Términos del arte japonés de la A a la Z – El glosario de Densho

De chawan a wabi-sabi: los términos más importantes en torno a la cerámica y la pintura japonesas explicados brevemente.

Cuenco de té chawan Yakesa en su caja de conservación

Kakemono, chawan, yakishime, tomobako: en torno al arte japonés tradicional encontrará numerosos términos que no se explican por sí solos. Este glosario los reúne en un solo lugar y explica cada uno en pocas frases: desde el rollo colgante, pasando por los hornos cerámicos y la cultura del té, hasta los conceptos estéticos fundamentales y las épocas japonesas.

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A

Agano-yaki 上野焼

Agano-yaki es una tradición cerámica japonesa del distrito de Tagawa, en la prefectura de Fukuoka, en Kyūshū, que surgió en 1602, cuando el señor de Kokura, Hosokawa Tadaoki, trajo al alfarero coreano Sonkai al pie del monte Fukuchi. Al igual que Karatsu, se remonta así a artesanos coreanos, pero desde sus inicios fue utensilio de té para la corte. Llama la atención su pared marcadamente delgada y ligera; a esto se suma una inusual variedad de esmaltes, entre los que el verde azulado que se extiende sobre superficies claras es el más conocido. Agano se cuenta entre los siete hornos atribuidos al maestro de té Kobori Enshū.

También: cerámica Agano, Agano yaki, Ueno-yaki, Agano

Aka-Raku 赤楽

Aka-Raku, el «Raku rojo», es uno de los dos tipos clásicos fundamentales del cuenco de té Raku: un cuerpo cerámico formado a mano a partir de arcilla roja ferruginosa, sobre el que se aplica un esmalte transparente. La cocción se realiza a baja temperatura, generalmente entre 800 y 900 grados, de modo que los cálidos tonos rojos, ocres y anaranjados de la arcilla se manifiestan a través del esmalte. A diferencia del Kuro-Raku, que se cuece a mayor temperatura y se retira del horno al rojo vivo, el Aka-Raku se enfría de forma más pausada; el efecto resultante es más suave y acogedor. Como toda cerámica Raku, el cuerpo cerámico permanece poroso y notablemente ligero.

También: Akaraku, Aka Raku, Aka-Raku, cerámica Aka Raku, chawan Aka Raku

Akae 赤絵

Akae, literalmente «pintura roja», designa la decoración esmaltada policroma sobre porcelana japonesa, en la que un cálido rojo férrico marca el tono. Los colores se aplican sobre la superficie ya cocida y vitrificada, y se fijan en una segunda cocción, sensiblemente más suave; por eso quedan ligeramente en relieve y pueden percibirse al tacto con la uña. Precisamente en esto se distingue el akae del sometsuke, cuyo azul cobalto se encuentra bajo el esmalte. Cuando se combinan ambos, el azul bajo esmalte con la decoración esmaltada policroma, se habla de somenishiki; si además se añade oro, se habla de kinrande. El akae está extendido sobre todo en Arita, Kutani y Kioto.

También: Aka-e, akae, decoración en rojo, esmalte sobre cubierta, decoración sobre cubierta, decoración en rojo de hierro

Akahada-yaki 赤膚焼

El Akahada-yaki es una tradición cerámica japonesa de las colinas del monte Gojō, al oeste de la ciudad de Nara, y se cuenta entre los siete hornos atribuidos al gusto de Kobori Enshū. El nombre remite en parte al antiguo topónimo Akahada-yama, en parte al barro que adquiere un tono rojizo al cocerse; las fuentes no son uniformes en este punto. Es característico un esmalte blanco lechoso, finamente resquebrajado, bajo cuyo borde asoma el bizcocho rojizo. La forma decorativa más conocida es el Nara-e, una pintura fina e ingenua con ciervos, templos y escenas de antiguos relatos; su introducción se considera mérito del alfarero Okuda Mokuhaku. El horno fue promovido por los Yanagisawa, señores de Kōriyama.

También: cerámica Akahada, Akahada yaki, Akahadayama-yaki, Akahada

Akazu-yaki 赤津焼

Akazu-yaki es una tradición cerámica japonesa del barrio de Akazu, al este del centro urbano de Seto, en la prefectura de Aichi, y constituye por tanto una rama de la cerámica de Seto. Los hornos de allí se remontan hasta la era Heian; su orientación actual se remonta a principios del siglo XVII, cuando se instalaron deliberadamente de nuevo alfareros en Akazu. Lo característico no es tanto un aspecto único como la convivencia de siete esmaltes tradicionales -esmalte de ceniza, esmalte de hierro, Ko-Seto, Ki-Seto, Shino, Oribe y Ofuke- así como de doce técnicas decorativas. En 1977, Akazu-yaki fue reconocida como artesanía tradicional. La grafía Akatsu, que se encuentra ocasionalmente, designa la misma cerámica.

También: Akazu-yaki, Akatsu-yaki, cerámica de Akatsu, cerámica de Akazu, Akazu

Amakusa-Porzellan 天草陶磁器

La porcelana de Amakusa es la porcelana elaborada en las islas Amakusa, en la prefectura de Kumamoto, cuya base es la piedra de porcelana de Amakusa extraída en la zona. Esta roca, descubierta a finales del siglo XVII y utilizada con fines cerámicos a partir del siglo XVIII, es notablemente blanca, dura y translúcida; representa alrededor de cuatro quintas partes de la extracción japonesa de piedra de porcelana y hasta hoy se sigue suministrando a Arita, Mikawachi y otros centros de porcelana. En la propia zona trabajan, entre otros, los hornos Uchida Sarayama, Takahama, Maruo y Mizunodaira, en parte con porcelana blanca translúcida, en parte con gres bajo esmaltes namako y esmaltes negros. En 2003, la cerámica de Amakusa fue reconocida como artesanía tradicional.

También: Amakusa-yaki, cerámica de Amakusa, Amakusa-Tōjiki, Amakusa, porcelana de Amakusa

Anagama 穴窯

Un anagama es un horno de leña de una sola cámara, excavado como un largo túnel en una ladera y cubierto de arcilla; el nombre significa literalmente «horno cueva». Esta forma constructiva llegó a Japón desde la península coreana en el primer milenio y siguió siendo, durante siglos, la única empleada en los antiguos centros alfareros. La cocción se prolonga durante días sin interrupción, y la llama y la ceniza volante pasan directamente sobre las piezas, lo que da lugar al depósito natural de ceniza y a las zonas de color por las que se aprecia la cerámica sin esmaltar. Del anagama debe distinguirse el posterior noborigama, formado por varias cámaras dispuestas en fila y que produce una cocción más uniforme.

También: Anagama, horno anagama, horno cueva, horno tunel, horno de camara unica, horno de una sola camara, coccion anagama, coccion en horno anagama

Arita-yaki 有田焼

El Arita-yaki es porcelana dura japonesa procedente de la región de Arita, en la prefectura de Saga, en Kyūshū, y se considera la primera porcelana fabricada en Japón. Su origen se remonta al descubrimiento de caolín en la colina de Izumiyama en 1616 por el alfarero coreano Yi Sam-pyeong. El bizcocho, cocido a unos 1.300 grados, es duro, liso y ligeramente translúcido en las zonas más finas, un marcado contraste con las tradiciones de gres de aspecto terroso como el Bizen. Entre los estilos conocidos se encuentran el Ko-Arita de color azul cobalto, el refinado estilo Kakiemon y el cortesano Iro-Nabeshima. El Imari-yaki designa la misma cerámica, aunque recibe su nombre del puerto de embarque: Arita indica la región de producción, e Imari, la vía comercial.

También: Arita-yaki, porcelana de Arita, cerámica de Arita, Arita

Asahi-yaki 朝日焼

La cerámica Asahi-yaki es una cerámica de té japonesa de Uji, en la prefectura de Kioto, que según la tradición fue fundada hacia 1600 al pie del monte Asahi y se cuenta entre los siete hornos al gusto de Kobori Enshū. Está estrechamente vinculada al té de Uji: los cuencos de té se añadían como obsequio a los envíos de té de hoja. Es característico un cuerpo cerámico de tono pardo claro con moteado rojizo-negruzco, que en otros lugares se llama Gohon, mientras que en Uji recibe el nombre de Kase, «lomo de ciervo»; las huellas de espátula y de torneado permanecen visibles como Keshiki. A diferencia de la urbana cerámica Kyō-yaki, la cerámica Asahi prescinde en gran medida de la decoración sobre esmalte.

También: cerámica Asahi, Asahi yaki, Uji-Asahi, Asahi

Azuchi-Momoyama-Zeit 安土桃山時代

El periodo Azuchi-Momoyama (1573–1603) es la breve época de transición entre el periodo Muromachi y el periodo Edo, en la que Oda Nobunaga y Toyotomi Hideyoshi unificaron Japón; algunas versiones la dan ya por concluida con la batalla de Sekigahara en el año 1600. Para la cerámica japonesa, estas tres décadas son decisivas: en el entorno de la ceremonia del té surgieron en la región de Mino las tradiciones de esmalte Shino, Oribe, Ki-Seto y Setoguro, el ceramista Chōjirō creó junto con el maestro de té Sen no Rikyū la cerámica Raku, y tradiciones como la cerámica de Bizen o la cerámica de Karatsu vivieron su apogeo como cerámica de té de primer rango. Las piezas Momoyama se consideran hasta hoy un referente.

También: periodo Momoyama, era Momoyama, Momoyama, Azuchi-Momoyama, periodo Azuchi-Momoyama

B

Banko-yaki 萬古焼

La cerámica Banko es una cerámica japonesa de Yokkaichi y Komono, en la prefectura de Mie, que se remonta al comerciante Nunami Rōzan, de Kuwana; este comenzó hacia 1740 en Obuke, por afición, a cocer sus propios utensilios de té. El nombre proviene de su sello Banko fueki, que significa aproximadamente «inmutable para siempre». Hoy en día, Banko designa dos productos: teteras sin esmaltar de arcilla ferruginosa cocida en atmósfera reductora, cuyo bizcocho de color pardo púrpura se llama Shidei, y ollas de barro refractarias para el fuego, a las que se añade petalita. La gran mayoría de los donabe japoneses proceden de esta región.

También: Bankoyaki, cerámica Banko, Yokkaichi-Banko, Banko

Benzaiten 弁財天

Benzaiten, generalmente llamada de forma abreviada Benten, es la diosa japonesa de las artes, la música, la elocuencia y el agua, y la única figura femenina entre los Siete Dioses de la Fortuna. Se remonta a la diosa hindú del río Sarasvati y suele representarse con un laúd biwa. Su vínculo con el agua se refleja en Japón en los lugares de veneración: los santuarios dedicados a Benzaiten se encuentran a menudo junto a lagos, ríos o en islas. Para músicos, escritores y oradores, una imagen suya se considera tradicionalmente un regalo apropiado, lo que la convierte, entre los siete dioses, en la más cercana a la creación artística.

También: Benten, Benzaiten-sama, Sarasvati, diosa Benzaiten

Bidoro ビードロ

Bidoro designa los charcos vítreos verdosos que se forman durante la cocción de cerámica sin esmaltar, cuando la ceniza volante se funde sobre el bizcocho y se acumula en hendiduras o en los hombros de la pieza. A diferencia del depósito puntual de ceniza, el bidoro parece vidrio traslúcido goteado y puede formar goterones. El nombre proviene de la palabra portuguesa «vidro», que significa vidrio, y recuerda los primeros contactos europeos. Este fenómeno es especialmente apreciado en la cerámica de Bizen, donde, junto con el goma y el hidasuki, forma parte del repertorio de efectos propios de la cocción con leña.

También: esmalte bidoro, bidoro, bīdoro

Bijin-ga 美人画

Bijin-ga (美人画, «imagen de una mujer hermosa») es un género de la pintura japonesa que representa figuras femeninas como tipo y no como retrato de una persona determinada. El sentido reside en los detalles: el estampado y el corte del kimono, el peinado, la posición de las manos, la estación del año sugerida por el fondo; una dama ante un ciruelo en flor es a la vez una imagen de primavera. Surgido en el ukiyo-e del periodo Edo, el género fue trasladado en el siglo XX a la pintura nihonga por artistas como Itō Shinsui (1898–1972). El rango de un bijin-ga lo decide sobre todo la calidad material: la manera en que el pintor resuelve la caída de la seda y la transición entre el cuello y la nuca.

También: Bijinga, Bijin-e, bijin-ga, retrato de mujer bella, imagen de mujer hermosa

Bishamonten 毘沙門天

Bishamonten es el dios japonés de la fortuna de los guerreros y protector, representado con armadura completa, con una lanza en una mano y una pequeña pagoda en la otra: esta última representa la casa del tesoro budista que él custodia. Pertenece a los Siete Dioses de la Fortuna, los Shichifukujin, y procede originalmente del budismo indio. Es el único del grupo que aparece al mismo tiempo en un segundo papel: bajo el nombre de Tamonten se cuenta entre los Cuatro Reyes Celestiales, que en los templos custodian los puntos cardinales. En la representación se le reconoce fácilmente porque es el único que tiene un aspecto marcial y no alegre.

También: Bishamon, Tamonten, Bishamonten, dios de la fortuna Bishamonten, Vaisravana

Bizen-yaki 備前焼

El bizen-yaki es una cerámica de gres japonesa sin esmaltar de la prefectura de Okayama, cuya coloración se genera únicamente en el fuego. Se cuece con la técnica yakishime a una temperatura de entre 1.200 y 1.300 grados centígrados durante varios días en un horno alimentado con leña; la llama y la ceniza dejan efectos de cocción (yōhen) que reciben nombres propios: goma, sangiri e hidasuki. La base es la arcilla hiyose, rica en hierro, procedente de los alrededores de Imbe. Bizen se cuenta entre los seis hornos antiguos de Japón y está reconocida desde 1982 como artesanía tradicional. A diferencia de Seto, el segundo de estos seis centros, Bizen prescinde hasta hoy de manera consecuente de todo esmalte y toda pintura.

También: Bizen-yaki, cerámica de Bizen, Bizen ware, Bizen

Bokuseki 墨蹟

Bokuseki (墨蹟, «huellas de tinta») es la caligrafía de los monjes zen y se considera en Japón una categoría propia dentro del arte de la escritura. Se escriben sobre todo breves máximas zen, caracteres sueltos o versos de poemas, a menudo con rapidez, con fuerza y de forma deliberadamente inacabada. A diferencia del shodō en general, aquí no prima la perfección estilística, sino la autoridad espiritual de quien escribe: muchos autores no eran calígrafos profesionales, sino abades y maestros zen. El bokuseki tiene un lugar fijo en la cultura del té, donde un rollo colgante de este tipo cuelga en el tokonoma de la sala de té y marca el tono del encuentro; también se incluyen aquí las inscripciones en utensilios de té.

También: bokuseki, caligrafía bokuseki, caligrafía zen

Byōbu 屏風

Un byōbu es un biombo japonés compuesto por varios paneles plegables unidos mediante bisagras de papel, cuyas superficies están pintadas o decoradas con caligrafía. El nombre significa literalmente «pared contra el viento» y designa así su función original: el biombo dividía el espacio e impedía las corrientes de aire, siendo a la vez soporte pictórico. Es habitual encontrarlos en pares de dos biombos de seis paneles cada uno, cuya composición se lee a través de ambas mitades. A diferencia del kakemono, el byōbu es de pie libre y no se enrolla, sino que se pliega.

También: Biombo, byōbu, biombo japonés, biombo plegable

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C

Chabana 茶花

Chabana (茶花, literalmente flor de té) es el adorno floral de la ceremonia japonesa del té y consiste, por lo general, en muy poco: un capullo de camelia, una rama, unas cuantas hierbas, colocados como si hubieran crecido así. Se muestra lo que florece en ese momento de la estación, dispuesto en un hanaire de cerámica, bambú o bronce, que se coloca en el tokonoma junto al rollo caligráfico. Frente al ikebana, que permite más composición y una configuración visible, el chabana retrocede deliberadamente: la flor no debe parecer arreglada, sino solo traer un instante del año a la sala de té.

También: chabana, flor de te, flores de te, arreglo floral chabana, arreglo floral de la ceremonia del te

Chadō 茶道

Chadō (茶道, también leído Sadō) es el «camino del té»: la ceremonia japonesa del té, entendida como una práctica de ejercicio de toda la vida. El Dō es el mismo que en Shodō (caligrafía) o Budō (artes marciales) y designa siempre un camino de práctica y no la mera adquisición de una habilidad: se aprende el manejo del cuenco, el batidor y el agua a lo largo de décadas, bajo la guía de una escuela. Como orientación interior se consideran los cuatro principios de armonía (Wa), respeto (Kei), pureza (Sei) y quietud (Jaku). Chanoyu, en cambio, designa la reunión concreta en la que efectivamente se prepara y se bebe el té.

También: Sadō, Chado, Chadō, Chanoyu, camino del té, ceremonia del té japonesa

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Chaire 茶入

Un chaire es el pequeño bote de cerámica en el que se guarda el matcha espeso para la ceremonia del té, generalmente con una tapa de marfil o un material sustitutivo, y protegido por una bolsa de brocado de seda, el shifuku. Históricamente, los chaire se contaban entre los objetos más valorados de toda la cultura del té; algunas piezas llegaron a intercambiarse como si fueran fincas. Se distingue del natsume en el material y en el uso: el bote de laca natsume corresponde al té ligero, y el bote de cerámica chaire, al té espeso, una asignación que sigue vigente hoy en día.

También: Cha-ire, tarro de té, tarro de té de cerámica, cerámica para té

Chaji 茶事

Un chaji (茶事) es la forma completa y formal de la reunión japonesa del té: el anfitrión invita a pocos huéspedes, los agasaja con una comida kaiseki, sirve dulces y a continuación prepara primero koicha espeso y luego usucha ligero. Un desarrollo de este tipo dura tradicionalmente unas cuatro horas. Se han transmitido siete formas básicas, que se distinguen sobre todo según la hora del día, desde el chaji de la mañana hasta el de la noche. El chaji se diferencia del chakai por la duración, la comida y el reducido círculo de huéspedes invitados; en el chakai se suele servir únicamente un dulce y un cuenco de té. Chanoyu es el término superior que designa la reunión como tal.

También: Cha-ji, chaji, reunión formal de té, ceremonia del té completa

Chakai 茶会

Un chakai (茶会) es la reunión de té japonesa más breve e informal, en la que se sirve a los invitados un dulce y un cuenco de té, generalmente usucha ligero, con menor frecuencia koicha espeso. No incluye una comida, por lo que un chakai dura más bien una hora escasa que medio día. Especialmente extendido está el ōyose-chakai, un evento de gran tamaño en el que grupos de invitados son conducidos sucesivamente a la sala de té y para el que no se presuponen conocimientos previos. El chakai se distingue del chaji, de varias horas de duración y con comida kaiseki, en su alcance y formalidad, no en el utensilio empleado.

También: Chakai, cha-kai, reunion informal de te, Ōyose-Chakai, Oyose-Chakai

Chakin 茶巾

Un chakin (茶巾) es el pequeño paño blanco de lino o cáñamo con el que, en la ceremonia japonesa del té, se limpia y se seca el cuenco de té. El anfitrión precalienta primero el chawan con agua caliente, vierte esta agua en el recipiente de desecho kensui y luego seca el cuenco con el chakin, ligeramente húmedo y plegado en tiras, antes de añadir el polvo de matcha. Lo habitual es un formato de unos treinta por quince centímetros; se aprecia especialmente el cáñamo blanqueado de Nara, llamado narazarashi. Se diferencia del fukusa de seda en el material y en la función: el chakin toca el cuenco, el fukusa limpia los utensilios.

También: chakin, paño chakin, paño de té, paño de lino de la ceremonia del té, cha-kin

Chanoyu 茶の湯

Chanoyu (茶の湯, literalmente «agua caliente para el té») es la ceremonia del té japonesa como reunión concreta: un anfitrión prepara matcha para los invitados siguiendo un procedimiento establecido y les ofrece el cuenco. El término pone el acento en el acontecimiento: el espacio, los utensilios seleccionados, el orden de los movimientos, el rollo colgante en el tokonoma. Se distingue entre la reunión más breve e informal (chakai) y el chaji formal de varias horas con comida. Chadō, el camino del té, designa la misma práctica, pero pone el énfasis en la práctica de toda una vida. Ambas palabras coexisten hasta hoy; chanoyu es la más antigua y la más cercana a lo cotidiano.

También: Chanoyu, Cha-no-yu, ceremonia del té, ceremonia del té japonesa, Chadō, Chado

Chasen 茶筅

Un chasen (茶筅) es el batidor de té japonés de bambú con el que se bate el polvo de matcha y el agua caliente directamente en el cuenco de té hasta formar una capa de espuma de poro fino. Se talla de una sola pieza de bambú y presenta, según el modelo, entre sesenta y ciento veinte púas finas curvadas hacia afuera. El espacio que necesita determina la geometría del chawan: la cabeza del batidor debe poder girar libremente, por lo que los cuencos de té resultan anchos y de fondo plano por dentro. Un chasen es una pieza consumible: tras su uso se enjuaga solo con agua limpia, se seca en posición vertical y, con el tiempo, se sustituye cuando las púas se rompen.

También: batidor de te, batidor de bambu, batidor de matcha, chasen

Chashaku 茶杓

Un chashaku (茶杓) es la estrecha cuchara de té japonesa de bambú con la que se dosifica el polvo de matcha del bote de té y se traslada al cuenco. Se talla de una sola pieza, se dobla ligeramente por el centro y termina en una pala plana en forma de cuchara; a menudo un nudo del bambú queda visible en el mango. Junto con el chawan y el chasen constituye el equipamiento básico propiamente dicho para la preparación del matcha; todo lo demás es comodidad. En la ceremonia del té, los chashaku se cuentan entre los utensilios más personales: con frecuencia reciben un nombre, se firman y se guardan en un estuche propio.

También: cucharilla de te, cucharilla de bambu, cucharilla de matcha, chashaku

Chawan 茶碗

Un chawan (茶碗) es el cuenco de té japonés ancho y sin asa en el que el matcha se bate directamente con el batidor de bambú (chasen) dentro del propio recipiente y del que después se bebe. Es, por tanto, utensilio y recipiente de bebida a la vez, lo que explica su forma: abertura ancha, fondo interior en su mayor parte plano, pared que se eleva en oblicuo y un pie sin esmaltar (kōdai). Las piezas clásicas miden por lo general entre once y trece centímetros de diámetro. Un yunomi, en cambio, es el vaso más alto y esbelto para el té de hoja infusionado, y un guinomi no es un chawan pequeño, sino un recipiente propio para sake. Los chawan se fabrican en casi todas las tradiciones cerámicas, desde la cerámica Raku pasando por la cerámica de Hagi hasta la cerámica Shino y la cerámica Oribe.

También: cuenco de té, cuenco de matcha, chawan

D

Daikokuten 大黒天

Daikokuten es el dios japonés de la fortuna asociado a la prosperidad, la agricultura y el comercio. Su atributo es un mazo mágico con el que, según la leyenda, esparce riqueza allí donde golpea; se le representa generalmente de pie sobre sacos de arroz y acompañado de ratas. Su origen se remonta a una temible deidad india, que en Japón se transformó en una figura amable y rechoncha con un gorro plano. Pertenece a los Siete Dioses de la Fortuna, los Shichifukujin, y aparece con especial frecuencia junto a Ebisu. Daikokuten figuraba en los primeros billetes de papel moneda japoneses de 1885.

También: Daikoku, Daikoku-ten, Daikokusama

Daruma 達磨

Daruma es el nombre japonés de Bodhidharma y, al mismo tiempo, la denominación de la figura popular de la suerte que surgió de su iconografía. La figura es redondeada, no tiene brazos ni piernas y, al ser volcada, se endereza por sí sola: un símbolo de perseverancia, resumido en el proverbio «Nanakorobi yaoki», caer siete veces, levantarse ocho. Su origen se remonta a los talismanes del Daruma-dera en Takasaki; hacia 1770 surgieron los primeros moldes de fundición. Tradicionalmente se vende con los dos ojos en blanco: uno se pinta al formular un propósito, el segundo en cuanto se alcanza la meta. Bodhidharma, en cambio, designa la figura del monje de la tradición.

También: muñeca Daruma, Bodhidharma, Bodaidaruma, Daruma

E

E-Shino 絵志野

E-Shino, «Shino pintado», es el subtipo más extendido de la cerámica Shino de la región de Mino. Sobre el bizcocho crudo se dibuja un motivo con un pigmento ferruginoso —el llamado oniita— y encima se aplica el grueso esmalte feldespático de color blanco lechoso. Durante la cocción, el dibujo brilla como a través de una niebla y aparece en tonos que van del marrón al pardo grisáceo. Los motivos suelen ser sencillos: hierbas, ramas, rejillas o líneas abstractas. El E-Shino se distingue del Nezumi-Shino en el procedimiento: en este último, la superficie se cubre primero por completo con un engobe ferruginoso y el motivo se rasca después para dejarlo al descubierto, mientras que en el E-Shino se pinta directamente.

También: Eshino, E Shino, E-Shino, Shino pintado, cuenco E-Shino, chawan E-Shino

Ebisu 恵比寿

Ebisu es el dios japonés de la fortuna del comercio, la prosperidad y los pescadores, reconocible por su caña de pescar y el gran besugo rojo. Es el único de los Siete Dioses de la Fortuna, los Shichifukujin, de origen puramente japonés-sintoísta, y goza de especial popularidad entre comerciantes y propietarios de negocios; una imagen suya se considera tradicionalmente un regalo apropiado para la apertura de un negocio. A menudo aparece en pareja con Daikokuten, complementándose ambos: Ebisu representa la buena pesca y el comercio próspero, Daikokuten la prosperidad en el hogar. En las regiones rurales de Japón, ambos fueron venerados durante mucho tiempo juntos en un pequeño altar doméstico.

También: Yebisu, Ebisu-sama, Ebisu, dios de la fortuna Ebisu

Echizen-yaki 越前焼

Echizen-yaki es una cerámica de gres japonesa sin esmaltar procedente de la zona de Echizen, en la prefectura de Fukui, y uno de los seis hornos antiguos de Japón. Sus inicios se datan a finales del siglo XII; durante siglos se produjeron aquí sobre todo grandes tinajas de almacenamiento, ollas y morteros, que se distribuían por amplias zonas del país a través de la costa del mar de Japón. La arcilla ferruginosa cuece en tonos oscuros y, como en Bizen o Tamba, es únicamente la ceniza natural depositada durante la cocción con leña la que confiere carácter a la superficie. El hecho de que Echizen se considere una tradición alfarera antigua independiente se remonta a las investigaciones del historiador de la cerámica Koyama Fujio hacia 1948.

También: Echizen-yaki, cerámica de Echizen, alfarería de Echizen, Echizen

Edo-Zeit 江戸時代

El periodo Edo (1603–1868), también llamado periodo Tokugawa, es la época de paz de aproximadamente 250 años en la historia japonesa durante la cual el sogunato Tokugawa gobernó desde Edo, la actual Tokio. A partir de 1624, la política de Sakoku aisló al país en gran medida, y Nagasaki permaneció como prácticamente el único puerto comercial. Precisamente en este aislamiento se formaron muchas tradiciones que perduran hasta hoy: la porcelana de Arita, la cerámica de Hagi y de Kutani, el grabado en madera policromo ukiyo-e, la pintura decorativa Rinpa y el amplio arraigo social de la ceremonia del té. Sigue al periodo Azuchi-Momoyama y termina en 1868 con la Restauración Meiji. Como datación, «periodo Edo» designa por tanto una pieza preindustrial, creada antes de la apertura de Japón.

También: periodo Tokugawa, periodo Edo, era Tokugawa, era Edo

Emakimono 絵巻物

Un emakimono es un rollo pictórico japonés horizontal: un soporte de imagen orientado horizontalmente, de papel o seda, que se desenrolla y se contempla por secciones de derecha a izquierda. A diferencia del kakemono de formato vertical, que se cuelga en la pared, un emakimono se apoya sobre una superficie al contemplarlo; la imagen se despliega en la lectura como una narración y combina con frecuencia la pintura con pasajes de texto intercalados. El género se hizo célebre gracias a las ilustraciones literarias cortesanas de las épocas Heian y Kamakura. Hoy en día apenas se encuentra fuera de museos y colecciones de templos.

También: Emaki, rollo pictórico horizontal, rollo pictórico, emakimono

Enso 円相

El enso (円相, «forma circular») es un círculo trazado con una o dos pinceladas sin inhibiciones propio del arte zen japonés, que expresa la iluminación, el vacío (shunyata) y el universo como un todo. Surge en un único movimiento, generalmente muy rápido, habitualmente en el estilo cursivo sōsho, y no se corrige; por ello se considera un reflejo inmediato del estado interior de su creador. Un círculo dejado abierto representa el movimiento, el desarrollo y el perfeccionamiento continuo, mientras que uno cerrado representa más bien la culminación y la totalidad. La representación más antigua conocida se atribuye al maestro chan chino Kyōzan (814–890).

También: Ensō, círculo Enso, círculo Zen, símbolo Enso

F

Fuchin 風鎮

Los fuchin (風鎮) son pesas decorativas japonesas que cuelgan por pares de los dos extremos inferiores de un kakemono y lo mantienen quieto. El nombre significa literalmente «apaciguador del viento»: evitan que la superficie pictórica se balancee con las corrientes de aire y, al mismo tiempo, la estiran suavemente para que las pequeñas ondulaciones se alisen con mayor rapidez. Se fijan con un cordón de seda con borla sobre los jikusaki, los extremos del rodillo inferior. Los fuchin se fabrican en cerámica, mármol, ónice, cristal de roca, madera o metal, y tradicionalmente se adquieren por pares. Es importante que el peso sea moderado, ya que unos fuchin demasiado pesados someten el montaje a una carga permanente.

También: Fuchin, pesos decorativos, pesos para kakemono, pesos para rollo colgante, fu-chin

Fude 筆

Un fude (筆) es el pincel japonés de escritura y pintura, hecho de pelo animal agrupado en un mango de bambú o madera, con el que se realizan la caligrafía y la pintura a tinta. Según el trazo deseado se emplean distintos pelos, por ejemplo de cabra, comadreja o caballo: los mechones blandos producen trazos plenos y con gran capacidad de absorción, mientras que los más firmes dan una punta precisa. Dado que un fude tiene forma redonda y puede guiarse en cualquier dirección, el ancho, la presión y la densidad de la tinta surgen únicamente del movimiento de la mano. Por ello, el pincel se considera una prolongación directa de la mano del calígrafo y forma parte de los «Cuatro tesoros del estudio del erudito».

También: fude, pincel de caligrafia, pincel de tinta, pincel japones, pincel de caligrafia japonesa

Fuji-San 富士山

El Fuji-San, con 3.776 metros, es la montaña más alta de Japón y, al mismo tiempo, el motivo más representado en la historia del arte japonés. Como volcán sagrado, se le considera desde hace siglos morada de divinidades; desde la época Edo se venera a Konohanasakuya-hime como su deidad principal. El ejemplo más célebre de su tradición pictórica son las «Treinta y seis vistas del Fuji» de Katsushika Hokusai, cuyos primeros bocetos datan de 1830. Llama la atención que los artistas representaran la montaña sistemáticamente más grande de lo que en realidad se veía: no se trataba de la vista exacta, sino de la forma ideal. La terminación -San significa aquí montaña, no el tratamiento cortés.

También: Fuji, Monte Fuji, Fujisan, Fujiyama, Fuji-san

Fukinsei 不均斉

Fukinsei es el principio japonés de diseño de la asimetría deliberada: evita el centro especular y pone en su lugar ejes desplazados, números impares y formas irregulares. El filósofo Hisamatsu Shin'ichi (1889–1980) lo incluye en su libro «Zen and the Fine Arts» entre los rasgos fundamentales de la estética zen. Fukinsei se hace visible en el borde ligeramente irregular de un cuenco de té hecho a mano, en la composición de un ikebana o en la disposición de los objetos en el tokonoma. A diferencia del wabi-sabi, que describe una actitud global, fukinsei es una regla concreta de composición: se refiere a un desequilibrio deliberado, no a la arbitrariedad.

También: asimetría, irregularidad, principio fukinsei, asimetría deliberada

Fukurokuju 福禄寿

Fukurokuju es el dios japonés de la fortuna que reúne en sí la suerte, la prosperidad y una larga vida; los tres caracteres de su nombre representan precisamente estos tres dones. Se le reconoce por una frente alargada y notablemente alta, que simboliza gran sabiduría; en las representaciones suele ir acompañado de una grulla o una tortuga. Pertenece a los Siete Dioses de la Fortuna y procede de la tradición chino-taoísta. Apenas se le puede distinguir en las imágenes de Jurōjin, que también representa la longevidad y luce la misma frente alta; algunas tradiciones incluso consideran que ambos son la misma figura.

También: Fukurokujin, Fukurokuju, Fukuroku, dios de la buena fortuna Fukurokuju

Fukusa 袱紗

Un fukusa (袱紗) es el paño cuadrado de seda con el que el anfitrión de una ceremonia del té japonesa limpia ritualmente los utensilios, sobre todo la cuchara de bambú chashaku y el bote del té. El plegado y manejo del paño, llamado fukusa-sabaki, es una sección propia y exactamente establecida del desarrollo; los distintos pliegues se interpretan tradicionalmente de forma simbólica. El color y el manejo dependen de la escuela y de la persona: para los hombres son habituales los paños de color violeta oscuro, para las mujeres los rojos o anaranjados. A diferencia del paño de lino chakin, que se usa exclusivamente para secar el cuenco de té, el fukusa no se utiliza húmedo.

También: fukusa, paño de seda, paño fukusa, tsukai-fukusa, paño de limpieza de la ceremonia del té

Funpon 粉本

Los funpon (粉本) son las colecciones de modelos de un taller de pintura japonés: copias de dibujo de obras más antiguas, en parte copias exactas, en parte bocetos rápidos, generalmente reducidos de tamaño y transmitidos de generación en generación. Constituían el verdadero capital de un taller y se guardaban celosamente en consecuencia. Los discípulos del taller apenas llegaban a ver los originales de los antiguos maestros; lo que estudiaban eran las copias de dibujo de su maestro, que servían como manual de estilo. La escuela Kanō llevó este sistema más lejos que ninguna otra, tan lejos que críticos posteriores vieron en ello la causa de su anquilosamiento. El funpon se distingue del mosha en que es un conjunto frente a la copia individual: mosha designa el acto mismo de copiar, funpon la reserva de modelos de la que se nutría un taller.

También: Funpon, fun-pon, libro de modelos, cuaderno de modelos, plantillas de taller

Furuta Oribe 古田織部

Furuta Oribe (古田織部, 1544–1615), en realidad Furuta Shigenari, fue un guerrero y maestro de té japonés, en cuyo honor recibe su nombre la cerámica Oribe de color verde. Sirvió a Oda Nobunaga y a Toyotomi Hideyoshi, se convirtió en discípulo de Sen no Rikyū y, tras la muerte de este en 1591, fue considerado el principal maestro de té de Japón; instruyó al shōgun Tokugawa Hidetada y fundó su propia escuela de té, el Oribe-ryū. Donde Rikyū buscaba la reducción, Oribe apostaba por el movimiento: bordes hundidos, paredes torcidas, un intenso verde cobre. Hasta qué punto guió realmente y de forma directa a los alfareros de Mino es algo debatido en la investigación; lo que sí está confirmado es, sobre todo, que su gusto marcó el estilo.

También: Oribe, Furuta Shigenari, Furuta Oribe, maestro del té

Fusuma 襖

Los fusuma son las puertas correderas opacas de la casa japonesa: una ligera estructura de madera revestida en ambas caras con papel o tela, enmarcada por un listón y provista de un rebaje empotrado a modo de tirador. Dividen el espacio interior y pueden retirarse, de modo que varias habitaciones se convierten en una sola. A diferencia de los shōji, cuya rejilla de madera revestida por un solo lado deja pasar la luz del día de forma tamizada, los fusuma son opacos, y por ello superficie pictórica: sus superficies figuran, junto con los kakemono y los byōbu, entre los soportes pictóricos clásicos de la pintura japonesa, y en templos y castillos suelen llevar un paisaje que se extiende a lo largo de varias puertas.

También: puerta fusuma, fusuma-shōji, panel corredizo fusuma, mampara corrediza fusuma, puerta corrediza pintada

G

Gō 号

Un gō es un nombre artístico japonés que pintores, calígrafos y ceramistas utilizan en lugar de su nombre civil, y con el que firman sus obras. Se adopta a menudo al concluir el aprendizaje, en ocasiones otorgado por el maestro, y muchos artistas usan varios a lo largo de su vida: al cambiar de taller, al asumir un apellido familiar o tras una cesura en su propia obra. Dos firmas que parecen no tener nada que ver entre sí pueden, por ello, proceder de la misma mano. Para la investigación esto significa: un gō es un término de búsqueda, no una identificación. En las dinastías de ceramistas se añade además el nombre del linaje, transmitido a lo largo de generaciones.

También: Go, nombre de artista, gago, seudonimo, nombre de estudio

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Gohonte 御本手

Gohonte (御本手) designa un motivo de manchas finas de color rosado hasta claro sobre un fondo gris beige, tal como aparece sobre todo en cuencos de té. No se pinta, sino que se forma durante la cocción a partir de la interacción de la arcilla ferruginosa con el esmalte de ceniza claro que la recubre, y así emerge del propio cuerpo cerámico. El nombre se remonta a los gohon, las plantillas de encargo con las que los maestros de té japoneses, a partir de finales del siglo XVI, encargaban cuencos a hornos coreanos. Hoy en día, el gohonte está especialmente vinculado a la cerámica de Hagi, donde se considera, junto con el shira-hagi y el ido-hagi, una variante cromática propia.

También: Gohon, Gohon-te, Gohon-chawan

Goma 胡麻

Goma, en japonés «sésamo», designa las motas granulosas de ceniza sobre la cerámica de Bizen sin esmaltar, que parecen como si alguien hubiera esparcido granos de sésamo sobre la superficie. Se forman cuando la ceniza volante de la cocción con leña, que dura varios días, se deposita sobre el scherben y allí se funde en puntos aislados hasta convertirse en vidrio, sin llegar a fundirse en una capa continua. Los granos se concentran densamente en el lado orientado hacia el fuego, mientras que hacia el lado posterior disminuyen. Goma es, por tanto, una manifestación particular del shizen-yū, el depósito natural de ceniza; cuando la ceniza confluye en un charco claro y de brillo verdoso, se habla en cambio de bidoro.

También: goma, efecto goma, salpicado de ceniza, ceniza de sesamo, motas de ceniza

Gosu 呉須

El gosu es el pigmento cobaltoso de la pintura bajo cubierta japonesa: un pigmento mineral que se aplica sobre el bizcocho antes de la cocción del vidriado y que resiste sin daño la elevada temperatura de cocción. El gosu natural no es óxido de cobalto puro, sino un mineral con impurezas de manganeso y hierro; estas confieren al azul histórico su tono grisáceo, a menudo tirando a azul grisáceo. Durante mucho tiempo el material se importó de China, más tarde también se obtuvo en Japón; a esto se sumó el cobalto sintético, cuyo azul resulta más claro y más frío. El gosu es, pues, el material, y el sometsuke la técnica decorativa realizada con él.

También: azul gosu, pigmento de cobalto, azul cobalto, asbolita

Guinomi ぐい呑

Un guinomi (ぐい呑) es la copa de sake japonesa para el trago fuerte, algo más grande y profunda que el pequeño ochoko, generalmente de cerámica y raramente de vidrio. El nombre alude a que el sake se bebe en pocos tragos; en consecuencia, una copa así solo contiene unos pocos sorbos. Se sirve desde el tokkuri, y en Japón tradicionalmente no a uno mismo, sino al interlocutor. Un guinomi no es un chawan en formato miniatura, sino que está concebido para beber en lugar de para preparar: le falta la superficie de fondo para el batidor de té. Como en un espacio tan reducido se manifiesta el estilo personal de un alfarero, los guinomi son apreciados por los coleccionistas.

También: copa de sake, copa de sake japonesa, guinomi, gui-nomi

Gyōsho 行書

Gyōsho (行書) es la escritura semicursiva de la caligrafía japonesa, en la que los trazos individuales de un carácter se unen entre sí sin que se pierda la forma básica. Surge del movimiento rápido y continuo del pincel y resulta más fluida y personal que la escritura regular Kaisho, aunque sigue siendo notablemente más legible que la escritura cursiva muy abreviada Sōsho. Así, Gyōsho ocupa una posición intermedia dentro de los cinco estilos clásicos y fue históricamente la escritura habitual para cartas y notas. En el aprendizaje, suele seguir al dominio seguro del Kaisho.

También: Gyosho, Gyōsho-tai, gyōsho, semicursiva, estilo semicursivo

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H

Hagi no Nanabake 萩の七化け

Hagi no Nanabake (萩の七化け), «las siete transformaciones de Hagi», designa el lento cambio de color que experimenta una pieza de cerámica de Hagi con el uso. Como el esmalte y el bizcocho son porosos y presentan una fina red de resquebrajaduras (kannyū), el té o el sake penetran a lo largo de los años en la arcilla y tiñen gradualmente la superficie, inicialmente clara y de brillo rosado, de un tono ambarino a pardusco. El número siete no debe entenderse de forma literal, sino que expresa que una pieza así adquiere, con el paso de los años, un aspecto distinto en varias ocasiones. Los conocedores no ven en ello un desgaste, sino la verdadera maduración, por lo que la cerámica de Hagi se limpia con agua clara, ya que también el detergente penetra en la arcilla.

También: Nanabake, siete transformaciones, siete transformaciones de Hagi, Hagi no Nanabake

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Hagi-yaki 萩焼

El Hagi-yaki es una cerámica de gres japonesa de la ciudad de Hagi, en la prefectura de Yamaguchi, fundada en 1604 por alfareros coreanos bajo el señor feudal Mōri Terumoto. Es característico un esmalte claro y translúcido con una fina red de resquebrajaduras (Kannyū), a través de la cual el té o el sake penetran a lo largo de los años en el barro poroso y lo tiñen gradualmente de un color más oscuro, un proceso de maduración llamado Hagi no Nanabake, las «siete transformaciones». Muchos chawan presentan además una muesca en el pie, denominada Kirikodai. Junto con la cerámica Raku y la cerámica Karatsu, el Hagi se considera una de las tres tradiciones más apreciadas en la ceremonia del té; a diferencia del Raku, aquí se trabaja con el torno.

También: Hagi-yaki, cerámica de Hagi, Shira-Hagi, Hagi

Hakogaki 箱書き

Hakogaki es la inscripción a pincel en la caja de madera en la que se conserva una obra de arte japonesa. Sigue un orden sorprendentemente estable: en la tapa o en el frontal figura la denominación del objeto, junto a ella el horno o el estilo, y en otra superficie el nombre del artista, rematado por un sello o un kakihan manuscrito. Está escrita casi siempre en sōsho, la cursiva fuertemente simplificada, lo que dificulta su descifrado incluso para quienes conocen el japonés. Cuando la inscripción procede del propio artista o de su taller, se habla de un tomobako. Una caja de mano ajena, por ejemplo de un maestro del té, también lleva un hakogaki, pero da testimonio de algo distinto.

También: Hakogaki, hako-gaki, inscripción en la caja, caligrafía en la caja, inscripción en la tapa

Hanko 判子

Un hanko es el propio sello, una pequeña barra de piedra, madera, cuerno o marfil, en cuya cara frontal está grabado un nombre en sentido invertido. En Japón sustituye a la firma en la vida cotidiana; en el arte autentifica pinturas, caligrafías y las inscripciones de las cajas de madera. Su impresión se realiza con shuniku, una pasta bermellón roja, y queda densa y mínimamente en relieve, con bordes irregulares; un sello simplemente estampado, en cambio, resulta plano y uniforme. Del hanko hay que distinguir el rakkan, es decir, la firma y la impresión como conjunto, y el kakihan, que se escribe y no se estampa. Muchos artistas emplean varios hanko a la vez.

También: inkan, sello japones, sello de nombre, hanko, sello personal japones

Hannya Shingyō 般若心経

El Hannya Shingyō (般若心経) es la denominación japonesa del Sutra del Corazón, un texto central del budismo Mahayana y especialmente del budismo Zen, que resume la enseñanza de la vacuidad (Shunyata) en 262 caracteres. Se originó probablemente entre los siglos I y III en el norte de la India y está concebido como un diálogo entre el bodhisattva Avalokiteśvara y el monje Śāriputra; «Hannya» reproduce en este contexto la palabra sánscrita Prajñā, sabiduría. Debido a su brevedad y profundidad conceptual, el Sutra del Corazón es el texto más copiado de la caligrafía japonesa y, como kakemono, adorna con frecuencia las salas de meditación domésticas.

También: Sutra del Corazón, Hannya Shingyō, Hannya Shingyo, Prajñaparamita, Sutra de la Perfección de la Sabiduría

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Hasami-yaki 波佐見焼

La cerámica Hasami es porcelana japonesa de la ciudad de Hasami, en la prefectura de Nagasaki, cuyos hornos se remontan, según la tradición, a 1599, a alfareros coreanos al servicio del feudo de Ōmura; los hallazgos arqueológicos sugieren un inicio de actividad algo más tardío. A diferencia de las tradiciones vecinas de carácter cortesano, Hasami estuvo orientada desde el principio a la vajilla de uso cotidiano producida en gran cantidad: a los toscos cuencos kurawanka para la gente sencilla y a las botellas compra, en las que se exportaban salsa de soja y sake a través de Nagasaki. A finales del periodo Edo, Hasami era el mayor productor de porcelana azul y blanca de Japón. Debido a que la mercancía se comercializó durante mucho tiempo a través de Arita, no aparece bajo su propio nombre hasta la década de 2000.

También: Hasami-yaki, porcelana de Hasami, cerámica de Hasami, Hasami

Hashira 柱

Se denomina hashira (柱, «columna») a las dos franjas verticales de brocado que, en el montaje de un rollo colgante japonés, discurren a izquierda y derecha del honshi. Pertenecen al chūmawashi, el marco interior, y delimitan la obra por los lados, mientras que el ichimonji la enmarca horizontalmente por arriba y por abajo. Para los hashira se suele elegir una tela más sobria que para el ichimonji, de modo que el marco no reste protagonismo a la obra; su anchura contribuye a definir el efecto de todo el montaje. Su anchura y la tela de que están hechos dependen de la forma de montaje elegida.

También: hashira, tira hashira, chūmawashi-hashira, franja lateral, orla lateral

Hassō 八双

El hassō (八双) es el listón de madera estrecho situado en el extremo superior de un rollo colgante japonés, cuya sección transversal está trabajada en forma de media luna; para él se emplea también habitualmente la denominación hyōmoku. En él se fija, mediante dos anillas metálicas (kan), el cordón de suspensión kakehimo, y es alrededor de él donde se enrolla por último la superficie pictórica al recoger el rollo. A diferencia de la varilla cilíndrica inferior jiku, que estira el kakemono mediante su propio peso, el hassō está pensado deliberadamente para ser ligero: cierra el rollo por arriba y lo sostiene sin sobrecargarlo. Juntos, hassō y jiku forman los dos maderos transversales entre los que se tensa todo el montaje.

También: Hassō, Hachisō, Hyōmoku, varilla superior de enrollado

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Heian-Zeit 平安時代

El periodo Heian (794–1185) es la época en la que la corte imperial gobernó desde Heian-kyō, la actual Kioto; el emperador Kanmu trasladó la capital allí en 794. Políticamente, la corte estuvo dominada por los regentes de la familia Fujiwara, y culturalmente, tras el fin de las misiones enviadas a China, surgió una cultura cortesana marcadamente autóctona. En ella se desarrolló la escritura silábica kana y, con ella, la literatura cortesana —el Genji monogatari de Murasaki Shikibu es su obra más conocida—, así como la tradición pictórica en color yamato-e con los rollos ilustrados emakimono. El periodo sigue al periodo Nara y termina en 1185 con la victoria de los Minamoto sobre los Taira.

También: periodo Heian, era Heian, Heian

Heisei-Zeit 平成時代

El periodo Heisei (1989–2019) es la época bajo el emperador Akihito, que comenzó con el auge de la «burbuja económica» y que, tras su colapso, desembocó en las «décadas perdidas» de estancamiento económico. Estuvo marcada además por graves catástrofes, el terremoto de Hanshin de 1995 y el terremoto de Tōhoku, con el tsunami y Fukushima, de 2011. Precisamente en medio de esta incertidumbre, la artesanía hecha a mano ganó nuevo aprecio como contrapunto a la producción en masa de corta duración, mientras que el wabi-sabi y el kintsugi se dieron a conocer internacionalmente. Sigue al periodo Shōwa y terminó en 2019 con la abdicación de Akihito; desde entonces rige el periodo Reiwa. Las piezas fechadas en Heisei son, por tanto, obras contemporáneas.

También: periodo Heisei, era Heisei, Heisei

Hidasuki 緋襷

Hidasuki, literalmente «cordones de fuego», son las líneas de color rojo anaranjado sobre cerámica de Bizen sin esmaltar que se forman cuando una vasija se envuelve con paja de arroz antes de la cocción. Donde la paja estaba en contacto con el barro, sus componentes de ceniza reaccionan con el hierro presente en el bizcocho y dejan trazos nítidamente dibujados sobre un fondo claro. Originalmente, el envolver con paja era un truco práctico para que las vasijas apiladas no se pegaran entre sí en el horno; solo más tarde se buscó el dibujo de forma deliberada. A diferencia de goma o shizen-yū, hidasuki no se basa en el depósito de ceniza transportada por el aire, sino en el contacto directo: la línea sigue exactamente el recorrido de la paja.

También: Hidasuki, hi-dasuki, hidasuki de Bizen, marcas de paja de arroz, cerámica de Bizen con hidasuki

Hira-jawan 平茶碗

Un hira-jawan (平茶碗) es el cuenco de té japonés plano y muy abierto propio del pleno verano. Su gran superficie hace que el matcha se enfríe más rápido, y la mirada se posa sobre una amplia superficie verde en la que se refleja la luz, una imagen que transmite frescor antes incluso de dar el primer sorbo. Es la contrapartida estival del tsutsu-jawan, alto y cilíndrico, que en invierno conserva el calor. Entre ambos extremos se sitúa el cuenco redondo común, que sirve durante todo el año. El cambio estacional del cuenco es uno de los rasgos más ilustrativos de la cultura del té japonesa.

También: Hirajawan, Hira-chawan, cuenco de té plano, cuenco de té de verano

Hirado-yaki 平戸焼

Hirado-yaki es la denominación más antigua de la porcelana de los hornos de Mikawachi, en la actual Sasebo, prefectura de Nagasaki, llamada así por el feudo de Hirado, cuya casa señorial Matsura mantuvo la manufactura desde el siglo XVII. Se trata de la misma cerámica que la Mikawachi-yaki: un cuerpo cerámico muy blanco y de grano fino, elaborado con piedra de porcelana de la isla de Hariojima y de Amakusa, una discreta pintura bajo cubierta en azul cobalto y un elaborado trabajo de calado y relieve. Con este nombre se dio a conocer esta cerámica también fuera de Japón en el siglo XIX. La diferencia con la vecina Arita radica en su origen cortesano y en la renuncia a decoraciones de color densas y extensas.

También: Hirado-yaki, porcelana Hirado, cerámica de Hirado, Hirado

Hishaku 柄杓

Un hishaku (柄杓) es el cucharón de bambú de la ceremonia japonesa del té, con el que se saca agua caliente de la tetera de hierro Kama para verterla en el cuenco de té y se añade agua fría del recipiente para agua fresca Mizusashi. Consta de un trozo de bambú ahuecado a modo de cazoleta y un mango delgado, en cuyo centro se encuentra un nudo de bambú. Existen versiones propias para las dos mitades del año: para el brasero portátil Furo de los meses cálidos, el mango es más largo y el corte del extremo está orientado hacia abajo; para el hogar empotrado Ro de los meses fríos, es más corto y la cazoleta más grande. También el modo de depositar el cucharón sigue formas establecidas.

También: cazo de bambú, cucharón de bambú, hishaku, hi-shaku

Hiyose ひよせ

Hiyose es la arcilla rica en hierro con la que se elabora la cerámica de Bizen sin esmaltar. Se extrae en la zona de Imbe, el centro histórico de la tradición, sobre todo de capas más profundas bajo los arrozales: arcilla de montaña que el agua corriente ha desplazado y depositado allí. Es de grano fino y sumamente plástica, y al mismo tiempo poco refractaria, lo que condiciona la cocción lenta y de varios días de los hornos de Bizen. Antes de trabajarla, reposa a la intemperie durante meses o años, y luego se decanta y se mezcla. Su uso en Bizen suele datarse a finales del periodo Muromachi. Solo su elevado contenido de hierro permite que, en la cocción sin esmalte, surjan esos colores y efectos por los que Bizen es conocida.

También: arcilla Hiyose, barro Hiyose, arcilla de Bizen, arcilla de campo, Hiyose

Honshi 本紙

El honshi (本紙) es la obra de arte propiamente dicha dentro de un rollo colgante japonés: la pintura o caligrafía ejecutada sobre papel o seda que se sitúa en el centro del montaje. Todo lo que lo rodea no forma parte de él: las bandas de brocado del marco, el listón superior estrecho, la varilla inferior. Durante el montaje, el honshi es reforzado por detrás por el hyōgu-shi con varias capas finísimas de washi, tradicionalmente con engrudo de almidón de trigo. Quien evalúa el estado de un kakemono examina ambos elementos por separado: un marco que se despega es un problema del montaje, mientras que un desgarro que atraviesa el honshi afecta a la obra misma.

También: Hon-shi, honshi, campo de la imagen, soporte de la imagen, parte central del rollo colgante

Hoshino-yaki 星野焼

La cerámica Hoshino-yaki es una tradición cerámica japonesa originaria de la aldea de Hoshino, hoy parte de la ciudad de Yame, en la prefectura de Fukuoka, que durante el periodo Edo se explotó como horno feudal del clan Arima de Kurume. Como la región es una zona de cultivo de té, allí se produjeron sobre todo recipientes para conservar té y utensilios de té. La arcilla local contiene mucho hierro y se considera difícil de trabajar; célebre es la rara cerámica Yūhi-yaki, cuya pared se ilumina de color dorado en cuanto se vierte té o sake en su interior. En 1894 se apagó el último horno. No fue hasta 1969 cuando Yamamoto Genta retomó la tradición tras unos ochenta años; desde entonces se han sumado más talleres en la aldea.

También: Hoshino-yaki, cerámica Hoshino, Hoshino

Hotei 布袋

Hotei es el dios de la fortuna japonés, rollizo y siempre sonriente, que representa la satisfacción y la abundancia, y al que en Occidente se suele llamar «Buda sonriente». Su atributo es un gran saco de tela en el que, según la leyenda, lleva regalos para los niños; se le representa con el vientre al descubierto, una risa abierta y con frecuencia un abanico. Sus raíces se encuentran en el budismo chino, donde se le hace remontar a la figura de un monje errante. Hotei pertenece a los Siete Dioses de la Fortuna, los Shichifukujin, y es, junto con Jurōjin, quien con más frecuencia aparece solo en la pintura, sin el resto del grupo.

También: Buda sonriente, Budai, Hotei-son, Hotei, dios de la fortuna Hotei

Hyōgu-shi 表具師

Un hyōgu-shi (表具師) es un montador japonés: el artesano que monta pinturas y caligrafías como rollos colgantes, biombos o puertas correderas. Su trabajo se llama hyōgu: adhiere el honshi por detrás con varias capas finísimas de washi y engrudo de almidón de trigo, elige las bandas de brocado del marco a juego con el motivo, y coloca la varilla, la barra cilíndrica, las piezas terminales y el cordón. También forma parte de su labor el remontaje, en el que la obra se libera por completo de sus antiguas capas de soporte, se limpia y se reconstruye desde cero. En Japón, este proceso se planifica tradicionalmente con una periodicidad de entre cien y ciento cincuenta años.

También: Hyogu-shi, Hyōgushi, Hyogushi, montador de rollos colgantes, montador de kakemono

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I

Ichimonji 一文字

Se denomina ichimonji (一文字) a las estrechas franjas horizontales de brocado fino que, en el montaje de un rollo colgante japonés, se sitúan inmediatamente por encima y por debajo del honshi. El nombre proviene del carácter 一, que significa «uno» —un único trazo horizontal, forma a la que corresponden estas franjas—. Tradicionalmente se emplea para ellas la tela más preciada de todo el montaje, a menudo entretejida con hilos de oro; la franja superior suele ser más ancha que la inferior. Los ichimonji enmarcan la obra y median entre ella y las franjas de brocado más sobrias que la rodean, un detalle en el que se aprecia bien el esmero de un montaje.

También: Ichimonji, Ichi-monji, Ichimonji-jō, Ichimonji-ge, franja de brocado

Iga-yaki 伊賀焼

El iga-yaki es una cerámica de gres japonesa de la ciudad de Iga, en la prefectura de Mie, que se basa en los mismos yacimientos de arcilla resistentes al calor del antiguo lago Biwa que la vecina Shigaraki. Se convirtió en una tradición propia durante el periodo Momoyama y comienzos del periodo Edo, cuando los señores feudales Tsutsui Sadatsugu y, más tarde, Tōdō Takatora hicieron cocer allí utensilios de té de forma deliberada: recipientes de agua y jarrones de flores de forma marcadamente tosca, a menudo deformada. Son característicos el flujo vítreo verde de la ceniza volante fundida (bidoro), las marcas negras de cocción y las asas aplicadas en forma de oreja. Precisamente en esto distingue la tradición ambos hornos: «Iga tiene orejas, Shigaraki no tiene». Desde mediados del periodo Edo, las ollas refractarias dominan la producción.

También: Iga-yaki, cerámica de Iga, Ko-Iga, Iga

Ikebana 生け花

El ikebana es el arte japonés de la composición floral, que combina ramas, flores y recipiente en una composición conscientemente diseñada, generalmente asimétrica. A diferencia del ramo occidental, no cuenta la abundancia, sino la línea: los tallos, los espacios intermedios y la dirección hacia la que apunta una rama forman parte de la composición. La elección del recipiente sigue al estilo: cuencos planos y anchos (suiban) para el estilo moribana con kenzan, jarrones altos para composiciones erguidas. Del ikebana hay que distinguir el chabana, la flor del té: a menudo basta con una sola rama y sigue la idea rectora de colocar la flor tal como se encuentra en el campo.

También: Kadō, Kado, ikebana, arte floral japonés, arreglo floral japonés

Imari-yaki 伊万里焼

Imari-yaki designa la porcelana japonesa procedente de la región de Arita, en la prefectura de Saga, que se embarcaba a través del cercano puerto de Imari; el nombre designa, por tanto, la vía comercial, no el lugar de fabricación. A partir de 1659, esta mercancía llegó en gran cantidad a Europa a través de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales, después de que la exportación de porcelana china se hundiera durante el cambio dinástico de Ming a Qing. En Europa, el término se convirtió al mismo tiempo en un nombre de decoración: una pintura densa en azul bajo cubierta con rojo y oro sobre cubierta, llamada Kinrande en Japón. La mercancía histórica de exportación se denomina Ko-Imari. En Japón, hoy se considera Imari-yaki sobre todo a la porcelana procedente del núcleo urbano de Imari, mientras que la mercancía de Arita se denomina Arita-yaki.

También: Imariyaki, Ko Imari, cerámica Imari, decoración Imari

Ishigaki-yaki 石垣焼

El ishigaki-yaki es una cerámica japonesa joven de la isla de Ishigaki, en la prefectura de Okinawa, cuyo horno fue inaugurado en 1999 por Kaneko Haruhiko. Su característica es un procedimiento desarrollado especialmente, en el que se funde vidrio transparente con un esmalte yuteki-tenmoku: sobre el fondo de esmalte negro con goteo plateado se extiende una capa de vidrio que reproduce el azul translúcido de los arrecifes circundantes y que por ello se denomina azul de Ishigaki. A diferencia de las antiguas tradiciones de la isla principal, el ishigaki-yaki no se remite a un horno histórico, sino a una técnica moderna; piezas de esta cerámica se encuentran, entre otros lugares, en el British Museum.

También: Ishigaki-yaki, cerámica de Ishigaki, Ishigaki

Iwami-yaki 石見焼

La cerámica de Iwami es un gres japonés originario de la zona de Gōtsu y Hamada, al oeste de la prefectura de Shimane, la antigua provincia de Iwami, cuyos comienzos se remontan a mediados del siglo XVIII. Es un producto marcadamente utilitario: se hicieron célebres los handō, grandes tinajas de agua que se cocían en gran cantidad durante la era Meiji y se distribuían por todo el país a través del tráfico marítimo de los Kitamae-bune. La arcilla local soporta altas temperaturas de cocción y da lugar a un cuerpo cerámico denso, resistente a los ácidos y a la sal. Como esmalte se emplea sobre todo el kimachi, de un intenso tono rojizo-marrón, o un baño translúcido azulado obtenido de la piedra de Yunotsu. Las piezas de gran tamaño se construyen mediante la técnica del churro.

También: cerámica de Iwami, Iwami yaki, Gōtsu-yaki, Iwami

Izushi-yaki 出石焼

Izushi-yaki es una porcelana japonesa del distrito de Izushi, en Toyooka, prefectura de Hyōgo. Su base es la piedra de porcelana descubierta en 1789 en Kakitani, extraordinariamente pobre en hierro; en 1793, con la ayuda de un especialista de Hizen, se logró la primera cocción de porcelana, tras lo cual el antiguo horno alfarero del lugar se reconvirtió a la porcelana. El resultado es un cuerpo cerámico casi enteramente blanco, que suele permanecer sin pintar; el ornamento lo aporta el propio trabajo, es decir, el tallado en relieve y la talla calada. Precisamente en esto radica la diferencia con Arita, donde la pintura en azul y policromada sostiene el efecto.

También: Izushi, Izushi yaki, Izushi-Hakuji, porcelana Izushi, cerámica de Izushi

J

Jiki 磁器

Jiki es la denominación japonesa de la porcelana: un cuerpo cerámico fabricado con piedra de porcelana o caolín, sinterizado de forma densa a unos 1.250-1.400 grados, blanco e impermeable al agua, translúcido en las zonas finas y de sonido claro al golpearlo. En Japón, el jiki se produce solo desde principios del siglo XVII, primero en Arita; Imari, Kutani, Hirado y Nabeshima pertenecen a este grupo. Se distingue del tōki, el gres poroso y coloreado, por la materia prima, la temperatura de cocción y la densidad, y en el uso, por el hecho de que no absorbe líquidos. Ambos juntos conforman el campo del yakimono.

También: porcelana, jiki, porcelana jiki, porcelana japonesa, porcelana dura

Jiku 軸

El jiku (軸) es la varilla cilíndrica del extremo inferior de un rollo colgante japonés, alrededor de la cual se enrolla la superficie pintada; su nombre más completo es jikugi (軸木). Su peso estira el kakemono, de modo que cuelga liso y en reposo contra la pared. El carácter 軸 significa eje o husillo, y por ello aparece también en la palabra kakejiku, el «eje colgante». Del jiku hay que distinguir los jikusaki (軸先), sus remates visibles de hueso, madera, cerámica o plástico: la varilla es el elemento portante, los jikusaki son los remates decorativos en sus dos extremos.

También: jikugi, varilla inferior, varilla de enrollado, eje inferior del kakemono

Jikusaki 軸先

Jikusaki (軸先) son las piezas terminales visibles de la varilla cilíndrica inferior de un rollo colgante japonés: los dos remates que sobresalen a izquierda y derecha del paño pintado. Se fabrican en hueso, madera torneada, cerámica, laca o plástico, y su material constituye un indicio útil sobre el esmero de un montaje: el hueso, la madera y la cerámica denotan un trabajo cuidado, mientras que el plástico brillante apunta más bien a uno sencillo o tardío. Deben distinguirse del jiku propiamente dicho, la varilla cilíndrica en cuyos extremos se insertan. Sobre los jikusaki se colocan también los cordones de los fuchin.

También: Jiku-saki, extremos del bastón, extremos del rodillo, extremos del rollo colgante

Jōmon-Zeit 縄文時代

El periodo Jōmon es la época prehistórica de Japón que habitualmente se data entre el 14.000 y el 300 a. C. aproximadamente; las cifras varían según los hallazgos y el estado de la investigación. Debe su nombre a los patrones de impresiones de cuerda de sus vasijas —Jōmon significa «patrón de cuerda»—, que se obtenían haciendo rodar cordeles retorcidos sobre la arcilla húmeda. Esta cerámica, cocida a fuego abierto a una temperatura comparativamente baja, se considera una de las más antiguas del mundo. Al periodo Jōmon le sigue el periodo Yayoi, con el cultivo de arroz en campos inundados y vasijas de formas notablemente más sobrias; con ello, Jōmon se sitúa en los inicios de la historia de la cerámica japonesa.

También: periodo Jomon, período Jōmon, cultura Jomon, era Jomon, Jomon

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Jurōjin 寿老人

Jurōjin es el dios japonés de la longevidad, representado como un anciano erudito de frente alta, larga barba blanca y un bastón. En la pintura casi siempre lo acompaña un ciervo o una grulla, ambos animales que en Japón simbolizan la longevidad. Pertenece a los Siete Dioses de la Fortuna, los Shichifukujin, y proviene de la tradición china. Las imágenes de Jurōjin son un regalo habitual para cumpleaños redondos. No siempre es posible distinguirlo con claridad de Fukurokuju, quien también representa una larga vida y presenta la misma frente llamativamente alta.

También: Jurōjin, Jurojin, Juroujin, dios de la longevidad, dios de la larga vida

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K

Kachō-ga 花鳥画

Kachō-ga (花鳥画, «pintura de flores y pájaros») es el género japonés de la pintura de flores y aves, en el que plantas, pájaros e insectos aparecen generalmente en un fragmento de naturaleza apenas esbozado. El género procede de la pintura china y fue cultivado en Japón por casi todas las escuelas; Araki Kanpō (1831–1915) está considerado uno de sus representantes más destacados de la era Meiji. Kachō-ga combina una observación precisa de la naturaleza con una clara referencia estacional, por lo que estos rollos colgantes se cuelgan tradicionalmente conforme a la estación correspondiente. A diferencia de la pintura de paisaje Sansui, que dirige la mirada hacia la lejanía, Kachō-ga trabaja en el campo cercano y se nutre del detalle individual observado con precisión.

También: Kachoga, Kacho-ga, Kachōga, kachō-ga, pintura de flores y pájaros, pintura de flores y aves

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Kaisho 楷書

Kaisho (楷書) es la escritura regular de la caligrafía japonesa: cada trazo se ejecuta por separado, se detiene con nitidez y se realiza en un orden prescrito, de modo que los caracteres permanecen claros y bien legibles. Se considera la base de la formación en caligrafía, porque en ella se muestran con mayor claridad la estructura y la proporción de un carácter, y sirve al mismo tiempo de modelo para los tipos de imprenta. Dentro de los cinco estilos clásicos, Kaisho se sitúa entre la más antigua escritura cancilleresca Reisho y las formas cursivas: frente a la semicursiva Gyōsho y la muy abreviada Sōsho, permanece estricta y sosegada. Las copias de sutras se realizan con frecuencia en Kaisho.

También: Kaisho-tai, kaisho, estilo kaisho, escritura regular japonesa

Kakehimo 掛緒

El kakehimo (掛緒) es el cordón de suspensión de un rollo colgante japonés. Está fijado mediante dos anillas metálicas a la varilla superior estrecha y, al colgar el rollo, se pasa por el gancho de la pared, y esto se hace mientras la obra aún está completamente enrollada, pues solo después se deja desenrollar lentamente la tela hacia abajo. Al descolgarlo se invierte el orden: primero se enrolla, luego se retira, y a continuación se coloca el cordón ordenadamente alrededor del rollo y se asegura con la cinta de atado. Lo bastante firme para que nada se suelte, pero sin apretar tanto como para que la cinta marque la seda.

También: Kake-himo, cordón de suspensión, cordel de suspensión, cordón del rollo colgante

Kakejiku 掛軸

Un kakejiku (掛軸) es una pintura colgante japonesa, es decir, una pintura o caligrafía realizada sobre papel o seda, montada en un enmarcado de tela y enrollada en torno a una varilla cilíndrica inferior. Literalmente, el término significa «rollo colgante» o «eje colgante», y con ello subraya precisamente la construcción móvil formada por varillas, bandas de brocado y cordón de suspensión. En el uso actual, kakejiku y kakemono (掛物) designan en gran medida lo mismo. Kakemono es la expresión más general para una obra colgante, mientras que kakejiku es el término técnicamente más restringido para el rollo montado; en la práctica, ambos se utilizan por lo general como sinónimos.

También: Kakemono, Kake-jiku, kakejiku, rollo colgante japonés

Kakemono 掛物

Un kakemono (掛物) es un rollo colgante japonés: una pintura o caligrafía sobre papel o seda, rodeada de un marco de brocado de seda, rematado en la parte superior por un listón estrecho y en la parte inferior por una varilla más pesada, alrededor de la cual se enrolla la tira. A diferencia de un cuadro enmarcado, no permanece colgado en la pared de forma permanente, sino que se saca con ocasión de un acontecimiento o de la estación del año —tradicionalmente en el tokonoma— y después se guarda de nuevo en su caja de madera. El término significa literalmente «cosa colgante» y hoy se emplea en gran medida como sinónimo de kakejiku (掛軸), que subraya más la forma enrollable con varillas.

También: kakejiku, rollo colgante, rollo colgante japonés, kakemono

Kakiemon 柿右衛門

Kakiemon es un estilo decorativo de la porcelana japonesa de Arita, en la prefectura de Saga, llamado así por la familia de alfareros Sakaida Kakiemon, que lo desarrolló en la segunda mitad del siglo XVII. Su base es el llamado nigoshide, un bizcocho de un blanco lechoso y cálido que recuerda al agua de lavar arroz. Sobre él se aplica una decoración esmaltada sobre cubierta en tonos cálidos de rojo y naranja, amarillo, verde y azul, dispuesta de forma asimétrica y que deja libres grandes superficies de manera deliberada; el azul bajo cubierta suele estar ausente, y el borde lleva a menudo una franja de color marrón hierro. A diferencia del decorado densamente pintado de Imari, el Kakiemon vive del blanco dejado libre. En 1971 la técnica del nigoshide fue reconocida como importante bien cultural inmaterial de Japón.

También: Kakiemon-yaki, estilo Kakiemon, porcelana Kakiemon, Nigoshide

Kakihan 花押

Un kakihan es un monograma manuscrito que se desarrolla a partir del nombre de su portador y se escribe con el pincel en un solo trazo. Se encuentra sobre todo en el hakogaki, la inscripción de una caja de madera, generalmente debajo o al lado del nombre del artista, donde ocupa el lugar de un sello. A diferencia de un hanko, no necesita ninguna herramienta: está dibujado, no impreso, y por ello resulta ligeramente distinto cada vez que se escribe. Históricamente, esta forma se remonta a documentos medievales, en los que sustituía a la firma. Para la atribución de una pieza, un kakihan es un indicio entre varios, no una prueba de autenticidad.

También: Kaō, monograma pintado con pincel, kakihan, firma pintada, sello manuscrito

Kama 釜

Un kama (釜) es la tetera de hierro fundido de la ceremonia japonesa del té, en la que se calienta el agua para el matcha y se mantiene caliente durante todo el encuentro; su nombre más preciso es chagama, tetera de té. Según la estación del año, se coloca sobre el brasero portátil furo o sobre el hogar empotrado en el suelo ro; a los lados lleva dos asas para agarraderas desmontables. Desde el siglo XV se consideran centros de la fundición de teteras Ashiya, en la actual prefectura de Fukuoka, Tenmyō, en la actual Sano, y Kyōto. No debe confundirse 釜 con el homófono 窯, el horno de cocción, presente en anagama o noborigama.

También: Chagama, kama, tetera japonesa, hervidor de agua para la ceremonia del té, tetera de hierro

Kamakura-Zeit 鎌倉時代

El periodo Kamakura (1185–1333) es la época del primer gobierno militar de Japón: Minamoto no Yoritomo, tras su victoria sobre los Taira, estableció su shogunato en Kamakura, mientras la corte imperial permanecía en Kioto. Para el arte, es sobre todo la época en la que el budismo zen llegó a Japón desde China -Eisai trajo el linaje Rinzai, Dōgen el linaje Sōtō- y en la que surgió una escultura marcadamente realista en torno a Unkei y Kaikei. También la producción de los Rokkoyō, los seis hornos antiguos, se remonta a esta época y al periodo Heian anterior. Termina en 1333 con la caída de los regentes Hōjō y da paso al periodo Muromachi.

También: periodo Kamakura, era Kamakura, época Kamakura

Kana 仮名

Los kana (仮名) son los silabarios japoneses, cuyos caracteres, a diferencia de los kanji, no portan un significado propio, sino que representan cada uno una sílaba. Existen dos series con 46 caracteres básicos cada una: el redondeado hiragana y el angular katakana, ambos surgidos de la simplificación de los kanji. En la caligrafía, kana se refiere generalmente al hiragana, que se escribe con trazos suavemente enlazados y de aspecto casi pictórico, y que históricamente se cultivó sobre todo en la corte imperial y en la poesía cortesana. Los haiku y los tanka se caligrafían hasta hoy tradicionalmente en el estilo kana, a menudo combinados con una pintura a tinta reducida y sugerente.

También: Hiragana, Katakana, escritura kana, silabario japonés

Kanji 漢字

Los kanji (漢字, «caracteres han») son los caracteres de escritura del japonés tomados de China, cada uno de los cuales representa un significado y posee generalmente varias lecturas: una cercana al chino y otra japonesa. Llegaron a Japón junto con los sutras budistas y hasta hoy constituyen la base de la caligrafía: un solo kanji como «amor», «felicidad» o «paz» sostiene, como rollo colgante, una obra completa. Para el uso cotidiano, una lista oficial fija 2136 caracteres. A diferencia de los kana, que solo reproducen sílabas, los kanji transmiten significado, una de las razones por las que causan efecto incluso sin conocimientos del idioma.

También: Kanji, caracteres kanji, caracteres japoneses, escritura japonesa, caracteres chinos, sinogramas, caracteres han

Kannon 観音

Kannon es la denominación japonesa del bodhisattva de la compasión, llamado Avalokiteshvara en sánscrito y Guanyin en chino. En Japón, Kannon se representa mayoritariamente con apariencia femenina: rostro sereno, a menudo ligeramente inclinado, ojos cerrados o entrecerrados, tocado elaborado. La figura es venerada como socorredora en momentos de necesidad y se encuentra entre los motivos budistas más representados del arte japonés, tanto en la pintura como en la cerámica, por ejemplo como figura sin esmaltar de cerámica Bizen. Además de la forma básica sencilla, se han transmitido numerosas manifestaciones, entre ellas la Senju-Kannon de mil brazos y la Byakue-Kannon con vestimenta blanca.

También: Kannon Bosatsu, Kanzeon, Guanyin, Avalokitesvara, Avalokiteshvara

Kannyū 貫入

Kannyū es el nombre que recibe la fina red de grietas que se forma al enfriarse el vidriado de una vasija, debido a que el vidriado y el bizcocho se contraen en distinta medida. En Europa este fenómeno se conoce como craquelado, y no se trata de un defecto: las grietas atraviesan únicamente la capa de vidriado. Muchas tradiciones lo buscan expresamente; en la cerámica de Hagi la red de grietas se considera un rasgo distintivo, al igual que en los vidriados celadón. Si el bizcocho es poroso, con los años el té penetra en las grietas y las tiñe, de modo que el dibujo se acentúa con el uso. Del kannyū debe distinguirse una grieta real, que atraviesa tanto el vidriado como el bizcocho.

También: Kannyu, craquelé, craquelado, red de grietas, cuarteado de la cubierta, grietas del esmalte

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Kanō-Schule 狩野派

La escuela Kanō (狩野派) fue la escuela pictórica japonesa más influyente de la Edad Moderna temprana, dirigida durante generaciones por una única familia de artistas y escuela pictórica oficial del sogunato. Su estilo combinaba técnicas chinas de pintura a la tinta con colores intensos y fondo dorado, y marcó sobre todo la pintura mural de gran formato, así como la de puertas correderas y biombos. Se considera tradicionalmente fundador a Kanō Masanobu (1434–1530); desde el periodo Muromachi hasta el periodo Edo (1603–1868) la familia determinó el gusto oficial, y todavía pintores del periodo Meiji como Hashimoto Gahō se formaron en su escuela. A diferencia de la corriente Rinpa, la escuela Kanō era una tradición familiar y de taller cerrada, con una sucesión de aprendizaje fija.

También: escuela Kanō, escuela Kano, Kanō-ha, Kano-ha

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Kanzake 燗酒

Kanzake (燗酒) es el sake japonés servido caliente. No se calienta directamente al fuego, sino colocando la botella llena, el tokkuri, en un baño de agua caliente; lo habitual son unos 40 a 50 grados. Para las distintas fases, la cultura japonesa de la bebida tiene nombres propios: hinatakan designa unos 30 grados, hitohadakan la temperatura corporal, nurukan unos 40, jōkan unos 45, atsukan unos 50 grados, y todo lo que supere esa temperatura se denomina tobikirikan. Las variedades intensas, de sabor marcado a arroz, ganan en umami al calentarse, mientras que las variedades premium afrutadas y aromáticas suelen beberse frías.

También: Kan-zake, sake caliente, sake templado, Atsukan

Karatsu-yaki 唐津焼

El karatsu-yaki es una cerámica de gres japonesa procedente de la región de Karatsu, en la prefectura de Saga, al norte de Kyūshū, que surgió a finales del siglo XVI bajo la fuerte influencia de la técnica alfarera coreana. Se trabaja con arcilla ferruginosa de grano grueso y una glasura deliberadamente escasa, de modo que el bizcocho granuloso —especialmente en el pie sin esmaltar— queda visible; son característicos los tonos terrosos de marrón, gris y blanco. Variantes conocidas son el e-garatsu, pintado con óxido de hierro, y el chōsen-garatsu, en el que confluyen una glasura oscura de hierro y una blanca de ceniza de paja. En la jerarquía tradicional de los cuencos de té, el karatsu se sitúa después del raku y el hagi; de la cercana Arita lo separa el material.

También: Karatsu-yaki, cerámica de Karatsu, E-Garatsu, Chōsen-Garatsu, Karatsu

Kasama-yaki 笠間焼

Kasama-yaki es una cerámica de gres japonesa de la ciudad de Kasama, en la prefectura de Ibaraki, y se considera el centro cerámico más antiguo de la región de Kantō. Surgió en la era An'ei (1772–1781), cuando el jefe de la aldea Kuno Han'emon construyó un horno con la orientación de un alfarero de Shigaraki. Se trabaja una arcilla ferruginosa muy plástica procedente de granito meteorizado, que sin esmaltar cuece en tonos que van del marrón rojizo al oscuro. Hasta la posguerra se produjeron sobre todo recipientes de almacenamiento para el área metropolitana de Edo; después el lugar se abrió a la cerámica de estudio libre, por lo que Kasama-yaki no conoce un canon estilístico vinculante. La vecina Mashiko fue fundada en 1853 por un alfarero formado en Kasama.

También: Kasama-yaki, cerámica de Kasama, Kasama ware, Kasama

Kensui 建水

Un kensui (建水) es el recipiente de agua usada de la ceremonia japonesa del té, en el que el anfitrión vierte el agua con la que ha precalentado el cuenco de té y enjuagado el batidor de té. Se fabrica generalmente en cerámica, y también en cobre o latón, con la boca muy abierta, de modo que el chawan pueda vaciarse limpiamente sobre él. Se considera el utensilio de menor rango de la reunión y por ello se coloca cerca, a la izquierda del anfitrión, fuera del campo visual de los invitados, a diferencia del recipiente de agua fresca mizusashi, que se coloca a la vista y forma parte de la contemplación. Una denominación más antigua es mizukoboshi.

También: Kensui, Mizukoboshi, Koboshi, recipiente de agua residual, recipiente para el agua sucia

Kenzan 剣山

Un kenzan (剣山, literalmente «montaña de espadas») es el portaagujas del ikebana: una placa pesada, generalmente de plomo, de la que sobresalen apretadas puntas metálicas cortas en las que se clavan ramas y tallos. Se coloca en el recipiente plano, el suiban, bajo la superficie del agua, y sujeta el material en cualquier ángulo deseado; solo así resulta posible el estilo moribana. En general, a un utensilio de este tipo se le llama hanadome, portaflores; el kenzan se generalizó hacia finales de la era Meiji y comienzos de la era Taishō, si bien su invención se atribuye a varias personas y se considera un asunto no resuelto. No debe confundirse con Ogata Kenzan, el ceramista y pintor de Kioto.

También: Kenzan, portaflores, portaflores de aguja, Hanadome

Keshiki 景色

Keshiki, literalmente «paisaje» o «escenario», es el término japonés para todo lo que ha ocurrido en la superficie de una vasija durante la cocción: el recorrido del esmalte fundido, el depósito de la ceniza, las zonas de cocción, la red de resquebrajaduras, las manchas y decoloraciones. Esto no se contempla como una lista de defectos, sino como un paisaje pictórico, con primer plano, horizonte y clima. En la ceremonia del té esto llega tan lejos que el punto más expresivo del keshiki determina qué lado se considera el shōmen, el frente, y es precisamente ese lado el que el anfitrión vuelve hacia su invitado. Una vasija tiene así una cara de exhibición que nadie ha diseñado.

También: paisaje, escenario, paisaje de la superficie, paisaje de cocción, keshiki

Ki-Seto 黄瀬戸

Ki-Seto, «Seto amarillo», es uno de los cuatro grandes estilos de cerámica de la región de Mino, en la actual Gifu, y se caracteriza por un vidriado amarillo delicado, aplicado generalmente en capa fina. Tradicionalmente, Ki-Seto se destinaba sobre todo a una vajilla elegante de la cocina kaiseki. Como Shino, Oribe y Setoguro, este estilo surgió durante el período Momoyama en el entorno de la ceremonia del té, aunque su nombre remite a la vecina Seto - una atribución que fue habitual durante mucho tiempo, antes de que las excavaciones del siglo XX confirmaran la existencia de los hornos Momoyama en Mino. Lo que distingue a Ki-Seto de Shino es el vidriado fino y amarillento, frente al vidriado feldespático grueso y blanco lechoso de este último.

También: Kiseto, Ki-Seto-yaki, Ki Seto, Kizeto-yaki, cerámica Ki-Seto, Seto amarillo

Kinrande 金襴手

Kinrande, el «estilo de brocado dorado», es una decoración de porcelana que combina el azul bajo cubierta, la pintura sobre cubierta en rojo y el oro, y que recibe su nombre de los tejidos de seda entrelazados con hilos de oro que le sirvieron de modelo. Se realiza en dos cocciones: primero se pinta el bizcocho con gosu, un pigmento a base de cobalto, se aplica el vidriado y se cuece a unos 1.300 grados; después se añaden el rojo de hierro y el oro sobre el vidriado ya terminado y se cuecen a una temperatura más baja. El estilo se documenta en Arita hacia finales del siglo XVII, inspirado en las antiguas porcelanas chinas de brocado dorado de la época Ming. En Europa es conocido como decoración Imari; la pintura densa, que cubre toda la superficie, se desarrolló sobre todo para el mercado de exportación.

También: Kinran-de, kinrande, decoracion en brocado dorado, decoracion dorada, decoracion Imari, porcelana Kinrande

Kintsugi 金継ぎ

Kintsugi, literalmente «unión de oro», es la técnica japonesa que consiste en pegar los puntos de rotura de la cerámica con laca urushi y, a continuación, espolvorear la juntura con polvo de oro, plata o estaño. Así pues, la reparación no se oculta, sino que se resalta: la línea de fractura permanece visible como un trazo fino y pasa a formar parte de la historia de la pieza. Realizada de forma tradicional, la operación dura semanas, porque cada capa de laca debe endurecerse en un ambiente cálido y húmedo; los kits de resina sintética que se venden habitualmente son un atajo y no resultan sin más adecuados para recipientes de bebida. En la estética wabi-sabi, una juntura de este tipo no se considera un defecto, sino la prueba de que un objeto ha vivido.

También: Kintsukuroi, kintsugi, reparación con oro, unión de oro, técnica kintsugi

Kiri 桐

Kiri (桐) es la madera del árbol de kiri, conocida en español como paulonia, el material clásico para las cajas de conservación de objetos de arte japoneses. Es extraordinariamente ligera y, al mismo tiempo, estable en su forma, conduce mal el calor y amortigua las variaciones de la humedad ambiental, razón por la cual en Japón se guardan desde siempre también kimonos, documentos e instrumentos musicales en ella. En Japón era costumbre antiguamente plantar un árbol de kiri al nacer una niña y, con motivo de su boda, convertirlo en un mueble para el ajuar. El término designa el material, no el recipiente: la caja hecha de esta madera se llama kiribako.

También: Paulonia, Paulownia, madera de paulonia, madera de kiri, árbol de las princesas, kiri

Kiribako 桐箱

Una kiribako (桐箱) es una caja de conservación hecha de kiri, la madera del árbol de paulonia (Paulownia), tal como se emplea en Japón para cerámica, rollos colgantes, kimono y documentos. El kiri es extraordinariamente ligero y dimensionalmente estable, amortigua las fluctuaciones de humedad y contiene sustancias que mantienen alejados a los insectos; de ahí su larga tradición como madera de almacenamiento. El término designa en primer lugar solo el material: una kiribako es una caja sencilla de madera de paulonia. Si, en cambio, lleva la inscripción caligráfica y el sello del artista, se habla de una tomobako (共箱). En la práctica, ambos términos se emplean a menudo como sinónimos.

También: caja de paulownia, caja kiri, kiribako, caja de madera de paulownia

Kirikodai 切高台

Kirikodai (切高台) es el nombre que recibe la pequeña muesca, generalmente en forma de cuña, que se practica en el pie anular de un cuenco de té japonés. Está vinculada muy estrechamente a la cerámica de Hagi, donde un gran número de chawan la presentan. Sobre su origen existen varias explicaciones; la más extendida sostiene que, durante el periodo Edo, la cerámica de Hagi estaba reservada al feudo de los Mōri, y que los alfareros liberaban las piezas para su venta libre mediante un «defecto» deliberadamente practicado en el pie. Del kirikodai debe distinguirse el warikodai, el pie anular dividido mediante varios cortes. Hoy en día, la muesca es un detalle formal en el que se manifiesta el estilo personal del alfarero.

También: Kiri-kodai, Kirikōdai, pie anular con muescas, muesca en el pie anular

Kiyomizu-yaki 清水焼

El kiyomizu-yaki es la cerámica de los hornos situados en las laderas bajo el templo Kiyomizu-dera de Kioto y, en sentido estricto, un subconjunto del kyō-yaki, la cerámica de toda la ciudad. Originalmente, el nombre designaba únicamente la producción de la zona en torno al Gojōzaka, la calle empinada que sube hacia el templo. Como los demás centros de cocción de Kioto fueron desapareciendo con el tiempo, este único nombre se mantuvo y hoy se emplea la mayoría de las veces como sinónimo de kyō-yaki; el oficio está reconocido oficialmente por el Estado desde 1977 bajo la denominación conjunta kyō-yaki · kiyomizu-yaki. Desde la década de 1960, numerosos talleres trabajan en el distrito de Yamashina, que hasta hoy se llama Kiyomizu-yaki-Danchi.

También: Kiyomizu-yaki, cerámica de Kiyomizu, Kiyomizu

Ko-Imari 古伊万里

Ko-Imari, «viejo Imari», designa la porcelana histórica del periodo Edo procedente de la región de Hizen, en torno a Arita; en sentido estricto, la mercancía de exportación de los siglos XVII y XVIII embarcada a través del puerto de Imari. El término es una categoría de coleccionistas y de datación, no una indicación de procedencia o de taller: los hornos, por regla general, no firmaban su mercancía de exportación, por lo que grandes conjuntos cerrados, como la colección Shibata del Museo de Cerámica de Kyūshū, resultan decisivos para su clasificación. En el mercado europeo, el término Ko-Imari se emplea a menudo de forma más laxa que en la bibliografía especializada japonesa, y allí suele referirse simplemente a una pieza con el antiguo decorado de exportación.

También: Koimari, Ko-Imari, Imari antiguo, porcelana Ko-Imari, cerámica de Ko-Imari, cerámica Ko-Imari

Ko-Kutani 古九谷

Ko-Kutani, «antiguo Kutani», designa las porcelanas pintadas sobre esmalte a mediados del siglo XVII, atribuidas tradicionalmente al primer horno de la aldea de Kutani. Es característica una pintura vigorosa, a menudo cubriendo toda la superficie, con paisajes, aves y plantas en el estilo de cinco colores Gosai-de, así como la variante Aote, que prescinde del rojo y cubre la superficie por completo. Al cabo de unos cincuenta años, este horno se extinguió por razones que hasta hoy no se han esclarecido del todo; solo a principios del siglo XIX comenzó, con el Saiko-Kutani, su renacimiento. La atribución misma es objeto de controversia: los hallazgos de excavaciones indican que una parte considerable de estas piezas se produjo en Arita.

También: Kokutani, Ko-Kutani, estilo Ko-Kutani, porcelana Ko-Kutani, Kutani antiguo

Kōan 公案

Un kōan es un ejercicio paradójico del budismo zen: una pregunta, una frase o un breve suceso que el maestro plantea al discípulo y que no puede resolverse mediante el pensamiento lógico. La expresión procede del lenguaje administrativo chino y designaba originalmente el expediente de una autoridad, es decir, un precedente vinculante. Los kōan se han transmitido en colecciones como el Mumonkan del monje Mumon Ekai (1183–1260), cuyo primer caso es el célebre «Mu» del maestro Jōshū; tradicionalmente se habla de unos 1700 casos. Con los kōan trabaja sobre todo la escuela Rinzai, mientras que la escuela Sōtō sitúa en el centro la meditación sentada sin objetivo Shikantaza.

También: kōan, koan, kōan zen, ejercicio kōan

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Kobori Enshū 小堀遠州

Kobori Enshū (小堀遠州, 1579–1647) fue un daimyō, maestro constructor y maestro del té japonés de principios del periodo Edo, y discípulo de Furuta Oribe. Su ideal del té se describe a menudo como kirei-sabi, una concepción más clara y elegante que la severa sobriedad de Sen no Rikyū. Se cuenta que influyó en la producción del pueblo alfarero de Tachikui; los chaire, mizusashi y chawan allí producidos se conocieron como Enshū-Tamba y gozaban de gran estima entre los aficionados al té de la época. Hasta qué punto fue realmente estrecho este contacto ya no puede demostrarse hoy en detalle: la atribución forma parte de la tradición transmitida.

También: Kobori Enshū, Enshū, Kobori Enshu, Enshu, Kobori Masakazu

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Kobushi-yaki こぶ志焼

Kobushi-yaki es una cerámica japonesa de Iwamizawa, en Hokkaidō, fundada allí por Yamaoka Sanshū en 1946; se la considera el horno en activo más antiguo de la isla y actualmente está dirigido por la tercera generación. El nombre proviene de la magnolia kobushi, que florecía en la época de la primera cocción. El taller prepara él mismo la arcilla y los esmaltes y produce sobre todo vajilla de uso cotidiano; como rasgo distintivo destaca el esmalte namako de degradado azul y blanco, junto al que se encuentran esmaltes verdes, marrón hierro, rojo bermellón y blancos. A diferencia de los antiguos hornos de Honshū, Kobushi-yaki representa un panorama cerámico surgido apenas en el siglo XX.

También: Kobushi-yaki, cerámica Kobushi, Kobu-shi-yaki, Kobushi

Kochi-yaki 交趾焼

Kochi-yaki, más exactamente Kōchi-yaki, designa una cerámica de baja temperatura con esmalte de plomo policromo, tal como surgió en el sur de China tardío de la dinastía Ming y llegó a Japón a través del comercio. El nombre remite a Kōchi, el antiguo nombre chino para el norte de Vietnam, por cuya ruta llegaba la mercancía. Son característicos los intensos esmaltes de color finamente resquebrajados en turquesa, amarillo, violeta y azul, separados entre sí por tabiques aplicados, líneas incisas o relieves. En el camino del té, las pequeñas cajas de incienso Kōchi se cuentan entre las piezas más apreciadas. Desde la era Edo, el estilo se imita en Japón, sobre todo en la cerámica Kyō a través de la familia Eiraku, así como en Kutani.

También: Kōchi-yaki, Kochi-Yaki, cerámica Kōchi, cerámica Kochi, alfarería Kōchi, alfarería Kochi

Kōdai 高台

El kōdai es el pie anular en la base de un cuenco japonés, ese anillo estrecho sobre el que se sostiene. Se forma al final: cuando el barro está en estado de cuero, la pieza se coloca invertida sobre el torno y el barro sobrante se recorta con el cuchillo de torno, el kanna. Casi siempre queda sin esmaltar, porque es ahí donde la pieza se apoya en el horno; así el bizcocho queda al descubierto y muestra el color del barro, el grano y las huellas de la herramienta. Para los coleccionistas es, por ello, el punto más revelador de toda la pieza, sobre todo porque las firmas casi siempre se encuentran ahí. En la cultura del té el pie se observa de manera especial; un cuenco tenmoku, por ejemplo, se reconoce por su kōdai llamativamente pequeño.

También: Kodai, kōdai, pie anular, base anular, pie de un cuenco de té

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Kōgō 香合

Un kōgō es un pequeño recipiente japonés con tapa en el que se guarda el incienso para la ceremonia del té. Mide por lo general solo unos pocos centímetros y está hecho de cerámica, madera o laca urushi, a menudo con una decoración cuidadosamente trabajada. Según una convención extendida, los kōgō lacados se destinan al uso con incienso en forma de madera aromática, mientras que los de cerámica se destinan al incienso blando y amasado. Durante una reunión de té, el recipiente se pasa a los invitados para su contemplación, por lo que, pese a su pequeño tamaño, se considera un ámbito de coleccionismo propio. Del kōgō debe distinguirse el kōro, el quemador de incienso en el que este se consume; el kōgō solo lo guarda.

También: Kōgō, cajita de incienso, recipiente para incienso, contenedor de incienso

Kohiki 粉引

Kohiki es una técnica decorativa en la que un cuerpo de barro oscuro y ferruginoso se recubre por completo con un engobe blanco y a continuación se cubre con un esmalte transparente. El nombre significa aproximadamente «espolvoreado con polvos» y describe la superficie blanca, mate y ligeramente nubosa, a través de la cual el barro oscuro transparenta en los bordes y en el pie del cuenco. La técnica se remonta a modelos coreanos y en Japón fue adoptada sobre todo en los hornos de Karatsu. Con el tiempo, el recubrimiento poroso absorbe el té y se mancha de forma irregular, lo cual se considera un atractivo buscado.

También: técnica kohiki, engobe blanco, Ko-hiki, esmalte kohiki, cerámica kohiki

Koicha 濃茶

Koicha (濃茶, té espeso) es la preparación ceremonial del matcha: la cantidad múltiple de polvo para poca agua, amasada lentamente con el chasen en lugar de batida, de textura almibarada y sin capa de espuma. Tradicionalmente se hace circular un único cuenco entre los presentes, lo que convierte al koicha en la parte más solemne de una reunión de té. Para ello se prefiere un cuenco algo más profundo, con un esmaltado interior liso y de buena cobertura, de modo que el té espeso pueda concentrarse y no quede adherido a una superficie rugosa; el polvo procede clásicamente de un chaire cerámico. La forma cotidiana opuesta es el usucha, ligero y batido hasta espumar.

También: koicha espeso, te espeso, koi-cha, usucha

Koishiwara-yaki 小石原焼

El koishiwara-yaki es una cerámica utilitaria japonesa procedente de la aldea de Tōhō, en el distrito de Asakura de la prefectura de Fukuoka. Se considera su origen el año 1662, cuando el señor feudal Kuroda Mitsuyuki hizo venir alfareros de Imari; con el tiempo, el intercambio con el horno vecino de Takatori influyó en esta cerámica. Son característicos los motivos geométricos regulares que se generan sobre el torno en movimiento, entre ellos el tobi-kanna, el hakeme y los trazados con peine y con los dedos, por lo general en engobe blanco sobre arcilla roja. En 1954, Yanagi Sōetsu y Bernard Leach elogiaron los talleres; en 1975 el koishiwara fue declarado la primera cerámica de Japón en obtener la calificación de artesanía tradicional. El horno de Onta es el horno filial de esta tradición.

También: Koishiwarayaki, cerámica de Koishiwara, Nakano-yaki, Koishiwara

Kurinuki 刳り貫き

Kurinuki es una técnica de conformado en la que una vasija se talla y se ahueca a partir de un bloque de arcilla macizo, en lugar de tornearla en el torno o construirla a partir de churros de arcilla. El alfarero trabaja con asa de alambre y espátula de dentro hacia afuera, de modo que el grosor de la pared queda deliberadamente irregular y las marcas de las herramientas quedan visibles. La técnica se reconoce generalmente por formas angulosas y ligeramente irregulares y por la ausencia de estrías concéntricas de torneado. Es especialmente popular en guinomi y cuencos de té, donde se busca un efecto vigoroso y escultórico.

También: técnica kurinuki, técnica de vaciado, kuri-nuki

Kuro-Raku 黒楽

Kuro-Raku, el «raku negro», es el tipo básico de un negro intenso del cuenco de té Raku, y se remonta al ceramista Chōjirō en el siglo XVI. El esmalte se obtiene tradicionalmente de roca rica en hierro del río Kamo en Kioto; funde a una temperatura más alta que el esmalte Aka-Raku, generalmente en torno a los 1.000 grados o más. En cuanto se ha fundido, el cuenco se retira incandescente del horno y se enfría bruscamente al aire, con lo que el hierro se solidifica en un negro intenso. Frente al más cálido Aka-Raku, el Kuro-Raku resulta austero y hace resaltar especialmente el verde del matcha.

También: Kuroraku, Kuro Raku, cerámica Raku negra, Raku negro, chawan Kuro-Raku

Kutani Gosai 九谷五彩

Kutani Gosai, los «cinco colores de Kutani», es la paleta clásica de la pintura sobre esmalte en la porcelana de Kutani de la prefectura de Ishikawa: verde, amarillo, púrpura, azul y rojo. Los colores se aplican como esmaltes fusibles espesos y vítreos sobre el vidriado ya cocido y se fijan en una segunda cocción, notablemente más fría; por eso quedan en relieve y ganan profundidad con la luz. De esta paleta procede el nombre del estilo de los cinco colores por el que es conocido Kutani. De él se distingue el aote, en el que se omite el rojo y la superficie se cubre por completo con los demás colores.

También: Kutani Gosai, Gosai, estilo de los cinco colores de Kutani, cinco colores de Kutani, Kutani-Gosai

Kutani-yaki 九谷焼

El kutani-yaki es porcelana japonesa de la prefectura de Ishikawa, llamada así por el pueblo de Kutani, donde a mediados del siglo XVII el ceramista Gotō Saijirō fundó el primer horno. Su rasgo distintivo es la decoración sobre esmalte intensa, a menudo cubriendo toda la superficie, en el estilo gosai-de, con verde, amarillo, púrpura, azul y rojo. Al cabo de unos cincuenta años, el horno original cesó su actividad —las razones no se han esclarecido del todo hasta hoy—; las piezas de aquella época se denominan ko-kutani. No fue hasta principios del siglo XIX cuando la tradición resurgió como saiko-kutani. A diferencia de Arita e Imari, que se centran en el azul cobalto, el rojo y el oro, el kutani trabaja con una paleta más amplia y una fuerte presencia de verde y púrpura.

También: Kutaniyaki, cerámica de Kutani, Gosai-de

Kyō-yaki 京焼

Kyō-yaki, literalmente «cocido en la capital», es el término genérico para toda la cerámica y la porcelana que se produce en Kioto. A diferencia de Bizen o Hagi, el término no designa un estilo de horno, sino un lugar de producción: históricamente comprende los distritos de horno de Awataguchi, Omuro, Yasaka, Mizoro y Kiyomizu. Dado que Kioto no posee yacimientos de arcilla propios dignos de mención, el énfasis ha recaído siempre en el trabajo y la decoración: en paredes torneadas con esmero, pies de anillo cortados con exactitud y color pintado a mano. En el siglo XVII destacaron Nonomura Ninsei y su discípulo Ogata Kenzan. El Kiyomizu-yaki es, en sentido estricto, un subconjunto del Kyō-yaki.

También: Kyo-yaki, Kyoyaki, porcelana de Kioto, Kyō-yaki, Kiyomizu-yaki, Kyoto-yaki, cerámica de Kioto

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M

Ma 間

Ma es el término japonés para el espacio intermedio configurado: la distancia entre dos cosas, la pausa entre dos sonidos, la superficie libre que le da a un objeto su efecto. El carácter designa por igual los espacios intermedios espaciales y temporales, por lo que el término se emplea en arquitectura, música, teatro y pintura. En la pintura a tinta, el fondo sin pintar no es un resto, sino parte de la composición; en el tokonoma, la superficie vacía sostiene el rollo colgante. Ma no significa, por tanto, simplemente vacío, sino espacio deliberadamente dejado libre: lo que está solo se contempla, lo que está en una acumulación se cuenta.

También: Ma, espacio Ma, Ma-Raum, espacio vacío, espacio en blanco, espacio intermedio

Maki-e 蒔絵

Maki-e (蒔絵, literalmente «imagen esparcida») es la técnica japonesa de laca en la que se pinta un motivo con urushi húmedo y a continuación se espolvorea sobre él polvo de oro o plata, que queda adherido en la laca al endurecerse. Según el procedimiento, la superficie se recubre después con más laca y se pule de nuevo hasta dejarla lisa, de modo que el metal parece flotar en la profundidad de la laca. Los soportes típicos son botes de té como el natsume, cajas de escritorio y cuencos. El maki-e se diferencia del raden en el material: en este último se incrustan trozos de nácar, mientras que en el maki-e el polvo de metal esparcido conforma la imagen. Ambas técnicas aparecen con frecuencia en un mismo objeto.

También: Maki-e, laca Maki-e, laca con polvo de oro, urushi Maki-e, técnica maki-e

Makuri まくり

Un makuri (まくり) es una hoja japonesa de pintura o caligrafía sin montar: la obra terminada, pero sin enmarcado, sin varillas y sin cordón de suspensión. En Japón, ese fue durante mucho tiempo el estado habitual en el que una obra salía del taller; el montaje se realizaba más tarde, según el uso al que se destinara la hoja. Un makuri es notablemente más económico que un rollo colgante terminado, apenas requiere espacio y puede montarse en cualquier momento como kakemono en un taller especializado. Se guarda plano y en un lugar seco, preferiblemente entre papel libre de ácido. A diferencia del shikishi o el tanzaku, un makuri no es un formato propio, sino un estado de montaje.

También: hoja sin montar, hoja makuri, pintura sin montar, rollo colgante sin montaje

Mashiko-yaki 益子焼

El mashiko-yaki es una cerámica de gres japonesa de la ciudad de Mashiko, en la prefectura de Tochigi, que se remonta a 1853, al alfarero Ōtsuka Keizaburō, formado en la vecina Kasama. La arcilla local es arenosa, con contenido de sílice y hierro, y apenas se deja estirar en paredes finas; por ello, la cerámica de Mashiko resulta de paredes gruesas y pesada. Son características las intensas glasas elaboradas con materias primas regionales: la glasa kaki, de color pardo rojizo, la nuka lechosa, obtenida de ceniza de cáscara de arroz, y la ame, de color pardo caramelo. A diferencia de Kasama, estilísticamente abierta, Mashiko ha adquirido una impronta clara: a partir de 1924, el alfarero Hamada Shōji convirtió el lugar en centro del movimiento mingei.

También: Mashiko-yaki, cerámica de Mashiko, alfarería de Mashiko, Mashiko ware, Mashiko

Masu 枡

Un masu es un recipiente de madera de forma cuadrada que en Japón sirvió durante siglos como medida oficial de capacidad para el arroz, y que tradicionalmente se fabrica con ciprés hinoki. El formato habitual tiene una capacidad de un gō, es decir, unos 180 mililitros, la misma cantidad que también sirve como base de medida para el sake. En ocasiones festivas, el sake se sigue bebiendo hoy en día en el masu, y la madera aporta un olor propio muy característico. Se distingue así fundamentalmente del guinomi: el masu es una medida, no un cuenco para beber, y prescinde de la mano del ceramista.

También: Masu, caja de sake, medida de madera, sakebox, caja masu

Matcha 抹茶

El matcha (抹茶) es té verde japonés finamente molido que no se infusiona ni se cuela, sino que se bebe en forma de polvo, completamente mezclado con el agua. Los arbustos de té se sombrean durante varias semanas antes de la cosecha, lo que confiere a las hojas su intenso verde y un sabor suave con marcado umami; a continuación se cuecen al vapor, se secan y tradicionalmente se muelen hasta convertirlas en polvo con molinos de piedra. El matcha se prepara en el cuenco de té con el batidor de bambú, en su forma diaria y ligera, el usucha, o en su forma espesa y ceremonial, el koicha. Como el polvo tiende a formar grumos con facilidad, conviene pasarlo por un tamiz fino antes de batirlo.

También: te matcha, matcha en polvo, polvo de te verde, maccha

Meiji-Zeit 明治時代

El periodo Meiji (1868–1912) es la época en la que el emperador Mutsuhito recuperó el poder de gobierno efectivo tras el fin del sogunato Tokugawa, y Japón se modernizó en pocas décadas siguiendo el modelo occidental. Para el arte fue un cambio de dos caras: la confrontación con la pintura al óleo occidental (Yōga) llevó a la delimitación consciente de la tradición pictórica autóctona como Nihonga, y las exportaciones japonesas desencadenaron en Europa el Japonismo, del que se beneficiaron enormemente centros cerámicos como Arita y Kutani. Al mismo tiempo, muchos hornos alfareros locales perdieron su respaldo con el fin del régimen feudal. El periodo Meiji sigue al periodo Edo y termina en 1912 con el comienzo del periodo Taishō.

También: periodo Meiji, era Meiji, Meiji

Mikawachi-yaki 三川内焼

El mikawachi-yaki es una porcelana japonesa del barrio de Mikawachi, en Sasebo, prefectura de Nagasaki. Se remonta a alfareros coreanos que el señor feudal de Hirado asentó tras las campañas de Corea hacia 1598; a partir de 1637 el horno funcionó como manufactura feudal de la casa Matsura. Sus rasgos característicos son una porcelana blanca especialmente pura, una pintura bajo cubierta muy fina en azul cobalto, así como calados, aplicaciones en relieve y piezas de paredes finas. El motivo más conocido es el karako-e, niños chinos jugando; antiguamente, el número de niños representados distinguía los regalos de corte de la mercancía destinada a la venta libre. Mikawachi-yaki y hirado-yaki designan la misma tradición.

También: Mikawachi-yaki, porcelana Mikawachi, cerámica Mikawachi, Mikawachi

Mingei 民藝

Mingei es el término acuñado en 1925 por el filósofo Yanagi Sōetsu junto con los ceramistas Hamada Shōji y Kawai Kanjirō para designar la artesanía popular japonesa, una forma abreviada de minshūteki kōgei. Detrás de este término se encuentra la tesis de que los objetos más bellos no son las piezas suntuosas de artistas célebres, sino los objetos de uso cotidiano fabricados de forma anónima por artesanos sencillos; Yanagi resumió esto en el concepto de yō no bi, la «belleza del uso». El movimiento se entendía a sí mismo como una respuesta a la rápida industrialización de Japón y revalorizó de forma fundamental lugares de horno como Mashiko, Tamba y Tobe. En 1936 se inauguró en Tokio el Nihon Mingeikan, el Museo Japonés de Arte Popular.

También: movimiento Mingei, artesania popular japonesa, Mingei, arte popular japones

Mino-yaki 美濃焼

Mino-yaki es el término colectivo para la cerámica de la antigua provincia de Mino, en la actual región sur de Gifu, especialmente de las ciudades de Toki, Tajimi, Mizunami y Kani. El término no designa un único estilo, sino más de quince subtipos reconocidos como artesanía tradicional. Los cuatro más conocidos –el blanco Shino, el verde Oribe, el amarillo Ki-Seto y el negro Setoguro– surgieron durante el periodo Momoyama en el entorno de la ceremonia del té y del maestro de té Furuta Oribe. A diferencia de la vecina Seto, de donde procedían los fundadores de estos estilos, Mino es hoy, con un 50 a 60 por ciento estimado, la región cerámica de mayor volumen de producción de Japón.

También: Minoyaki, cerámica de Mino, cerámicas de Mino, Mino-yaki Gifu

Mishima 三島

Mishima es una técnica de incrustación en la que se estampan o graban motivos en la arcilla en estado de cuero y las oquedades resultantes se rellenan a continuación con barbotina de otro color; tras el raspado queda un dibujo enrasado, generalmente blanco, sobre el bizcocho oscuro. Son típicos los motivos densamente dispuestos de flores, puntos y bandas. La técnica procede de Corea y fue adoptada en Japón por varios hornos. Según la tradición, su nombre se debe a la semejanza de las líneas de motivos con el calendario impreso del santuario de Mishima.

También: Mishima, técnica Mishima, Zōgan, técnica de incrustación, decoración Mishima

Mizusashi 水指

Un mizusashi (水指) es el recipiente de agua fresca de la ceremonia japonesa del té: un contenedor de cerámica, normalmente cerrado con tapa, del que el anfitrión, con el cucharón de bambú, reabastece de agua fría el caldero y enjuaga los utensilios. Permanece visible en la sala durante toda la preparación y, por ello, se cuenta entre las piezas que también se contemplan; en consecuencia, se elige con el mismo esmero que el resto del ajuar. Los mizusashi se producen en muchos hornos, como los de Tamba, Ōhi o Shigaraki. El recipiente de agua fresca no debe confundirse con el kensui, el recipiente de agua usada, en el que se vierte el agua ya utilizada.

También: mizusashi, recipiente de agua fresca, contenedor de agua, jarra de agua para la ceremonia del te

Momiji 紅葉

Momiji designa el follaje otoñal teñido de rojo del arce japonés y es el motivo principal de las representaciones otoñales en la pintura japonesa. El atractivo del motivo reside en la gradación cromática: una sola rama muestra al mismo tiempo hojas verdes, amarillas y rojo intenso. Con especial frecuencia, el momiji se combina con agua corriente – las hojas rojas sobre una corriente oscura son una idea pictórica que se repite desde hace siglos. La contemplación del colorido otoñal tiene, como momijigari, un rango similar a la contemplación de los cerezos en flor en primavera. A diferencia de la grulla o el pino, el momiji no es un símbolo de buena fortuna para ocasiones festivas, sino un motivo estacional que solo se cuelga durante unas pocas semanas.

También: Arce, arce japonés, hojas de otoño, momijigari, Momiji

Mono no aware 物の哀れ

Mono no aware es un concepto de la estética japonesa que designa la silenciosa emoción que provoca la conciencia de la naturaleza efímera de todas las cosas. Literalmente algo así como el patetismo de las cosas, fue acuñado en el siglo XVIII por el erudito Motoori Norinaga, quien lo derivó de la literatura cortesana del periodo Heian, en particular del Genji Monogatari. La imagen clásica para ello es la flor de cerezo que cae: bella precisamente porque no permanece. A diferencia del wabi-sabi, que describe una actitud hacia el material y la forma, mono no aware se refiere a un sentimiento del observador: la melancolía ante lo bello que se desvanece.

También: Mono no aware, mono-no-aware, Mononoaware, el patetismo de las cosas

Moribana 盛花

Moribana (盛花, «flores amontonadas») es un estilo de ikebana en el que el material vegetal se dispone en un recipiente ancho y poco profundo, el suiban, y se fija con un sujeta-flores, el kenzan. El nombre describe el efecto: las ramas y las flores parecen amontonarse en la superficie, la composición se extiende como un paisaje y también se lee desde arriba. La forma fue desarrollada en la era Meiji por Ohara Unshin, quien acomodó las recién introducidas flores de jardín occidentales en cuencos anchos; se considera el inicio del ikebana moderno. Moribana se diferencia del nageire por el recipiente y el sistema de sujeción: allí el jarrón alto sin kenzan, aquí el cuenco plano con él.

También: moribana, estilo moribana, ikebana en cuenco, flores amontonadas

Mosha 模写

Mosha (模写) es la reproducción fiel de una pintura o una caligrafía existente. Durante siglos fue en Japón el núcleo de la formación de los pintores: quien aprendía a pintar copiaba primero durante años, antes de crear algo propio. Además, Mosha sirve hasta hoy a la conservación: de pinturas murales frágiles y rollos colgantes se realizan copias para que el original pueda preservarse. Una forma particular es el Genjō-Mosha (現状模写), que copia también el estado actual, incluidas las pérdidas y la pintura descascarillada, mientras que otras copias reconstruyen el estado original. En el Rinmo (臨模), el modelo se coloca al lado durante el trabajo. Mosha se distingue del Utsushi por la intención: aquí se trata de exactitud, allí de apropiación.

También: Mo-sha, copia fiel, reproduccion, Genjo-Mosha, Rinmo

Mujō 無常

Mujō es el término budista para la impermanencia: la comprensión de que todo lo compuesto surge, se transforma y vuelve a desaparecer, y que nada es duradero. En la fórmula Shogyō mujō, esta idea se cuenta entre las doctrinas fundamentales del budismo; el célebre inicio del Heike Monogatari la introdujo en la literatura japonesa. Para el arte, Mujō es el presupuesto de la estética Wabi-Sabi: las huellas de uso, las superficies erosionadas y la breve floración de una estación no se consideran allí una imperfección. A diferencia de Mono no aware, que designa la conmoción del observador, Mujō nombra el hecho en sí mismo.

También: Mujō, impermanencia, Shogyō mujō, transitoriedad, mujo

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Muromachi-Zeit 室町時代

El periodo Muromachi (1333–1573) es la época en que el sogunato Ashikaga gobernó desde Kioto; toma su nombre del barrio homónimo de Muromachi, en dicha ciudad. Para el arte japonés es uno de los periodos más trascendentales: en él surgen el teatro Nō, la pintura a tinta según el modelo chino, el estilo residencial shoin con el tokonoma y los inicios de la ceremonia del té en el sentido del wabi. Sigue al periodo Kamakura y da paso al periodo Azuchi-Momoyama, en el que la cerámica para el té vive su primer gran esplendor.

También: periodo Muromachi, era Ashikaga, época Muromachi

Mushiboshi 虫干し

Mushiboshi (虫干し) es la ventilación periódica de rollos colgantes, libros y textiles, que en los templos y colecciones japonesas forma parte del ciclo anual desde hace siglos. En días secos y despejados —tradicionalmente en otoño— las piezas se sacan de sus cajas, se cuelgan a la sombra y se airean durante algunas horas. La idea detrás de esto es sencilla: la humedad que se ha acumulado en el recipiente cerrado se disipa, y los insectos ya no encuentran un entorno tranquilo. Para una colección privada basta con colgar cada rollo colgante una o dos veces al año durante algunas horas, en un día seco, sin sol directo y sin corriente de aire.

También: mushiboshi, ventilación de rollos colgantes, ventilación de la colección, aireado de rollos colgantes, ventilación mushiboshi

Mushin 無心

Mushin, literalmente «no-mente», designa en el budismo zen un estado de actuar sin pensamiento aferrado: la mente no se detiene en ningún pensamiento ni intención y por ello puede responder libremente al instante. Lo describió con detalle el monje zen Takuan Sōhō en el escrito Fudōchi Shinmyōroku, que dedicó al maestro de espada Yagyū Munenori; desde ahí el concepto se extendió a los caminos marciales y artísticos. En la caligrafía y la pintura a tinta, Mushin designa el trazo de pincel que no se piensa ni se corrige; el Enso se considera su testimonio más conocido. A diferencia del satori, Mushin no es una experiencia única, sino una actitud en el hacer.

También: Mushin no shin, Mushin, mente sin mente, no apego

N

Nabeshima-yaki 鍋島焼

El nabeshima-yaki es una porcelana japonesa que la casa señorial Nabeshima del feudo de Saga mandó fabricar en su propia manufactura feudal desde finales del siglo XVII hasta la era Meiji, no para la venta, sino como regalo al shogunato y a otras casas señoriales. Los hornos se encontraban en Ōkawachiyama, una hondonada rodeada de montañas en la actual Imari, lo que facilitaba mantener en secreto las técnicas. Esta cerámica se reconoce por los tamaños estandarizados de los platos, un pie anular alto con un motivo de dientes de peine dibujado con exactitud y motivos puramente japoneses. Junto al iro-nabeshima, pintado en colores, están el azul bajo cubierta y el celadón. A diferencia de la porcelana de Arita y de Imari, destinada al comercio, el nabeshima se producía sin reparar en gastos.

También: porcelana Nabeshima, cerámica Nabeshima, Nabeshima-yaki, Nabeshima

Nageire 投入

Nageire (投入, «lanzado dentro») es el estilo de ikebana en el que las ramas se colocan en un recipiente alto -un jarrón, una jarra, un tubo de bambú- y se sostienen únicamente en el borde del recipiente y entre sí; no se emplea un portapúas, a lo sumo un pequeño palo encajado. El nombre alude al gesto aparentemente casual con el que las flores se colocan en el recipiente: el resultado debe parecer espontáneo, no el trabajo dedicado a la inclinación y la sujeción. La forma se desarrolló entre el periodo Muromachi y el periodo Edo junto al elaborado Rikka y está cercana a la sencilla flor de té Chabana. Su contrapartida es el Moribana en el cuenco plano.

También: Nageire, Nage-ire, Nageirebana, estilo nageire

Natsume 棗

Un natsume (棗) es el recipiente de té japonés de madera con recubrimiento de laca en el que se conserva el polvo de matcha para el té ligero. El nombre proviene del jujubo, el azufaifo japonés, cuyo fruto se asemeja a la forma achaparrada con la tapa ligeramente abombada. Lo clásico es el negro liso, pero también son frecuentes los decorados en maki-e, la técnica de espolvoreado con polvo de oro y plata. Para el té espeso tradicionalmente no se utiliza un natsume, sino un chaire, el recipiente de té más pequeño de cerámica con tapa de marfil. Como pequeño objeto de laca, un natsume también queda bien en una hornacina fuera de la ceremonia del té.

También: natsume, caja de te matcha, caja de te japonesa, caja natsume, caja de te lacada, natsume de laca

Netsuke 根付

Un netsuke es un pequeño objeto tallado que servía de contrapeso en la vestimenta japonesa: dado que el kimono no tiene bolsillos, las bolsas, cajas de tabaco o inrō se llevaban sujetos a un cordón que pasaba por encima del cinturón obi y se aseguraba contra el deslizamiento mediante el netsuke en el extremo superior. Mide generalmente entre tres y cuatro centímetros, está hecho tradicionalmente de boj, ébano o marfil y siempre tiene orificios para el cordón, el himotoshi. Como se hace girar en la mano, está trabajado por todos los lados. A diferencia del okimono, puramente decorativo, el netsuke es un objeto de uso; con la vestimenta occidental perdió su función.

También: Netsuke, Ne-tsuke, netsuke tallado, figura netsuke

Nezumi-Shino 鼠志野

Nezumi-Shino, «Shino ratón», es el subtipo gris de la cerámica Shino de la región de Mino. El cuerpo de arcilla formado se cubre primero de manera uniforme con un engobe rico en hierro, el Oniita; en esta capa el ceramista graba su dibujo, de modo que la arcilla clara vuelve a quedar al descubierto. Encima se aplica el típico esmalte blanco feldespático. Durante la cocción, el engobe restante adquiere un tono gris ratón a marrón rojizo, mientras que las líneas grabadas permanecen claras; el dibujo aparece, por tanto, claro sobre fondo oscuro. Exactamente al contrario ocurre con el E-Shino, donde el motivo se pinta directamente con pigmento de hierro.

También: Nezumishino, Nezumi Shino, Nezumi-Shino, cerámica Shino gris

Nihonga 日本画

Nihonga (日本画, «pintura japonesa») es el término genérico para la pintura clásica japonesa, realizada con pigmentos naturales, pinceles finos y soportes tradicionales como papel, seda o madera. El término se acuñó recién en la era Meiji, para diferenciar la tradición pictórica autóctona de la pintura al óleo (Yōga) importada por la misma época desde Occidente. Por ello, Nihonga abarca estilos y escuelas muy diferentes entre sí: desde la pintura monocroma a tinta Sumi-e, pasando por el Yamato-e cortesano, hasta la pintura Kanō y Rinpa. Por lo tanto, no es una técnica ni un estilo, sino una denominación genérica formada retrospectivamente para la pintura japonesa en su conjunto.

También: Nihon-ga, pintura japonesa, pintura Nihonga, pintura japonesa clásica

Ningen Kokuhō 人間国宝

Ningen Kokuhō, literalmente «Tesoro Nacional Viviente», es la denominación habitual para las personas reconocidas en Japón como portadoras de un importante bien cultural inmaterial. La distinción se remonta a la Ley de Protección de Bienes Culturales de 1950 y se concede desde 1955; el título oficial es bastante más engorroso que el popular. No se reconoce una obra individual, sino el dominio de una técnica -un esmalte, una cocción, un modo de decoración- unido a la tarea de transmitirla. Entre los ceramistas, el título se encuentra con frecuencia en aquellos que han reconstruido procedimientos que se daban por perdidos, como Arakawa Toyōzō para el Shino en 1955 o Kaneshige Tōyō para el Bizen en 1956.

También: Tesoro Nacional Viviente, Ningen Kokuho, Tesoro Nacional Japones

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Noborigama 登り窯

Un noborigama es un horno de cámaras construido en la ladera de una colina, en el que varias cámaras de cocción ascienden en fila una tras otra, a modo de escalera. El calor residual de cada cámara precalienta la siguiente, lo que reduce el tiempo de cocción y el consumo de leña y permite temperaturas considerablemente más uniformes que el anagama de una sola cámara. Esta forma constructiva, de origen coreano, se difundió en Japón hacia el cambio al siglo XVII e hizo posible, por primera vez, la producción de piezas vidriadas en mayor cantidad; en Tamba, por ejemplo, su introducción se sitúa hacia 1611. Más uniforme no significa igual: cada cámara y cada posición dentro de ella cuece de manera distinta, por lo que los resultados varían de una pieza a otra.

También: Noborigama, Nobori-gama, horno escalonado, horno de camaras, horno colina arriba

O

Obori-Sōma-yaki 大堀相馬焼

El obori-sōma-yaki es una tradición cerámica japonesa originaria del barrio de Ōbori, en Namie, prefectura de Fukushima, cuya fundación se data en 1690 y que estuvo bajo la protección del feudo de Sōma. Presenta tres rasgos distintivos: un caballo al galope pintado según el emblema de la casa Sōma, una red de grietas azules generada deliberadamente en el esmalte y la construcción de doble pared, por la que una taza se compone de dos cuencos encajados uno dentro del otro y permanece fría por fuera. Tras el accidente nuclear de 2011 hubo que evacuar la totalidad de la localidad; desde entonces, parte de los talleres siguen trabajando en otros lugares de Fukushima.

También: Obori-Soma-yaki, Ōbori-Sōma-yaki, Sōma-yaki, cerámica Obori-Soma

Ochoko お猪口

Un ochoko (お猪口) es el pequeño y clásico cuenco japonés para sake, tal como se conoce de los juegos de sake: bajo, ligeramente cónico y pensado para unos pocos sorbos. Se llena a partir del tokkuri, la panzuda botella de sake, y se considera cortés servir al otro y dejarse servir uno mismo. Lo que lo distingue principalmente del guinomi es el tamaño: el guinomi es el cuenco algo más grande y profundo, que sirve a alfareros y coleccionistas como pequeña superficie artística. El sakazuki, plano y muy abierto, pertenece a su vez a las ocasiones ceremoniales. Los ochoko se ofrecen a menudo como juego con su tokkuri a conjunto.

También: sakazuki, o-choko, choko, ochoko, vaso pequeño de sake, taza de sake, copa de sake

Ohi-yaki 大樋焼

La cerámica Ohi-yaki es una cerámica japonesa para el té de Kanazawa, en la prefectura de Ishikawa, que surgió en 1666, cuando el ceramista Chōzaemon acompañó al maestro de té Senso Sōshitsu de Kioto a la corte del señor feudal de Kaga, Maeda Tsunanori. Técnicamente es una rama de la tradición Raku: las piezas se construyen a mano sin torno, se retocan con espátulas y se cuecen individualmente a baja temperatura. Su rasgo distintivo es el esmalte Ame, de color ámbar y contenido de hierro, que va desde un tono miel claro hasta un marrón rojizo intenso. Precisamente ahí radica la diferencia con la cerámica Raku-yaki de Kioto, que trabaja con negro y rojo apagado; a esto se suma un lenguaje formal más compacto y pesado.

También: Ōhi-yaki, cerámica de Ohi, Ohi ware, Ohi-chawan

Okimono 置物

Un okimono es un objeto ornamental exento, sin función utilitaria, que en Japón se coloca tradicionalmente en el nicho decorativo tokonoma, sobre un estante o en un altar doméstico; el nombre significa literalmente «cosa colocada». Los okimono se realizan en madera, marfil, cerámica, bronce o cloisonné, y los motivos abarcan desde animales y seres fabulosos hasta deidades y escenas de la vida cotidiana. En la era Meiji surgieron numerosos okimono, a menudo de elaboración muy refinada, destinados al mercado occidental, muchos de ellos obra de talladores que anteriormente habían fabricado netsuke. El okimono se distingue radicalmente del netsuke: no tiene orificios para el cordón y no se lleva puesto, sino que se contempla.

También: Okimono, Oki-mono, figura decorativa, objeto decorativo

Onta-yaki 小鹿田焼

El onta-yaki es una cerámica japonesa procedente de la aldea de Sarayama, cerca de Hita, en la prefectura de Ōita, que surgió en 1705, cuando se trajeron alfareros desde la cercana Koishiwara. Hasta hoy solo trabajan allí unas pocas familias, que preparan la arcilla con mazos accionados por agua, llamados karausu, y no firman sus piezas. Son característicos los motivos rítmicos en engobe blanco sobre un bizcocho rojizo: muescas talladas (tobi-kanna), pinceladas (hakeme) y franjas de vidriado vertido. Yanagi Sōetsu elogió el lugar en 1931 como ejemplo modélico de artesanía popular, y Bernard Leach trabajó allí en 1954. En 1995 la técnica fue reconocida como bien cultural inmaterial importante.

También: Onta-yaki, cerámica Onta, Ontagawa-yaki, Onta

Oribe-yaki 織部焼

El oribe-yaki es una cerámica de gres japonesa de la región de Mino, en la actual Gifu, que se produjo sobre todo entre aproximadamente 1600 y la década de 1630. Su rasgo distintivo es un esmalte de un verde intenso a base de cobre, que no se aplica de forma uniforme, sino que se vierte por zonas sobre la pieza y resbala en regueros; junto a ello aparecen zonas claras con pintura bajo esmalte geométrica en óxido de hierro y formas asimétricas deliberadamente deformadas. El estilo debe su nombre al maestro de té Furuta Oribe (1544–1615), cuyo gusto lo marcó. Con ello, el Oribe es el más llamativo de los cuatro estilos de Mino y el contrapunto a la contención del Shino. Tras el suicidio forzado de Oribe en 1615, perdió rápidamente importancia.

También: Oribe-yaki, cerámica Oribe, Ao-Oribe, Oribe

Otani-yaki 大谷焼

El otani-yaki es una cerámica de gres japonesa del barrio de Ōasa, en Naruto, en la prefectura de Tokushima, en Shikoku, cuyos orígenes se remontan a 1780. Su auge se debe al cultivo de índigo de la región: para las tinas de fermentado de los tintoreros se cocían tinajas de la altura de una persona. Estas grandes vasijas se elaboran con la inusual técnica del ne-rokuro, en la que un alfarero, tumbado, hace girar el torno con los pies mientras un segundo alfarero da forma a la pieza. La arcilla, rica en hierro, da lugar a una superficie rugosa con un brillo metálico. El horno de cámaras del lugar está considerado uno de los más grandes de Japón.

También: Ōtani-yaki, cerámica Otani, Otani yaki, Otani

R

Raden 螺鈿

Raden (螺鈿) es la técnica japonesa de la incrustación de nácar: finas láminas pulidas de concha marina o de caracola se recortan, se incrustan en el fondo de laca o se colocan en una hendidura, se recubren con laca y se vuelven a pulir hasta dejarlas al descubierto. El resultado produce reflejos que, según la incidencia de la luz, van del azul al verde y al rosa, y destacan como un brillo frío frente al negro profundo del urushi. Con esta técnica se decoran cajitas, cuencos, botes de té y muebles. A diferencia del maki-e, donde el motivo se forma con polvo de oro o plata esparcido, el raden trabaja con piezas sólidas de material incrustado; ambas técnicas se combinan a menudo en un mismo objeto.

También: incrustación de nácar, técnica raden, nácar, madreperla

Rakkan 落款

Un rakkan es la certificación de una pintura o caligrafía japonesa compuesta por la firma manuscrita y la impronta de sello rojo, colocada generalmente al margen de la composición. En sentido estricto, el término designa ambos elementos en conjunto; en el comercio de arte se emplea con frecuencia también para referirse únicamente a la impronta de sello. La impresión se realiza con shuniku, la pasta de sello de color bermellón, y el sello suele llevar el nombre del artista en la escritura de sello arcaica tensho. El rakkan debe distinguirse del hanko, el sello como objeto físico, y del kakihan, un monograma trazado con el pincel sin sello. Para el observador, el rakkan nunca es solo un testimonio, sino un acento rojo deliberadamente colocado en la composición pictórica.

También: sello de nombre, firma y sello, rakkan-in, impronta de sello, sello rojo

Raku-yaki 楽焼

El raku-yaki es una tradición cerámica japonesa que surgió en el siglo XVI de la colaboración entre el ceramista Chōjirō y el maestro de té Sen no Rikyū, y que produce sobre todo chawan para la ceremonia del té. Los cuencos se forman a mano sin torno, se cuecen a una temperatura comparativamente baja y se enfrían rápidamente; de este modo surgen las características grietas finas y los efectos de esmaltado nunca reproducibles. Los tipos básicos más extendidos son el kuro-raku negro y el aka-raku rojo. El nombre se remonta a una distinción otorgada por Toyotomi Hideyoshi; la familia Raku continúa la tradición en Kioto hasta hoy. En el orden jerárquico tradicional de los cuencos de té, el raku se sitúa por delante de Hagi y Karatsu.

También: Raku-yaki, cerámica Raku, Aka-Raku, Raku

Reisho 隷書

Reisho (隷書) es la escritura cancilleresca, el segundo más antiguo de los cinco estilos caligráficos clásicos de la caligrafía del este de Asia. Surgió en la China de la época Qin como una forma simplificada y de escritura más rápida de la escritura de sello Tensho, y bajo la dinastía Han se convirtió en la escritura oficial para documentos e inscripciones en piedra. Se caracteriza por caracteres anchos y más bien planos, y por el trazo horizontal final que se extiende con un gesto ondulante, llamado en japonés Hataku. De Reisho surgieron los estilos más recientes: la escritura regular Kaisho, la semicursiva Gyōsho y la escritura cursiva Sōsho. En Japón, Reisho puede verse hasta hoy allí donde la escritura debe irradiar dignidad: en billetes de banco, cabeceras de periódicos, placas con nombres y sellos.

También: Reisho-tai, escritura clerical, Clerical Script, estilo clerical

Reiwa-Zeit 令和時代

La era Reiwa es la era japonesa vigente desde 2019, que comenzó con el cambio de trono al emperador Naruhito y sigue a la era Heisei. Dado que los objetos de arte japoneses suelen datarse por eras, esta indicación designa simplemente una pieza de creación contemporánea. En el caso de la cerámica, esto significa por lo general: elaborada por un ceramista actualmente en activo, a menudo con caja de madera firmada y taller documentado. A diferencia de eras más antiguas, la datación no remite aquí a un concepto estilístico, sino únicamente a la indicación de la contemporaneidad.

También: Reiwa, era Reiwa, período Reiwa, era Heisei posterior

Rinpa 琳派

Rinpa (琳派) designa una corriente decorativa de la pintura japonesa que plasma motivos naturales fuertemente estilizados —hierbas, flores, olas, aves— con frecuencia sobre fondo dorado. El nombre se remonta al pintor Ogata Kōrin; «ha» significa escuela. A diferencia de la escuela Kanō, Rinpa no se transmitió como negocio familiar, sino mediante el estudio de los modelos: Sakai Hōitsu (1761–1829), por ejemplo, nunca fue discípulo de Kōrin, sino que se adentró en su obra de forma autodidacta y fundó el Edo-Rinpa. El lenguaje pictórico plano y ornamental, de siluetas nítidas, influyó en el siglo XIX también en el arte europeo del modernismo (Jugendstil).

También: Rinpa, escuela Rinpa, Rimpa, escuela Rimpa, escuela Kōrin

Rokkoyō 六古窯

Rokkoyō, los «seis hornos antiguos», es la denominación colectiva de seis centros cerámicos japoneses que producen de forma ininterrumpida desde la Edad Media: Seto, Tokoname, Shigaraki, Bizen, Echizen y Tamba. Los seis cocían al principio gres tosco y sin esmaltar para el uso cotidiano —tinajas de almacenaje, cuencos de moler, recipientes para agua y cereales— y solo mucho más tarde se los consideró artesanía artística; Seto constituye una excepción, pues allí se produjo desde temprano cerámica esmaltada. El término en sí es más reciente que la cosa que designa: fue acuñado hacia 1948 por el historiador de la cerámica Koyama Fujio. En 2017 los seis hornos antiguos fueron declarados conjuntamente Patrimonio Cultural de Japón.

También: Rokkoyo, Rokkoyō, Seis Hornos Antiguos, Six Ancient Kilns, los seis hornos antiguos de Japón

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Rokuro 轆轤

Rokuro es el torno de alfarero japonés y, a la vez, la denominación del trabajo en él. Están extendidos el keri-rokuro, accionado con el pie, el te-rokuro, puesto en movimiento a mano, y hoy en día el torno eléctrico. Quien trabaja en el torno estira la pared hacia arriba con los dedos; así se forman las finas estrías de torneado que ascienden en espiral, por las que se reconoce la cerámica torneada. En casi todo Japón el torno gira en el sentido de las agujas del reloj; el pueblo alfarero de Tachikui, en Tamba, es una de las pocas excepciones. Del rokuro hay que distinguir el tebineri, el modelado a mano por completo sin torno.

También: torno de alfarero, torno alfarero, torno de ceramista, keri-rokuro, rokuro, tecnica del rokuro

Ryū 龍

Ryū es el dragón japonés: un ser sin alas, de forma serpentina, que gobierna sobre el agua, la lluvia y el cielo, y que en la mitología se considera generalmente un protector benévolo. Su iconografía surgió de una fusión de concepciones chinas, indias y sintoístas autóctonas. Se distingue tradicionalmente de sus parientes chinos por el número de dedos: tres en lugar de cuatro o cinco. A diferencia del dragón occidental, no escupe fuego ni necesita alas; para el ser alado y que escupe fuego propio de la tradición europea se ha impuesto en el japonés moderno el préstamo Doragon. En los kakemono, el dragón representa el poder, la sabiduría y la protección contra los espíritus malignos.

También: Dragón, Tatsu, dragón japonés, Ryu

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S

Sakazuki 盃

Un sakazuki (盃) es la copa de sake japonesa plana y muy abierta, que tradicionalmente se utiliza sobre todo en ocasiones ceremoniales, como el san-san-kudo, el intercambio ritual de copas de sake en una boda sintoísta, así como en Año Nuevo y días festivos. Se fabrica en cerámica o en madera lacada, a menudo lacada en rojo y decorada con oro. Lo que la distingue principalmente de los recipientes de uso cotidiano es la forma: mientras que el ochoko y el guinomi son de tipo vaso, profundos, el sakazuki es ancho y bajo, de modo que el líquido permanece visible como un espejo. Para el consumo diario de sake es la forma menos práctica; para las ocasiones festivas, la adecuada.

También: copa de sake plana, copa de sake ceremonial, cuenco sakazuki

Sakoku 鎖国

Sakoku (鎖国, «cierre del país») es la política del sogunato Tokugawa que mantuvo a Japón en gran medida aislado del mundo exterior durante el periodo Edo. A partir de 1624, el comercio y los viajes fueron drásticamente restringidos: a los japoneses se les prohibió abandonar el país, el cristianismo fue prohibido, y Nagasaki siguió siendo prácticamente el único puerto comercial en el que se permitía atracar a barcos neerlandeses y chinos. La palabra en sí es más reciente que el fenómeno que designa: no surgió hasta 1801, cuando el traductor Shizuki Tadao vertió al japonés un texto de Engelbert Kaempfer. El aislamiento terminó con la apertura forzada de Japón a partir de 1853; precisamente en ese aislamiento se formaron muchas de las tradiciones de la artesanía artística japonesa.

También: Sakoku, política de aislamiento, política de aislamiento nacional, cierre del país, aislamiento nacional de Japón

Sanadahimo 真田紐

El sanadahimo es una cinta japonesa estrecha y tejida plana, con la que se cierran sobre todo cajas de madera como la tomobako o la kiribako. A diferencia de un cordón trenzado redondo, se elabora en el telar a partir de urdimbre y trama, por lo que resulta compacto, muy resistente a la tracción y apenas elástico; originalmente se empleaba por ello para tahalíes de espada, piezas de armadura y para atar cargas. Se teje generalmente en algodón o seda, a menudo en finos patrones de rayas o cuadros, que varían según la escuela de té, el taller o la familia y sirven así como signo distintivo. El nombre se asocia tradicionalmente con la casa guerrera Sanada; esta procedencia se considera una leyenda.

También: Sanada-himo, Sanada himo, cordón sanada, cinta sanada

Sangiri 桟切

Sangiri es uno de los efectos de cocción clásicos de la cerámica de Bizen sin esmaltar: zonas grises, gris azuladas hasta casi negras, que se forman allí donde una pieza queda cubierta en el horno por ceniza y carbón de leña incandescente. Bajo esta capa falta oxígeno, el hierro del bizcocho se reduce y vira del habitual marrón rojizo hacia tonos grises fríos; las transiciones son suaves y difuminadas. Si la cobertura surge por sí sola debido a la posición en el horno, se habla de sangiri natural; si hacia el final de la cocción se amontona carbón de leña de forma deliberada, se habla de sangiri artificial. A diferencia de goma y bidoro, sangiri no se basa en ceniza fundida, sino en la atmósfera de cocción.

También: San-giri, efecto sangiri, sumi-sangiri, sangiri-Bizen

Sansui 山水

Sansui (山水, literalmente «montaña y agua») es la pintura paisajística japonesa: una cascada entre rocas, un pueblo de pescadores entre la neblina matutina, una colina de pinos frente a cordilleras lejanas. Vive de las gradaciones de tinta y de un amplio fondo vacío, que se interpreta como niebla, agua o cielo, y se comprende sin conocimientos previos: se contempla una obra así como una ventana y se descubre un detalle más cada vez que se mira. Técnicamente, los paisajes se consideran agradecidos, porque el fondo sin pintar soporta mejor el amarilleamiento propio del paso del tiempo que un coloreado uniforme. A diferencia de la caligrafía zen, un sansui no se fija en una simbología determinada.

También: Sansui-ga, Sansuiga, pintura paisajista japonesa, pintura de paisaje japonesa, paisaje japonés, sansui

Satori 悟り

El satori es, en el budismo zen, la experiencia del despertar súbito, un vuelco de la percepción en el que la separación habitual entre el observador y el mundo parece suspenderse por un instante. Se considera que no puede planificarse ni expresarse con palabras; por ello se transmite en anécdotas y en paradójicos kōan en lugar de en enunciados doctrinales. Para el arte, el concepto es importante porque la caligrafía zen y la pintura a tinta no representan precisamente un resultado, sino un estado mental en el momento del trazo del pincel; un enso es el ejemplo más conocido de ello.

También: satori, iluminación, despertar, kenshō, experiencia de satori

Satsuma-yaki 薩摩焼

La cerámica Satsuma es una tradicion japonesa de gres procedente de la antigua provincia de Satsuma, en el sur de la actual prefectura de Kagoshima, fundada por alfareros coreanos que llegaron a Kyūshū a finales del siglo XVI. Se distinguen dos lineas: Shiro-Satsuma, de bizcocho color marfil, esmalte transparente finamente craquelado y densa decoracion sobre esmalte con oro, originalmente reservada a la casa señorial Shimazu, y Kuro-Satsuma, de arcilla rica en hierro con esmalte oscuro, empleada como vajilla de uso diario. La distincion mas importante: Satsuma no es porcelana, sino gres - el bizcocho permanece opaco, suena mate y presenta casi siempre el craquelado. La porcelana pintada de forma igualmente profusa procede en su mayoria de Kutani.

También: Satsuma, Satsumayaki, cerámica Satsuma, gres Satsuma, Shiro Satsuma, Kuro Satsuma, Nishikide

Seiza 正座

Seiza (正座, literalmente «sentarse correctamente») es la postura formal japonesa para sentarse: de rodillas en el suelo, con los glúteos apoyados sobre los talones, la espalda recta y las manos sobre el regazo. Como forma obligada en las ocasiones formales, se impuso durante el periodo Edo en el entorno de los guerreros y más tarde se generalizó. En la sala de té es la postura básica tanto del anfitrión como de los invitados: desde ella se manejan los utensilios y se contempla el rollo colgante en el tokonoma, por lo que la altura de la mirada y las proporciones de la sala se orientan según ella. También en la caligrafía y en las artes marciales, el seiza se considera la postura clásica.

También: Seiza, posicion de sentado formal japonesa, sentado sobre los talones, sentado de rodillas japones

Seladon 青磁

Seladón designa un esmalte translúcido de origen del este asiático, de tono verdoso a verde azulado, así como la cerámica recubierta con él. Su color proviene de una pequeña proporción de hierro en el esmalte, que durante la cocción en reducción —es decir, con una eliminación deliberada de oxígeno en el horno— vira de rojo pardo a verde; incluso pequeñas variaciones en el control del horno modifican el tono. Se desarrolló en China, donde los hornos de Longquan se consideran su punto culminante; en Japón se llama seiji. Con frecuencia el esmalte presenta una fina red de resquebrajaduras, el kannyū. El nombre europeo se remonta al personaje de novela Céladon de «L'Astrée» de Honoré d'Urfé, cuya vestimenta verde pálido se puso de moda a principios del siglo XVII.

También: Celadón, Seiji, esmalte celadón, cerámica celadón

Sen no Rikyū 千利休

Sen no Rikyū (千利休, 1522–1591) fue el maestro de té más influyente de Japón y marcó la estética de la ceremonia del té hasta hoy. Llevó al extremo el ideal del wabi-cha: salas de té diminutas, una entrada tan baja que todo invitado debía agacharse, utensilios sencillos de madera y cerámica simple en lugar de valiosas importaciones chinas. De su colaboración con el alfarero Chōjirō surgió la cerámica Raku, y desde que frecuentaba el Daitoku-ji, los rollos de caligrafía para el tokonoma de la sala de té proceden tradicionalmente de ese monasterio. Rikyū murió en 1591 por suicidio forzado; su discípulo Furuta Oribe fue considerado después el principal maestro de té.

También: Rikyū, Rikyu, Sen no Rikyu, Sen Rikyū, Sen no Rikyū

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Sencha 煎茶

El sencha es el té verde japonés más consumido: hojas al vapor, enrolladas y secadas, que se infusionan con agua caliente y no se baten en polvo como el matcha. Se bebe en el yunomi, el vaso alto sin asa, no en el cuenco de té, más ancho. Junto a la ceremonia del té basada en polvo, en Japón se ha desarrollado con el senchadō una tradición de infusión propia, menos formalizada. Para comprender la vajilla de té japonesa esta distinción es fundamental: infusión y batido requieren recipientes diferentes.

También: té verde japonés, sencha, té sencha, hojas de té verde

Seto-yaki 瀬戸焼

La cerámica de Seto es una tradición cerámica japonesa de Seto y Owariasahi, en la prefectura de Aichi, y la excepción entre los seis hornos antiguos de Japón: mientras que los cinco restantes cocían gres sin esmaltar, Seto fue durante siglos el único centro japonés de cerámica esmaltada. Según la tradición, esta se remonta a Katō Shirozaemon, quien en el siglo XIII aprendió en China; el celadón chino y el tenmoku marcaron la producción temprana. En lugar de un aspecto uniforme, Seto se caracteriza por una gran variedad de esmaltes, así como por el estilo sometsuke, con pintura bajo esmalte en azul cobalto. Los alfareros de Seto que huyeron a Mino fundaron allí más tarde el shino, el oribe y el ki-seto.

También: cerámica de Seto, cerámicas de Seto, Setomono, cerámica Setomono

Setoguro 瀬戸黒

Setoguro, «Seto negro», es uno de los cuatro grandes estilos de cerámica de la región de Mino, en la actual Gifu, y se caracteriza por un negro profundo y aterciopelado. Se obtiene mediante un procedimiento especial: las piezas se extraen del horno aún al rojo vivo y se enfrían bruscamente, lo que hace que el esmalte ferruginoso solidifique en negro; de ahí también el nombre Hikidashi-guro, «negro extraído». Al igual que Shino, Oribe y Ki-Seto, el Setoguro surgió en el periodo Momoyama, aunque el nombre remite a la vecina Seto. La misma técnica de enfriamiento brusco la emplean las variantes de Oribe Kuro-Oribe y Oribe-guro; a diferencia de la cerámica Raku, hecha a mano, aquí se trabaja con torno de alfarero.

También: Seto-guro, Hikidashi-guro, Setoguro negro, Setoguro-chawan

Shakyō 写経

Shakyō (写経, «copia de sutras») es la transcripción manuscrita de sutras budistas con pincel y tinta, practicada en Japón desde hace siglos como ejercicio meditativo. El sutra copiado con más frecuencia es el Sutra del Corazón (Hannya Shingyō), cuyos 262 caracteres lo hacen especialmente apto para este ejercicio. En el zen, el shakyō no se considera solo un acto de veneración, sino sobre todo un ejercicio de concentración: el trazado consciente de cada kanji orienta a quien escribe hacia el momento presente, y ya el frotado de la barra de tinta forma parte de ello. Una copia terminada puede ofrecerse en el templo como ofrenda o conservarse en casa.

También: Shakyō, copia de sutras, transcripción de sutras

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Shasei 写生

Shasei (写生) es la pintura y el dibujo a partir de la observación directa, es decir, el estudio del ave viva y de la planta real en lugar del modelo de taller. En Japón, Maruyama Ōkyo (1733–1795) impuso este método de trabajo en el siglo XVIII frente a la formación predominante basada en el funpon; de su círculo surgió la escuela Maruyama-Shijō, cuya minuciosa observación de la naturaleza siguió teniendo efecto hasta la era Meiji. Que el shasei se considerase entonces una innovación demuestra, a la inversa, cuán habitual era hasta ese momento la copia como norma. El contraste, sin embargo, no es de técnica: también una imagen realizada según la naturaleza sigue sujeta, en el manejo del pincel y en la composición, al lenguaje formal heredado.

También: Sha-sei, shasei, estudio de la naturaleza, dibujo del natural, Shasei-ga, Maruyama-Shijō

Shibui 渋い

Shibui es un juicio estético japonés que designa una belleza reservada y discreta: sencilla a primera vista y reconocible como rica solo tras una contemplación prolongada. La palabra significa originalmente astringente o áspero, como el sabor de un caqui inmaduro, y en la cultura del té pasó a ser un elogio para los objetos que no buscan llamar la atención. Llegó al lenguaje internacional del diseño a través de Yanagi Sōetsu y el movimiento japonés de artesanía popular. A diferencia de wabi-sabi, que subraya las huellas del tiempo y del azar, shibui es ante todo una valoración: una pieza puede ser nueva e impecable y aun así ser shibui, siempre que permanezca discreta.

También: Shibusa, Shibumi, estética shibui

Shichifukujin 七福神

Los Shichifukujin son un grupo de siete deidades de la buena suerte de la religión popular japonesa, que juntas prometen fortuna, prosperidad y una vida plena: Ebisu, Daikokuten, Bishamonten, Benzaiten, Fukurokuju, Jurōjin y Hotei. Es destacable su procedencia de tres tradiciones distintas: solo Ebisu es genuinamente sintoísta-japonés, tres dioses proceden del ámbito indio y tres de China. Según la tradición, no fueron reunidos como grupo hasta finales del periodo Muromachi (1336–1573) en Kioto. Según la leyenda más conocida, viajan en Año Nuevo hasta los hombres a bordo del barco del tesoro Takarabune; en enero está muy extendida la peregrinación Shichifukujin-Meguri.

También: Shichifukujin, Siete Dioses de la Fortuna, Los siete dioses de la fortuna, 7 dioses de la fortuna, dioses de la fortuna, Siete Dioses de la Suerte

Shifuku 仕覆

Un shifuku (仕覆) es una bolsa de tela japonesa cosida con cordón, tradicionalmente de brocado de seda, que protege adicionalmente un objeto de arte dentro de su caja de madera. Se emplea sobre todo en utensilios de té especialmente valiosos, como botes de té, y ocasionalmente protege también cuencos u otras piezas. Su función es formar una capa suave y a la vez transpirable entre la cerámica y la madera; los objetos más sencillos se conforman en cambio con un simple paño de algodón. Un shifuku original pertenece al objeto igual que la caja y se conserva junto con él, porque ambos forman parte del equipamiento y de la historia de una pieza.

También: Shi-fuku, bolsa de brocado, bolsa de tela, bolsa de seda

Shigaraki-yaki 信楽焼

La cerámica Shigaraki-yaki es un gres japonés sin esmaltar procedente de la región de Kōka, en la prefectura de Shiga, y uno de los seis antiguos centros alfareros de Japón. Su arcilla, rica en feldespato, procede de los sedimentos del antiguo lago Biwa y confiere a la superficie una textura granulosa, casi pétrea, con gruesas inclusiones de cuarzo. Al igual que la cerámica Bizen, se cuece sin esmaltar mediante el proceso yakishime a una temperatura de entre 1.250 y 1.300 grados, lo que da lugar a esmalte natural de ceniza, enrojecimiento por el fuego y unos «ojos de cangrejo» de aspecto perlado. Frente a la cerámica Bizen, la Shigaraki se distingue sobre todo por este grano claro y arenoso del cuerpo cerámico. El lugar es además popularmente conocido por sus redondeadas figuras de tanuki, una tradición del siglo XX.

También: Shigaraki-yaki, cerámica de Shigaraki, Shigaraki

Shikishi 色紙

Un shikishi (色紙) es un cartón rígido japonés para pintura, de forma casi cuadrada y de aproximadamente 24 por 27 centímetros, que se emplea tradicionalmente para caligrafía, poemas breves y pintura a tinta. Es característico el borde, a menudo dorado o plateado, que confiere a la obra terminada un marco casi ceremonial. A pesar del significado literal del nombre, «papel de colores», no se trata de papel de manualidades, sino de un soporte pictórico de varias capas y forma estable, listo para presentarse sin necesidad de montaje adicional. Frente al kakemono, que ocupa más espacio, un shikishi resulta claramente más íntimo; y del estrecho tanzaku lo distingue el formato cuadrado y compacto, que admite composiciones cerradas en lugar de un único verso.

También: shikishi, cartón shikishi, cartón para caligrafía, shiki-shi

Shikki 漆器

Shikki es la denominación japonesa de la laca aplicada, es decir, de los objetos acabados cuyo soporte está recubierto con Urushi en muchas capas finas: cuencos, boles, palillos, cajas, cajas de escritorio y muebles. El soporte, en japonés Kiji, suele ser de madera torneada o tallada, con menor frecuencia de bambú, papel, cuero o metal. Shikki se distingue del Urushi como el material del producto: el Urushi es la laca en sí, el Shikki es la pieza elaborada con ella. Las tradiciones regionales como Wajima-nuri o Aizu-nuri tienen nombres propios. En inglés, «japan» designa la laca aplicada, del mismo modo que «china» designa la porcelana.

También: Laca japonesa, Objetos de laca, Lacado japonés, Vajilla de laca, Cerámica Shikki, Shikki

Shin-hanga 新版画

Shin-hanga (新版画, «nuevo grabado en madera») es un movimiento de renovación del grabado en madera policromo japonés en el siglo XX, impulsado de manera decisiva por el editor Watanabe Shōzaburō. El procedimiento siguió siendo el tradicional: dibujante, tallador e impresor trabajaban de forma dividida, y las láminas se publicaban en tirada. Lo nuevo era el lenguaje visual: la luz, el ambiente y la imagen del ser humano propios del siglo XX, a menudo con influencias occidentales. Entre sus representantes más conocidos se cuenta Itō Shinsui (1898–1972), que trabajó al mismo tiempo como pintor de Nihonga. A diferencia del ukiyo-e del periodo Edo, el shin-hanga es un renacimiento consciente de esta tradición de grabado; para la percepción internacional del arte japonés, estas láminas resultaron especialmente eficaces debido a su disponibilidad.

También: Shin Hanga, Shinhanga, Shin-hanga, nuevo grabado japonés, nuevo xilografía japonesa

Shino-yaki 志野焼

La cerámica Shino-yaki es un tipo de cerámica de gres japonesa procedente de la región de Mino, en la actual Gifu, que surgió a finales del siglo XVI y se considera la cerámica esmaltada en blanco más antigua de Japón. Se caracteriza por un esmalte de feldespato blanco lechoso aplicado en gruesa capa, con poros finos y pequeños cráteres, así como manchas rojizas producidas por el fuego; muchas piezas presentan motivos discretos en óxido de hierro bajo el esmalte. Dentro de los cuatro grandes estilos de Mino, Shino es el silencioso polo blanco frente al ruidoso Oribe verde. Tras su decadencia en el periodo Edo, el ceramista Arakawa Toyōzō (1894–1985) reconstruyó la técnica y demostró que no procedía de Seto, sino de Mino.

También: Shino-yaki, cerámica Shino, E-Shino, Shino

Shizen-yū 自然釉

Shizen-yū es la ceniza natural que se deposita sobre la cerámica sin esmaltar: la ceniza volante del fuego de leña se posa durante la cocción sobre los hombros y los bordes de las piezas y allí se funde con el hierro de la arcilla formando una capa vitrificada. Este esmalte, por tanto, no se aplica, sino que surge en el horno; por eso nunca resulta igual dos veces y es más intenso en el lado orientado hacia el fuego. Las zonas especialmente claras y de brillo verdoso se llaman Bidoro, por el portugués vidro, «vidrio». En Bizen, ciertas manifestaciones reciben nombres propios: Goma para las huellas moteadas de ceniza, Hidasuki para las líneas rojas producidas por la paja de arroz.

También: shizen yu, shizen-yu, esmalte de ceniza natural, esmaltado por ceniza natural, ceniza natural

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Shōchikubai 松竹梅

Shōchikubai es la denominación japonesa del grupo de motivos formado por el pino, el bambú y el ciruelo, traducido en alemán generalmente como «los tres amigos del invierno». Cada planta tiene un significado propio: el pino permanece verde incluso en invierno y representa la constancia y la longevidad, el bambú se dobla bajo el peso de la nieve sin quebrarse, y el ciruelo florece el primero en el frío, incluso antes que el cerezo. Juntos, los tres se consideran un motivo de buen augurio para el Año Nuevo y las festividades, y aparecen en kakemono, cerámica y objetos de laca. En Japón, el orden Shō-Chiku-Bai sirve además como una escala de calidad habitual de tres niveles.

También: Sho-Chiku-Bai, Shochikubai, tres amigos del invierno, pino bambú y ciruelo, los tres amigos del invierno

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Shodai-yaki 小代焼

La cerámica Shodai es un gres japonés procedente del norte de la prefectura de Kumamoto, sobre todo de Arao y Nankan, al pie del monte Shōdai. Sus orígenes se sitúan en 1632, cuando Hosokawa Tadatoshi se trasladó de Buzen a la provincia de Higo y llevó consigo a alfareros de las familias Hinkōji y Katsuragi; la técnica se inscribe así en la misma línea de influencia coreana que Agano y Karatsu. Se trabaja con una arcilla ferruginosa con pequeñas piedras, sobre la que se aplica un esmalte de ceniza de paja y, con un cucharón, se vierte por encima un segundo esmalte en anchas franjas, técnica llamada nagashi-gake. Según el resultado de la cocción, las piezas se denominan Shodai blanco, azul o amarillo.

También: Shōdai-yaki, cerámica Shodai, Shodai yaki, Shodai

Shodō 書道

Shodō (書道, «camino de la escritura») es la caligrafía japonesa, un arte de la escritura tomado de China que se ejecuta con pincel y tinta negra y no permite corregir los trazos una vez realizados. El dō, el mismo «camino» que en budō o chadō, remite a una senda de práctica que dura toda la vida: no se trata tanto de una escritura decorativa y bella como de la ejecución concentrada de la secuencia de trazos establecida. Se enseñan cinco estilos clásicos - tensho, reisho, kaisho, gyōsho y sōsho -, realizados con los «cuatro tesoros del estudio del erudito»: fude, sumi, suzuri y washi. El shodō está estrechamente vinculado con el budismo zen, especialmente a través de la copia de sutras, shakyō.

También: Shodo, caligrafía japonesa, arte caligráfico japonés, camino de la escritura

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Shoin 書院

Shoin designaba originalmente el lugar de estudio de un monje zen, un mirador que sobresalía hacia la habitación con un alféizar, y más tarde dio nombre a todo un estilo constructivo: el shoin-zukuri, el estilo residencial de la aristocracia guerrera. A este se le atribuyen habitualmente aquellos elementos decorativos que caracterizan hasta hoy el espacio habitacional japonés: la hornacina tokonoma, las estanterías escalonadas chigaidana y el suelo continuo de tatami. Para el arte, este estilo es importante porque otorgó por primera vez al rollo colgante y al recipiente para flores un lugar fijo, construido expresamente para ellos.

También: shoin-zukuri, estilo shoin, arquitectura shoin

Shōji 障子

Los shōji son los ligeros elementos correderos de la casa japonesa: una fina rejilla de madera revestida por un lado con papel washi translúcido. Separan estancias o las cierran hacia el exterior, y en ese proceso dejan entrar la luz del día atenuada y difusa, en lugar de transmitirla de forma dirigida como el cristal. Precisamente esta luz suave y difusa marca la percepción de la cerámica y la pintura en el interior tradicional. Se distinguen de los fusuma, las puertas correderas opacas, a menudo pintadas, con papel en ambas caras.

También: shoji, puerta corredera japonesa, mampara de papel, pared corredera de papel, shōji

Shōmen 正面

Shōmen (正面, «parte delantera») designa el lado más bello y deliberadamente frontal de un utensilio de té japonés, en particular de un cuenco de té. Dado que un cuenco formado a mano nunca es perfectamente redondo, siempre hay un punto en el que el esmalte fluye de forma más hermosa o donde una arista capta mejor la luz. En la ceremonia del té, el anfitrión coloca el cuenco de manera que el shōmen quede orientado hacia el invitado. Este, antes de beber, lo gira aproximadamente dos pequeños cuartos de vuelta para apartarlo, de modo que su boca no toque la parte delantera, y después lo vuelve a girar a su posición original: una cortesía, no una norma por sí misma.

También: Shomen, cara frontal, cara principal

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Shōwa-Zeit 昭和時代

El periodo Shōwa (1926–1989) es la época más larga de la historia japonesa moderna, denominada así por el nombre de reinado del emperador Hirohito. Se divide en una fase temprana (1926–1945) con militarismo, economía de guerra y una producción artesanal drásticamente restringida, y una fase posterior (1945–1989) con una reordenación democrática y el milagro económico. En la posguerra surgió el movimiento Mingei en torno a Yanagi Sōetsu, y el sistema estatal Ningen Kokuhō de los «Tesoros Nacionales Vivientes» distinguió a maestros destacados; técnicas que se creían perdidas, como el esmalte Shino, fueron reconstruidas. Dado que muchos talleres adoptaron entonces su forma actual, gran parte de la cerámica utilitaria japonesa más antigua lleva la datación Shōwa.

También: período Shōwa, era Shōwa, era Showa, período Showa, Showa

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Shunyata 空

Shunyata es el término budista de la vacuidad: el reconocimiento de que todas las cosas y fenómenos no existen de forma independiente ni por sí mismos, sino que carecen de una naturaleza fija e inherente. La palabra sánscrita se traduce al japonés con el carácter 空 (Kū). Su formulación más conocida se encuentra en el Sutra del Corazón, que resume la enseñanza en 262 caracteres y la condensa en la línea «la forma es vacuidad, la vacuidad es forma». No se trata, por tanto, de la nada, sino de la ausencia de una esencia propia y permanente. En el arte, el concepto está presente sobre todo a través del ensō, cuyo espacio interior vacío se interpreta como una posibilidad abierta.

También: Śūnyatā, Sunyata, Kū, vacuidad, vaciedad

Sometsuke 染付

Sometsuke es la denominación japonesa del azul bajo cubierta: una pintura con gosu, un pigmento a base de cobalto, aplicada sobre el bizcocho blanco previamente cocido, sobre la que después se aplica un vidriado transparente. Durante la cocción del vidriado, a unos 1.300 grados, el azul se hunde en el vidriado y adquiere su característica profundidad; queda bajo la superficie y por ello no puede percibirse al tacto ni se frota. Las piezas pintadas a mano muestran un trazo de pincel irregular, mientras que los decorados impresos revelan bajo la lupa una fina trama de puntos. A diferencia de akae y kinrande, que se aplican como esmaltes de sobrecubierta en una segunda cocción más fría, sometsuke se obtiene en una única cocción a alta temperatura.

También: Some-tsuke, sometsuke, azul bajo cubierta, porcelana azul y blanca, pintura en azul cobalto, pintura Gosu, gosu

Sōsho 草書

Sōsho (草書, «escritura de hierba») es la escritura cursiva fuertemente ligada de la caligrafía japonesa, en la que los trazos se contraen y partes enteras de los caracteres se abrevian en movimientos fluidos. Se escribe especialmente rápido, pero sigue formas de abreviación fijas y a menudo resulta apenas descifrable para quien no está familiarizado con ella; se lee más como huella de movimiento que como texto. Frente al kaisho y al gyōsho, el sōsho es el más libre de los cinco estilos clásicos y por ello se considera especialmente apto para la expresión inmediata; también un ensō se traza habitualmente en esta manera rápida y cursiva. Solo puede aprenderse sobre la base de los estilos más estrictos.

También: Sōsho, Sosho, Sōsho-tai, escritura cursiva japonesa, estilo hierba

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Sueki 須恵器

El sueki es la cerámica gris, cocida a alta temperatura y de gran dureza, de la antigüedad japonesa, cuya técnica llegó a Japón desde la península coreana hacia mediados del siglo V. Se moldea sobre el torno de alfarero girando a gran velocidad y se cuece en un horno túnel excavado en la ladera, a más de 1.100 grados y con escasez de oxígeno; de ahí el cuerpo cerámico azulado-grisáceo y densamente sinterizado, sobre el que en algunas zonas se deposita ceniza volante fundida. Se distingue claramente del hajiki, de color rojizo, cocido de manera simultánea pero en horno abierto y con abundante oxígeno. El sueki se produjo hasta el periodo Heian, con su mayor volumen de producción en la zona de hornos de Suemura, cerca de Ōsaka. Se considera la base técnica de las posteriores tradiciones de gres como Bizen o Shigaraki.

También: cerámica Sue, cerámica Sueki, Sueki

Suiban 水盤

Un suiban (水盤) es un recipiente plano y muy abierto para la colocación de flores: un cuenco bajo de cerámica, metal o vidrio, generalmente redondo, ovalado o rectangular, en el que la superficie del agua queda visible. Es el recipiente del estilo moribana: como las ramas no encuentran sujeción en una pared del recipiente, se fijan sobre un portapúas (kenzan) que se coloca en el agua poco profunda. La misma forma sirve también como base para bonsáis y para paisajes en miniatura. El suiban se distingue fundamentalmente del recipiente alto tipo jarrón del nageire: allí sostiene la pared del recipiente, aquí la placa de púas.

También: Suiban, sui-ban, cuenco plano para ikebana, cuenco de agua, cuenco para flores

Suibokuga 水墨画

El suibokuga es la pintura japonesa a la tinta en la que se trabaja únicamente con tinta negra y agua, de modo que el efecto pictórico surge exclusivamente de las gradaciones entre el negro profundo y el gris claro. La técnica llegó a Japón desde China en relación con el budismo zen y, a partir del siglo XIV, marcó allí la representación de paisajes, bambúes y figuras. El término se emplea a menudo como sinónimo de sumi-e; el suibokuga acentúa más el veladura y el difuminado de la tinta diluida, mientras que el sumi-e se refiere de forma más general a la pintura con tinta.

También: suibokuga, suiboku, pintura a tinta japonesa, pintura con tinta y aguada

Sumi 墨

El sumi (墨) es la tinta japonesa sólida: una barra de hollín fino y cola animal (nikawa) que, antes de escribir o pintar, se frota con agua sobre una piedra de frotar. Se distingue entre el hollín de madera de pino quemada y el hollín de aceite de lámpara; ambos producen tonos de negro ligeramente distintos. Nara se considera desde hace siglos el centro de su fabricación. El tiempo de frotado y la cantidad de agua empleada determinan la densidad de la tinta y, con ello, las gradaciones en la obra; en la práctica zen, el propio acto de frotar ya cuenta como el primer paso meditativo. A diferencia de la tinta líquida ya preparada, el sumi puede ajustarse de nuevo para cada obra.

También: sumi, tinta sumi, barra de tinta sumi, tinta china japonesa, tinta japonesa

Sumi-e 墨絵

Sumi-e (墨絵) es la pintura a tinta japonesa, en la que los motivos se crean únicamente con tinta negra, un pincel y una presión graduada sobre la punta del pincel. También llamada Suibokuga, la técnica llegó a Japón desde China a través de monjes budistas y se refinó en el entorno del budismo zen durante el periodo Muromachi (1333–1573). La forma, el volumen y la profundidad atmosférica surgen por completo sin color, únicamente a partir de las gradaciones de tinta y el fondo sin pintar. Los motivos clásicos son paisajes, los «Cuatro Nobles» —orquídea, bambú, crisantemo y flor de ciruelo— así como patriarcas zen como Bodhidharma. A diferencia de Nihonga, que como término genérico abarca toda la tradición pictórica autóctona, Sumi-e designa una técnica concreta.

También: Sumie, Suibokuga, Sumi-e, pintura a tinta japonesa, pintura de tinta sumi

Suzuri 硯

Un suzuri (硯) es la piedra de frotar de la caligrafía y la pintura a la tinta japonesas, sobre la que se frota la barra de tinta sólida con un poco de agua hasta obtener tinta líquida. Suele estar hecho de pizarra de grano fino o de una piedra de densidad similar, y tiene dos zonas: una superficie de frotado ligeramente inclinada y una cavidad más profunda donde se acumula la tinta ya preparada. El grano de la superficie determina la finura con la que se muele el hollín y la uniformidad con la que fluye la tinta. Junto con el pincel (fude), la tinta (sumi) y el papel (washi), el suzuri se cuenta entre los «cuatro tesoros del estudio del erudito».

También: piedra de tinta, piedra para tinta, suzuri, piedra suzuri

T

Tada-yaki 多田焼

La cerámica Tada-yaki procede del barrio de Tada, en la ciudad de Iwakuni, en la prefectura de Yamaguchi. Se originó en 1700 como horno de la casa Kikkawa, que para ello hizo venir a alfareros de Kioto, y durante alrededor de cien años suministró sobre todo cuencos de té y jarrones para flores como regalos al shogunato. Son características un cuerpo cerámico claro bajo un esmalte celadón verde (seiji-yū) y una red de resquebrajado especialmente fina, llamada en japonés kannyū; con frecuencia se añade decoración incisa. El horno histórico se extinguió hacia finales del siglo XVIII; no fue hasta comienzos de la década de 1970 cuando el alfarero Tamura Unkei revivió la tradición a partir de documentos antiguos. Las piezas históricas son extraordinariamente raras.

También: Tadayaki, Tada, Tada Iwakuni, Unkeizan-gama, cerámica de Tada, cerámica Tadayaki

Taishō-Zeit 大正時代

El período Taishō (1912–1926) es la breve época entre el período Meiji y el período Shōwa, llamado así por el emperador Taishō, gravemente limitado en su salud, bajo el cual el parlamento ganó peso político, la llamada democracia Taishō. En estos catorce años de prosperidad económica y creciente cultura urbana surgió el romanticismo Taishō, una fusión del lenguaje visual tradicional japonés con el modernismo europeo y el art déco. Los talleres tradicionales siguieron trabajando, pero se abrieron con cautela a formas y decoraciones de influencia occidental, mientras una capa más amplia de compradores burgueses adquiría cerámica y pintura de alta calidad. El Gran Terremoto de Kantō de 1923 destruyó numerosas colecciones y talleres.

También: periodo Taishō, era Taishō, Taishō, periodo Taisho, era Taisho

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Takarabune 宝船

El takarabune (宝船, «barco del tesoro») es la pequeña embarcación rechoncha de vela henchida en la que, según la leyenda más conocida, los Siete Dioses de la Fortuna llegan a los hombres por Año Nuevo. Va cargado de fardos de arroz y símbolos de buena fortuna; como motivo pictórico aparece en rollos colgantes, tarjetas de Año Nuevo y grabados. Estaba extendida la costumbre de colocar una de estas láminas bajo la almohada en la noche del 2 de enero para obtener un primer sueño del año (hatsuyume) de buen augurio; a ello pertenece un poema palindrómico que se lee igual hacia adelante que hacia atrás. Como unión fija del barco y los siete dioses, el motivo se popularizó en el periodo Edo.

También: Takarabune, Takara-bune, barco del tesoro, nave del tesoro, barco de los dioses de la fortuna

Takasago 高砂

Takasago designa la leyenda japonesa de una anciana pareja que se revela como los espíritus de dos pinos unidos entre sí: el pino de Takasago y su pino compañero en la lejana Sumiyoshi. La narración se hizo célebre gracias a la obra de nō homónima de Zeami, considerada desde la era Muromachi una de las piezas de buen augurio más importantes. En la pintura, la pareja aparece generalmente con rastrillo y escoba bajo el pino, con frecuencia acompañada de grullas. Como motivo pictórico, Takasago simboliza un matrimonio largo y duradero, y se considera tradicionalmente un regalo de boda, en algunas regiones también un regalo para el 25.º o 50.º aniversario de boda.

También: leyenda de Takasago, Aioi no Matsu, Takasago no Matsu

Takatori-yaki 高取焼

La cerámica Takatori-yaki es una cerámica japonesa para el té de la prefectura de Fukuoka, fundada hacia 1600 por el ceramista coreano Hassan, en japonés Takatori Hachizō, por encargo del señor feudal Kuroda Nagamasa. A principios del periodo Edo, el horno recibió la guía del maestro de té Kobori Enshū y desde entonces se considera uno de los siete hornos a los que se atribuye su gusto. Son característicos una pared muy finamente torneada y esmaltes superpuestos en varias capas, en los que un baño blanco lechoso desciende sobre un fondo de esmalte de hierro marrón. La cerámica Takatori está estilísticamente próxima a la igualmente delgada cerámica Agano; lo que separó a ambas fue sobre todo el señor feudal al que servían.

También: cerámica Takatori, Takatori yaki, Enshū-Takatori, Takatori

Tamba-yaki 丹波焼

El tamba-yaki es una cerámica japonesa de gres procedente de la aldea de Tachikui, en la actual Tamba-Sasayama, prefectura de Hyōgo, cuyos orígenes se remontan a finales del siglo XII. Como uno de los seis hornos antiguos, el lugar coció durante siglos tinajas de almacenaje, morteros de cocina y botellas de sake sin esmaltar; su superficie está marcada únicamente por la ceniza natural depositada (shizen-yū), cuyas zonas de brillo verdoso claro se denominan bidoro. Hacia 1611 se incorporaron el horno de cámara de tipo coreano y una rueda de pie de giro izquierdo, poco habitual en Japón. Técnicamente, el tamba está próximo a la cerámica Shigaraki y a la cerámica Bizen, pero se diferencia claramente de ambas en el color y en el lenguaje formal.

También: Tanba, cerámica Tamba, Tamba-Tachikui-yaki, Tamba-yaki, cerámica de Tamba

Tanuki 狸

Tanuki es el nombre japonés del perro mapache, un cánido de hábitos nocturnos muy extendido en Japón, que no está emparentado ni con el mapache ni con el tejón. En la tradición popular se le considera desde hace siglos un maestro de la metamorfosis: como bake-danuki adopta forma humana o se transforma en objetos. Como figura de cerámica está asociado sobre todo a Shigaraki – figuras erguidas y de vientre redondo, con sombrero de paja y botella de sake, que se colocan ante tiendas y restaurantes como amuletos de la suerte. Los ocho atributos que se les atribuyen hoy en día no se recopilaron como «Hachisō Engi» hasta la década de 1950.

También: mapache japonés, tanuki de Shigaraki, figura de tanuki, bake-danuki

Tanzaku 短冊

Un tanzaku (短冊) es una tira de papel japonesa larga y estrecha, de aproximadamente 7,5 por 36 centímetros, en la que tradicionalmente se escriben versos de poemas sueltos, sobre todo waka y haiku. El formato estrecho y vertical exige una disposición fluida y vertical de los caracteres, siguiendo así el flujo del lenguaje de un poema a menudo de forma más directa que el shikishi cuadrado, que se presta más a composiciones cerradas en sí mismas. Ambos formatos siguen formando parte hoy en día del material clásico de la caligrafía japonesa. Los tanzaku también son conocidos por su uso en el festival de Tanabata, en el que tiras escritas con deseos personales se cuelgan de ramas de bambú.

También: Tanzaku, tan-zaku, tira de poesía, tira de papel para caligrafía, tira de Tanabata

Tatami 畳

Los tatami son las gruesas esteras de suelo de la vivienda japonesa, tradicionalmente con un núcleo de capas de paja de arroz prensada, una capa superior de junco igusa trenzado y un ribete de tela en los lados largos. Son a la vez la medida del espacio: en Japón, el tamaño de las habitaciones se indica según el número de esteras, y una sala de té de cuatro esteras y media se considera el formato clásico. Las dimensiones exactas varían según la región. Para el arte, esto es relevante en la medida en que la altura de observación y la posición al sentarse ante un tokonoma parten del hecho de sentarse sobre la estera.

También: tatami, esterilla de tatami, esterilla japonesa de paja de arroz, tatami mat

Tebineri 手捻り

Tebineri designa el modelado de una vasija únicamente con las manos, sin torno de alfarero: el barro se presiona y se estira a partir de un bloque, o se construye a partir de rollos, y a continuación se trabaja con espátulas de madera y metal, las hera, hasta darle forma. Esto se reconoce por un grosor de pared que cambia claramente de un punto a otro, por superficies de corte planas y por un borde deliberadamente irregular; faltan las estrías de torneado. Así se crean tradicionalmente los cuencos Raku y Ohi. El concepto opuesto es Rokuro, el trabajo en el torno; este produce formas más redondas y uniformes, mientras que Tebineri da a cada cuenco una silueta propia.

También: Te-bineri, tebineri, técnica de modelado a mano, modelado manual, hecho a mano sin torno, técnica de construcción manual

Tenmoku 天目

Tenmoku designa un esmalte oscuro, muy rico en hierro, así como la forma cónica de cuenco de té con la que llegó a Japón; por tanto, no es ni una región ni un horno. Su origen se encuentra en los hornos Jian de la provincia china de Fujian, que durante la época Song del Sur (1127–1279) cocían cuencos de té esmaltados en negro; el nombre remite al monte Tianmu, de donde monjes japoneses trajeron consigo tales cuencos. Al enfriarse, el óxido de hierro disuelto cristaliza en la superficie y genera los efectos visuales Nogime, Yuteki y el infrecuente Yōhen. Dado que un esmalte no está ligado a un lugar, el Tenmoku se encuentra tanto en Seto como en Kyōto o Mino.

También: Temmoku, esmalte tenmoku, tenmoku-yaki, jianzhan, cuenco de té negro

Tensho 篆書

Tensho es la escritura de sello arcaica, el más antiguo de los cinco estilos caligráficos clásicos de la caligrafía de Asia oriental. Sus caracteres tienen una construcción rigurosa, formados por trazos de grosor uniforme, y ocupan un campo casi cuadrado; incluso en Japón rara vez se lee con fluidez. Precisamente por ello se ha conservado allí donde la escritura es al mismo tiempo ornamento: casi todos los sellos de artista llevan su nombre en Tensho. Junto a esta están Reisho, la escritura de cancillería, Kaisho, la escritura de imprenta conforme a las reglas, Gyōsho, la semicursiva, y Sōsho, la cursiva fuertemente ligada. Las inscripciones de las cajas suelen estar escritas en Sōsho, mientras que los sellos, en cambio, casi siempre lo están en Tensho.

También: Tenshō, escritura sello, tensho-tai, Seal Script, escritura de sello

Tobe-yaki 砥部焼

El tobe-yaki es una porcelana japonesa de la ciudad de Tobe, en la prefectura de Ehime, en Shikoku. Se remonta a una orden del feudo de Ōzu de 1775, que pretendía aprovechar los residuos de la producción local de piedras de afilar; en 1777, el ceramista Sugino Jōsuke logró la primera cocción utilizable. Sus rasgos característicos son un cuerpo cerámico notablemente grueso y resistente a los golpes, un blanco de tono ligeramente grisáceo y una sencilla decoración bajo cubierta pintada a mano en azul cobalto (sometsuke). Con ello, el tobe es la antítesis de la porcelana de exportación de paredes finas de Arita: siempre fue vajilla de uso cotidiano. En 1953, Yanagi Sōetsu, Bernard Leach y Hamada Shōji elogiaron el trabajo artesanal que allí se conservaba.

También: Tobe-yaki, porcelana de Tobe, cerámica de Tobe, Tobe

Tōki 陶器

Tōki es la denominación japonesa para el gres común o loza de barro: cerámica hecha con arcilla de alfarero ordinaria, que se cuece a una temperatura de entre 800 y 1.200 grados y conserva un cuerpo cerámico coloreado y poroso. Como este absorbe agua, el tōki suele estar vidriado; al golpearlo suena sordo, se siente más cálido al tacto y no es translúcido. Frente a él se sitúa el jiki, la porcelana blanca y densa. El lenguaje técnico japonés distingue además el doki, la cocción baja y sin vidriar, y el sekki, el gres denso; sin embargo, en el uso cotidiano, tradiciones de alta cocción como Bizen o Shigaraki suelen incluirse dentro del tōki.

También: Toki, gres, loza, cerámica Tōki

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Tokkuri 徳利

Un tokkuri (徳利) es la botella de sake japonesa de forma abombada con el cuello estrechado, de la que se sirve en ochoko o guinomi. Tradicionalmente tiene una capacidad de aproximadamente un gō, la antigua medida de volumen japonesa de unos 180 mililitros. El cuello estrecho no es un mero adorno: dosifica el vertido y ralentiza el enfriamiento cuando el sake se sirve caliente. Para calentarlo, se coloca el tokkuri lleno en un baño de agua, siendo habituales unos 40 a 50 grados; el calentamiento directo sobre el fuego o los cambios bruscos de temperatura dañan la cerámica. Los tokkuri y las copas de sake se ofrecen a menudo como conjunto, pero no tienen por qué pertenecer juntos.

También: tokkuri, botella de sake, jarra de sake, botella de sake japonesa, jarra de sake japonesa

Tokobashira 床柱

La tokobashira es la columna decorativa lateral de un tokonoma: el poste que delimita el nicho ornamental respecto al resto de la estancia. A menudo se trata de un tronco apenas trabajado, que conserva la corteza, nudos o una curvatura natural, constituyendo así el único elemento conscientemente irregular en una construcción por lo demás rigurosamente recta. Debe distinguirse del tokogamachi, el canto delantero visible, a menudo teñido de oscuro o lacado, del suelo elevado. Quien reproduce un tokonoma en una vivienda europea no necesita una tokobashira auténtica: los elementos constructivos japoneses reproducidos allí adquieren fácilmente el aspecto de una escenografía; la reducción es lo que sostiene la idea.

También: Columna decorativa, columna del tokonoma, toko-bashira

Tokoname-yaki 常滑焼

El Tokoname-yaki es una cerámica japonesa de la ciudad de Tokoname, en la península de Chita, en la prefectura de Aichi, y se cuenta entre los seis hornos antiguos de Japón. Sus orígenes se remontan al siglo XII, cuando aquí se elaboraban sobre todo grandes recipientes de almacenamiento sin esmaltar. Hoy en día, Tokoname es conocida sobre todo por los kyūsu, las teteras de agarre lateral hechas de arcilla roja ferruginosa (shudei), que se cuecen sin esmaltar; se dice que el cuerpo cerámico poroso suaviza el amargor del té verde. A diferencia de la vecina Seto, que produjo tempranamente cerámica esmaltada, en Tokoname el énfasis sigue puesto hasta hoy en el cuerpo cerámico sin esmaltar y densamente sinterizado.

También: Tokoname-yaki, cerámica de Tokoname, Tokoname

Tokonoma 床の間

Un tokonoma es el nicho decorativo elevado en la sala de recepción de una casa japonesa tradicional: un nicho plano en la pared con el suelo ligeramente elevado, en cuya pared del fondo cuelga un kakemono y sobre el cual se coloca un jarrón para flores, ocasionalmente también un kōro (recipiente para incienso). Esta forma constructiva se atribuye generalmente al estilo shoin. El tokonoma se considera el lugar de honor de la sala; no se entra en él, no se coloca nada delante y no se guardan allí objetos de uso cotidiano. A diferencia de una estantería, no es un lugar de acumulación, sino una superficie para muy pocos objetos, que cambian según la estación del año; la mayor parte del espacio permanece deliberadamente vacía.

También: toko, nicho tokonoma, nicho para rollo colgante

Tomobako 共箱

Una tomobako (共箱) es la caja de madera correspondiente a una obra de arte japonesa, inscrita por el artista o el taller, literalmente la «caja que acompaña». En la tapa figura, en caligrafía, la denominación de la obra; en el interior o en la parte inferior, el artista la firma de su propia mano, generalmente acompañada de un sello rojo. Se cierra con un cordón trenzado, el sanadahimo. Con ello es más que un embalaje: da fe del origen y la autenticidad, y forma parte inseparable del objeto; si se separa de él, entre los coleccionistas se considera un claro motivo de pérdida de valor. La diferencia con la kiribako (桐箱) reside en la inscripción, no en el material.

También: caja del artista, caja original, tomobako, caja de kiri, caja de madera de kiri firmada

Tsuboya-yaki 壺屋焼

La cerámica de Tsuboya (Tsuboya-yaki) es la cerámica del barrio de Tsuboya en Naha, en Okinawa, y la tradición alfarera más importante de las antiguas islas Ryūkyū. Surgió en 1682, cuando el gobierno real unificó en este lugar tres antiguos distritos de hornos. Se distingue entre Arayachi, gres sin esmaltar y cocido a baja temperatura para tinajas de almacenamiento y recipientes de Awamori, y Jōyachi, vajilla esmaltada con decoración intensa. A diferencia de los hornos del territorio principal, Tsuboya se sitúa en una línea propia con influencias chinas y del sudeste asiático; a ella pertenecen también las figuras guardianas Shīsā. En la zona, la cerámica no se llama Yakimono, sino Yachimun.

También: Tsuboya-yaki, Tsuboya yaki, cerámica de Tsuboya, Yachimun, Tsuboya

Tsuru 鶴

Tsuru es la palabra japonesa para grulla, uno de los símbolos de buena fortuna más frecuentes del arte japonés. El ave se considera tradicionalmente un símbolo de longevidad y fidelidad conyugal; el dicho «Tsuru wa sennen, kame wa mannen» —la grulla vive mil años, la tortuga diez mil— explica por qué la grulla y la tortuga, Tsuru y Kame, aparecen tan a menudo juntas en rollos colgantes, cerámica y objetos de laca. Como motivo en pareja, la grulla es apropiada para bodas y aniversarios; en solitario, para cumpleaños redondos. En la pintura acompaña además a Jurōjin, el dios de la longevidad, y pervive como figura de papiroflexia Orizuru en la artesanía del papel.

También: grulla, grullas, motivo de la grulla, Tsuru y Kame

Tsutsu-jawan 筒茶碗

Un tsutsu-jawan (筒茶碗) es el cuenco de té japonés alto y cilíndrico para los meses fríos. Su boca estrecha desprende poco calor, las manos rodean las paredes, y el matcha permanece perceptiblemente caliente durante más tiempo. El precio de ello es algo más de paciencia al batir, pues el chasen dispone de menos espacio en la forma estrecha que en un cuenco amplio. El tsutsu-jawan es la contrapartida invernal del hira-jawan plano del pleno verano. Quien posea un único cuenco, hará mejor en optar por la forma redonda habitual, que puede utilizarse durante todo el año.

También: Tsutsujawan, Tsutsu-chawan, cuenco cilíndrico, cuenco de té de invierno

U

Ukiyo-e 浮世絵

Ukiyo-e (浮世絵, «imágenes del mundo flotante») es una tradición pictórica japonesa de raigambre popular de la era Edo, que surgió primero como pintura y a partir del siglo XVII se difundió sobre todo como xilografía policroma. Los motivos proceden de la vida urbana del entretenimiento: actores de kabuki, cortesanas de los barrios de placer, paisajes y, más tarde, también escenas históricas y mitológicas. Maestros como Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige alcanzaron reconocimiento internacional e influyeron en el impresionismo europeo. Como obra gráfica impresa, el ukiyo-e se realizaba mediante un proceso dividido en distintos oficios -dibujante, tallador de la plancha de madera e impresor- y estuvo concebido desde su origen para la producción en serie. En esto se diferencia fundamentalmente de las obras únicas pintadas a mano de la tradición nihonga.

También: Ukiyo-e, Ukiyoe, grabado japonés en madera, xilografía japonesa, estampa japonesa, grabado policromo japonés, imágenes del mundo flotante

Urushi 漆

El urushi (漆) es la laca natural japonesa que se obtiene de la resina del árbol de la laca y se aplica en numerosas capas finas sobre un soporte, generalmente de madera. Al endurecerse, polimeriza y se vuelve extraordinariamente resistente al agua, al alcohol y a los ácidos; las piezas bien elaboradas perduran siglos. Son típicos el negro y el rojo intensos, a menudo realzados con oro mediante la técnica maki-e o con nácar en incrustaciones raden. Solo la savia bruta del árbol es tóxica, por su urushiol alergénico; la laca ya endurecida es apta para uso alimentario. Los objetos lacados nunca deben lavarse en el lavavajillas, ni introducirse en el microondas o el horno, sino limpiarse a mano.

También: laca urushi, urushi, laca japonesa, objetos de laca, laca natural

Usucha 薄茶

Usucha (薄茶, té ligero) es la preparación cotidiana del matcha: poco polvo, abundante agua caliente pero no hirviendo, batida con rapidez con el chasen hasta formar una capa de espuma de poro fino. Cada invitado recibe su propio cuenco, y la etiqueta es notablemente más relajada que en el té espeso. Lo ideal es un cuenco con una base amplia, porque ahí el batidor puede trabajar de forma plana y rápida; para guardar el polvo se emplea clásicamente el natsume lacado. La forma opuesta es el koicha, el té espeso de las ocasiones ceremoniales. Quien toma matcha en casa, casi siempre toma usucha.

También: te fino, te ligero, matcha fino, usucha, usu-cha, koicha

Utsushi 写し

Utsushi (写し) designa la reelaboración de una obra anterior como apropiación y reverencia a la vez. Quien copia entra en un diálogo con el maestro del pasado: se apropia de su técnica, material y decisiones estéticas, y une así su propia época con una anterior. En la cultura del té esto es algo natural: los maestros del té posteriores retoman conscientemente utensilios que sus predecesores apreciaban, y los ceramistas elaboran utsushi de cuencos de té célebres. El utsushi se distingue expresamente del mozō (模造), la mera reproducción, y no tiene nada que ver con una falsificación: un utsushi no oculta su modelo, sino que se remite a él, y quien lo ejecuta suele firmar con su propio nombre.

También: Utsushi-mono, obra de reinterpretación, copia homenaje, reinterpretación, Mozō

W

Wabi-Cha 侘茶

El wabi-cha (侘茶) es la corriente deliberadamente austera de la ceremonia del té japonesa, que sustituye la preciada vajilla china de importación por recipientes sencillos, a menudo de origen local, y erige como ideal la sala de té pequeña y despojada. Se considera su fundador a Murata Jukō, quien unió la práctica zen y el té; Takeno Jōō desarrolló esta actitud, y quien la llevó a su plena expresión en el siglo XVI fue Sen no Rikyū, de cuyas exigencias surgió la cerámica Raku. El wabi-sabi, por su parte, designa la actitud estética general que entiende la imperfección y la fugacidad como fuente de belleza; el wabi-cha es su expresión concreta dentro del camino del té.

También: Wabicha, Wabi-cha, Wabi cha, Sōan-cha, Soan-cha

Wabi-Sabi 侘寂

Wabi-sabi es una actitud estética japonesa que entiende la imperfección, la fugacidad y lo inacabado como la auténtica fuente de la belleza. El término une dos palabras originalmente independientes: wabi, la apreciación de la sencillez y la renuncia consciente, y sabi, la belleza que surge con el paso del tiempo y la pátina. Esta actitud fue forjada por la ceremonia del té de Sen no Rikyū en el siglo XVI; se manifiesta en la cerámica de Bizen o de Shigaraki sin esmaltar y en la reparación con oro Kintsugi. A diferencia de mono no aware, que designa la conmoción ante la fugacidad, wabi-sabi describe una actitud de diseño, concretamente una contención consciente, no un descuido.

También: Wabi Sabi, Wabi-Sabi, estética Wabi-Sabi, filosofía Wabi-Sabi, Wabi, Sabi

Washi 和紙

El washi (和紙) es papel japonés hecho a mano, elaborado tradicionalmente con las largas fibras del líber del arbusto kōzo y de otras plantas autóctonas. Las largas fibras lo hacen a la vez absorbente e inusualmente resistente al desgarro, dos propiedades sobre las que se asienta gran parte del arte japonés. En la caligrafía y la pintura a tinta, la absorbencia posibilita el característico difuminado de la tinta, razón por la cual los calígrafos experimentados escogen deliberadamente su papel en función del estilo de escritura y la expresión. En el montaje de un rollo colgante, el washi sirve como material de soporte: el hyōgu-shi adhiere varias capas finísimas detrás del honshi con engrudo de almidón de trigo, de modo que la pieza pueda enrollarse sin romperse.

También: papel japones, washi, wa-shi, papel japones hecho a mano, papel hecho a mano

Y

Yahazu 矢筈

Un yahazu (矢筈) es una vara larga con el extremo bifurcado, con la que se cuelgan y se descuelgan los rollos colgantes japoneses; tradicionalmente está hecha de bambú. El nombre designa en realidad la muesca del extremo de una flecha, la que se apoya en la cuerda del arco; la bifurcación de la herramienta tiene exactamente ese aspecto. Con el yahazu se puede colocar el cordón de suspensión de un kakemono todavía enrollado sobre un gancho situado en alto, con seguridad, sin necesidad de subirse a una escalera y sin soltar el cuadro de la mano. Al descolgarlo, cumple la misma función en orden inverso.

También: Ya-hazu, yahazu, vara de suspensión, vara para kakemono, vara para rollo colgante

Yakimono 焼き物

Yakimono, literalmente «cosa cocida», es el término genérico japonés para la cerámica de todo tipo, desde el gres sin esmaltar hasta la porcelana más fina. Comprende los subgrupos Doki, Tōki, Sekki y Jiki, y no dice nada por sí mismo sobre la materia prima, la temperatura de cocción o el esmalte; quien quiera clasificar una pieza con mayor precisión necesita estos términos más específicos. La palabra Tōjiki se usa con un significado en gran medida equivalente. Cabe señalar que Yakimono designa en japonés, al mismo tiempo, un grupo de platos a la parrilla; qué significado se pretende se deduce únicamente del contexto.

También: Yaki-mono, Tōjiki, Tojiki, cerámica japonesa

Yakishime 焼締

Yakishime designa el gres japonés cocido a alta temperatura sin esmaltar, cuya superficie se forma únicamente en el horno. La arcilla sinteriza de forma compacta a altas temperaturas, de modo que una vasija resulta impermeable incluso sin baño de esmalte; lo que brilla de forma vítrea en estas piezas es ceniza volante que se ha fundido durante la cocción. Esta técnica es característica de Bizen, Shigaraki, Tokoname, Echizen y Tamba, donde las cocciones con leña se prolongan durante varios días. Una pieza auténtica de yakishime tiene siempre una cara de fuego y una cara posterior más discreta: cambia de aspecto al girarla en la mano. Los productos industriales con un esmalte imitación marrón, en cambio, se ven iguales por todos los lados.

También: Yaki-shime, gres sin esmaltar, cerámica yakishime, cocción a alta temperatura, cocción sin esmalte

Yamato-e 大和絵

Yamato-e (大和絵) es la tradición pictórica cortesana, decididamente autóctona, de Japón, que se desarrolló desde el periodo Heian (794–1185) con colores intensos, un uso decorativo del oro y motivos narrativos. Se representan escenas cortesanas, temas literarios y motivos de la naturaleza; el ejemplo más célebre son los emakimono, rollos de imágenes horizontales que ilustran obras como la «Historia del príncipe Genji» en una secuencia de imágenes continua. Desde la Edad Media, esta tradición fue sostenida sobre todo por la escuela Tosa, estrechamente vinculada a la corte imperial en Kioto. El yamato-e se distanció deliberadamente de la pintura de impronta china, situándose así en contraste con la estética reducida y monocroma de la pintura zen a tinta.

También: Yamatoe, pintura Yamato, pintura cortesana japonesa, escuela Tosa

Yōga 洋画

Yōga (洋画, «pintura occidental») designa la pintura japonesa a la manera occidental: pintura al óleo, acuarela y dibujo con perspectiva central, modelado de luces y sombras y soportes pictóricos europeos. El término surgió en la era Meiji como contrapartida de Nihonga, bajo el cual se agrupaba la tradición pictórica autóctona; ambas palabras adquirieron su sentido precisamente por esta oposición. Se considera precursor a Takahashi Yuichi (1828–1894), quien había sido formado inicialmente en la escuela Kanō; más tarde resultó decisivo Kuroda Seiki, que regresó de Francia en 1893. Yōga no es, por tanto, una técnica de origen japonés, sino la apropiación de la pintura europea por parte de artistas japoneses.

También: Yōga, pintura Yōga, pintura occidental en Japón, pintura al óleo japonesa

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Yohaku no bi 余白の美

Yohaku no bi (余白の美, «la belleza del blanco que queda») es el principio compositivo japonés según el cual la superficie sin pintar de una imagen es una parte plena de la composición. No es un resto para el que no alcanzó el tiempo, sino niebla, agua, cielo o distancia: su efecto surge exclusivamente de los bordes de lo pintado. Este concepto se adoptó hacia el siglo XII a partir de la pintura paisajística china; en Japón se unió a los conceptos budistas de kū (空, vacío) y mu (無, inexistencia). Un rollo colgante cuyo papel permanece intacto en dos tercios de su superficie no está, por tanto, a medio terminar, sino concebido de modo que sea el espectador quien aporte el resto.

También: Yohaku, yohaku no bi, belleza del vacío, espacio vacío en la pintura, espacio en blanco

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Yōhen 曜変

Yōhen, la «transformación resplandeciente», es la forma más rara de la glasa Tenmoku: manchas oscuras rodeadas de un halo iridiscente en azul y violeta, de modo que el cuenco, según la incidencia de la luz, evoca un cielo estrellado. Según la tradición japonesa, solo se conservan tres cuencos Yōhen completos; los tres están clasificados como Tesoros Nacionales. Este término debe distinguirse del homófono Yōhen escrito con otros caracteres (窯変, «transformación del horno»), con el que en Bizen y otras tradiciones de cocción a leña se designan los intensos cambios de color producidos por la cocción. Se trata de dos cosas distintas que en alemán se confunden fácilmente.

También: Yohen, Yōhen Tenmoku, transformación iridiscente, yohen tenmoku

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Yūgen 幽玄

Yūgen es un concepto fundamental de la estética japonesa clásica que designa una belleza profunda y misteriosa que solo se insinúa y nunca se muestra por completo. Literalmente, la palabra significa lo oscuro-misterioso; en la poesía cortesana y, más tarde, sobre todo en el teatro Nō, se convirtió en el criterio de calidad central. En la pintura, Yūgen representa aquello que surge de la omisión: un paisaje de niebla, una montaña medio oculta, un motivo en el formato reducido de un shikishi. A diferencia del wabi-sabi, que se refiere a las huellas de la vejez y el uso, Yūgen describe el efecto de lo insinuado: profundidad a través del velado, no del deterioro.

También: Yūgen, Yugen, estética del yūgen, estética yūgen

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Yunomi 湯呑

Un yunomi (湯呑み, literalmente «bebedor de agua caliente») es el cuenco de té japonés alto y sin asa para té de hoja infusionado como el sencha, el bancha o el tostado hōjicha. El té reposa antes en una tetera, el kyūsu, y solo después se sirve; el recipiente únicamente debe mantenerlo caliente y sentarse bien en la mano, por lo que puede ser más alto que ancho. Es típico un diámetro de unos seis a ocho centímetros con una altura de ocho a diez centímetros. A diferencia del chawan, en el yunomi no se prepara el té, sino que solo llega ya hecho. A menudo los yunomi se venden como pareja de tamaños desiguales, el meoto-yunomi.

También: taza de te japonesa, yunomi, taza yunomi, cuenco yunomi

Yuteki 油滴

Yuteki, «gota de aceite», es una manifestación del esmalte Tenmoku: manchas redondas de brillo plateado a azulado sobre un fondo negro intenso. Se forman allí donde, durante la cocción, burbujas de gas han perforado la superficie del esmalte y, al enfriarse, se concentran cristales de óxido de hierro en las oquedades resultantes. El tamaño y la densidad de las gotas dependen sobre todo de la velocidad del enfriamiento; con experiencia se puede orientar el motivo, pero no predeterminarlo con exactitud. Del yuteki hay que distinguir el nogime, el rayado similar al pelaje de liebre de la misma familia de esmaltes, y el yōhen, mucho más raro, con sus halos iridiscentes.

También: Yūteki, esmalte de gotas de aceite, Yuteki Tenmoku, Oil Spot, gotas de aceite, yūteki tenmoku

Z

Zashiki 座敷

Un zashiki es la sala de recepción y de estar con suelo de tatami de una casa japonesa, es decir, la estancia representativa en la que se agasaja a las visitas. En ella se encuentra habitualmente también el tokonoma, la hornacina elevada con rollo colgante y flor; el zashiki es, por tanto, la estancia para la que tradicionalmente se seleccionaba y se cambiaba el arte japonés. El nombre significa literalmente algo así como «asiento dispuesto» y recuerda que aquí se sienta uno en el suelo; de ahí resulta la altura visual con la que se contempla un kakemono.

También: sala de recepción, habitación de invitados, habitación de tatami, zashiki

Zazen 坐禅

El zazen es la meditación sentada del budismo zen y su práctica central; el nombre significa literalmente «sentarse en la contemplación». Se sienta con la espalda erguida en la postura de loto completa o media, de modo que los glúteos y ambas rodillas sostienen el cuerpo, con una respiración tranquila, contada o simplemente observada. Las dos escuelas japonesas principales practican de manera distinta: en la escuela Sōtō predomina el shikantaza, el simple sentarse sin ningún objetivo, tal como lo describe Dōgen en su manual Fukan Zazengi; la escuela Rinzai combina el sentarse con el trabajo sobre un kōan. El zazen se distingue del satori en que es la práctica misma, no su resultado.

También: Zazen, Za-Zen, meditación sentada, meditación zen, zazen budista

Zen 禅

El zen es una corriente japonesa del budismo mahayana que se remonta al chan chino y sitúa en el centro la meditación sedente zazen. El nombre procede, a través del chan, de la palabra sánscrita dhyāna, meditación. Especialmente en el periodo Muromachi (1333–1573), el zen marcó el arte japonés y dio lugar a la pintura a tinta sumi-e, la caligrafía shodō, la ceremonia del té chadō y los jardines secos. Los motivos pictóricos centrales son el ensō, el círculo trazado de un solo trazo, y las representaciones de Bodhidharma. Las dos escuelas principales se diferencian en la práctica: el rinzai trabaja con kōan, el sōtō con la meditación sedente sin objetivo shikantaza.

También: budismo zen, zen, chan, budismo chan