Mashiko-yaki – donde la vajilla japonesa de uso cotidiano se convirtió en arte

Aproximadamente a cien kilómetros al norte de Tokio se encuentra un lugar cuyo nombre tiene un sonido especial entre los amantes de la cerámica en todo el mundo, aunque durante décadas allí no se produjo otra cosa que vajilla de uso cotidiano: jarras de agua, tinajas de almacenamiento, platos, cuencos de rallar. El barro era basto, los esmaltes oscuros y aplicados en capas gruesas, las formas pesadas. Solo en el siglo XX esta producción sin pretensiones se convirtió en otra cosa. Mashiko se transformó en el lugar donde la cerámica utilitaria japonesa se convirtió en un programa estético consciente, y desde donde la convicción de que un cuenco torneado con sencillez puede encerrar más belleza que cualquier pieza suntuosa llegó, pasando por Inglaterra, hasta Europa.

¿Qué es el mashiko-yaki?

El mashiko-yaki (益子焼) es una cerámica de gres japonesa de la pequeña ciudad de Mashiko, en la prefectura de Tochigi, en el norte de Kantō. Su historia comienza en 1853, cuando el ceramista Ōtsuka Keizaburō encontró allí una arcilla que resultaba adecuada para la elaboración de vasijas. Esta arcilla es rica en sílice y hierro, marcadamente arenosa y de grano grueso; apenas se deja estirar en paredes finas, por lo que la cerámica de Mashiko resulta tradicionalmente de paredes gruesas y pesada. Son características las esmaltes intensos obtenidos de materias primas locales, encabezados por el esmalte rojizo-marrón kaki (esmalte de caqui), el nuka blanco lechoso (esmalte de ceniza de cascarilla de arroz) y el ame, de un marrón caramelo brillante (esmalte de caramelo). Desde 1979 el mashiko-yaki está registrado como dentōteki kōgeihin, es decir, como artesanía tradicional reconocida oficialmente por el Estado. Hasta hoy se fabrican sobre todo los objetos de uso cotidiano: cuencos, platos, tazas, jarrones y recipientes para sake.

Un alfarero de Kasama encuentra el barro adecuado

Ōtsuka Keizaburō, considerado el fundador del Mashiko-yaki, había aprendido su oficio en la vecina Kasama, en la entonces provincia de Hitachi, la actual Ibaraki. En 1853 inició la producción en Mashiko. El señor feudal local fomentó el joven oficio: Ōtsuka fue nombrado alfarero oficial, y quien se iniciara en la fabricación de cerámica podía contar con apoyo financiero. Se sumaron más alfareros procedentes de Kasama. Lo que fabricaban no era expresamente artesanía artística, sino bienes de uso corriente: cántaros de agua, recipientes de almacenaje, cuencos de moler, platos y boles, que se enviaban a Edo, la posterior Tokio. Hacia finales de la era Meiji, en Mashiko vivían ya más de cincuenta hogares de la alfarería. El estrecho parentesco con Kasama se percibe hasta hoy; ambos lugares se mencionan a menudo juntos. El registro japonés de las artesanías tradicionales cita expresamente el Kasama-yaki como punto de partida: el Mashiko-yaki habría comenzado a mediados del siglo XIX bajo su influencia, fomentado por el feudo, y su producción se habría usado en las cocinas de Edo.

El barro de Ōtsuzawa y lo que permite

La materia prima marca esta cerámica con más fuerza que en la mayoría de las demás tradiciones japonesas, pues en Mashiko el barro se trabaja habitualmente sin aditivos. Procede sobre todo del barrio de Ōtsuzawa y de las colinas circundantes, es rico en sílice y compuestos de hierro y contiene tanta arena fina que resulta áspero y poco maleable. Para que pueda siquiera tornearse, debe prepararse y trabajarse durante mucho tiempo. No permite formas filigranas y de paredes finas como las de las tradiciones de la porcelana; en cambio, es sumamente refractario y da lugar a piezas de peso apreciable, que se asientan con solidez en la mano y cuyo pie conserva una superficie granulosa, casi arenosa. Precisamente esta serena pesadez y esta piel ligeramente irregular son lo que muchos coleccionistas de habla alemana tienen en mente cuando buscan cerámica wabi sabi.

Kaki, Nuka y Ame – esmaltes del entorno

Tan locales como el barro son también los esmaltes. El más conocido es Kaki, el «esmalte de caqui»: se obtiene de la piedra Ashinuma, una roca toba rica en hierro procedente de la región, y al cocerse adquiere un intenso rojo pardo que recuerda al color de los caquis maduros. Frente a él está Nuka, un esmalte de ceniza de color blanco lechoso, casi opalescente, cuya base la forma la ceniza de las cáscaras de arroz y la paja de arroz de la cosecha. Ame, el «esmalte de caramelo», debe su nombre al marrón tofe transparente y brillante que se genera mediante la adición de manganeso. A esto se suman un celadón verdoso y un tono azul cobalto. En conjunto, en Mashiko se trabaja tradicionalmente con un número reducido de esmaltes básicos, cuya intensidad cromática procede del hierro, el cobre, el manganeso, el cobalto y el cromo; se aplican vertidos, por inmersión o con pinceles anchos, no pocas veces de pelo de perro.

1924 Hamada Shōji se traslada a Mashiko

El cambio llegó con un recién llegado. Hamada Shōji (1894–1978), ceramista formado, originario de la actual Kanagawa, había viajado en 1920 a Inglaterra junto con el alfarero británico Bernard Leach, y había construido en St Ives, en Cornualles, un taller con un horno de cámaras de tipo asiático oriental. En 1923 regresó a Japón, y en 1924 se estableció en Mashiko, no en uno de los famosos centros de cerámica para el té, sino en un lugar que producía loza cotidiana resistente. Precisamente en ello residía la decisión. Hamada trabajó de forma consecuente con la arcilla local, los esmaltes locales y con herramientas de bambú y pelo de perro, en lugar de encargar que le suministraran material. De esta autolimitación surgió una obra de gran serenidad: cuencos anchos, jarrones rechonchos, platos con pocas pinceladas trazadas con rapidez. En 1955, en la primerísima promoción de esta distinción, fue nombrado Ningen Kokuhō, «Tesoro Nacional Viviente». Mashiko siguió siendo su lugar de residencia hasta su muerte. El registro japonés de las artesanías tradicionales sitúa la influencia decisiva de Hamada en el comienzo de su trayectoria artística en 1924, y sigue incluyendo hoy en día el engobe blanco (hakeme y slip) entre las técnicas heredadas del lugar.

Mingei: la belleza del uso

Hamada no estaba solo en esto. Junto con el filósofo Yanagi Sōetsu (1889–1961) y el ceramista Kawai Kanjirō, acuñó en 1925 el término mingei (artesanía popular), una forma abreviada de minshūteki kōgei. Detrás de ello había una tesis provocadora para la época: las cosas más bellas no eran las piezas suntuosas de artistas famosos para clientes adinerados, sino los objetos de uso cotidiano fabricados anónimamente por artesanos sencillos. Yanagi resumió esto en el concepto yō no bi, la «belleza del uso». El movimiento se entendía explícitamente como una respuesta a la rápida industrialización y occidentalización de Japón. En 1936 se inauguró en Tokio el Nihon Mingeikan, el Museo Japonés de Arte Popular, con Yanagi como primer director. Para Mashiko esto supuso una revalorización completa: lo que antes se consideraba mercancía barata pasó de pronto a considerarse un modelo de referencia.

De St Ives a Europa

La segunda mitad de esta historia transcurre en Inglaterra. Bernard Leach (1887–1979), que se había hecho ceramista en Japón, permaneció unido a Hamada por una amistad de toda la vida; ambos murieron en 1978 y 1979, con pocos meses de diferencia. En 1934 Leach viajó de nuevo a Japón durante unos quince meses y conoció de cerca las alfarerías rurales del país. Su libro «A Potter's Book», publicado en 1940, combinaba instrucciones técnicas con toda una visión del mundo y se convirtió en obra de referencia para generaciones de ceramistas europeos. A través de este libro —y del taller de St Ives, por el que pasaron innumerables aprendices— las ideas de Mashiko y del Mingei llegaron a la cerámica de estudio europea. El hecho de que en talleres situados entre Cornualles y Europa central se remuevan esmaltes de ceniza y se aprecien cuencos deliberadamente irregulares tiene mucho que ver con esta conexión.

Después de Hamada: Shimaoka Tatsuzō y el legado

El discípulo más conocido de Hamada fue Shimaoka Tatsuzō (1919–2007). Tras su periodo de aprendizaje, abrió en 1953 su propio taller en las inmediaciones y desarrolló allí la técnica del jōmon-zōgan (incrustación con impresión de cuerdas): enrollaba cuerdas trenzadas sobre la arcilla blanda, rellenaba las improntas con barbotina blanca y creaba así un fino motivo de aspecto textil que recuerda a la cerámica de la prehistórica época Jōmon. En 1996 él también fue nombrado Tesoro Nacional Viviente, como segundo alfarero de Mashiko tras su maestro. La vivienda de Hamada y su colección son accesibles al público desde 1977 como Mashiko Sankokan. En ella había reunido cerámica, laca, madera, metal y textiles de muchos países, que le servían como material de referencia para su propio trabajo.

Qué recipientes se elaboran en Mashiko

El repertorio sigue pensado, hasta hoy, desde el uso. Además de yunomi (tazas de té sin asa), chawan (cuencos de té), platos y cuencos, se elaboran jarrones, recipientes para sake y grandes recipientes de almacenaje. El modelado se realiza sobre todo en el torno, y junto a ello se construyen placas y se emplean moldes. A una primera cocción (bizcocho) a unos 700-800 grados sigue la cocción con esmalte a alrededor de 1.200-1.300 grados. Antes de esmaltar, muchos talleres aplican engobe blanco o rápidas pinceladas, una decoración que se fija en segundos y que precisamente por eso nunca resulta igual dos veces. Con respecto a la ceremonia del té en sentido estricto, el mashiko-yaki mantiene una relación más distendida que, por ejemplo, la cerámica Raku o la cerámica de Hagi; su fuerza reside en el té cotidiano, en el arroz, en el sake. Donde el barro, el esmalte y el fuego se dejan someter tan poco, surge cerámica japonesa hecha a mano como obra única: ninguna cocción repite exactamente la anterior, y ya la posición de una pieza en el horno decide hasta qué punto resulta profundo el rojo pardo del esmalte de hierro.

El 11 de marzo de 2011 y la reconstrucción de los hornos

El terremoto de Tōhoku del 11 de marzo de 2011 golpeó con toda su fuerza también a la prefectura de Tochigi. En Mashiko se derrumbaron casi todos los noborigama, los hornos de cámaras escalonadas construidos en laderas; los estantes volcaron y producciones enteras de un año se hicieron pedazos. Los daños para el gremio alfarero del lugar se estimaron en unos 770 millones de yenes, aproximadamente una quinta parte de la facturación anual, de los cuales unos 550 millones de yenes correspondían solo a la reparación de las instalaciones. Lo que ocurrió después forma parte hoy de la historia de este lugar tanto como sus esmaltes: ceramistas de Japón y del extranjero acudieron para ayudar en la reconstrucción de los hornos. Algunos noborigama se reconstruyeron desde los cimientos.

Hoy en día, el número de talleres activos en Mashiko suele situarse en torno a 250. Dos veces al año, durante la Golden Week de finales de abril y principios de mayo, así como en torno al 3 de noviembre, el mercado alfarero Mashiko Tōki Ichi convierte el lugar en una única superficie de venta: a los cerca de cincuenta comercios permanentes se suman varios cientos de puestos, y el número de visitantes se cifra en torno a medio millón. El origen del mercado se remonta al año 1966.

Una actitud que se puede tomar en la mano

Quien toma en la mano un cuenco de torneado sencillo y esmaltado con intensidad entiende más rápido que a través de cualquier texto de qué trataba el movimiento Mingei: de objetos que quieren ser usados y que con ello se vuelven más bellos. Esta actitud nunca se ha perdido en los talleres de Japón, tanto en los paisajes de hornos más antiguos del país como en Mashiko. En densho.art encontrará obras únicas de cerámica japonesa hechas a mano, en las que se manifiesta precisamente esta unión entre aptitud para el uso cotidiano y forma silenciosa: cuencos de té, recipientes para sake y jarrones, cada pieza adquirida individualmente en Japón y formada por una mano alfarera. Quien desee comprar cerámica japonesa que no parezca de serie, sino de taller, encontrará en nuestra selección piezas en las que aún pueden leerse el barro, el esmalte y el fuego.

Fuentes y bibliografía

Traditional Crafts Aoyama Square (registro japonés de las artesanías tradicionales): MASHIKO Yaki (Pottery), kougeihin.jp.

Traditional Crafts Aoyama Square (registro japonés de las artesanías tradicionales): KASAMA Yaki (Pottery), kougeihin.jp.

Victoria and Albert Museum, Londres: Pair of spouted bowls, Tao Akiko, N.º de inv. FE.17 & 18-2009, collections.vam.ac.uk.

Richard L. Wilson: Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, Nueva York 1995.