Imari-yaki – la porcelana que conquistó las cortes principescas de Europa

En las vitrinas de los palacios europeos siguen conviviendo hoy en día: jarrones con tapa, platos de aparato y jarras en un azul cobalto intenso, rojo óxido y oro, pintados con tal densidad que apenas queda libre una mancha del fondo blanco. El nombre bajo el que se comercian estas piezas desde hace más de trescientos años no designa ni un taller ni un vidriado, sino un pequeño puerto en la costa noroeste de Kyūshū: Imari. Cómo un embarcadero se convirtió en una marca y cómo la porcelana japonesa ascendió en pocas décadas al bien de lujo más codiciado de Europa es una historia de guerra, azar y un sentido extraordinariamente fino para el gusto ajeno.

¿Qué es el imari-yaki?

Imari-yaki (伊万里焼) designa la porcelana japonesa procedente de la región de Arita, en la prefectura de Saga, en la isla de Kyūshū, que se embarcaba a través del cercano puerto de Imari. El término describe originalmente, por tanto, no un horno ni una técnica, sino una vía comercial. En Europa se ha desarrollado a partir de ahí un segundo significado, más restringido: aquí se considera decoración imari una pintura densa, a menudo cubriendo toda la superficie, de azul bajo cubierta, complementada con colores sobre cubierta en rojo hierro y oro, ocasionalmente con líneas de contorno negras. El cuerpo cerámico es porcelana dura auténtica: de paredes finas, sonido claro al golpearlo y ligeramente translúcida en los puntos más finos. El pigmento azul con contenido de cobalto, que se aplica antes de la cocción del vidriado, se denomina en japonés gosu (medio de pintura de azul cobalto); resiste la alta temperatura de cocción, mientras que el rojo y el oro se aplican solo en una segunda cocción, considerablemente más fría, sobre el vidriado ya terminado. Ambos significados —indicación de procedencia y denominación del decorado— coexisten hasta hoy en día y son la razón por la que una misma pieza aparece, según el catálogo, catalogada como arita o como imari.

Un puerto da nombre a la porcelana

Entre Arita e Imari hay unos quince kilómetros. La cocción se realizaba tierra adentro, y la carga en la costa: la mercancía terminada viajaba por tierra y por el río Imari hasta el puerto, donde los comerciantes la transbordaban a los barcos. Para el mercado japonés viajaba hasta Osaka y otros puertos; para la exportación, hasta Nagasaki, donde la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales (VOC) mantenía su único puesto comercial en Japón, en la isla artificial de Dejima. Puesto que en aquella época las mercancías solían recibir el nombre de su lugar de embarque, esta porcelana pasó pronto a llamarse simplemente Imari, incluso cuando no se había producido ni un metro de ella en el propio Imari. La historia de su fabricación, en cambio, desde el hallazgo de la roca apta para porcelana cerca de Arita en 1616 hasta los estilos Kakiemon e Iro-Nabeshima, pertenece al tema vecino de Arita-yaki. De esta duplicidad procede la confusión que acompaña a los coleccionistas hasta hoy.

El cambio de dinastía en China y el vacío en el comercio mundial

El hecho de que la porcelana japonesa llegara a Europa se debe a un colapso ocurrido en otro lugar. Durante siglos, China había dominado el mercado mundial, encabezado por los enormes hornos de Jingdezhen, cuya loza azul y blanca llegaba a los hogares europeos a través de Lisboa y Ámsterdam. Con la caída de la dinastía Ming en la década de 1640 y las largas luchas hasta la consolidación del dominio Qing, la producción allí cayó en el desorden, las rutas de transporte se volvieron inseguras y la exportación se desplomó casi por completo durante un tiempo. La Compañía de las Indias Orientales, que había abastecido a sus clientes europeos durante décadas con loza azul y blanca china, se quedó sin mercancía y buscó un sustituto. Lo encontró en la provincia de Hizen, la actual Saga: los hornos en torno a Arita llevaban pocas décadas cociendo auténtica porcelana y ya estaban en condiciones de suministrar grandes cantidades con una calidad constante.

1659 y el primer gran pedido de la Compañía de las Indias Orientales

Se considera generalmente 1659 como el año clave del comercio con Europa. Zacharias Wagenaer –nacido en 1614 en la Neustadt de Dresde, al servicio de los neerlandeses– dirigía entonces por segunda vez la factoría de Dejima y realizó un pedido que debía elaborarse expresamente según el gusto europeo: un servicio de unas doscientas piezas, en azul y blanco y decorado profusamente con flores. Ese mismo año salieron del país envíos del orden de varias decenas de miles de piezas. Lo que había sido una solución de urgencia se convirtió rápidamente en un modelo de negocio: la Compañía enviaba muestras e indicaciones de medidas a Arita, y los talleres de allí trabajaban conforme a ellas. Así surgieron en porcelana japonesa formas de recipientes que no existían en Japón: trabajo por encargo para un mercado que los alfareros nunca llegaron a ver. Los datos concretos sobre el año y el volumen de este primer pedido varían según la bibliografía.

Jarrones suntuosos para Europa, vajilla cotidiana para Japón

El apogeo de la exportación se situó en el último tercio del siglo XVII. En Europa no se buscaban cuencos de té, sino piezas de representación: jarrones altos con tapa, que se alineaban en juegos de tres o de cinco sobre repisas de chimenea y de armarios, platos suntuosos de considerable diámetro, jarras y soperas. Para el mercado japonés surgió paralelamente un surtido completamente distinto: cuencos de arroz, platos en juegos de cinco, tokkuri (botellas de sake), guinomi (copas de sake pequeñas) y yunomi (tazas de té para el uso cotidiano) – vajilla que se usaba y no se exhibía alineada. Esta doble orientación marca la imagen hasta hoy: quien desee comprar una copa de sake japonesa se mueve dentro del mismo universo de formas que ya en el siglo XVII se desarrolló para el uso doméstico, mientras que el pesado decorado dorado estaba pensado sobre todo para la mirada desde fuera. Quien observa ambas líneas una junto a otra reconoce rápidamente que el suntuoso decorado dorado no nació del uso cotidiano japonés, sino de la demanda de un mercado muy lejano.

Kinrande: azul bajo cubierta, rojo y oro sobre la cubierta

El decoro que Europa asocia con Imari se llama en Japón Kinrande (金襴手, «estilo de brocado dorado») – llamado así por los tejidos de seda entrelazados con hilos de oro. Técnicamente se produce en dos cocciones. Primero se pinta el cuerpo cerámico ya formado y precocido con gosu en azul cobalto, se recubre con una cubierta transparente y se cuece a unos 1.300 grados Celsius; el azul se hunde entonces en la cubierta y adquiere su profundidad característica. Sobre la superficie terminada, dura como el cristal, se aplican después los colores de esmalte sobre cubierta, sobre todo un cálido rojo de hierro, así como el oro, que se cuecen en una segunda cocción, notablemente más fría. La combinación de azul bajo cubierta y decoro de colores sobre cubierta se llama Somenishiki; solo con la adición del oro se convierte en Kinrande. Este estilo se documenta en Arita hacia finales del siglo XVII, en referencia a las antiguas porcelanas chinas de brocado dorado de la época Ming. El Metropolitan Museum of Art describe sus piezas Imari del siglo XVIII exactamente con esta estratificación: porcelana dura con esmaltes de colores sobre cubierta transparente y dorado.

Ko-Imari, el «viejo Imari» de los coleccionistas

En Japón, Ko-Imari (古伊万里, «viejo Imari») designa la porcelana histórica del periodo Edo procedente de la región de Hizen, en sentido estricto la producción de exportación de los siglos XVII y XVIII. El término es una categoría de coleccionista y no una indicación de procedencia: distingue las piezas antiguas de la producción posterior, pero no dice nada sobre el taller concreto, ya que los hornos de la región de Hizen no solían firmar su producción de exportación; también el Metropolitan Museum of Art clasifica por ello sus fondos de Imari sin nombre de taller, únicamente bajo la denominación colectiva «Hizen ware; Imari type». Por ello son tanto más importantes para la datación los grandes conjuntos cerrados. El Museo de Cerámica de Kyūshū en Arita conserva, con la colección Shibata, un conjunto de 10.311 objetos de los siglos XVII al XIX, del que anualmente se exhiben, de forma rotativa, alrededor de mil piezas: una de las bases documentales más importantes para la clasificación de Ko-Imari en general. En el mercado europeo, el término se emplea hoy a menudo de forma más generosa de lo que hace la bibliografía especializada japonesa; allí suele significar tan solo que una pieza presenta el antiguo decorado de exportación.

La fiebre de la porcelana en las cortes principescas de Europa

Pocas figuras encarnan la fascinación europea por la porcelana tan claramente como Augusto el Fuerte, elector de Sajonia y rey de Polonia. En 1717 adquirió en Dresde el Palacio Holandés y lo transformó en un castillo de porcelana; desde 1732 lleva el nombre de Palacio Japonés. Series enteras de estancias debían revestirse allí con porcelana de Asia Oriental y de Meissen. Su colección comprendía originalmente más de 29.000 piezas de porcelana de Asia Oriental, de las cuales unas 8.000 se conservan hasta hoy en la Colección de Porcelana de Dresde; los libros de inventario de 1721 y 1779 documentan los fondos. La cerámica japonesa de Arita —tanto el decorado Imari como el estilo más comedido Kakiemon— marcó de manera determinante la fisonomía de esta colección. Para la pasión coleccionista de aquellos años se ha transmitido de forma contemporánea la expresión «enfermedad de la porcelana» —con la que se aludía al estado en que un príncipe ya no se conformaba con un jarrón, sino que exigía paredes enteras cubiertas de ellos. También en otras cortes surgieron en esa época gabinetes de porcelana, en los que se apilaban piezas de Asia Oriental muy juntas sobre repisas.

Meissen, Delft y Chantilly responden a Imari

El éxito de la porcelana japonesa no quedó sin consecuencias para la producción europea. En Delft, donde el suelo local no proporcionaba material para porcelana auténtica, el modelo se trasladó a la loza esmaltada con estaño – más blanda y más barata, pero de un efecto cromático sorprendentemente cercano. En Meissen, donde hacia 1708-1710 se logró, como primera manufactura europea, la cocción de porcelana dura, Augusto el Fuerte hizo copiar piezas de su colección de Asia oriental: el maestro de pintura Johann Gregorius Höroldt, contratado en 1720, y su taller crearon en la década de 1720 copias exactas de modelos japoneses y chinos, entre otros para el ajuar del Palacio Japonés. En Francia, Chantilly se orientó sobre todo hacia el decorado Kakiemon, más refinado, mientras que las manufacturas inglesas desarrollaron sus propios patrones Imari, que en parte se siguen produciendo hasta hoy. El recorrido de los motivos pasó así por tres estaciones: de los modelos chinos a Arita, de ahí a los palacios europeos y, finalmente, a los libros de muestras de las manufacturas europeas.

El imari chino y el fin de la exportación

En cuanto los hornos de Jingdezhen volvieron a funcionar, copiaron la exitosa decoración japonesa. Estas piezas se conocen en el comercio de arte como «imari chino»; alcanzaron su mayor difusión aproximadamente entre 1715 y 1735. Suelen estar torneadas con mayor finura, son más delgadas y su vidriado es más uniforme, y además resultaban considerablemente más baratas. Para Japón, esto significó el fin del gran negocio: la producción en Hizen requería más mano de obra, y los precios de la mercancía no pudieron mantenerse. La exportación a Europa disminuyó fuertemente hasta aproximadamente 1740; aún hay constancia de algunos envíos aislados de la Compañía hasta la década de 1750, cuando el comercio se interrumpió por completo. Los hornos en torno a Arita siguieron produciendo, pero ahora casi exclusivamente para el mercado interno japonés: durante casi un siglo, la porcelana imari quedó en Europa como un recuerdo en las vitrinas principescas, sin que llegara nuevo suministro desde Kyūshū.

La segunda floración en la era Meiji

Solo la apertura de Japón trajo de vuelta la exportación. En 1873, el gobierno Meiji participó por primera vez de forma oficial en una exposición universal en Viena, y el entusiasmo europeo por el arte japonés, el japonismo, proporcionó a la porcelana de Hizen un segundo público. En Arita surgieron talleres fundados expresamente para el mercado mundial: en 1875 la Kōransha, en 1894 la actual empresa Fukagawa Seiji, que fue galardonada en 1900 en la Exposición Universal de París y que a partir de 1910 actuó como proveedor de la corte del emperador japonés. Las piezas de estas décadas son a menudo técnicamente más brillantes que la antigua mercancía de exportación, pero en su precisión resultan también más frías. De esta segunda ola procede buena parte de lo que hoy se ofrece como Imari; quien desee comprar cerámica japonesa se topa en el comercio casi inevitablemente con obras de esta época, en todo caso con mucha más frecuencia que con auténtica mercancía de exportación de la era Edo.

Qué significa hoy «Imari» y en qué puede fijarse

En Japón, el nombre se emplea ahora en un sentido más restringido: allí se considera Imari-yaki sobre todo la porcelana que efectivamente se cuece en el término municipal de Imari, por ejemplo en el pueblo alfarero de Ōkawachiyama, mientras que la producción de Arita se denomina Arita-yaki; como artesanía tradicional, ambas se agrupan conjuntamente bajo Imari-Arita-yaki. En el uso europeo, en cambio, Imari sigue siendo sobre todo un nombre de decoración. Quien toma una pieza en las manos hace bien en fijarse en el trazo de la pintura: pinceladas ligeramente irregulares, la profundidad visible del azul bajo cubierta y el rojo sobre cubierta, mínimamente en relieve, que puede palparse con la uña. En el reverso de los platos más antiguos suelen encontrarse de tres a cinco pequeños puntos sin esmaltar, huellas de los soportes de cocción en el horno; se consideran un indicio de fabricación japonesa, no una prueba.

En densho.art encontrará piezas de porcelana y cerámica japonesas hechas a mano en las que esta tríada de fondo blanco, pintura de color y acento dorado sigue resonando hasta hoy, cada pieza adquirida individualmente en Japón. Ya sea como vajilla de té para el día a día o como obra de arte japonesa para regalar: sostenga una de estas piezas a la luz y gírela lentamente, y verá cuántas manos han trabajado en ella.

Fuentes y bibliografía

The Metropolitan Museum of Art: Plate with a vase of flowers, n.º de inventario 1995.268.37, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Bottle with flowers of the four seasons, n.º de inventario 1995.268.69, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Plate with Japanese court woman and birds, n.º de inventario 1995.268.139, metmuseum.org.

Nicole Coolidge Rousmaniere: Vessels of Influence. China and the Birth of Porcelain in Medieval and Early Modern Japan. Bristol Classical Press, Londres 2012.