Karatsu-yaki: el tercer cuenco de té de Japón y su barro terroso

Quien en el oeste de Japón hablaba antiguamente de «karatsumono» no se refería necesariamente a la cerámica de Karatsu, sino a la cerámica en general. El nombre de la pequeña ciudad portuaria en la costa norte de Kyūshū se convirtió en término genérico para la vajilla, porque durante décadas gran parte de la alfarería del oeste de Japón se embarcaba a través de su puerto. Lo que allí se cocía no era en un principio nada precioso: cuencos, jarras y recipientes de almacenaje para el uso diario, hechos de arcilla basta y ferruginosa, esmaltados con parquedad, torneados con rapidez. Precisamente esta sobriedad hizo que el karatsu-yaki resultara interesante para los maestros del té de la época Momoyama, y le ha asegurado hasta hoy un lugar fijo entre las tradiciones cerámicas más apreciadas de Japón.

¿Qué es el karatsu-yaki?

El karatsu-yaki (唐津焼) es una cerámica de gres japonesa procedente de la ciudad de Karatsu y sus alrededores, en la actual prefectura de Saga, al norte de la isla de Kyūshū. Surgió a finales del siglo XVI bajo la fuerte influencia de la técnica alfarera coreana, se forma con arcilla basta y ferruginosa y se cuece en un noborigama (horno de cámaras construido en la ladera de una colina) a una temperatura de entre 1.250 y 1.300 grados centígrados. Son característicos sus tonos terrosos de marrón, gris y blanco, las huellas visibles del torno y una aplicación de esmalte deliberadamente comedida, que nunca hace desaparecer del todo la arcilla. Junto con la cerámica Raku y la cerámica de Hagi, la cerámica de Karatsu se cuenta entre las tres tradiciones cerámicas más apreciadas en la ceremonia del té en Japón. En 1988 esta cerámica fue inscrita como dentōteki kōgeihin, es decir, como artesanía tradicional reconocida oficialmente por el Estado. Hace tiempo que ya no se produce únicamente en la propia Karatsu: también en la vecina Imari y en los alrededores de Takeo surgieron tempranamente hornos que se atribuyen a la misma tradición.

Los hornos del Kishidake y la cuestión de los orígenes

Aún hoy no se ha aclarado de forma definitiva cuándo se cocieron por primera vez piezas en Karatsu. Durante mucho tiempo prevaleció la tradición según la cual la cerámica habría surgido solo a raíz de las campañas de Corea de Toyotomi Hideyoshi (1592–1598), cuando alfareros coreanos llegaron a Kyūshū. La investigación japonesa más reciente sitúa los inicios generalmente algo antes, en la década de 1580, y los ubica en el territorio del clan Hata, en torno a la fortaleza montañosa de Kishidake, al norte de la actual ciudad. Como argumento a favor de ello se cita, entre otros elementos, un cuenco de té del tipo Okugōrai atribuido al maestro de té Sen no Rikyū, fallecido en 1591, que por tanto habría tenido que producirse antes de las campañas. Los emplazamientos de los hornos del Kishidake han sido objeto de estudio arqueológico y hoy están protegidos como patrimonio histórico; se consideran el punto de partida de toda la tradición Karatsu. Lo que sí es seguro es que, cuando el clan Hata perdió el poder hacia finales del siglo XVI, sus alfareros se dispersaron por la región, y la producción, lejos de extinguirse, creció a raíz de ello. Las piezas Karatsu más tempranas conservadas en el Metropolitan Museum of Art están fechadas, en consecuencia, entre finales del siglo XVI y principios del XVII, y catalogadas como gres con esmalte de ceniza y hierro.

Técnica coreana: horno de cámaras, torno de pie, técnica del batido

Lo que distinguía técnicamente al Karatsu-yaki de la cerámica japonesa más antigua procedía de la península coreana. La aportación más importante fue el Noborigama, el horno de cámaras construido en la ladera de una colina, en el que el calor va pasando de una cámara a otra y permite llevar muchísimas piezas a la vez a alta temperatura. Las instalaciones más tempranas en Kishidake son del tipo Waridake-shiki, una forma constructiva con un conducto partido, similar al bambú; se cuentan entre los hornos de este tipo más antiguos conservados en Japón. A esto se sumaron el Kerokuro, un torno de alfarero accionado con el pie, y el Tataki, una técnica de batido en la que los rollos de arcilla superpuestos se compactan y se moldean golpeándolos con una tabla de madera. Con ello, la arcilla se vuelve más compacta, las vasijas se deforman menos durante la cocción, y las paredes conservan una superficie ligeramente irregular, de aspecto hecho a mano.

El barro que hay que ver y sentir

El Karatsu-yaki pertenece a los tsuchimono, las «cosas de la tierra» – cerámica en la que el material mismo se convierte en motivo. La arcilla local es basta, arenosa y rica en hierro; al cocerse adquiere tonos grises, rojizo-marrones y un profundo marrón negruzco, y allí donde el esmalte se aplica fino, resplandece cálidamente a través de él. En el kōdai, el pie sin esmaltar, esto se aprecia mejor: allí se muestra el cuerpo cerámico desnudo con sus inclusiones de cuarzo, a menudo con huellas de cocción del lugar que ocupaba en el horno. Por ello, una pieza de Karatsu se siente distinta a la vajilla lisa – granulosa, algo áspera, con un peso perceptible. Quien desee comprar cerámica de Karatsu debería, por tanto, tomar primero una pieza en la mano: la impresión surge a través del tacto al menos con la misma fuerza que a través de la vista.

E-Garatsu: el dibujo bajo el vidriado de ceniza

La variante más conocida de esta cerámica es el E-Garatsu, «Karatsu pintado». Sobre el bizcocho en estado de cuero o cocido en crudo se traza un motivo con oniita, un líquido de pintar ferruginoso: hierbas, cañas, flores, ocasionalmente aves o trazos totalmente abstractos. Encima se aplica un vidriado de ceniza semitransparente y de tono grisáceo, bajo el cual el dibujo trasluce en tonos pardos a negros tras la cocción. El trazo del pincel resulta casi siempre llamativamente escueto: pocos golpes, a menudo ligeramente corridos, nunca del todo centrados. Esta economía no es casual: los motivos surgieron originalmente en serie, para vajilla de uso cotidiano que debía decorarse con rapidez. Lo que comenzó como una necesidad económica, los maestros del té lo interpretaron como una espontaneidad caligráfica, y precisamente en ello reside hasta hoy el atractivo del E-Garatsu. Como el barro participa bajo el fino vidriado, el mismo dibujo resulta completamente distinto sobre un bizcocho claro y sobre uno oscuro. Cómo luce una pieza así lo muestra el plato ōzara con motivo de pino del Metropolitan Museum of Art, catalogado allí como cerámica de Hizen de tipo Karatsu con pintura bajo vidriado a base de óxido de hierro.

Chōsen-Garatsu: dos esmaltes que se funden entre sí

Chōsen-Garatsu, «Karatsu coreano», es la variante más dramática de la tradición. Aquí se combinan dos esmaltes muy diferentes: un esmalte oscuro, con alto contenido de hierro, y un esmalte blanco lechoso de ceniza de paja, obtenido de la ceniza de paja de arroz quemada. Por lo general, el ceramista aplica el esmalte blanco en la parte inferior y el oscuro en la parte superior, de modo que en el horno se encuentran, se funden entre sí y en algunos puntos se mezclan formando vetas azuladas y ocres. Donde el esmalte pesado desciende por las paredes, se forman gotas que se solidifican justo antes de desprenderse. Como este proceso ocurre dentro del horno cerrado y depende de la temperatura, la ubicación y el grosor del esmalte, el resultado solo puede controlarse de manera aproximada. Por eso, dos piezas de la misma cochura nunca tienen el mismo aspecto, una razón por la que el Chōsen-Garatsu se emplea con especial frecuencia para tokkuri (frascos de sake) y recipientes de té.

Madara-Garatsu, Kuro-Garatsu y sus parientes más discretos

El Madara-Garatsu, «Karatsu moteado», se obtiene a partir de una mezcla de feldespato y ceniza de paja. La superficie de un blanco lechoso no queda por ello uniforme: el hierro presente en la arcilla y la ceniza volante de la madera de pino dan lugar a motas azules, grises y negruzcas que dan nombre a esta variante. Se produce ininterrumpidamente desde finales del siglo XVI. El Kuro-Garatsu, «Karatsu negro», trabaja en cambio con un esmalte muy rico en hierro que, según la conducción de la cocción, va de un cálido marrón ámbar a un negro mate y profundo. Junto a ellos se encuentran sus parientes más serenos: el Mishima-Garatsu, con motivos estampados e incrustados en blanco siguiendo modelos coreanos; el Kohiki-Garatsu, con una capa de engobe blanco sobre un cuerpo oscuro, y el Okugōrai, sencillos cuencos de té con el lenguaje formal de los recipientes cotidianos coreanos. Juntos conforman un espectro que va de un rigor casi monocromo a un movimiento intenso.

Ichi Raku, ni Hagi, san Karatsu

Entre los aficionados al té circula desde hace mucho tiempo una jerarquía que se ha arraigado en Japón como una máxima: «Ichi Raku, ni Hagi, san Karatsu» – primero Raku, luego Hagi, luego Karatsu. Se refiere a las tres tradiciones cuyos chawan (cuencos de té) son los más apreciados en la ceremonia del té. Que un producto de uso originalmente campesino llegara siquiera a formar parte de esta lista dice mucho sobre el gusto de la época Momoyama: no se buscaba una simetría impecable, sino un recipiente que no ocultara su origen de tierra y fuego. En Karatsu existe además un dicho propio: el fabricante aporta ocho décimas partes, el usuario dos. Solo el uso completa una pieza. El té y el sake se van impregnando con los años en el bizcocho poroso y cambian gradualmente su tono; un cuenco de uso diario tiene, tras años de uso, un aspecto notablemente distinto al del primer día.

Del declive al resurgimiento en el siglo XX

El auge de la porcelana se convirtió en un problema para la cerámica Karatsu. A partir de 1616 se empezó a producir porcelana en la vecina Arita, y muchos alfareros emigraron a los nuevos talleres, más lucrativos. En 1637 el feudo de Saga ordenó una depuración del panorama de hornos, en la que numerosos talleres de cocción fueron cerrados y alfareros expulsados; solo unos pocos hornos sobrevivieron, porque se siguieron utilizando para la fabricación de utensilios de té. Tras el fin del sistema feudal en la era Meiji, la producción siguió disminuyendo. El giro decisivo lo trajo Nakazato Muan (1895–1985), quien, como duodécimo portador del nombre Nakazato Tarōemon, investigó los antiguos emplazamientos de hornos, analizó los scherben y volvió a poner a disposición las técnicas perdidas, entre ellas el procedimiento de golpeado Tataki, así como los estilos Madara, Chōsen y E-Garatsu. En 1976 fue reconocido por ello como Ningen Kokuhō, «tesoro nacional viviente». Quien hoy desee comprar cerámica Karatsu recurre, por tanto, a un panorama de talleres vivo: solo en el término municipal de Karatsu trabajan cerca de setenta talleres.

Una vasija que solo se completa con el uso

Una copa de sake Karatsu no es una pieza de exposición. Pesa y se siente granulosa en la mano, el pie araña ligeramente la mesa, y el borde nunca es del todo redondo. Al llenarla, los colores se transforman: lo que en seco parece gris se convierte, húmedo, en un cálido marrón, y las motas del esmalte resaltan con más claridad. Precisamente para eso está pensada esta cerámica: para el uso, para la repetición, para el lento cambio a lo largo de los años. En densho.art encontrará obras únicas de cerámica japonesa hechas a mano que perpetúan esta actitud, cada pieza adquirida individualmente en Japón. Quien desee comprar una copa de sake japonesa que no pretenda parecer perfecta, sino que con cada noche se acerque un poco más a sí misma, encontrará justo lo que busca en estas vasijas terrosas de Kyūshū y sus parientes de Bizen, Shigaraki y Tamba.

Fuentes y bibliografía

The Metropolitan Museum of Art: Sake Cup (Guinomi), n.º de inv. 1975.268.447, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Small Jar (Kotsubo), n.º de inv. 29.100.632, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Platter (Ōzara) with Pine Tree, n.º de inv. 2015.300.266, metmuseum.org.

Richard L. Wilson: Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, Nueva York 1995.