Pintura japonesa tradicional – Entre tinta, seda e insinuación silenciosa

Quien se encuentra por primera vez ante un rollo colgante japonés clásico, a menudo repara primero en lo que falta: nada de óleo, ninguna ilusión de profundidad perspectiva, con frecuencia ni siquiera color en el sentido occidental. En su lugar: mucho espacio vacío, pocas líneas, pero trazadas con precisión, una composición que sugiere más de lo que formula. La pintura tradicional japonesa sigue sus propias leyes estéticas, que se han desarrollado a lo largo de más de mil años en estrecho intercambio con China y en constante diálogo con las corrientes religiosas y filosóficas autóctonas.

Nihonga: la «pintura japonesa»

El término genérico para la pintura japonesa clásica es Nihonga (日本画), literalmente «imagen japonesa» - un concepto que se acuñó recién en la era Meiji para diferenciar conscientemente la tradición pictórica autóctona de la pintura al óleo importada de Occidente en la misma época (Yōga). Nihonga engloba así una gran variedad de técnicas y estilos históricamente desarrollados, que a menudo difieren notablemente entre sí en cuanto a material, soporte pictórico y lenguaje visual, pero que comparten principios fundamentales comunes: el uso de pigmentos naturales, pinceles finos y soportes tradicionales como papel, seda o madera.

Sumi-e: pintura con tinta negra

Una de las técnicas más influyentes de la pintura japonesa es el sumi-e (también llamado suibokuga), la pintura a la tinta. Con un único pincel, tinta negra y una presión variable sobre la punta del pincel se crean forma, volumen e incluso profundidad atmosférica, sin usar color en absoluto. Esta técnica, tomada de China, llegó a Japón a través de monjes budistas y se refinó especialmente en el entorno del budismo zen durante el periodo Muromachi (1333–1573). Los motivos clásicos del sumi-e abarcan desde paisajes hasta los «Cuatro Nobles» —orquídea, bambú, crisantemo y flor de ciruelo— y retratos de patriarcas zen como Bodhidharma. Ambos polos pueden contemplarse uno junto al otro en el Metropolitan Museum of Art: un rollo paisajístico de Maejima Sōyū del periodo Muromachi y un Bodhidharma en tinta sobre papel de Unkoku Tōgan (1547–1618). Ambos polos pueden contemplarse uno junto al otro en el Metropolitan Museum of Art: un rollo paisajístico de Maejima Sōyū del periodo Muromachi y un Bodhidharma en tinta sobre papel de Unkoku Tōgan (1547–1618).

Yamato-e: pintura autóctona de la corte

Paralelamente a la pintura a tinta de impronta china, ya en el periodo Heian (794–1185) se desarrolló con el yamato-e una tradición pictórica decididamente autóctona, que representaba escenas cortesanas, narraciones literarias y motivos naturales en colores más intensos y con un empleo decorativo del oro. El ejemplo más célebre son los emakimono, rollos de pintura horizontales que ilustraban obras literarias como la «Historia del príncipe Genji» en una secuencia narrativa continua. El yamato-e se sitúa así en una deliberada contraposición estilística con la estética reducida y monocroma de la pintura a tinta zen surgida posteriormente.

Escuela Kanō y escuela Rinpa: esplendor cortesano e innovación decorativa

A partir del periodo Muromachi y, especialmente, durante el periodo Edo (1603–1868), se establecieron varias escuelas de pintura influyentes que marcaron el arte pictórico japonés durante siglos. La escuela Kanō, dirigida a lo largo de generaciones por una única familia de artistas, combinaba las técnicas chinas de pintura a tinta con colores intensos y fondos dorados, y se convirtió en la escuela de pintura oficial del shogunato. La escuela Rinpa, en cambio, cuyo nombre proviene del pintor Ogata Kōrin, se caracterizaba por motivos naturales decorativos, a menudo muy estilizados, sobre fondo dorado, e influyó más tarde también en el art nouveau europeo. Ambas escuelas muestran la diversidad con la que la pintura japonesa pudo desarrollarse dentro de su propia tradición, sin renunciar a la apreciación fundamental por la reducción, el trazo lineal y la importancia del espacio vacío.

Soportes pictóricos: kakemono, byōbu y fusuma

La pintura tradicional japonesa está estrechamente vinculada a sus formas específicas de presentación. El kakemono, el rollo colgante vertical, es hasta hoy la forma más conocida y se exhibía tradicionalmente en el tokonoma, el nicho expositivo de una vivienda japonesa, a menudo intercambiado según la estación del año o la ocasión. Junto a él se establecieron el byōbu, el biombo plegable de varios paneles, así como las fusuma, puertas correderas pintadas, que en las viviendas y templos tradicionales japoneses solían portar composiciones paisajísticas o naturales amplias y continuas que abarcaban todo el espacio. Todos estos formatos tienen en común que no están concebidos para la permanencia, sino para el cambio estacional o situacional, una diferencia fundamental respecto a la tradición occidental de la pintura enmarcada de forma permanente. Cuán grandes podían llegar a ser estos formatos lo muestra un par de biombos de seis paneles de Kano Chōkichi en el Metropolitan Museum of Art, que despliega el paisaje de las cuatro estaciones a lo largo de toda la superficie pictórica. Cuán grandes podían llegar a ser estos formatos lo muestra un par de biombos de seis paneles de Kano Chōkichi en el Metropolitan Museum of Art, que despliega el paisaje de las cuatro estaciones a lo largo de toda la superficie pictórica.

Motivos pictóricos centrales

Ciertos motivos recorren toda la historia de la pintura japonesa y portan cada uno significados propios, a menudo de varias capas. Los paisajes con pinos, grullas y cascadas representan la longevidad y la permanencia. Los dragones simbolizan el poder, la sabiduría y la protección. Las flores como las flores de cerezo o las flores de ciruelo remiten a la fugacidad de la vida y a la belleza del instante. Los motivos religiosos y filosóficos como Bodhidharma o el símbolo Enso encarnan ideas centrales del budismo zen. Estos temas pictóricos recurrentes forman un vocabulario visual común que se ha entendido y desarrollado a lo largo de los siglos.

Principios de la composición pictórica: vacío, sugerencia, asimetría

Lo que une a la pintura tradicional japonesa a través de todas las escuelas y épocas es un enfoque del espacio pictórico fundamentalmente distinto al de la historia del arte occidental. En lugar de llenar una superficie de la manera más completa posible, el espacio vacío, llamado ma, se emplea conscientemente como elemento compositivo: como una pausa, como una sugerencia de aquello que no se muestra pero que debe ser pensado. Las composiciones asimétricas se prefieren a las simétricas, ya que resultan más naturales y vivas. Este principio de la omisión consciente, que se manifiesta con especial claridad en la pintura a tinta de influencia zen, está estrechamente emparentado con la estética del wabi-sabi: la valoración de lo incompleto como auténtica fuente de belleza.

Ukiyo-e: el arte del mundo flotante

Junto a las tradiciones clásicas del rollo colgante y la pintura mural, durante el periodo Edo se desarrolló con el ukiyo-e una tradición pictórica propia, mucho más cercana al pueblo, que en un principio se difundió como pintura y, a partir del siglo XVII, cada vez más como grabado en madera policromado. El ukiyo-e, literalmente «imágenes del mundo flotante», se dedicaba principalmente a la vida urbana de ocio de la pujante clase de comerciantes y artesanos: actores del teatro kabuki, cortesanas de los barrios de placer, paisajes y, más adelante, también escenas históricas y mitológicas. Maestros como Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige alcanzaron con sus obras una enorme fama, no solo en Japón sino también a nivel internacional, e influyeron de manera decisiva en el impresionismo europeo del siglo XIX. El Metropolitan Museum of Art presenta «La gran ola» de Hokusai como una estampa de la serie «Treinta y seis vistas del monte Fuji» y data la impresión hacia 1830-1832. El Metropolitan Museum of Art presenta «La gran ola» de Hokusai como una estampa de la serie «Treinta y seis vistas del monte Fuji» y data la impresión hacia 1830-1832.

A diferencia de la pintura clásica nihonga, orientada en su mayoría a encargos para templos, la nobleza o la clase samurái, el ukiyo-e estuvo concebido desde el principio para la reproducibilidad y la amplia disponibilidad: mediante un procedimiento basado en la división del trabajo entre dibujante, tallador de la plancha de madera e impresor, los grabados en madera policromados podían producirse en tiradas comparativamente altas y a precios asequibles, un temprano precursor de la posterior democratización del arte que hasta hoy sigue marcando la percepción de la pintura japonesa en Occidente. Para los coleccionistas, esto significa que las obras nihonga, debido a su carácter de pieza única y a sus materiales más elaborados, suelen gozar de una valoración distinta a la de los grabados ukiyo-e, reproducibles, aunque ambas tradiciones forman parte por igual del rico legado de la pintura japonesa. Quien conoce ambas tradiciones comprende mejor por qué la pintura japonesa ha seguido siendo hasta hoy tan diversa: como interacción entre obras únicas y exclusivas y grabados de amplio acceso, igualmente elaborados con maestría.

En densho.art encontrará kakemono pintados a mano de artistas japoneses que mantienen vivas hasta hoy estas técnicas y tradiciones pictóricas centenarias. Quien desee comprar un kakemono o comprar un rollo colgante japonés original descubrirá en nuestra selección de pintura japonesa la fuerza expresiva silenciosa de la tinta, el color y el espacio vacío. Así, la pintura tradicional japonesa sigue siendo hasta hoy una fuente de inspiración silenciosa para quien se adentra en su lenguaje visual propio.

Fuentes y bibliografía

The Metropolitan Museum of Art: Landscape of the Four Seasons, Kano Chōkichi, n.º de inventario 1975.268.42, .43, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Landscape, Maejima Sōyū, n.º de inventario 1975.268.41, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Under the Wave off Kanagawa (Kanagawa oki nami ura), n.º de inventario JP2569, metmuseum.org.

Timothy Clark (ed.): Hokusai. Beyond the Great Wave. Thames & Hudson / British Museum, Londres, 2017.