Mino-yaki – Quatre styles, une région, une diversité infinie

Lorsqu'on entre dans une boutique de céramique japonaise et qu'on interroge sur l'origine d'une étagère aux allures particulièrement diverses – ici un vert profond, là un blanc nuageux, à côté un jaune sobre et un noir impeccable –, la réponse est étonnamment souvent la même : tout cela est du Mino-yaki. Peu d'autres régions céramiques japonaises réunissent une palette stylistique aussi large sous un nom commun. Cela tient à l'histoire particulière de la région de Mino, dans l'actuelle préfecture de Gifu, qui s'est développée au fil des siècles en un véritable terrain d'expérimentation pour de nouvelles glaçures et de nouvelles formes – et qui est aujourd'hui, en volume, la région céramique la plus importante du Japon.

Qu'est-ce que le Mino-yaki ?

Le Mino-yaki (美濃焼) est le terme générique désignant la céramique de la province historique de Mino, qui se situe aujourd'hui dans la partie méridionale de la préfecture de Gifu, notamment dans les villes de Toki, Tajimi, Mizunami et Kani. Contrairement à de nombreuses autres traditions japonaises, le Mino-yaki ne suit pas un style unique et uniforme, mais comprend plus de quinze sous-types reconnus comme artisanat d'art traditionnel. Les quatre plus connus et historiquement les plus importants sont le Shino, l'Oribe, le Ki-Seto et le Setoguro – quatre traditions de glaçure fondamentalement différentes, toutes nées ou ayant connu leur apogée durant l'époque Momoyama (1573–1603), dans le contexte de la cérémonie du thé japonaise.

Des céramiques Sueki à l'apogée Momoyama

La tradition potière de la région de Mino remonte à plus de 1 300 ans : dès le 5e siècle, sous l'impulsion de techniques importées de Corée, les premières céramiques Sueki non émaillées y furent produites. À l'époque Heian (794–1185) s'ajoutèrent les premières glaçures de cendres. L'élan décisif de son développement n'eut cependant lieu qu'au 16e siècle, lorsque des potiers du Seto voisin, fuyant sur place les troubles des guerres civiles, établirent de nouveaux fours sous la protection de seigneurs féodaux locaux. Sous la direction de l'influent maître de thé Furuta Oribe, disciple de Sen no Rikyū, naquit à cette époque un véritable essor créatif, qui donna naissance à plusieurs styles céramiques encore célèbres aujourd'hui.

Les quatre grands styles en un coup d'œil

Le Metropolitan Museum of Art classe systématiquement les pièces de ce groupe sous l'appellation « Mino ware », avec la mention respective type Shino ou type Oribe. Le Shino-yaki est considéré comme la première céramique japonaise à glaçure blanche : une glaçure feldspathique épaisse et laiteuse, aux pores fins et aux taches de feu rougeâtres, souvent complétée par des motifs végétaux discrets peints sous la glaçure. Le Oribe-yaki, en revanche, se reconnaît sans équivoque à sa glaçure verte cuivrée et intense, associée à des formes asymétriques et à des motifs géométriques ou floraux marqués, peints à l'oxyde de fer – un style délibérément « imparfait », presque ludique, qui correspondait au goût personnel de Furuta Oribe pour l'insolite. Le Ki-Seto, « Seto jaune », se caractérise par une glaçure jaune délicate, le plus souvent appliquée en couche fine, et était traditionnellement utilisé surtout pour la vaisselle élégante de la cuisine kaiseki. Le Setoguro, « Seto noir », enfin, résulte d'un procédé particulier : les pièces sont sorties du four encore incandescentes et refroidies brutalement, ce qui fige la glaçure en un noir profond et velouté – une technique également appelée Hikidashi-guro, « noir extrait ».

Fabrication et technique de cuisson

Comme pour la plupart des céramiques de Mino, la fabrication s'effectue aujourd'hui encore en plusieurs étapes de travail traditionnelles : la matière première, soigneusement pétrie, est d'abord débarrassée des bulles d'air, la technique de pétrissage caractéristique conférant à l'argile une forme en spirale rappelant un chrysanthème. Après le façonnage sur le tour de potier, l'émail est appliqué, suivi de la cuisson dans un four à chambre ou un four-tunnel chauffé au bois, à des températures pouvant atteindre 1 400 degrés Celsius. C'est notamment lors de la cuisson traditionnelle Anagama que l'interaction entre les cendres volantes et la flamme produit les dégradés de couleurs et les différences de texture typiques, qui confèrent à la céramique de Mino son caractère unique et naturel.

Redécouverte par Arakawa Toyōzō

Durant l'époque d'Edo, la fabrication du véritable Shino de Momoyama tomba largement dans l'oubli, et l'on situa longtemps à tort son origine dans la région voisine de Seto plutôt qu'à Mino. Le Victoria and Albert Museum décrit l'élucidation de cette erreur comme un épisode connu de l'histoire moderne de la céramique japonaise : en 1930, Arakawa découvrit des tessons de Shino près de Mutabora, dans le village d'Ogaya, et en 1933, il y transféra son atelier. Ce n'est qu'au XXe siècle que le potier Arakawa Toyōzō (1894–1985), originaire de Tajimi, se mit systématiquement en quête des sites de cuisson originaux de l'époque Momoyama et parvint, par l'étude des vestiges de fours historiques, à reconstituer les mélanges d'argile et les techniques de cuisson que l'on croyait perdus. Pour cet accomplissement, il fut désigné en 1955 Ningen Kokuhō, « Trésor national vivant » – selon le Victoria and Albert Museum, tant pour ses œuvres en Ki-Seto, Setoguro que Shino ; une distinction que reçurent depuis aussi d'autres céramistes de Mino de renom, comme Katō Tokurō.

De l'artisanat à la plus grande région céramique du Japon

À partir du milieu de l'ère Meiji, la production à Mino a commencé à se spécialiser et à se rationaliser de plus en plus afin de pouvoir rivaliser avec d'autres régions ; vers la fin de l'ère Taishō, l'électrification croissante a encore accéléré cette évolution, de sorte que les fours traditionnels chauffés au bois ont été progressivement remplacés par des fours au charbon plus efficaces. À l'ère Shōwa, la région de Mino s'est finalement hissée au rang de plus grande région céramique du Japon en termes de volume : aujourd'hui encore, on estime que 50 à 60 pour cent de l'ensemble de la production céramique japonaise proviennent de cette région – un contraste énorme avec la fabrication à petite échelle, souvent familiale, des historiques Six Ancient Kilns.

La céramique de Mino au quotidien

Malgré cette dimension industrielle, une scène artisanale vivante perdure aujourd'hui encore à Mino, qui entretient les techniques traditionnelles en travail manuel. Chawan, récipients à saké, vases et vaisselle du quotidien dans les quatre styles classiques de Mino comptent aujourd'hui encore parmi les objets les plus recherchés par les collectionneurs de céramique à thé japonaise. Qui souhaite reconnaître un original fait main devrait prêter attention à l'irrégularité caractéristique de la coulée d'émail et de la forme – des caractéristiques qui ne se retrouvent pas dans la production industrielle émaillée en série.

Oribe-yaki : la rupture ludique avec la symétrie

Il vaut particulièrement la peine de s'arrêter sur le Oribe-yaki, nommé d'après le maître de thé Furuta Oribe, considéré comme l'un des disciples les plus influents de Sen no Rikyū, mais qui, dans sa propre sensibilité esthétique, se démarquait nettement de la sobriété stricte de ce dernier. Oribe privilégiait délibérément des formes asymétriques, souvent légèrement déformées, ainsi qu'une glaçure verte cuivrée et intense, qui s'écoule en coulures caractéristiques sur la surface de l'objet, combinée à des motifs ludiques, parfois d'allure presque « comique », à l'oxyde de fer. Cette rupture délibérée avec la sobriété wabi-sabi jusqu'alors dominante a fait du Oribe-yaki l'un des styles les plus individuels et les plus expérimentaux de toute l'histoire de la céramique japonaise, et montre à quel point la liberté créatrice était possible même au sein des conventions strictes de la céramique de thé.

Cette audace stylistique explique aussi pourquoi le Oribe-yaki jouit aujourd'hui encore d'une grande popularité auprès des collectionneurs internationaux et des designers contemporains : le langage formel clair, presque moderne, combiné à la couleur verte vivante, paraît étonnamment intemporel et se prête aussi bien à une mise en valeur dans des espaces traditionnels que dans des espaces contemporains. Ce n'est pas rare que le Oribe-yaki serve précisément de première porte d'entrée pour les collectionneurs occidentaux vers l'ensemble de la céramique de thé japonaise, avant qu'ils ne se tournent ensuite vers des styles plus sobres comme le Shino ou le Bizen. Le Oribe-yaki doit ce rôle de « porte d'entrée » précisément à son langage formel inhabituel, souvent immédiatement accessible aux regards occidentaux.

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Sources et bibliographie

The Metropolitan Museum of Art : Shino Tea Bowl with Bridge and Shrine, Known as “Bridge of the Gods” (Shinkyō), n° d'inv. 2015.300.271, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art : Covered Vessel (Futamono) with Plum Tree, n° d'inv. 2023.731a, b, metmuseum.org.

Victoria and Albert Museum, Londres : Fresh water jar and lid, Suzuki Osamu, n° d'inv. FE.29-1989, collections.vam.ac.uk.

Richard L. Wilson : Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, New York 1995.