Kutani-yaki – Cinco colores, un nuevo comienzo tras cien años de silencio

Algunas tradiciones cerámicas crecen de forma continua a lo largo de siglos. La cerámica Kutani, en cambio, tiene una historia llena de rupturas: un ascenso rápido, un enmudecimiento repentino de los hornos, aún hoy no del todo aclarado, durante cerca de cien años, y finalmente un renacimiento igual de vigoroso. Quien contemple un cuenco Kutani con su intensa paleta de colores en verde, amarillo, púrpura, azul y rojo no percibe nada de esta agitada historia. Y sin embargo, precisamente esta intensidad cromática, por la que la cerámica Kutani sigue siendo célebre hoy en día, está indisolublemente ligada a esta interrupción y a su posterior redescubrimiento.

¿Qué es el kutani-yaki?

El kutani-yaki (九谷焼) es porcelana japonesa de la prefectura de Ishikawa, en la costa occidental de Japón, que recibe su nombre de la aldea de Kutani, donde en el siglo XVII surgieron los primeros hornos. Característica de la cerámica de Kutani es su vigorosa decoración policromada sobre esmalte, ejecutada en tonos especialmente luminosos de verde, amarillo, púrpura, azul y, ocasionalmente, rojo. Este estilo de cinco colores se denomina en japonés gosai-de y se considera el rasgo distintivo más conocido de la tradición de Kutani, tan determinante que el registro japonés de artesanías tradicionales exige expresamente, para el kutani-yaki reconocido, el uso de los «cinco colores de Kutani» en la decoración sobre esmalte.

Un ceramista regresa a casa

Los orígenes de la cerámica Kutani se remontan al ceramista Gotō Saijirō, quien había aprendido su oficio en Arita, entonces ya centro consolidado de la producción de porcelana japonesa en Kyūshū. De regreso en su región natal de Ishikawa, fundó a mediados del siglo XVII un horno propio en la aldea de Kutani, donde previamente ya se habían descubierto materias primas adecuadas para la porcelana. El registro japonés de las artesanías tradicionales señala precisamente esta confluencia como punto de partida: el hallazgo de piedra de porcelana en las canteras de Kutani y el regreso de los artesanos del feudo de Kaga, que habían aprendido su oficio de la porcelana en la actual Arita. Las piezas creadas en esta etapa temprana se denominan Ko-Kutani, «Antiguo Kutani», y se caracterizan por una pintura intensa, a menudo cubriendo toda la superficie, con motivos de paisajes y naturaleza en el característico estilo Gosai-de de cinco colores.

Un final enigmático – y un renacimiento

Tras solo unos cincuenta años de producción, el horno de Kutani cesó su actividad – las razones exactas de ello no han quedado históricamente esclarecidas del todo y siguen siendo objeto de debate en la investigación. Durante alrededor de cien años, la tradición Kutani permaneció interrumpida, antes de experimentar su renacimiento a principios del siglo XIX bajo la denominación de Saiko-Kutani, «Kutani renacido». Esta segunda fase dio lugar a una diversidad estilística considerablemente mayor que la del Ko-Kutani original: junto a nuevos desarrollos del clásico estilo de cinco colores, surgieron nuevas variantes como el estilo Eiraku, caracterizado por un rojo y un dorado luminosos, el estilo Yoshidaya, que apuesta por un azul intenso, amarillo, púrpura y azul de Prusia, así como variantes con un rojo llamativo como color dominante. El registro japonés de las artesanías tradicionales enumera estos hornos de forma individual: el horno Kasugayama, de estilo Mokubei, el horno Yoshidaya, que pretendía expresamente revivir el antiguo Kutani, el horno Miyamoto, con su fina pintura roja, y el horno Eiraku, con su decoración de brocado dorado.

Elaboración: la pintura como forma de arte independiente

La elaboración de la porcelana Kutani sigue el procedimiento clásico de varias etapas de la producción de porcelana japonesa: modelado con arcilla de porcelana fina, una primera cocción de bizcocho para estabilizar el cuerpo en bruto, a continuación la laboriosa decoración con pigmentos minerales y, finalmente, una segunda cocción que funde los colores de forma permanente con el esmalte. Lo que distingue a la Kutani-yaki de otras tradiciones porcelánicas japonesas como Arita es el especial énfasis en una pintura sobre esmalte intensa y de gran superficie: en lugar de la comedida pintura bajo esmalte en azul cobalto, en la cerámica Kutani predominan a menudo composiciones densas y de colores intensos que confieren a la porcelana un efecto casi pictórico. Esta pintura requiere una formación artesanal de varios años y se considera una disciplina artística independiente dentro de la elaboración de porcelana.

Del objeto artístico al bien de exportación

Como muchas otras tradiciones artesanales japonesas, la cerámica Kutani-yaki experimentó también un auge considerable durante la era Meiji (1868–1912), cuando Japón, tras siglos de aislamiento, se abrió al comercio internacional y los coleccionistas occidentales fueron mostrando un interés creciente por el arte japonés. La porcelana Kutani se convirtió en esta época en un bien de exportación muy solicitado y se presentó en exposiciones universales internacionales, lo que le confirió a esta tradición un prestigio adicional también fuera de Japón.

La cerámica de Kutani en la actualidad

También en la actualidad se produce porcelana de Kutani en la prefectura de Ishikawa, en numerosos talleres, algunos de ellos con generaciones de tradición: desde la pieza de colección pintada tradicionalmente hasta la vajilla moderna que combina motivos clásicos con diseño contemporáneo. El Kutaniyaki Art Museum de Ishikawa documenta la cambiante historia de la tradición desde el Ko-Kutani hasta la actualidad. Quien desee reconocer un original hecho a mano debe fijarse en la característica luminosidad y profundidad de los colores de sobreesmalte, así como en el trazo fino del pincel, nunca del todo uniforme: detalles que no pueden reproducirse mediante serigrafía industrial.

La cerámica Kutani en comparación con otras tradiciones de porcelana

Mientras que la porcelana de Arita y de Imari son conocidas sobre todo por su combinación de azul cobalto, rojo y oro, la cerámica Kutani apuesta por una paleta de colores más amplia, a menudo más fría, con un mayor énfasis en los tonos verdes y púrpuras. Este lenguaje cromático diferenciado permite a coleccionistas y entendidos distinguir a primera vista las dos grandes tradiciones porcelanas japonesas, un ejemplo de cómo dos regiones geográficamente no demasiado alejadas pudieron desarrollarse de manera tan distinta en el plano estilístico.

El misterio sin resolver de Ko-Kutani

Hasta hoy no se ha aclarado de forma definitiva entre los historiadores del arte por qué la producción del horno original de Ko-Kutani terminó tras apenas unos cincuenta años. Los distintos enfoques explicativos van desde dificultades económicas, pasando por reestructuraciones políticas en el feudo local, hasta conflictos dentro de las familias alfareras. Algunos investigadores incluso sospechan que una parte de las piezas denominadas Ko-Kutani fueron en realidad fabricadas en Arita y estaban destinadas únicamente al mercado de Kutani – un debate que hasta hoy no se ha resuelto definitivamente en los círculos especializados y que convierte el estudio de la historia temprana de Kutani en uno de los campos más vivos de la historia del arte japonés.

Sin embargo, esta incertidumbre histórica no merma en absoluto el aprecio de las piezas de Ko-Kutani entre los coleccionistas – al contrario: precisamente la combinación de enigma histórico-artístico y calidad pictórica extraordinaria convierte a las piezas originales de Ko-Kutani en objetos de coleccionista especialmente codiciados y de gran valor, mientras que la posterior producción de Saiko-Kutani del siglo XIX constituye hasta hoy la base de la viva y más accesible tradición contemporánea de Kutani.

También la ciudad de Kanazawa, en la prefectura de Ishikawa, centro histórico del mecenazgo artístico feudal, desempeñó un papel importante en el desarrollo de Kutani-yaki: como sede de uno de los feudos más ricos del periodo Edo, ofreció el caldo de cultivo financiero y cultural que hizo posible la elaborada y laboriosa pintura sobre esmalte propia de la tradición de Kutani. Esta estrecha relación entre poderío económico feudal y florecimiento artístico puede observarse en numerosas tradiciones cerámicas japonesas y explica por qué determinadas regiones se convirtieron históricamente en centros de técnicas concretas, a menudo muy laboriosas. La propia Kanazawa sigue siendo considerada hoy una de las ciudades culturalmente más ricas de Japón y conserva en numerosos museos y talleres el legado de esta estrecha relación entre el mecenazgo señorial y la maestría cerámica.

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Fuentes y bibliografía

Traditional Crafts Aoyama Square (registro japonés de las artes y oficios tradicionales): KUTANI Yaki (Porcelain), kougeihin.jp.

The Metropolitan Museum of Art: Tall Vase with Kingfishers, n.º de inventario 2001.733, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Wine bottle, n.º de inventario 23.25a, b, metmuseum.org.

Nicole Coolidge Rousmaniere: Vessels of Influence. China and the Birth of Porcelain in Medieval and Early Modern Japan. Bristol Classical Press, Londres 2012.