Mino-yaki – Cuatro estilos, una región, una diversidad infinita

Si se entra en una tienda japonesa de cerámica y se pregunta por el origen de una estantería de aspecto especialmente heterogéneo -aquí un verde intenso, allá un blanco nuboso, junto a un amarillo sobrio y un negro impecable-, la respuesta es, sorprendentemente a menudo: todo es cerámica Mino-yaki. Apenas existe otra región cerámica japonesa que reúna una gama estilística tan amplia bajo un mismo nombre. Esto se debe a la particular historia de la región de Mino, en la actual Gifu, que a lo largo de los siglos se convirtió en un campo de experimentación para nuevos esmaltes y formas, y que hoy en día es, en términos de volumen, la región cerámica más importante de Japón.

¿Qué es el mino-yaki?

El mino-yaki (美濃焼) es el término genérico para la cerámica de la antigua provincia de Mino, que hoy se encuentra en la parte meridional de la prefectura de Gifu, especialmente en las ciudades de Toki, Tajimi, Mizunami y Kani. A diferencia de muchas otras tradiciones japonesas, el mino-yaki no sigue un estilo único y uniforme, sino que engloba más de quince subtipos reconocidos como artesanía tradicional. Los cuatro más conocidos e históricamente más importantes son Shino, Oribe, Ki-Seto y Setoguro, cuatro tradiciones de esmaltado completamente distintas entre sí, que surgieron o alcanzaron su apogeo durante el periodo Momoyama (1573–1603) en el entorno de la ceremonia del té japonesa.

De la cerámica Sueki al esplendor Momoyama

La tradición alfarera de la región de Mino se remonta a más de 1.300 años: ya en el siglo V se produjeron aquí, estimuladas por técnicas importadas de Corea, las primeras cerámicas Sueki sin esmaltar. En el periodo Heian (794–1185) se sumaron los primeros esmaltes de ceniza. Sin embargo, el impulso decisivo en su desarrollo se produjo ya en el siglo XVI, cuando alfareros de la vecina Seto huyeron hasta allí durante las turbulencias de las guerras civiles y, bajo la protección de señores feudales locales, erigieron nuevos hornos. Bajo la dirección del influyente maestro del té Furuta Oribe, discípulo de Sen no Rikyū, surgió en esta época un auténtico impulso creativo que dio lugar a varios estilos cerámicos que siguen siendo célebres hasta hoy.

Los cuatro grandes estilos de un vistazo

El Metropolitan Museum of Art clasifica sistemáticamente las piezas de este grupo como «Mino ware», con el añadido correspondiente de tipo Shino u Oribe. El Shino-yaki se considera la primera cerámica japonesa esmaltada en blanco: un esmalte feldespático espeso y lechoso, con poros finos y manchas de fuego rojizas, a menudo complementado con discretos motivos vegetales pintados bajo el esmalte. El Oribe-yaki, en cambio, se reconoce inconfundiblemente por su intenso esmalte verde a base de cobre, combinado con formas asimétricas y llamativos motivos geométricos o florales pintados con óxido de hierro; un estilo deliberadamente «imperfecto», casi juguetón, que correspondía al gusto personal de Furuta Oribe por lo inusual. El Ki-Seto, «Seto amarillo», se caracteriza por un esmalte amarillo delicado, aplicado normalmente en capa fina, y se utilizaba tradicionalmente sobre todo para vajilla elegante de la cocina kaiseki. El Setoguro, «Seto negro», por último, se obtiene mediante un procedimiento especial: las piezas se sacan del horno todavía al rojo vivo y se enfrían de forma brusca, con lo que el esmalte se solidifica en un negro profundo y aterciopelado; una técnica que también se conoce como Hikidashi-guro, «negro extraído».

Fabricación y técnica de cocción

Como en la mayoría de las cerámicas de Mino, hoy en día la fabricación se sigue realizando en varios pasos de trabajo tradicionales: el material de partida, cuidadosamente amasado, se libera primero de burbujas de aire, y la técnica de amasado característica confiere a la arcilla una forma espiral que recuerda a un crisantemo. Tras el formado en el torno de alfarero, se aplica el vidriado, seguido de la cocción en un horno de cámara o de túnel alimentado con leña, a temperaturas de hasta 1.400 grados Celsius. Precisamente en la cocción tradicional en anagama, la interacción entre la ceniza volante y la llama produce los degradados de color y las diferencias de textura típicas que confieren a la cerámica de Mino su carácter inconfundible y de aspecto natural.

Redescubrimiento por Arakawa Toyōzō

Durante el periodo Edo, la fabricación del auténtico shino Momoyama cayó en gran parte en el olvido, y durante mucho tiempo se atribuyó erróneamente su origen a la región vecina de Seto en lugar de a Mino. El Victoria and Albert Museum describe el esclarecimiento de este error como un episodio conocido de la historia moderna de la cerámica japonesa: en 1930 Arakawa dio con fragmentos de shino cerca de Mutabora, en la aldea de Ogaya, y en 1933 trasladó allí su taller. Fue el ceramista Arakawa Toyōzō (1894–1985), originario de Tajimi, quien en el siglo XX se dedicó de manera sistemática a la búsqueda de los hornos originales del periodo Momoyama, logrando reconstruir, mediante el estudio de restos de hornos históricos, las mezclas de arcilla y las técnicas de cocción que se creían perdidas. Por este logro fue distinguido en 1955 como Ningen Kokuhō, «Tesoro Nacional Viviente» — según el Victoria and Albert Museum, por igual por sus obras de ki-seto, setoguro y shino —, un honor que desde entonces han recibido también otros destacados ceramistas de Mino, como Katō Tokurō.

Del artesanado a la mayor región cerámica de Japón

A partir de mediados de la era Meiji, la producción en Mino comenzó a especializarse y racionalizarse cada vez más para poder competir con otras regiones; hacia finales de la era Taishō, la creciente electrificación aceleró aún más este cambio, de modo que los hornos tradicionales alimentados con leña fueron sustituidos progresivamente por hornos de carbón más eficientes. En la era Shōwa, la región de Mino llegó finalmente a convertirse en la mayor región cerámica de Japón en términos de volumen: hasta hoy, se estima que entre el 50 y el 60 por ciento de toda la producción cerámica japonesa procede de esta región, un contraste enorme con la fabricación a pequeña escala, a menudo de carácter familiar, de los históricos Six Ancient Kilns.

La cerámica de Mino en la vida cotidiana

A pesar de esta dimensión industrial, en Mino sigue viva hoy en día una escena artesanal activa que cultiva las técnicas tradicionales de forma manual. Chawan, recipientes para sake, jarrones y vajilla cotidiana en los cuatro estilos clásicos de Mino se cuentan hasta hoy entre los objetos más buscados por los coleccionistas de cerámica de té japonesa. Quien desee reconocer un original hecho a mano debe fijarse en la irregularidad característica del degradado del esmalte y de la forma, rasgos que no se encuentran en la producción industrial en serie.

Cerámica Oribe: la ruptura lúdica con la simetría

Merece especial atención la cerámica Oribe, llamada así por el maestro de té Furuta Oribe, considerado uno de los discípulos más influyentes de Sen no Rikyū, aunque en su propia sensibilidad estética se distanciaba claramente de la estricta contención de este último. Oribe prefería deliberadamente formas asimétricas, a menudo ligeramente deformadas, así como un vidriado verde intenso y cuprífero que discurre en característicos regueros sobre la superficie del objeto, combinado con motivos lúdicos, en ocasiones de aspecto casi caricaturesco, realizados en óxido de hierro. Esta ruptura deliberada con la contención wabi-sabi, dominante hasta entonces, convirtió a la cerámica Oribe en uno de los estilos más individuales y experimentales de toda la historia de la cerámica japonesa, y muestra cuánta libertad creativa era posible incluso dentro de las estrictas convenciones de la cerámica de té.

Esta audacia estilística explica también por qué la cerámica Oribe goza hasta hoy de gran popularidad, especialmente entre coleccionistas internacionales y diseñadores contemporáneos: el lenguaje formal claro, casi moderno, combinado con la vívida coloración verde, resulta sorprendentemente atemporal y puede emplearse con eficacia tanto en espacios tradicionales como en espacios de diseño contemporáneo. No es raro que la cerámica Oribe sirva precisamente como primer acceso a toda la cerámica de té japonesa para los coleccionistas occidentales, antes de que estos se vuelquen posteriormente también hacia estilos más contenidos como el Shino o el Bizen. La cerámica Oribe debe este papel de «puerta de entrada» precisamente a su lenguaje formal inusual, a menudo directamente accesible para el observador occidental.

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Fuentes y bibliografía

The Metropolitan Museum of Art: Shino Tea Bowl with Bridge and Shrine, Known as “Bridge of the Gods” (Shinkyō), n.º de inv. 2015.300.271, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Covered Vessel (Futamono) with Plum Tree, n.º de inv. 2023.731a, b, metmuseum.org.

Victoria and Albert Museum, Londres: Fresh water jar and lid, Suzuki Osamu, n.º de inv. FE.29-1989, collections.vam.ac.uk.

Richard L. Wilson: Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, Nueva York 1995.