabi-cha, Wabi cha, Sōan-cha, Soan-cha, Sôan-cha

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Wabi-Sabi 侘寂

Le wabi-sabi est une attitude esthétique japonaise qui considère l'imperfection, l'impermanence et l'inachèvement comme la véritable source de la beauté. Le terme réunit deux mots à l'origine distincts : wabi, l'appréciation de la simplicité et du renoncement conscient, et sabi, la beauté qui naît avec l'âge et la patine. Cette attitude fut façonnée par la cérémonie du thé de Sen no Rikyū au XVIe siècle ; elle se manifeste dans la céramique non émaillée de Bizen ou de Shigaraki et dans la réparation à l'or, le kintsugi. Contrairement au mono no aware, qui désigne l'émotion face à l'impermanence, le wabi-sabi décrit une attitude créative — à savoir une retenue consciente, et non de la négligence.

Aussi : Wabi-Sabi, Wabi Sabi, esthétique Wabi-Sabi, philosophie Wabi-Sabi, Wabi, Sabi

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Washi 和紙

Le washi (和紙) est un papier japonais fait main, traditionnellement fabriqué à partir des longues fibres libériennes de l'arbuste Kōzo et d'autres plantes locales. Ces longues fibres le rendent à la fois absorbant et étonnamment résistant à la déchirure – deux propriétés sur lesquelles repose une grande partie de l'art japonais. Dans la calligraphie et la peinture à l'encre, l'absorption permet l'écoulement caractéristique de l'encre, si bien que les calligraphes expérimentés choisissent délibérément leur papier en fonction du style d'écriture et de l'expression recherchée. Lors du montage d'un rouleau suspendu, le washi sert de support : le hyōgu-shi contrecolle le honshi de plusieurs couches d'une extrême finesse à l'aide de colle d'amidon de blé, afin que la bande puisse être enroulée sans se briser.

Aussi : Washi, papier japonais, papier washi, papier fait main japonais

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Yahazu 矢筈

Un yahazu (矢筈) est une longue tige à extrémité fourchue, utilisée pour accrocher et décrocher les rouleaux suspendus japonais ; traditionnellement, elle est en bambou. Le nom désigne en réalité l'encoche à l'extrémité d'une flèche, celle qui repose sur la corde de l'arc – l'échancrure de l'outil a exactement cette forme. Le yahazu permet de passer en toute sécurité le cordon de suspension d'un kakemono encore enroulé par-dessus un crochet fixé en hauteur, sans avoir à monter sur une échelle et sans lâcher le tableau. Pour décrocher le rouleau, il rend le même service dans l'ordre inverse.

Aussi : Ya-hazu, tige de suspension, tige à kakemono, tige pour rouleau suspendu

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Yakimono 焼き物

Yakimono, littéralement « chose cuite », est le terme générique japonais désignant la céramique de toute sorte – depuis le grès non émaillé jusqu'à la porcelaine la plus fine. Il englobe les sous-groupes Doki, Tōki, Sekki et Jiki et ne dit en lui-même rien sur la matière première, la température de cuisson ou la glaçure ; qui veut classer une pièce plus précisément a besoin de ces termes plus étroits. Le mot Tōjiki est employé dans une large mesure comme synonyme. Il convient de noter que Yakimono désigne également, en japonais, un groupe de mets grillés – le sens visé résulte uniquement du contexte.

Aussi : Yaki-mono, Tōjiki, Tojiki, céramique japonaise, poterie japonaise

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Yakishime 焼締

Le terme yakishime désigne un grès japonais cuit à haute température, non émaillé, dont la surface se forme uniquement au four. L'argile fritte de manière dense sous l'effet des hautes températures, ce qui rend la pièce imperméable même sans bain d'émail ; ce qui brille de façon vitreuse sur de telles pièces est de la cendre volante fondue pendant la cuisson. Cette technique est typique de Bizen, Shigaraki, Tokoname, Echizen et Tamba, où les cuissons au bois se déroulent sur plusieurs jours. Une véritable pièce yakishime présente toujours une face exposée au feu et une face plus calme – elle se transforme lorsqu'on la tourne dans la main. Les produits industriels à glaçure d'imitation brune, en revanche, paraissent identiques sur tout leur pourtour.

Aussi : Yaki-shime, grès non émaillé, céramique Yakishime, cuisson à haute température sans émail, poterie non émaillée

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Yamato-e 大和絵

Le yamato-e (大和絵) est la tradition picturale courtoise et délibérément nationale du Japon, qui s'est développée depuis l'époque de Heian (794–1185) avec des couleurs vives, un usage décoratif de l'or et des motifs narratifs. Y sont représentées des scènes de cour, des sujets littéraires et des motifs naturels ; l'exemple le plus célèbre en est l'emakimono, ces rouleaux peints horizontaux qui illustrent des œuvres telles que le « Dit du Genji » sous forme de séquences d'images continues. Cette tradition fut portée depuis le Moyen Âge principalement par l'école Tosa, étroitement liée à la cour impériale de Kyōto. Le yamato-e s'est délibérément démarqué de la peinture d'inspiration chinoise et s'oppose ainsi à l'esthétique épurée et monochrome de la peinture à l'encre zen.

Aussi : Yamato-e, Yamatoe, peinture Yamato-e, peinture de cour japonaise, école Tosa

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Yōga 洋画

Yōga (洋画, « image occidentale ») désigne la peinture japonaise selon la manière occidentale – peinture à l'huile, aquarelle et dessin en perspective centrale, avec modelé de la lumière et de l'ombre et supports picturaux européens. Le terme est apparu à l'époque Meiji comme pendant du Nihonga, sous lequel était rassemblée la tradition picturale autochtone ; les deux mots n'ont pris leur sens que par cette opposition. Takahashi Yuichi (1828–1894), d'abord formé dans l'école Kanō, est considéré comme un précurseur ; Kuroda Seiki, revenu de France en 1893, en devint par la suite une figure marquante. Le Yōga n'est donc pas une technique d'origine japonaise, mais l'appropriation de la peinture européenne par des artistes japonais.

Aussi : Yōga, peinture Yōga, peinture occidentale au Japon, peinture à l'huile japonaise, style occidental dans la peinture japonaise

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Yohaku no bi 余白の美

Yohaku no bi (余白の美, « la beauté du blanc laissé en réserve ») est le principe esthétique japonais selon lequel la surface non peinte d'une image constitue une partie à part entière de l'image. Elle n'est pas un reste, faute de temps pour la remplir, mais brume, eau, ciel ou éloignement — son effet naît exclusivement des bords de ce qui est peint. Cette idée fut reprise, vers le XIIe siècle, de la peinture de paysage chinoise ; au Japon, elle s'est associée aux notions bouddhiques de kū (空, le vide) et de mu (無, l'inexistence). Un rouleau suspendu dont le papier reste vierge aux deux tiers n'est donc pas inachevé, mais conçu de telle sorte que le spectateur y apporte le reste.

Aussi : Yohaku, Yohaku no bi, beauté du vide, espace vide dans l'image, vide pictural

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Yōhen 曜変

Yōhen, la « transformation chatoyante », est la manifestation la plus rare de la glaçure Tenmoku : des taches sombres entourées d'une auréole irisée dans des tons de bleu et de violet, si bien que le bol évoque, selon l'éclairage, un ciel étoilé. Selon la tradition japonaise, seuls trois bols Yōhen complets sont conservés ; tous trois sont classés trésors nationaux. Il convient de distinguer ce terme de l'homophone Yōhen écrit avec d'autres caractères (窯変, « transformation du four »), qui désigne, à Bizen et dans d'autres traditions de cuisson au bois, les vifs changements de couleur produits par la cuisson. Il s'agit de deux choses différentes, que l'allemand confond facilement.

Aussi : Yohen, Yōhen Tenmoku, Yohen Tenmoku, transmutation chatoyante

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Yūgen 幽玄

Yūgen est une notion fondamentale de l'esthétique classique japonaise, désignant une beauté profonde et mystérieuse qui ne fait que se suggérer et ne se révèle jamais entièrement. Le mot signifie littéralement l'obscur-mystérieux ; dans la poésie de cour, puis surtout dans le théâtre Nō, il est devenu le critère de qualité central. En peinture, Yūgen désigne ce qui naît de l'omission : un paysage brumeux, une montagne à demi cachée, un motif dans le format resserré d'un shikishi. Contrairement au Wabi-Sabi, qui concerne les traces de l'âge et de l'usage, Yūgen décrit l'effet du suggéré – une profondeur par le voilement, non par l'altération.

Aussi : Yugen, Yūgen, esthétique yūgen, esthétique Yugen

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Yunomi 湯呑

Un yunomi (湯呑, littéralement « buveur d'eau chaude ») est le gobelet à thé japonais haut et sans anse destiné au thé en feuilles infusé comme le Sencha, le Bancha ou le Hōjicha torréfié. Le thé infuse au préalable dans une théière, le kyūsu, et n'est versé qu'ensuite ; le récipient doit seulement le maintenir au chaud et bien tenir en main, et peut donc être plus haut que large. Un diamètre d'environ six à huit centimètres pour une hauteur de huit à dix centimètres est typique. Contrairement au chawan, ce n'est pas dans le yunomi que le thé se prépare, il n'y fait qu'arriver. Les yunomi sont souvent vendus en paire de tailles inégales, le meoto-yunomi.

Aussi : Yunomi, tasse à thé japonaise, yunomi-jawan, tasse à thé Yunomi, bol à thé Yunomi

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Yuteki 油滴

Yuteki, « gouttes d'huile », est une forme d'expression de la glaçure Tenmoku : des taches rondes aux reflets argentés à bleutés sur un fond noir profond. Elles se forment aux endroits où, pendant la cuisson, des bulles de gaz ont percé la surface de la glaçure et où, au refroidissement, des cristaux d'oxyde de fer se rassemblent dans les creux ainsi laissés. La taille et la densité des gouttes dépendent avant tout de la vitesse de refroidissement – le motif peut être orienté par l'expérience, mais non prédéterminé avec exactitude. Il convient de distinguer le Yuteki du Nogime, le rayurage évoquant la fourrure de lièvre de cette même famille de glaçures, et du Yōhen, nettement plus rare, avec ses auréoles irisées.

Aussi : Yūteki, Yuteki, glaçure à taches d'huile, Yuteki Tenmoku, Oil Spot, taches d'huile, tache d'huile

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Zashiki 座敷

Un zashiki est la pièce de réception d'une maison japonaise recouverte de tatamis, c'est-à-dire la pièce de représentation dans laquelle les invités sont reçus. On y trouve habituellement aussi le tokonoma, la niche surélevée où sont exposés un rouleau suspendu et une fleur ; le zashiki est ainsi la pièce pour laquelle l'art japonais était traditionnellement choisi et changé. Le nom signifie littéralement quelque chose comme « place assise aménagée » et rappelle que l'on s'y assied à même le sol – la hauteur du regard sur un kakemono en découle.

Aussi : salle de réception, chambre d'hôtes, pièce en tatami

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Zazen 坐禅

Le zazen est la méditation assise du bouddhisme zen et sa pratique centrale ; le nom signifie littéralement « assise en recueillement ». On s'assied le dos droit en lotus complet ou demi-lotus, de sorte que les fessiers et les deux genoux portent le corps, avec une respiration calme, comptée ou simplement observée. Les deux écoles japonaises principales pratiquent différemment : dans l'école Sōtō, le shikantaza occupe la première place, la simple assise sans but, telle que Dōgen la décrit dans son manuel Fukan Zazengi ; l'école Rinzai associe l'assise au travail sur un kōan. Le zazen se distingue du satori en tant que pratique elle-même, non comme son résultat.

Aussi : Za-Zen, méditation assise, méditation zen, zazen assis

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Zen 禅

Le zen est un courant japonais du bouddhisme mahāyāna, issu du chan chinois, qui place la méditation assise Zazen en son centre. Le nom dérive, via le chan, du mot sanskrit Dhyāna, méditation. C'est en particulier à l'époque Muromachi (1333–1573) que le zen a marqué l'art japonais, donnant naissance à la peinture à l'encre Sumi-e, à la calligraphie Shodō, à la cérémonie du thé Chadō et aux jardins secs. Parmi les motifs picturaux centraux figurent l'Enso, le cercle tracé d'un seul geste, et les représentations de Bodhidharma. Les deux écoles principales se distinguent par leur pratique : le rinzai travaille avec le kōan, le sōtō avec la méditation assise sans but Shikantaza.

Aussi : Zen, bouddhisme Zen, Chan, bouddhisme Chan, Ch'an

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