Mino-yaki – cztery style, jeden region, nieskończona różnorodność

Kiedy wchodzi się do japońskiego sklepu z ceramiką i pyta o pochodzenie jakiejś zaskakująco zróżnicowanej półki – tu głęboka zieleń, tam obłoczysta biel, obok stonowana żółć i nieskazitelna czerń –, odpowiedź brzmi zdumiewająco często: to wszystko Mino-yaki. Niemal żaden inny japoński region ceramiczny nie łączy w sobie tak szerokiej rozpiętości stylistycznej pod jedną wspólną nazwą. Wynika to ze szczególnej historii regionu Mino w dzisiejszej prefekturze Gifu, który przez stulecia rozwinął się w pole eksperymentów z nowymi szkliwami i formami – a dziś jest pod względem ilościowym najważniejszym regionem ceramicznym całej Japonii.

Czym jest Mino-yaki?

Mino-yaki (美濃焼) to zbiorcze określenie ceramiki z historycznej prowincji Mino, która obecnie leży w południowej części prefektury Gifu, w szczególności w miastach Toki, Tajimi, Mizunami i Kani. W przeciwieństwie do wielu innych tradycji japońskich Mino-yaki nie podlega jednemu, jednolitemu stylowi, lecz obejmuje ponad piętnaście podtypów uznanych za tradycyjne rzemiosło artystyczne. Cztery najbardziej znane i historycznie najważniejsze to Shino, Oribe, Ki-Seto i Setoguro – cztery zasadniczo różne tradycje szkliwa, które powstały lub przeżyły swój rozkwit w okresie Momoyama (1573–1603) w otoczeniu japońskiej ceremonii herbaty.

Od ceramiki sueki do rozkwitu w okresie Momoyama

Tradycja garncarska regionu Mino sięga ponad 1300 lat wstecz: już w V wieku powstawały tu, pod wpływem technik sprowadzonych z Korei, pierwsze nieszkliwione wyroby ceramiczne sueki. W okresie Heian (794–1185) doszły pierwsze szkliwa popiołowe. Decydujący impuls rozwojowy nastąpił jednak dopiero w XVI wieku, gdy garncarze z sąsiedniego Seto uciekali tu podczas zawirowań wojny domowej i pod opieką lokalnych władców lennych wznosili nowe piece. Pod kierunkiem wpływowego mistrza herbaty Furuty Oribe, ucznia Sen no Rikyū, powstał w tym czasie prawdziwy twórczy przełom, który zapoczątkował kilka stylów ceramicznych sławnych do dziś.

Cztery główne style w skrócie

Metropolitan Museum of Art konsekwentnie klasyfikuje swoje eksponaty z tej grupy jako „Mino ware” z odpowiednim dodatkiem: typ Shino lub typ Oribe. Shino-yaki uznawane jest za pierwszą w Japonii ceramikę pokrywaną białym szkliwem: gruba, mleczna glazura skaleniowa z drobnymi porami i czerwonawymi plamami ogniowymi, często uzupełniona o powściągliwe motywy roślinne malowane pod szkliwem. Oribe-yaki natomiast rozpoznaje się bezbłędnie po intensywnym, zawierającym miedź zielonym szkliwie, połączonym z asymetrycznymi formami i wyrazistymi, malowanymi tlenkiem żelaza wzorami geometrycznymi lub kwiatowymi – celowo „niedoskonały”, niemal żartobliwy styl, odpowiadający osobistemu upodobaniu Furuty Oribego do tego, co niezwykłe. Ki-Seto, „żółte Seto”, charakteryzuje się delikatnym, zwykle cienko nakładanym żółtym szkliwem i tradycyjnie wykorzystywane było przede wszystkim do eleganckiej zastawy kuchni kaiseki. Setoguro, „czarne Seto”, powstaje z kolei w wyniku szczególnej metody: naczynia wyciągane są z pieca jeszcze rozżarzone i poddawane gwałtownemu schłodzeniu, dzięki czemu szkliwo zastyga na głęboką, aksamitną czerń – technika ta znana jest również jako Hikidashi-guro, „wyciągnięta czerń”.

Wytwarzanie i technika wypalania

Podobnie jak w przypadku większości ceramiki z Mino, także dzisiaj wytwarzanie odbywa się w kilku tradycyjnych etapach pracy: starannie ugniecioną masę wyjściową najpierw pozbawia się pęcherzyków powietrza, przy czym charakterystyczna technika ugniatania nadaje glinie spiralny kształt przypominający chryzantemę. Po uformowaniu na kole garncarskim następuje nałożenie szkliwa, a następnie wypał w opalanym drewnem piecu komorowym lub tunelowym, w temperaturach dochodzących do 1400 stopni Celsjusza. To właśnie przy tradycyjnym wypale anagama interakcja lotnego popiołu i płomienia odpowiada za typowe gradienty barwne i różnice w teksturze, które nadają ceramice z Mino jej niepowtarzalny, naturalnie wyglądający charakter.

Ponowne odkrycie przez Arakawę Toyōzō

W okresie Edo wytwarzanie prawdziwego shino z okresu Momoyama zostało w dużej mierze zapomniane, a jego pochodzenie długo błędnie przypisywano sąsiedniemu regionowi Seto zamiast Mino. Victoria and Albert Museum przedstawia wyjaśnienie tej pomyłki jako znany epizod w historii nowoczesnej ceramiki japońskiej: w 1930 roku Arakawa natrafił na skorupy shino w Mutaborze we wsi Ogaya, a w 1933 roku przeniósł tam swoją pracownię. Dopiero pochodzący z Tajimi garncarz Arakawa Toyōzō (1894–1985) w XX wieku systematycznie poszukiwał oryginalnych miejsc wypału z okresu Momoyama i dzięki badaniu pozostałości historycznych pieców zdołał zrekonstruować uznane za zaginione mieszanki gliny oraz techniki wypału. Za to osiągnięcie w 1955 roku został uhonorowany tytułem Ningen Kokuhō, „żyjącego skarbu narodowego” – według Victoria and Albert Museum w równym stopniu za prace ki-seto, setoguro i shino; wyróżnienie, które od tego czasu otrzymali także inni znaczący ceramicy z Mino, jak Katō Tokurō.

Od rzemiosła artystycznego do największego regionu ceramicznego Japonii

Od połowy okresu Meiji produkcja w regionie Mino zaczęła się coraz bardziej specjalizować i racjonalizować, aby móc konkurować z innymi regionami; pod koniec okresu Taishō postępująca elektryfikacja jeszcze bardziej przyspieszyła te przemiany, tak że tradycyjne piece opalane drewnem były coraz częściej zastępowane przez wydajniejsze piece opalane węglem. W okresie Shōwa region Mino awansował ostatecznie do rangi największego pod względem ilościowym regionu ceramicznego Japonii: do dziś szacunkowo 50 do 60 procent całej japońskiej produkcji ceramiki pochodzi z tego regionu – to ogromny kontrast wobec drobnoskalowej, często rodzinnej produkcji historycznych Six Ancient Kilns.

Ceramika z Mino w codziennym życiu

Mimo tego przemysłowego wymiaru w Mino do dziś przetrwała żywa scena rzemieślnicza, kultywująca tradycyjne techniki w pracy ręcznej. Chawan, naczynia na sake, wazony i naczynia codziennego użytku w czterech klasycznych stylach Mino do dziś należą do najbardziej poszukiwanych obiektów wśród kolekcjonerów japońskiej ceramiki herbacianej. Kto chce rozpoznać wykonany ręcznie oryginał, powinien zwrócić uwagę na charakterystyczną nieregularność przebiegu szkliwa i formy – cechy, których nie znajdzie się w przemysłowo szkliwionych wyrobach masowych.

Oribe-yaki: zabawne zerwanie z symetrią

Szczególnie warto przyjrzeć się bliżej Oribe-yaki, nazwanemu na cześć mistrza herbaty Furuty Oribe, który uchodził za jednego z najbardziej wpływowych uczniów Sen no Rikyū, choć w swoim własnym poczuciu estetyki wyraźnie odszedł od jego surowej powściągliwości. Oribe świadomie preferował formy asymetryczne, często lekko odkształcone, a także intensywne, zawierające miedź zielone szkliwo, spływające po powierzchni przedmiotu w charakterystycznych smugach, w połączeniu z żartobliwymi, miejscami niemal komiksowymi wzorami z tlenku żelaza. To świadome zerwanie z dominującą do tamtej pory powściągliwością wabi-sabi uczyniło Oribe-yaki jednym z najbardziej indywidualnych i najchętniej eksperymentujących stylów w całej historii japońskiej ceramiki i pokazuje, jak wiele swobody twórczej było możliwe nawet w ramach surowych konwencji ceramiki herbacianej.

Ta stylistyczna śmiałość tłumaczy również, dlaczego Oribe-yaki do dziś cieszy się szczególną popularnością wśród międzynarodowych kolekcjonerów i współczesnych projektantów: klarowny, niemal nowoczesny język form w połączeniu z żywą zieloną kolorystyką sprawia wrażenie zaskakująco ponadczasowego i pozwala się skutecznie wykorzystać zarówno we wnętrzach tradycyjnych, jak i współcześnie urządzonych. Nierzadko właśnie Oribe-yaki służy zachodnim kolekcjonerom jako pierwsze zetknięcie z całą japońską ceramiką herbacianą, zanim zwrócą się następnie ku bardziej powściągliwym stylom, takim jak Shino czy Bizen. Tę rolę „bramy wejściowej” Oribe-yaki zawdzięcza właśnie swojemu niezwykłemu językowi form, często od razu przystępnemu dla zachodniego odbiorcy.

W densho.art znajdą Państwo wykonane ręcznie unikaty japońskiej ceramiki, które pozwalają doświadczyć tej stylistycznej różnorodności tradycji Mino – każdy egzemplarz sprowadzony osobno z Japonii. Ci, którzy chcą kupić japońską czarkę do herbaty odzwierciedlającą tę stylistyczną różnorodność jednego regionu, znajdą odpowiedni wybór w naszej ofercie japońskiej ceramiki.

Źródła i literatura

The Metropolitan Museum of Art: Shino Tea Bowl with Bridge and Shrine, Known as „Bridge of the Gods” (Shinkyō), nr inw. 2015.300.271, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Covered Vessel (Futamono) with Plum Tree, nr inw. 2023.731a, b, metmuseum.org.

Victoria and Albert Museum, Londyn: Fresh water jar and lid, Suzuki Osamu, nr inw. FE.29-1989, collections.vam.ac.uk.

Richard L. Wilson: Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, Nowy Jork 1995.