Oribe-yaki – La révolte verte de la céramique à thé japonaise

À la fin du XVIe siècle, quelque chose émergea dans la céramique à thé japonaise que l'on ne connaissait guère jusque-là : une couleur éclatante, des formes de guingois, un esprit presque facétieux. Là où les bols de la génération précédente étaient bruns, gris et d'une sobriété austère, apparurent soudain des récipients recouverts d'un vert de cuivre profond, coulant comme du verre. Leurs bords semblaient repoussés hors de la forme circulaire, leurs parois portaient des motifs géométriques, qui conviendraient plutôt à une impression sur tissu qu'à un bol à thé. Cette céramique porte encore aujourd'hui le nom d'un homme qui servit comme guerrier et devint célèbre comme maître de thé : Oribe-yaki.

Qu'est-ce que l'Oribe-yaki ?

L'Oribe-yaki (織部焼) est une céramique de grès japonaise originaire de la région de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu, produite surtout entre environ 1600 et les années 1630. Son signe distinctif est une glaçure cuivrée, vert profond, qui n'est pas appliquée de façon uniforme mais versée par endroits sur la pièce, où elle forme des coulures et des gouttes. À cela s'ajoutent des zones claires, recouvertes d'engobe blanc (barbotine d'argile fluide) ou laissées libres, sur lesquelles sont peints à l'oxyde de fer des motifs géométriques et des motifs végétaux fortement abstraits. Des formes volontairement déformées et asymétriques sont également caractéristiques. L'Oribe-yaki compte, aux côtés du Shino, du Ki-Seto et du Setoguro, parmi les quatre grandes expressions de la céramique de Mino ; il doit son nom au maître de thé Furuta Oribe (1544–1615). Le Metropolitan Museum of Art répertorie les pièces de ce groupe sous l'appellation de céramique de Mino de type Oribe et décrit le matériau comme un grès à l'oxyde de fer brun sous glaçure transparente et glaçure vert cuivré.

Furuta Oribe : guerrier, maître de thé, éponyme

Furuta Oribe naquit en 1544 sous le nom de Furuta Shigenari à Motosu, dans la province de Mino – précisément dans cette région où fut plus tard cuite la céramique qui porte son nom. Il servit d'abord Oda Nobunaga, puis Toyotomi Hideyoshi, comme vassal, et devint en même temps l'élève du maître de thé Sen no Rikyū. Après la mort forcée de ce dernier en 1591, Oribe fut considéré comme le maître de thé le plus en vue du Japon. Il enseigna au shōgun Tokugawa Hidetada, fonda avec l'Oribe-ryū sa propre école de thé, et compta parmi ses élèves des créateurs aussi influents que Kobori Enshū et Hon'ami Kōetsu. Une forme de lanterne de jardin en pierre encore usitée aujourd'hui, l'Oribe-dōrō, remonte également à lui. Dans quelle mesure il guida réellement et directement les potiers de Mino reste toutefois controversé dans la recherche – ce qui est établi, c'est surtout que son goût a marqué le style. À quoi cette céramique était destinée, des ensembles de collection comme le service de mukōzuke en six pièces du Metropolitan Museum of Art le montrent bien : des coupelles d'accompagnement pour le repas kaiseki de la réunion de thé.

La rupture avec l'esthétique de Sen no Rikyū

L'idéal du thé selon Rikyū était la réduction : des bols sobres et sombres, des couleurs sourdes, une beauté qui se nourrit du renoncement. Oribe emprunta la voie inverse. Il ne cherchait pas le calme, mais le mouvement – et il l'atteignait en brisant délibérément la régularité. Les bords étaient enfoncés, les parois tirées de travers, les plages de glaçure interrompues en plein milieu du motif. Dans le journal de thé du marchand Kamiya Sōtan se trouve, en l'an 1599, la plus ancienne mention écrite connue d'un tel bol ; il le décrit avec le mot hyōge (biscornu, déformé, facétieux). Ce qui sonne aujourd'hui comme un reproche désignait alors une mode qui conquit le monde du thé par surprise. L'attitude d'Oribe est donc souvent décrite comme une rupture calculée de la forme : l'imparfait ne naît pas ici du hasard dans le feu, mais est délibérément provoqué par la main du potier.

D'où vient le vert cuivré

L'émail vert de l'Oribe-yaki doit sa couleur au cuivre, le plus souvent incorporé sous forme d'oxyde de cuivre ou de carbonate de cuivre dans un émail à base de cendres et de feldspath. Ce qui est déterminant, ce n'est pas seulement la recette, mais aussi l'atmosphère du four : ce n'est qu'en cuisson oxydante, c'est-à-dire avec un apport abondant d'oxygène, que le cuivre conserve la forme qui produit ce vert profond. Si le même mélange est cuit en réduction, la couleur bascule vers le rouge. La température de cuisson se situe autour de 1 220 degrés Celsius, et la fenêtre entre la fusion de l'émail et l'évaporation du cuivre est étroite. L'émail n'est pas appliqué au pinceau, mais versé ou puisé - c'est pourquoi il coule, s'accumule aux arêtes et forme ces bords sombres, presque noirs, qui permettent de reconnaître le style au premier coup d'œil. Qui souhaite acheter de la céramique Oribe trouvera précisément dans ces coulures d'émail irrégulières le signe le plus fiable.

Les fours de Motoyashiki

Cette céramique a été rendue possible par une innovation technique. Vers 1605, un nouveau type de four parvint depuis la région de Karatsu, sur Kyūshū, jusqu'à Mino : le Renbōshiki Noborigama, un four à chambres construit à flanc de colline, dont les chambres de cuisson sont disposées en enfilade. Il permettait d'atteindre des températures plus élevées et surtout plus régulières que les anciens fours à grande chambre unique - et donc un développement fiable de la couleur de la délicate glaçure au cuivre. Le four de Motoyashiki, dans le quartier de Kujiri à Toki, est considéré comme le premier de ce type à Mino et comme le lieu de naissance du Oribe-yaki. L'installation comptait quatorze chambres et mesurait plus de vingt-quatre mètres ; ses vestiges sont protégés depuis 1967 en tant que site historique national. Outre le tour de potier, le moulage sur moule y fut de plus en plus employé, ce qui rendit alors possibles les formes de récipients anguleuses et à plis multiples.

Géométrie sous la glaçure

Presque aussi marquante que le vert est la peinture qui se pose sur les surfaces laissées libres. Elle est appliquée avant l'émaillage avec un pigment ferrugineux directement sur le tesson ou sur un engobe blanc, et cuit pour donner un brun-noir chaud. Les motifs paraissent étonnamment modernes : grilles, losanges, bandes en zigzag, segments de cercle et damiers, entre lesquels s'intercalent des herbes, des feuilles de bambou ou des filets radicalement simplifiés. Une grande partie de ceux-ci provient de l'univers des motifs textiles et des emblèmes héraldiques, et non de la peinture figurative – une des raisons pour lesquelles les pièces Oribe paraissent souvent étonnamment contemporaines aux yeux des observateurs européens. L'attrait réside dans le choc : d'un côté la géométrie tracée avec exactitude, de l'autre la glaçure qui coule de manière incontrôlée, sans se soucier d'aucun motif.

Ao, Sō, Narumi : les variantes de l'Oribe

Au sein du style s'est constituée toute une famille de sous-types dont les noms restent en usage aujourd'hui encore dans le commerce. L'Ao-Oribe, « Oribe vert », est la variante la plus connue : une partie de la pièce porte l'émail vert, le reste demeure clair et est peint. Le Sō-Oribe recouvre de vert la totalité de la pièce, à l'exception du pied. Dans le Narumi-Oribe, une terre claire et une terre rougeâtre sont assemblées pour former une seule pièce, de sorte que l'effet de couleur provient déjà du tesson lui-même, avant même l'application de l'émail et de la peinture — le Metropolitan Museum of Art désigne d'ailleurs ce sous-type sous le nom de « Narumi Oribe type », notamment pour un pot à fleurs de cerisier du début du XVIIe siècle. L'Aka-Oribe travaille une terre rougeâtre et se passe le plus souvent entièrement du vert, tandis que l'E-Oribe met en avant le décor brun de fer. Le Kuro-Oribe et l'Oribe-guro, enfin, misent sur un noir profond : les pièces sont retirées du four encore incandescentes et refroidies rapidement, ce qui fait durcir en noir l'émail ferrugineux. L'Oribe-guro est entièrement noir, tandis que le Kuro-Oribe réserve une surface claire et peinte.

Des bols façonnés par pression dans le moule

La forme Oribe la plus célèbre est le kutsu-gata-chawan, le bol à thé « en forme de chaussure » : un récipient dont le bord rond, après le tournage, a été volontairement déformé en ovale ou en triangle, de sorte qu'il présente un avant et un arrière au moment de boire. Est apparu, en outre, un répertoire inhabituellement large de vaisselle pour le repas de thé : mukōzuke (petits bols d'accompagnement), assiettes à anse, brûle-parfums, récipients à eau, boîtes à thé et vases. Nombre de ces pièces sont anguleuses, lobées ou en éventail, et se laissent difficilement empiler ; le confort n'était manifestement pas le but recherché. Ce qui vaut pour les grandes pièces vaut tout autant pour leurs petites parentes : quiconque souhaite acheter une coupe à saké japonaise qui, dans la main, ne soit pas ronde mais anguleuse et un peu rebelle, trouvera son bonheur dans cette tradition.

La fin d'une mode éphémère

L'apogée du Oribe-yaki ne dura que quelques décennies. À l'été 1615, immédiatement après la chute du château d'Osaka, Furuta Oribe fut accusé d'avoir conspiré avec le parti vaincu des Toyotomi ; lui et son fils reçurent l'ordre de se donner la mort par seppuku, le suicide rituel. La question de savoir s'il exista jamais des preuves irréfutables de trahison reste débattue à ce jour. Avec la mort de celui qui lui avait donné son nom, la mode perdit son plus important défenseur. Les fours de Mino continuèrent à fonctionner, mais la demande déclina : le goût du début de l'époque d'Edo se tourna vers des formes plus calmes et plus mesurées, et après les années 1630, le Oribe-yaki ne joua plus guère de rôle dans la vie du thé. Au cours des siècles suivants, la technique tomba largement dans l'oubli.

Redécouverte au XXe siècle

Le retour de l'Oribe doit tout à la même quête que celle qui remit également le Shino-yaki en lumière. En 1930, le potier Arakawa Toyozō découvrit, dans les montagnes d'Ōgaya, sur le territoire de Kukuri, dans la ville de Kani, des tessons de céramique de l'époque Momoyama, prouvant ainsi que les célèbres céramiques à thé anciennes n'avaient pas été cuites à Seto, mais à Mino. Sa découverte tourna l'attention du monde spécialisé vers tout le paysage de fours enfouis de la région – aussi bien le Shino que le Setoguro, le Ki-Seto et l'Oribe. Arakawa fut désigné en 1955 Ningen Kokuhō, « Trésor national vivant ». Kitaōji Rosanjin, dans l'atelier duquel Arakawa avait travaillé un temps, reprit lui aussi le langage formel de l'Oribe. Aujourd'hui, dans les villes potières de Toki, Tajimi, Mizunami et Kani, on travaille de nouveau dans toutes les traditions de Mino ; depuis 1978, la céramique de Mino est officiellement reconnue comme artisanat d'art traditionnel japonais.

Un bol qui se contredit

Tenir en main un récipient Oribe est une expérience singulière : le tesson au pied est de teinte chaude et légèrement rugueux, l'émail vert est vitreux et froid au toucher, et entre les deux se trouve une arête qui ne devrait pas s'y trouver. On remarque vite l'endroit où le récipient veut être tenu – non parce qu'une règle l'impose, mais parce que la forme le suggère. Chez densho.art, vous trouverez des œuvres uniques en céramique japonaise fait main qui perpétuent ce goût pour la singularité, chaque pièce étant importée individuellement du Japon. Ceux qui souhaitent acheter un bol à thé japonais qui ne soit pas complaisant mais singulier trouveront dans notre sélection des récipients sur lesquels le regard s'attarde – tout comme le vert de cuivre s'accumule depuis quatre cents ans aux arêtes des bols.

Sources et bibliographie

The Metropolitan Museum of Art : Covered Vessel (Futamono) with Plum Tree, n° d'inventaire 2023.731a, b, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art : Ewer (Suichū) with Cherry Blossoms and Picnic Curtain, n° d'inventaire 2015.300.270a–c, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art : Set of Six Side Dishes (Mukōzuke) for Tea Gathering Meal (Cha-kaiseki), n° d'inventaire 1975.268.437, metmuseum.org.

Richard L. Wilson : Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, New York 1995.