Oribe-yaki – la rebelión verde de la cerámica de té japonesa

A finales del siglo XVI surgió en la cerámica del té japonesa algo que hasta entonces apenas se conocía allí: color estridente, formas torcidas, un ingenio casi desenfadado. Donde los cuencos de la generación anterior eran marrones, grises y de una sobriedad severa, aparecieron de pronto vasijas cubiertas por un verde cobre intenso y vidriado que caía en regueros. Sus bordes parecían presionados fuera de la forma circular, sus paredes llevaban motivos geométricos que encajarían más con una estampación textil que con un cuenco de té. Esta cerámica lleva hasta hoy el nombre de un hombre que sirvió como guerrero y se hizo célebre como maestro del té: Oribe-yaki.

¿Qué es el oribe-yaki?

El oribe-yaki (織部焼) es una cerámica de gres japonesa de la región de Mino, en la actual prefectura de Gifu, producida sobre todo entre aproximadamente 1600 y la década de 1630. Su rasgo distintivo es un esmalte de un verde intenso con contenido de cobre, que no se aplica de forma uniforme, sino que se vierte por zonas sobre la pieza, dejando regueros y goteos al escurrirse. Junto a estas zonas aparecen otras claras, cubiertas con engobe blanco (barbotina de arcilla fluida) o dejadas sin cubrir, sobre las que se pintan con óxido de hierro motivos geométricos y motivos vegetales muy estilizados. Son también características las formas deliberadamente irregulares y asimétricas. El oribe-yaki figura, junto con el shino, el ki-seto y el setoguro, entre las cuatro grandes variantes de la cerámica de Mino; su nombre proviene del maestro de té Furuta Oribe (1544–1615). El Metropolitan Museum of Art clasifica sus piezas de este grupo como Mino ware del tipo Oribe y describe el material como gres con hierro pardo bajo esmalte transparente y esmalte verde cobre.

Furuta Oribe: guerrero, maestro del té, epónimo

Furuta Oribe nació en 1544 como Furuta Shigenari en Motosu, en la provincia de Mino, precisamente en la región donde más tarde se coció la cerámica que lleva su nombre. Sirvió primero como vasallo de Oda Nobunaga, después de Toyotomi Hideyoshi, y fue al mismo tiempo discípulo del maestro del té Sen no Rikyū. Tras la muerte forzada de este en 1591, Oribe fue considerado el principal maestro del té de Japón. Instruyó al shōgun Tokugawa Hidetada, fundó con el Oribe-ryū una escuela de té propia, y entre sus discípulos se contaban figuras tan influyentes como Kobori Enshū y Hon'ami Kōetsu. También una forma de linterna de piedra de jardín todavía hoy usual, la Oribe-dōrō, se remonta a él. Sin embargo, hasta qué punto dirigió él mismo a los alfareros de Mino es un asunto disputado en la investigación; lo que está comprobado es sobre todo que su gusto marcó el estilo. Para qué estaba pensada esta cerámica lo muestran fondos de colecciones como el juego de seis piezas mukōzuke del Metropolitan Museum of Art: cuencos de acompañamiento para la comida kaiseki de la reunión de té.

La ruptura con la estética de Sen no Rikyū

El ideal del té de Rikyū era la reducción: cuencos sencillos y oscuros, colores apagados, una belleza que se nutre de la renuncia. Oribe siguió el camino contrario. No buscaba la quietud, sino el movimiento, y lo lograba rompiendo deliberadamente la regularidad. Los bordes se hundían, las paredes se torcían, los campos de esmalte se interrumpían en medio del motivo. En el diario de té del comerciante Kamiya Sōtan se encuentra, en el año 1599, la mención escrita más antigua conocida de un cuenco de este tipo; lo describe con la palabra hyōge (retorcido, deformado, gracioso). Lo que hoy suena a censura designaba entonces una moda que arrasó en el mundo del té. Por eso la actitud de Oribe se describe a menudo como una ruptura calculada de la forma: aquí lo imperfecto no surge por azar en el fuego, sino que es provocado deliberadamente por la mano del ceramista.

De donde procede el verde cobre

El esmalte verde del Oribe-yaki debe su color al cobre, que se incorpora casi siempre en forma de óxido de cobre o carbonato de cobre a un esmalte de ceniza y feldespato. Lo decisivo no es solo la receta, sino la atmósfera del horno: solo con una cocción oxidante, es decir, con abundante aporte de oxígeno, el cobre permanece en la forma que produce ese verde intenso. Si la misma mezcla se cuece en atmósfera reductora, el color vira al rojo. La temperatura de cocción se sitúa en torno a los 1.220 grados centígrados, y el margen entre la fusión del esmalte y la evaporación del cobre es estrecho. El esmalte no se aplica con pincel, sino que se vierte o se recoge con cuchara, por lo que escurre, se acumula en las aristas y forma esos bordes oscuros, casi negros, por los que se reconoce el estilo de inmediato. Quien desee comprar cerámica Oribe encontrará precisamente en estas franjas de esmalte irregularmente escurrido el rasgo más fiable.

Los hornos de Motoyashiki

Esta cerámica fue posible gracias a una innovación técnica. Hacia 1605, desde la región de Karatsu, en Kyūshū, llegó a Mino un nuevo tipo de horno: el renbōshiki noborigama, un horno de cámaras construido en la ladera, cuyas cámaras de cocción están dispuestas en serie una tras otra. Permitía temperaturas más altas y, sobre todo, más uniformes que los antiguos hornos de gran volumen, lo que hizo posible un desarrollo cromático fiable de la delicada cubierta de cobre. El horno de Motoyashiki, en el barrio de Kujiri, en Toki, se considera el primero de este tipo en Mino y el lugar de nacimiento del oribe-yaki. La instalación comprendía catorce cámaras y medía más de veinticuatro metros; sus restos están protegidos desde 1967 como sitio histórico nacional. Además del torno de alfarero, aquí se empleó de forma más intensiva el moldeado sobre molde, lo que hizo viables las formas angulosas y de múltiples pliegues de las vasijas.

Geometría bajo el vidriado

Casi tan característica como el verde es la pintura que se asienta sobre las superficies dejadas libres. Se aplica antes del vidriado con pigmento ferruginoso directamente sobre el bizcocho o sobre un engobe blanco, y con la cocción adquiere un cálido negro pardusco. Los motivos resultan sorprendentemente modernos: rejillas, rombos, bandas en zigzag, segmentos circulares y campos de tablero de ajedrez, entremezclados con hierbas radicalmente simplificadas, hojas de bambú o redes. Buena parte de ello procede del mundo de los estampados textiles y los emblemas heráldicos, no de la pintura pictórica - una razón por la que las piezas Oribe resultan a menudo sorprendentemente contemporáneas para el observador europeo. El atractivo reside en el choque: por un lado, la geometría trazada con exactitud; por otro, el vidriado que discurre sin control, sin atender a ningún patrón.

Ao, Sō, Narumi: las variantes del Oribe

Dentro del estilo se ha ido formando toda una familia de subtipos, cuyos nombres siguen siendo habituales hoy en día en el comercio. Ao-Oribe, «Oribe verde», es la variante más conocida: una parte de la pieza lleva el esmalte verde, mientras que el resto permanece claro y se decora con pintura. Sō-Oribe cubre toda la pieza de verde, salvo el pie. En el Narumi-Oribe se unen en una misma pieza una arcilla clara y otra rojiza, de modo que el efecto cromático surge ya del cuerpo cerámico antes de que se añadan el esmalte y la pintura; el Metropolitan Museum of Art incluye este subtipo bajo la denominación propia de «Narumi Oribe type», por ejemplo en una jarra con flores de cerezo de comienzos del siglo XVII. El Aka-Oribe trabaja con arcilla rojiza y prescinde casi por completo del verde, mientras que el E-Oribe pone en primer plano el dibujo de color pardo ferruginoso. El Kuro-Oribe y el Oribe-guro, por último, apuestan por el negro intenso: las piezas se retiran del horno aún al rojo vivo y se enfrían rápidamente, de modo que el esmalte ferruginoso se solidifica en negro. El Oribe-guro es completamente negro, mientras que el Kuro-Oribe reserva una superficie clara y pintada.

Cuencos moldeados a presión

La forma Oribe más famosa es el kutsu-gata-chawan, el cuenco de té «con forma de zapato»: una vasija cuyo borde redondo se presionó deliberadamente tras el torneado hasta darle forma oval o triangular, de modo que al beber presenta un anverso y un reverso. Junto a ella surgió un repertorio inusualmente amplio de vajilla para la comida del té: mukōzuke (pequeños cuencos auxiliares), platos con asa de estribo, quemadores de incienso, recipientes para agua, botes de té y jarrones. Muchas de estas piezas son angulosas, lobuladas o en forma de abanico y apenas pueden apilarse; la comodidad no era, evidentemente, el objetivo. Lo que vale para las piezas grandes vale igualmente para sus parientes pequeños: quien quiera comprar una copa de sake japonesa que en la mano no resulte redonda, sino angulosa y algo indócil, encuentra en esta tradición lo que busca.

El fin de una moda breve

El apogeo de la cerámica Oribe duró solo unas pocas décadas. En el verano de 1615, inmediatamente después de la caída del castillo de Osaka, Furuta Oribe fue acusado de haber conspirado con el bando derrotado de los Toyotomi; él y su hijo recibieron la orden de cometer seppuku, el suicidio ritual. Hasta hoy sigue siendo objeto de debate si alguna vez hubo pruebas concluyentes de traición. Con la muerte de quien le dio nombre, la moda perdió a su valedor más importante. Los hornos de Mino siguieron encendidos, pero la demanda disminuyó: el gusto de los primeros años del periodo Edo se volcó hacia formas más sosegadas y comedidas, y después de la década de 1630 la cerámica Oribe apenas desempeñó ya papel alguno en la vida del té. A lo largo de los siglos siguientes, la técnica cayó en gran medida en el olvido.

Redescubrimiento en el siglo XX

El retorno del Oribe se debe a la misma búsqueda de indicios que también sacó a la luz de nuevo el Shino-yaki. En 1930, el ceramista Arakawa Toyozō encontró en las montañas de Ōgaya, en la zona de Kukuri, en la ciudad de Kani, fragmentos de cerámica del período Momoyama, demostrando así que las famosas cerámicas de té antiguas no se habían cocido en Seto, sino en Mino. Su hallazgo dirigió la atención del mundo especializado hacia todo el paisaje de hornos sepultado de la región, tanto el Shino como el Setoguro, el Ki-Seto y el Oribe. Arakawa fue distinguido en 1955 como Ningen Kokuhō, «Tesoro Nacional Viviente». También Kitaōji Rosanjin, en cuyo taller Arakawa había trabajado en ocasiones, retomó el lenguaje formal del Oribe. Hoy en día, en las ciudades alfareras de Toki, Tajimi, Mizunami y Kani se vuelve a trabajar en todas las tradiciones de Mino; desde 1978 la cerámica de Mino está reconocida oficialmente como artesanía tradicional japonesa.

Un cuenco que se contradice

Sostener una pieza Oribe en la mano es una experiencia peculiar: el barro cocido del pie tiene un color cálido y una textura ligeramente áspera, el esmalte verde se siente vítreo y frío, y entre ambos hay un borde que no debería estar ahí. Uno percibe enseguida en qué punto la pieza quiere ser sostenida, no porque una regla lo dicte, sino porque la forma lo sugiere. En densho.art encontrará obras únicas de cerámica japonesa hechas a mano que perpetúan este gusto por lo peculiar, cada pieza adquirida individualmente en Japón. Quien desee comprar un cuenco de té japonés que no sea complaciente, sino singular, encontrará en nuestra selección piezas en las que la mirada se detiene, del mismo modo en que el verde cobre se acumula desde hace cuatrocientos años en los bordes de los cuencos.

Fuentes y bibliografía

The Metropolitan Museum of Art: Covered Vessel (Futamono) with Plum Tree, n.º de inv. 2023.731a, b, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Ewer (Suichū) with Cherry Blossoms and Picnic Curtain, n.º de inv. 2015.300.270a–c, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Set of Six Side Dishes (Mukōzuke) for Tea Gathering Meal (Cha-kaiseki), n.º de inv. 1975.268.437, metmuseum.org.

Richard L. Wilson: Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, Nueva York 1995.