Japońskie pojęcia ze sztuki od A do Z – glosariusz Densho

Od chawan po wabi-sabi: najważniejsze pojęcia związane z japońską ceramiką i malarstwem krótko wyjaśnione.

Czarka do herbaty Chawan Yakesa w pudełku do przechowywania

Kakemono, chawan, yakishime, tomobako: wokół tradycyjnej sztuki japońskiej pojawia się wiele pojęć, które nie tłumaczą się same. Ten słownik gromadzi je w jednym miejscu i objaśnia każde w kilku zdaniach – od zwoju wiszącego (kakemono), przez piece ceramiczne i kulturę herbaty, aż po estetyczne pojęcia podstawowe i japońskie okresy.

Prosimy skorzystać z paska liter, aby przejść bezpośrednio do szukanego pojęcia. Tam, gdzie do danego hasła istnieje obszerny artykuł w Tematach, odnośnik prowadzi z wpisu do niego.

A B C D E F G H I J K L M N O P Q R S T U V W X Y Z #

A

Agano-yaki 上野焼

Agano-yaki to japońska tradycja ceramiczna z powiatu Tagawa w prefekturze Fukuoka na Kiusiu, która powstała w 1602 roku, gdy władca Kokury, Hosokawa Tadaoki, sprowadził koreańskiego garncarza Sonkaia u podnóża góry Fukuchi. Podobnie jak Karatsu, sięga więc korzeniami do koreańskich rzemieślników, lecz od samego początku była naczyniem do herbaty przeznaczonym dla dworu. Charakterystyczna jest wyraźnie cienka, lekka ścianka naczyń; dochodzi do tego niezwykła rozpiętość szkliw, wśród których najbardziej znane jest błękitnozielone szkliwo spływające po jasnych powierzchniach. Agano zalicza się do siedmiu pieców przypisywanych mistrzowi herbaty Kobori Enshū.

Także: Agano-yaki, ceramika Agano, Agano yaki, Ueno-yaki, Agano

Aka-Raku 赤楽

Aka-Raku, czyli „czerwone raku”, to jeden z dwóch klasycznych podstawowych typów czarki do herbaty raku: ręcznie formowany czerep z żelazistej czerwonej gliny, na który nakłada się przezroczyste szkliwo. Wypala się w niskiej temperaturze, zwykle w granicach 800 do 900 stopni, dzięki czemu ciepłe tony czerwieni, ochry i pomarańczu gliny przeświecają przez szkliwo. W odróżnieniu od Kuro-Raku, które wypala się w wyższej temperaturze i wyciąga z pieca rozżarzone, Aka-Raku stygnie spokojniej; efekt jest łagodniejszy i bardziej przyjazny. Podobnie jak w przypadku wszystkich wyrobów raku, czerep pozostaje porowaty i zaskakująco lekki.

Także: Akaraku, Aka Raku, Raku czerwone, Aka-Raku-Chawan

Akae 赤絵

Akae, dosłownie „malowidło czerwienią“, oznacza barwną dekorację naszkliwną na japońskiej porcelanie, w której ton nadaje ciepła czerwień żelazowa. Farby nakłada się na już wypaloną, twardą jak szkło powierzchnię i wypala w drugim, wyraźnie chłodniejszym wypale; dlatego leżą one minimalnie wypukło i można je wyczuć paznokciem. Właśnie w tym Akae różni się od Sometsuke, którego kobaltowy błękit leży pod szkliwem. Połączenie obu technik, podszkliwnego błękitu z barwną dekoracją naszkliwną, nazywa się Somenishiki; gdy dochodzi złoto, mówi się o Kinrande. Akae rozpowszechnione jest przede wszystkim w Arita, Kutani i Kyōto.

Także: Aka-e, dekoracja naszkliwna, malowanie na szkliwie, czerwona dekoracja żelazowa

Akahada-yaki 赤膚焼

Akahada-yaki to japońska tradycja ceramiczna pochodząca ze wzgórz góry Gojō na zachód od miasta Nara i zaliczana jest do siedmiu pieców, których charakter przypisuje się gustowi Kobori Enshū. Nazwa nawiązuje częściowo do dawnego określenia miejscowości Akahada-yama, częściowo do czerwonawo wypalającej się gliny; źródła nie są w tej kwestii zgodne. Charakterystyczne jest mleczno-białe, drobno spękane szkliwo, spod którego brzegu wyłania się czerwonawy czerep. Najbardziej znaną formą dekoracji jest Nara-e, naiwne malarstwo miniaturowe przedstawiające jelenie, świątynie i sceny z dawnych opowieści; jego wprowadzenie uznaje się za zasługę garncarza Okudy Mokuhaku. Piec wspierany był przez ród Yanagisawa, książąt Kōriyamy.

Także: Akahada-yaki, ceramika Akahada, Akahada yaki, Akahadayama-yaki, Akahada

Akazu-yaki 赤津焼

Akazu-yaki to japońska tradycja ceramiczna z dzielnicy Akazu na wschód od centrum Seto w prefekturze Aichi, stanowiąca tym samym odgałęzienie ceramiki z Seto. Piece w tym miejscu można prześledzić aż do okresu Heian; ich dzisiejszy charakter sięga początku XVII wieku, kiedy to garncarze zostali celowo ponownie osiedleni w Akazu. Cechą charakterystyczną jest nie tyle jednolity wygląd, ile współwystępowanie siedmiu tradycyjnych szkliw – szkliwa popiołowego, szkliwa żelazowego, Ko-Seto, Ki-Seto, Shino, Oribe i Ofuke – a także dwunastu technik zdobniczych. W 1977 roku Akazu-yaki zostało uznane za tradycyjne rzemiosło artystyczne. Spotykana niekiedy pisownia Akatsu oznacza ten sam wyrób.

Także: Akazu-Yaki, Akatsu-yaki, ceramika z Akatsu, ceramika Akazu, Akazu

Amakusa-Porzellan 天草陶磁器

Porcelana Amakusa to porcelana wytwarzana na wyspach Amakusa w prefekturze Kumamoto, której podstawą jest wydobywany tam kamień porcelanowy amakusa. Odkryta pod koniec XVII wieku, a od XVIII wieku wykorzystywana w ceramice skała jest wyraźnie biała, twarda i przezierna; stanowi około czterech piątych japońskiego wydobycia kamienia porcelanowego i do dziś jest dostarczana także do Aricie, Mikawachi oraz innych ośrodków porcelany. Na miejscu działają między innymi piece Uchida Sarayama, Takahama, Maruo i Mizunodaira, częściowo wytwarzając przezierną białą porcelanę, częściowo kamionkę pod szkliwami namako i czarnymi. W 2003 roku ceramika amakusa została uznana za tradycyjne rzemiosło artystyczne.

Także: Amakusa-yaki, ceramika Amakusa, Amakusa-Tōjiki, Amakusa

Anagama 穴窯

Anagama to jednokomorowy piec opałowy na drewno, wykopany jako długi tunel w zboczu wzgórza i pokryty gliną; nazwa oznacza dosłownie „piec jaskiniowy”. Ta forma konstrukcyjna dotarła w I tysiącleciu z Półwyspu Koreańskiego do Japonii i przez wieki pozostawała jedyną stosowaną w dawnych ośrodkach garncarskich. Wypala się nieprzerwanie przez wiele dni, przy czym płomień i lotny popiół przechodzą bezpośrednio nad naczyniami – stąd naturalny nalot popiołu i strefy barwne, za które ceniona jest ceramika nieszkliwiona. Od Anagama należy odróżnić późniejszy Noborigama, który składa się z kilku położonych jedna za drugą komór i pali się bardziej równomiernie.

Także: Anagama, Ana-gama, piec jaskiniowy, piec tunelowy, piec jednokomorowy, wypał anagama

Arita-yaki 有田焼

Arita-yaki to japońska twarda porcelana z regionu wokół Arity w prefekturze Saga na wyspie Kiusiu i uznawana jest za pierwszą porcelanę wytwarzaną w Japonii. Podstawą było odkrycie kaolinu na wzgórzu Izumiyama w 1616 roku przez koreańskiego garncarza Yi Sam-pyeonga. Wypalany w temperaturze około 1300 stopni czerep jest twardy, gładki i w cienkich miejscach lekko prześwitujący – wyraźny kontrast wobec ziemistych tradycji kamionkowych, takich jak Bizen. Znane kierunki stylistyczne to kobaltowoniebieskie Ko-Arita, wykwintny styl Kakiemon oraz dworskie Iro-Nabeshima. Imari-yaki oznacza ten sam wyrób, nazwany jednak od portu wysyłkowego: Arita określa region wytwórczy, Imari – drogę handlową.

Także: Arita-Yaki, porcelana Arita, ceramika Arita, Arita

Asahi-yaki 朝日焼

Asahi-yaki to japońska ceramika herbaciana z Uji w prefekturze Kyōto, która według tradycji powstała około 1600 roku u podnóża góry Asahi i należy do siedmiu pieców w guście Kobori Enshū. Jest ściśle związana z herbatą uji: czarki do herbaty dołączano jako dar do dostaw herbaty liściastej. Charakterystyczny jest jasnobrązowy czerep z czerwonawo-czarnym nakrapianiem, które gdzie indziej nazywa się Gohon, natomiast w Uji nosi nazwę Kase, „grzbiet jelenia”; ślady po szpachli i obtaczaniu na kole pozostają widoczne jako Keshiki. W przeciwieństwie do miejskiego Kyō-yaki Asahi w dużej mierze rezygnuje z malowania naszkliwnego.

Także: Asahi-yaki, ceramika Asahi, Asahi yaki, Uji-Asahi, Asahi

B

Banko-yaki 萬古焼

Banko-yaki to japońska ceramika z Yokkaichi i Komono w prefekturze Mie, której początki sięgają kupca Nunami Rōzana z Kuwany; około 1740 roku zaczął on w Obuke z zamiłowania wypalać własne naczynia do herbaty. Nazwa pochodzi od jego pieczęci Banko fueki, co oznacza mniej więcej „niezmienny po wszystkie czasy”. Dziś Banko oznacza dwa wyroby: nieszkliwione czajniczki do herbaty z żelazistej gliny wypalanej w atmosferze redukcyjnej, których purpurowobrązowy czerep nosi nazwę Shidei, oraz żaroodporne naczynia gliniane do gotowania, do których dodawany jest petalit. Zdecydowana większość japońskich donabe pochodzi właśnie z tego regionu.

Także: Bankoyaki, ceramika Banko, Yokkaichi-Banko, Banko, Banko-yaki

Benzaiten 弁財天

Benzaiten, najczęściej nazywana w skrócie Benten, jest japońską boginią sztuki, muzyki, elokwencji i wody oraz jedyną kobiecą postacią wśród Siedmiu Bogów Szczęścia. Wywodzi się z hinduskiej bogini rzek Saraswati i zazwyczaj przedstawiana jest z lutnią biwa. Jej związek z wodą znalazł odzwierciedlenie w Japonii w miejscach kultu: świątynie Benzaiten leżą często nad jeziorami, rzekami lub na wyspach. Dla muzyków, pisarzy i mówców jej wizerunek tradycyjnie uchodzi za odpowiedni podarunek – tym samym spośród siedmiu bogów jest tą, która jest najbliższa twórczości artystycznej.

Także: Benten, Benzaiten-sama, Sarasvati, bogini Benzaiten

Bidoro ビードロ

Bidoro oznacza szkliste, zielonkawe zacieki, które powstają podczas wypału nieszkliwionej ceramiki, gdy popiół lotny topi się na czerepie i zbiera się we wgłębieniach lub na barkach naczynia. W przeciwieństwie do punktowego nalotu popiołu, bidoro wygląda jak nakapane, przeświecające szkło i może tworzyć zacieki w formie kropli. Nazwa pochodzi od portugalskiego słowa „vidro” oznaczającego szkło i przypomina o wczesnych kontaktach z Europejczykami. Zjawisko to jest szczególnie cenione w przypadku ceramiki z Bizen, gdzie obok goma i hidasuki należy do skarbnicy form wypału drewnem.

Także: Bidoro, szkliwo bidoro, glazura szklana, Bīdoro

Bijin-ga 美人画

Bijin-ga (美人画, „obraz pięknej kobiety”) to gatunek japońskiego malarstwa ukazujący postaci kobiece jako typ, a nie jako portret konkretnej osoby. Wypowiedź kryje się w szczegółach: wzorze i kroju kimono, fryzurze, ułożeniu dłoni, porze roku sugerowanej przez tło – dama na tle kwitnącej śliwy jest zarazem obrazem wiosny. Powstały w ukiyo-e okresu Edo gatunek został w XX wieku przeniesiony do malarstwa nihonga przez takich artystów jak Itō Shinsui (1898–1972). O randze danego bijin-ga decyduje zazwyczaj materialność: sposób, w jaki malarz oddaje układ fałd jedwabiu i przejście od kołnierza do karku.

Także: Bijinga, Bijin-e, wizerunek piękności, przedstawienie kobiety

Bishamonten 毘沙門天

Bishamonten to japoński bóg szczęścia wojowników i obrońców, przedstawiany w pełnej zbroi, z włócznią w jednej i małą pagodą w drugiej dłoni – ta ostatnia symbolizuje buddyjski skarbiec, którego strzeże. Należy do Siedmiu Bogów Szczęścia, zwanych Shichifukujin, i pochodzi pierwotnie z indyjskiego buddyzmu. Jako jedyny z całej grupy występuje jednocześnie w drugiej roli: pod imieniem Tamonten zaliczany jest do Czterech Niebiańskich Królów, którzy w świątyniach strzegą stron świata. Dzięki temu na wizerunkach można go łatwo rozpoznać – jako jedyny sprawia wrażenie wojowniczego, a nie pogodnego.

Także: Bishamon, Tamonten, Bishamonten, Vaishravana

Bizen-yaki 備前焼

Bizen-yaki to nieszkliwiona japońska ceramika kamionkowa z prefektury Okayama, której kolorystyka powstaje wyłącznie w ogniu. Wypala się ją w technice yakishime w temperaturze od około 1200 do 1300 stopni Celsjusza przez kilka dni w piecu opalanym drewnem; płomień i popiół pozostawiają efekty wypału (yōhen), które noszą własne nazwy – goma, sangiri i hidasuki. Podstawą jest bogata w żelazo glina hiyose z okolic Imbe. Bizen zalicza się do sześciu starych pieców Japonii i od 1982 roku jest uznawane za tradycyjne rzemiosło artystyczne. W odróżnieniu od Seto, drugiego z tych sześciu ośrodków, Bizen do dziś konsekwentnie rezygnuje z jakiegokolwiek szkliwa i malowania.

Także: Bizen-Yaki, ceramika z Bizen, ceramika Bizen, Bizen

Bokuseki 墨蹟

Bokuseki (墨蹟, „ślady tuszu”) to kaligrafia mnichów zen, uznawana w Japonii za odrębną kategorię w obrębie sztuki pisma. Zapisywane są w niej najczęściej krótkie sentencje zen, pojedyncze znaki lub wersy wierszy, często szybko, z siłą i celowo bez wygładzenia. W odróżnieniu od shodō w ogólnym rozumieniu, na pierwszym planie nie stoi tu doskonałość stylistyczna, lecz duchowy autorytet piszącego: wielu autorów nie było zawodowymi kaligrafami, lecz opatami i mistrzami zen. Bokuseki ma swoje stałe miejsce w kulturze herbaty, gdzie taki zwój wiszący (kakemono) wisi w tokonoma pokoju herbacianego i nadaje ton spotkaniu; do tej kategorii zaliczają się także inskrypcje na naczyniach do herbaty.

Także: Bokuseki, kaligrafia bokuseki, kaligrafia zen, kaligrafia zenowa, ślady tuszu

Byōbu 屏風

Byōbu to japoński parawan składany z kilku skrzydeł połączonych papierowymi zawiasami, których powierzchnie są malowane lub pokryte kaligrafią. Nazwa oznacza dosłownie „ścianę przeciwwiatrową” i odnosi się tym samym do pierwotnej funkcji: parawan dzielił przestrzeń i osłaniał przed przeciągiem, będąc zarazem nośnikiem obrazu. Powszechne są pary złożone z dwóch parawanów po sześć skrzydeł każdy, których kompozycję odczytuje się na obu połowach łącznie. W odróżnieniu od kakemono, byōbu jest wolnostojący i nie jest zwijany, lecz składany.

Także: Byōbu, Byobu, parawan japoński, składany parawan japoński, ekran składany, parawan

More about Byōbu in our topics

C

Chabana 茶花

Chabana (茶花, dosłownie „kwiat herbaty”) to dekoracja kwiatowa japońskiej ceremonii herbaty i z reguły składa się z bardzo niewielu elementów: pąka kamelii, gałązki, kilku źdźbeł trawy, ułożonych tak, jakby wyrosły w tym miejscu same. Pokazuje się to, co akurat kwitnie w danej porze roku, umieszczone w hanaire z ceramiki, bambusa lub brązu, które stoi w tokonoma obok zwoju (kakemono). W odróżnieniu od ikebany, która dopuszcza więcej kompozycji i widocznego układu, chabana świadomie pozostaje w cieniu: kwiat nie ma sprawiać wrażenia zaaranżowanego, lecz jedynie wnosić do pokoju herbacianego chwilę danej pory roku.

Także: Teeblume, Teeblumen, Chabana, kwiaty w ceremonii herbaty, dekoracja kwiatowa w ceremonii herbaty

Chadō 茶道

Chadō (茶道, czytane też jako Sadō) to „droga herbaty” – japońska ceremonia herbaty, rozumiana jako praktyka ćwiczona przez całe życie. Dō oznacza to samo, co w Shodō (kaligrafia) czy Budō (sztuka walki), i zawsze oznacza ścieżkę ćwiczenia, a nie samo nabycie umiejętności: posługiwania się czarką, mieszadełkiem i wodą uczy się przez dziesięciolecia, pod kierunkiem danej szkoły. Za wewnętrzny kierunek uznaje się cztery zasady: harmonię (Wa), szacunek (Kei), czystość (Sei) i spokój (Jaku). Chanoyu oznacza natomiast pojedyncze spotkanie, podczas którego herbata jest faktycznie przygotowywana i pita.

Także: Sadō, Chado, droga herbaty, sztuka parzenia herbaty, Chanoyu

More about Chadō in our topics

Chaire 茶入

Chaire to mała pojemniczek ceramiczna, w której przechowuje się gęstą matchę na potrzeby ceremonii herbaty, zazwyczaj z wieczkiem z kości słoniowej lub materiału zastępczego, chroniona woreczkiem z jedwabnego brokatu zwanym shifuku. Historycznie chaire należały do najwyżej cenionych przedmiotów kultury herbaty w ogóle; poszczególne egzemplarze bywały przedmiotem obrotu na równi z majątkami ziemskimi. Od natsume różni się materiałem i zastosowaniem: lakierowana pojemniczka natsume należy do cienkiej herbaty, ceramiczna pojemniczka chaire do gęstej – podział ten obowiązuje do dziś.

Także: Pojemnik na herbatę, ceramiczny pojemnik na herbatę, chaire, cha-ire

Chaji 茶事

Chaji (茶事) to pełna, formalna forma japońskiego spotkania herbacianego: gospodarz zaprasza nielicznych gości, częstuje ich posiłkiem kaiseki, podaje słodycze, a następnie przygotowuje najpierw gęstą herbatę koicha, potem rzadką herbatę usucha. Tak przebiegające spotkanie trwa tradycyjnie około czterech godzin. Przekazano siedem form podstawowych, różniących się przede wszystkim porą dnia, od porannego do wieczornego chaji. Od chakai chaji różni się długością, posiłkiem oraz małym, zaproszonym gronem gości; podczas chakai podaje się zazwyczaj tylko jedną słodycz i jedną czarkę herbaty. Chanoyu jest pojęciem nadrzędnym, określającym samo spotkanie.

Także: Cha-ji, formalne spotkanie herbaciane, pełna ceremonia herbaty, chanoyu

Chakai 茶会

Chakai (茶会) to krótsze, nieformalne japońskie spotkanie herbaciane, podczas którego gościom podaje się słodycz oraz czarkę herbaty, najczęściej rzadkiej usucha, rzadziej gęstej koicha. Posiłek nie wchodzi w jego skład; odpowiednio Chakai trwa raczej niespełna godzinę niż pół dnia. Szczególnie rozpowszechnione jest Ōyose-Chakai, duże wydarzenie, podczas którego grupy gości prowadzone są kolejno do pokoju herbacianego i które nie wymaga żadnej wcześniejszej wiedzy. Od trwającego kilka godzin Chaji z posiłkiem kaiseki Chakai różni się zakresem i stopniem formalności, a nie stosowanym wyposażeniem.

Także: Cha-kai, nieformalne spotkanie herbaciane, Ōyose-Chakai, Oyose-Chakai

Chakin 茶巾

Chakin (茶巾) to mała biała ściereczka z lnu lub konopi, którą podczas japońskiej ceremonii parzenia herbaty wyciera się i osusza czarkę do herbaty. Gospodarz najpierw podgrzewa chawan gorącą wodą, wylewa ją do naczynia na wodę zużytą Kensui, a następnie osusza czarkę lekko wilgotnym, złożonym w paski Chakinem, zanim wsypie się proszek matcha. Zwyczajowy format to około trzydzieści na piętnaście centymetrów; szczególnie ceniony jest bielony konopny materiał z Nary, zwany Narazarashi. Od jedwabnego Fukusa różni się materiałem i funkcją: Chakin dotyka czarki, Fukusa służy do czyszczenia naczyń i przyborów.

Także: Chakin, Chakin-Tuch, Teetuch, Leinentuch ceremonii herbaty, Cha-kin, Chakin herbaciany

Chanoyu 茶の湯

Chanoyu (茶の湯, dosłownie „gorąca woda na herbatę”) to japońska ceremonia herbaty jako konkretne spotkanie: gospodarz przygotowuje dla zaproszonych gości matcha według ustalonego przebiegu i podaje im czarkę. Termin ten kładzie nacisk na samo wydarzenie – pomieszczenie, dobrane naczynia i przybory, kolejność czynności, zwój wiszący (kakemono) w tokonoma. Rozróżnia się krótsze, nieformalne spotkanie (chakai) oraz kilkugodzinne, formalne chaji z posiłkiem. Chadō, droga herbaty, oznacza tę samą praktykę, kładąc jednak akcent na całożyciowe ćwiczenie. Oba słowa funkcjonują obok siebie do dziś; chanoyu jest starsze i bliższe codzienności.

Także: Cha-no-yu, ceremonia herbaty, japońska ceremonia herbaty, chanoyu, Chadō, droga herbaty

Chasen 茶筅

Chasen (茶筅) to japońska trzepaczka do herbaty wykonana z bambusa, którą proszek matcha i gorąca woda są ubijane bezpośrednio w czarce do herbaty na drobnopienistą pianę. Wykonuje się go z jednego kawałka bambusa, a w zależności od wykonania ma około sześćdziesięciu do stu dwudziestu cienkich, wygiętych na zewnątrz zębów. Wymagana dla niego przestrzeń określa geometrię chawan: główka trzepaczki musi mieć swobodę krążenia, dlatego czarki do herbaty są szerokie i płaskie od wewnątrz. Chasen jest elementem zużywalnym – po użyciu płucze się go jedynie czystą wodą, suszy w pozycji pionowej i w pewnym momencie wymienia, gdy zęby pękną.

Także: Chasen, mieszadełko do herbaty, mieszadełko bambusowe, trzepaczka do matchy, trzepaczka bambusowa, mieszadełko do matchy

Chashaku 茶杓

Chashaku (茶杓) to wąska japońska łyżeczka do herbaty z bambusa, którą odmierza się proszek matcha z puszki na herbatę i przekłada do czarki. Wykonuje się ją z jednego kawałka bambusa, lekko wygiętego pośrodku, zakończonego płaskim, łyżeczkowatym ostrzem; w trzonku często widoczny jest węzeł bambusa. Razem z chawan i chasen stanowi ona właściwe podstawowe wyposażenie do przygotowania matchy – wszystko inne to już tylko wygoda. W ceremonii herbaty chashaku należą do najbardziej osobistych przyborów: często nadaje się im nazwę, sygnuje się je i przechowuje we własnym etui.

Także: łyżeczka do herbaty, łyżeczka bambusowa, łyżeczka do matchy, łyżeczka chashaku, chashaku

Chawan 茶碗

Chawan (茶碗) to szeroka japońska czarka do herbaty bez uchwytu, w której matcha jest ubijana bambusową miotełką (chasen) bezpośrednio w naczyniu, a następnie z niego wypijana. Jest więc jednocześnie narzędziem i naczyniem do picia, co tłumaczy jej kształt: szerokie wylewy, w większości płaskie dno wewnętrzne, skośnie wznosząca się ścianka oraz nieszkliwiona stopka (kōdai). Klasyczne egzemplarze mają zazwyczaj od jedenastu do trzynastu centymetrów średnicy. Yunomi to natomiast wyższy, smuklejszy kubek do zaparzanej herbaty liściastej, a guinomi to nie mniejszy chawan, lecz odrębne naczynie do sake. Chawan wytwarza się niemal we wszystkich tradycjach ceramicznych, od Raku przez Hagi po Shino i Oribe.

Także: Chawan, czarka do herbaty, miseczka do matcha, czarka do matcha, chawan czarka do herbaty

D

Daikokuten 大黒天

Daikokuten to japoński bóg szczęścia odpowiedzialny za dobrobyt, rolnictwo i handel. Jego atrybutem jest magiczny młotek, którym – zgodnie z legendą – rozprzestrzenia bogactwo wszędzie tam, gdzie nim uderzy; przedstawiany jest zazwyczaj stojący na workach ryżu i w towarzystwie szczurów. Pierwotnie wywodzi się od budzącego grozę bóstwa indyjskiego i w Japonii przekształcił się w przyjazną, krępą postać w płaskiej czapce. Należy do Siedmiu Bogów Szczęścia, Shichifukujin, i szczególnie często występuje razem z Ebisu. Na pierwszych japońskich banknotach z 1885 roku widniało wyobrażenie Daikokuten.

Także: Daikoku, Daikoku-ten, Daikokusama

Daruma 達磨

Daruma to japońska nazwa Bodhidharmy, a zarazem określenie ludowej figurki szczęścia, która wywodzi się z jego ikonografii. Figurka jest zaokrąglona, nie ma ani rąk, ani nóg, i po przewróceniu samoczynnie wraca do pozycji pionowej – symbol wytrwałości, ujęty w przysłowiu „Nanakorobi yaoki”, siedem razy upaść, osiem razy się podnieść. Jej początek sięga talizmanów z Daruma-dera w Takasaki; około 1770 roku powstały pierwsze formy odlewnicze. Tradycyjnie sprzedaje się ją z dwojgiem pustych oczu: jedno maluje się w chwili powzięcia postanowienia, drugie – gdy cel zostanie osiągnięty. Bodhidharma natomiast oznacza postać mnicha znaną z przekazów.

Także: Daruma-Puppe, Darumapuppe, Bodhidharma, Bodaidaruma, lalka Daruma

E

E-Shino 絵志野

E-Shino, czyli „malowane Shino”, jest najbardziej rozpowszechnioną odmianą ceramiki Shino z regionu Mino. Na surowym czerepie rysowany jest motyw farbą malarską zawierającą żelazo – tak zwaną Oniita – a na to nakładana jest gruba, mlecznobiała szkliwo skaleniowe. W trakcie wypału rysunek prześwituje jakby przez mgłę i przybiera odcienie od brązowego do szarobrązowego. Motywy pozostają zwykle proste: trawy, gałązki, kraty lub abstrakcyjne linie. Od Nezumi-Shino odróżnia E-Shino sposób wykonania – tam powierzchnia jest najpierw w całości pokrywana angobą zawierającą żelazo, a wzór następnie wydrapywany, tutaj natomiast jest on malowany bezpośrednio.

Także: Eshino, E Shino, E-Shino, Malowane Shino, E-Shino-Chawan, chawan E-Shino

Ebisu 恵比寿

Ebisu jest japońskim bogiem szczęścia, patronem handlu, dobrobytu i rybaków, rozpoznawalnym po wędce i dużym czerwonym leszczu morskim. Jest jedynym spośród Siedmiu Bogów Szczęścia, Shichifukujin, o czysto japońskim, shintoistycznym pochodzeniu i cieszy się szczególną popularnością wśród właścicieli sklepów i osób prowadzących działalność gospodarczą; jego wizerunek uchodzi tradycyjnie za odpowiedni prezent z okazji otwarcia firmy. Często pojawia się w parze z Daikokutenem, przy czym obaj wzajemnie się uzupełniają: Ebisu symbolizuje dobry połów i udany handel, Daikokuten zaś dobrobyt w domu. Na wiejskich obszarach Japonii oboje byli przez długi czas czczeni wspólnie na małym domowym ołtarzyku.

Także: Yebisu, Ebisu-sama, bóg szczęścia Ebisu

Echizen-yaki 越前焼

Echizen-yaki to nieszkliwiona japońska ceramika kamionkowa z okolic Echizen w prefekturze Fukui, jeden z sześciu starożytnych pieców Japonii. Jej początki datuje się na późny XII wiek; przez wieki powstawały tu przede wszystkim duże dzbany zapasowe, garnki i moździerze, które trafiały przez wybrzeże Morza Japońskiego do wielu regionów kraju. Bogata w żelazo glina po wypaleniu przybiera ciemny odcień, a podobnie jak w Bizen czy Tamba, powierzchnię kształtuje wyłącznie naturalny nalot popiołu podczas wypału w piecu opalanym drewnem. To, że Echizen w ogóle jest uznawane za samodzielną, starą tradycję piecową, zawdzięcza się badaniom historyka ceramiki Koyamy Fujio prowadzonym około 1948 roku.

Także: Echizen-Yaki, ceramika Echizen, ceramika typu Echizen, Echizen

Emakimono 絵巻物

Emakimono to japoński zwój obrazowy poziomy: podłoże obrazowe zorientowane poziomo, wykonane z papieru lub jedwabiu, które rozwija się i ogląda fragment po fragmencie, od prawej do lewej. W przeciwieństwie do pionowego kakemono, które wisi na ścianie, emakimono podczas oglądania leży na płaskiej powierzchni; obraz rozwija się w trakcie czytania jak opowieść i łączy często malarstwo z wplecionymi fragmentami tekstu. Gatunek ten zasłynął dzięki dworskim ilustracjom literackim okresu Heian i okresu Kamakura. Dziś spotykany jest niemal wyłącznie w muzeach i zbiorach świątynnych.

Także: Emaki, zwój obrazkowy poziomy, zwój obrazkowy, zwój ręczny

Enso 円相

Enso (円相, „kolisty kształt”) to narysowany jednym lub dwoma swobodnymi pociągnięciami pędzla krąg w japońskiej sztuce zen, wyrażający oświecenie, pustkę (Shunyata) oraz wszechświat jako całość. Powstaje w jednym, zwykle bardzo szybkim ruchu, najczęściej w kursywnym stylu Sōsho, i nie podlega poprawkom; dlatego uważany jest za bezpośrednie odzwierciedlenie wewnętrznego stanu jego twórcy. Krąg pozostawiony otwarty oznacza ruch, rozwój i nieustanne doskonalenie, natomiast krąg zamknięty oznacza raczej dopełnienie i całość. Najwcześniejsze znane przedstawienie przypisuje się chińskiemu mistrzowi chan Kyōzanowi (814–890).

Także: Ensō, Enso-Kreis, Zen-Kreis, Enso-Symbol, krąg enso, koło enso, symbol enso

F

Fuchin 風鎮

Fuchin (風鎮) to parzyste japońskie ozdobne obciążniki, które zawieszane są na obu dolnych końcach kakemono i utrzymują je w spokoju. Nazwa oznacza dosłownie „uspokajający wiatr”: zapobiegają kołysaniu się pasma obrazu na przeciągu, a jednocześnie delikatnie je wydłużają, dzięki czemu lekkie fałdy szybciej się rozprostowują. Mocowane są za pomocą jedwabnego sznura z chwostem, przewleczonego przez jikusaki, czyli końcówki dolnego drążka. Fuchin wykonywane są z ceramiki, marmuru, onyksu, kryształu górskiego, drewna lub metału i tradycyjnie nabywane parami. Istotna jest umiarkowana waga, ponieważ zbyt ciężkie fuchin trwale obciążają oprawę.

Także: ozdobne obciążniki, obciążniki do kakemono, obciążniki do zwojów wiszących, Fu-chin

Fude 筆

Fude (筆) to japoński pędzel do pisania i malowania, wykonany ze związanych włosów zwierzęcych osadzonych w trzonku z bambusa lub drewna, którym wykonuje się kaligrafię i malarstwo tuszem. W zależności od pożądanej kreski stosuje się różne rodzaje włosia, na przykład z kozy, łasicy lub konia: miękkie pęczki dają pełne, chłonne kreski, natomiast twardsze pozwalają uzyskać precyzyjną końcówkę. Ponieważ Fude ma okrągły kształt i może być prowadzony w dowolnym kierunku, szerokość, nacisk i gęstość tuszu wynikają wyłącznie z ruchu ręki. Pędzel uznawany jest zatem za bezpośrednie przedłużenie ręki kaligrafa i zaliczany jest do „Czterech Skarbów Gabinetu Uczonego”.

Także: Kalligrafiepinsel, Tuschpinsel, Japanischer Pinsel, Kalligraphiepinsel, pędzel kaligraficzny, pędzel do kaligrafii, pędzel do tuszu, japoński pędzel, fude

Fuji-San 富士山

Fuji-San o wysokości 3776 metrów jest najwyższą górą Japonii, a zarazem najczęściej przedstawianym motywem w historii sztuki japońskiej. Jako święty wulkan od wieków uchodzi za siedzibę bóstw; od okresu Edo za jego główne bóstwo czczona jest Konohanasakuya-hime. Najsłynniejszym przykładem tradycji jego przedstawiania są „Trzydzieści sześć widoków Fudżi” Katsushiki Hokusaia, których pierwsze szkice powstały w 1830 roku. Znamienne jest, że artyści regularnie przedstawiali górę większą, niż widać ją było w rzeczywistości – nie chodziło o dokładny widok, lecz o idealny kształt. Końcówka -San oznacza tu górę, a nie grzecznościową formę zwracania się.

Także: Fuji, Góra Fuji, Fujisan, Fujiyama, Fuji-san

Fukinsei 不均斉

Fukinsei to japońska zasada kompozycji polegająca na świadomej asymetrii: unika lustrzanego środka, zastępując go przesuniętymi osiami, liczbami nieparzystymi i nieregularnymi kształtami. Filozof Hisamatsu Shin'ichi (1889–1980) zalicza ją w swojej książce „Zen and the Fine Arts” do podstawowych cech estetyki zen. Fukinsei jest widoczne w lekko nierównym brzegu ręcznie formowanej czarki do herbaty, w kompozycji ikebana lub w rozmieszczeniu przedmiotów w tokonoma. W przeciwieństwie do wabi-sabi, które opisuje postawę o szerokim znaczeniu, fukinsei jest konkretną zasadą kompozycji – chodzi o celowy brak równowagi, nie o dowolność.

Także: Asymetria, nieregularność, zasada fukinsei, świadoma asymetria, Fukinsei

Fukurokuju 福禄寿

Fukurokuju to japoński bóg szczęścia, łączący w sobie szczęście, dobrobyt i długie życie – trzy znaki jego imienia oznaczają dokładnie te trzy dary. Rozpoznaje się go po charakterystycznie wysokim, wydłużonym czole, symbolizującym wielką mądrość; na przedstawieniach towarzyszy mu często żuraw lub żółw. Należy do Siedmiu Bogów Szczęścia i wywodzi się z chińsko-taoistycznej tradycji. Od Jurōjina, który również jest symbolem długowieczności i nosi to samo wysokie czoło, często trudno go odróżnić na wizerunkach; niektóre przekazy uznają obu nawet za tę samą postać.

Także: Fukurokujin, Bóg szczęścia Fukurokuju, Fukuroku

Fukusa 袱紗

Fukusa (袱紗) to kwadratowa jedwabna chusta, którą gospodarz japońskiej ceremonii herbaty rytualnie oczyszcza naczynia, przede wszystkim bambusową łyżeczkę Chashaku oraz pojemnik na herbatę. Składanie i prowadzenie chusty, zwane Fukusa-Sabaki, stanowi odrębny, ściśle określony etap przebiegu ceremonii; poszczególne złożenia tradycyjnie interpretuje się symbolicznie. Kolor i sposób posługiwania się chustą zależą od szkoły i osoby: dla mężczyzn zwyczajowe są chusty ciemnofioletowe, dla kobiet czerwone lub pomarańczowe. W odróżnieniu od lnianej ściereczki Chakin, która służy wyłącznie do wycierania czarki do herbaty, Fukusa nie jest używane na mokro.

Także: Fukusa, jedwabna chusta, chusta fukusa, tsukai-fukusa, chusta do czyszczenia w ceremonii herbaty

Funpon 粉本

Funpon (粉本) to zbiory wzorników japońskiej pracowni malarskiej: kopie starszych dzieł, częściowo wierne, częściowo szybkie szkice, zwykle pomniejszone i przekazywane z pokolenia na pokolenie. Stanowiły one właściwy kapitał pracowni i były odpowiednio strzeżone. Uczniowie pracowni niemal nigdy nie mieli okazji zobaczyć oryginałów dawnych mistrzów; to, co studiowali, to kopie sporządzone przez ich mistrza, które służyły jako podręcznik stylu. Szkoła Kanō rozwinęła ten system najkonsekwentniej – tak konsekwentnie, że późniejsi krytycy dopatrywali się w nim przyczyny jej skostnienia. Od Mosha odróżnia Funpon to, że jest zbiorem, a nie pojedynczą kopią: Mosha oznacza samo odtwarzanie, Funpon zaś zasób wzorników, z którego czerpała dana pracownia.

Także: Fun-pon, funpon, wzornik, wzory warsztatowe, wzory pracowniane, księga wzorów, szablony do kopiowania

Furuta Oribe 古田織部

Furuta Oribe (古田織部, 1544–1615), właściwie Furuta Shigenari, był japońskim wojownikiem i mistrzem herbaty, od którego nazwiska pochodzi nazwa zielonej ceramiki Oribe. Służył Odzie Nobunadze i Toyotomi Hideyoshiemu, został uczniem Sen no Rikyū i po jego śmierci w 1591 roku uchodził za czołowego mistrza herbaty w Japonii; nauczał shōguna Tokugawę Hidetadę i założył własną szkołę herbaty pod nazwą Oribe-ryū. Tam, gdzie Rikyū dążył do redukcji, Oribe stawiał na ruch: wgniecione krawędzie, skośnie formowane ścianki, intensywna miedziana zieleń. To, jak bezpośrednio kierował garncarzami w Mino, pozostaje przedmiotem sporu w badaniach – pewne jest przede wszystkim to, że jego gust ukształtował ten styl.

Także: Oribe, Furuta Shigenari, Furuta Oribe, mistrz herbaty

Fusuma 襖

Fusuma to nieprzeźroczyste drzwi przesuwne w domu japońskim: lekka drewniana konstrukcja, obustronnie pokryta papierem lub tkaniną, obramowana listwą i wyposażona we wpuszczone wgłębienie zamiast klamki. Dzielą one wnętrze i można je wyjąć, dzięki czemu kilka pomieszczeń staje się jednym. W odróżnieniu od shōji, których jednostronnie pokryta drewniana krata przepuszcza przytłumione światło dzienne, fusuma są nieprzezroczyste – i tym samym stanowią powierzchnię malarską: obok kakemono i byōbu ich płaszczyzny należą do klasycznych nośników obrazu w malarstwie japońskim i w świątyniach oraz zamkach często noszą pejzaż ciągnący się przez kilka drzwi.

Także: Fusuma-Tür, Fusuma-shōji, Fusuma-Schiebewand, malowane drzwi przesuwne, przesuwana ściana fusuma

G

Gō 号

Gō to japoński pseudonim artystyczny, którego malarze, kaligrafowie i garncarze używają zamiast swojego nazwiska cywilnego i którym sygnują swoje dzieła. Przyjmuje się go często po zakończeniu terminowania, niekiedy nadaje go mistrz, a wielu artystów nosi w ciągu swojego życia kilka takich imion – przy zmianie pracowni, przy przejęciu nazwiska rodowego lub po cezurze we własnej twórczości. Dwie sygnatury, które zdają się nie mieć ze sobą nic wspólnego, mogą zatem pochodzić od tej samej ręki. Dla poszukiwań oznacza to: Gō jest terminem do wyszukiwania, a nie dowodem tożsamości. W dynastiach garncarskich dochodzi dodatkowo nazwa linii, przekazywana z pokolenia na pokolenie.

Także: Gō, imię artystyczne, Gagō, przydomek artystyczny, nazwa pracowni

More about Gō in our topics

Gohonte 御本手

Gohonte (御本手) oznacza wzór delikatnych różowawych do jasnych plamek na szaro-beżowym tle, występujący przede wszystkim na czarkach do herbaty. Nie jest on malowany, lecz powstaje podczas wypału ze współdziałania żelazistej gliny z nałożoną na nią jasną glazurą popiołową i w ten sposób wydobywa się z samego czerepu. Nazwa wywodzi się od Gohon, wzorów zamówieniowych, za pomocą których japońscy mistrzowie herbaty od późnego XVI wieku zamawiali czarki w koreańskich piecach. Dziś Gohonte jest szczególnie ściśle związane z ceramiką z Hagi, gdzie obok Shira-Hagi i Ido-Hagi uznawane jest za odrębny wariant kolorystyczny.

Także: Gohon, Gohon-te, Gohon-Chawan

Goma 胡麻

Goma, po japońsku „sezam”, oznacza ziarniste nakrapiania popiołu na nieszkliwionej ceramice z Bizen, które wyglądają, jakby ktoś posypał powierzchnię ziarnami sezamu. Powstają one, gdy lotny popiół z trwającego wiele dni wypału drewnem osiada na skorupie i w tych miejscach topi się punktowo w szkliwo, nie zlewając się przy tym w jednolitą warstwę. Ziarna leżą gęsto po stronie zwróconej ku ogniowi, w stronę tylnej ścianki ich liczba maleje. Goma jest tym samym szczególną odmianą shizen-yū, naturalnego nalotu popiołu; gdy popiół spływa razem, tworząc wyraźną, zielonkawo połyskującą kałużę, mówi się wówczas o bidoro.

Także: Goma, Goma-Anflug, posypka popiołowa (goma), plamki popiołu, kropki popiołowe

Gosu 呉須

Gosu to zawierający kobalt środek malarski japońskiego malarstwa podszkliwnego: pigment mineralny, który nakłada się na wstępnie wypalony czerep przed wypałem szkliwiącym i który wytrzymuje wysoką temperaturę wypału bez uszkodzeń. Naturalne gosu nie jest czystym tlenkiem kobaltu, lecz rudą z domieszkami manganu i żelaza; nadają one historycznemu błękitowi jego szarawy, często przechodzący w szaroniebieski odcień. Przez długi czas materiał sprowadzano z Chin, później pozyskiwano go także w Japonii; dołączył do tego syntetycznie wytwarzany kobalt, którego błękit działa czyściej i chłodniej. Gosu jest zatem materiałem, natomiast sometsuke wykonaną przy jego użyciu techniką dekoracyjną.

Także: Gosu, błękit gosu, kobalt ceramiczny, pigment kobaltowy, tlenek kobaltu, asbolan

Guinomi ぐい呑

Guinomi (ぐい呑) to japońska czarka do sake przeznaczona do mocnego łyku – nieco większa i głębsza niż małe ochoko, wykonana najczęściej z ceramiki, rzadziej ze szkła. Nazwa nawiązuje do tego, że sake pije się w kilku łykach; odpowiednio taka czarka mieści zaledwie kilka łyków. Napełnia się ją z tokkuri, w Japonii tradycyjnie nie sobie, lecz osobie siedzącej naprzeciw. Guinomi nie jest miniaturową wersją chawan, lecz jest pomyślany do picia, a nie do przygotowywania: brakuje mu płaskiego dna potrzebnego do trzepaczki do herbaty. Ponieważ na małej przestrzeni widoczny jest charakter pisma garncarza, guinomi cieszą się popularnością wśród kolekcjonerów.

Także: czarka do sake, japońska czarka do sake, Gui-nomi, guinomi

Gyōsho 行書

Gyōsho (行書) to półkursywne pismo japońskiej kaligrafii, w którym poszczególne kreski znaku są ze sobą łączone, bez utraty jego podstawowej formy. Powstaje z płynnego, nieprzerywanego ruchu pędzla i sprawia wrażenie bardziej płynnego i osobistego niż pismo standardowe Kaisho, pozostając jednak wyraźnie bardziej czytelne niż silnie skrócone pismo trawiaste Sōsho. Tym samym Gyōsho zajmuje pozycję pośrednią wśród pięciu klasycznych stylów i było historycznie powszechnie stosowanym pismem do listów i notatek. W nauczaniu następuje ono zazwyczaj dopiero po pewnym opanowaniu Kaisho.

Także: Gyosho, Gyōsho-tai, Gyōsho, półkursywa, pismo półkursywne

More about Gyōsho in our topics

H

Hagi no Nanabake 萩の七化け

Hagi no Nanabake (萩の七化け), „siedem przemian Hagi”, oznacza powolną zmianę barwy, jaką przechodzi przedmiot z ceramiki z Hagi w trakcie użytkowania. Ponieważ szkliwo i czerep są porowate i pokryte drobną siecią pęknięć (Kannyū), herbata lub sake przenikają latami w głąb gliny i stopniowo zabarwiają początkowo jasną, różowo połyskującą powierzchnię na kolor bursztynowy do brunatnego. Liczba siedem nie jest rozumiana dosłownie, lecz oznacza, że taki przedmiot z biegiem lat wielokrotnie zmienia swoje oblicze. Znawcy nie widzą w tym oznak zużycia, lecz właściwe dojrzewanie – dlatego przedmioty z Hagi czyści się czystą wodą, ponieważ również płyn do mycia naczyń wnika w glinę.

Także: Nanabake, Siedem Przemian, Siedem Przemian z Hagi

More about Hagi no Nanabake in our topics

Hagi-yaki 萩焼

Hagi-yaki to japońska ceramika kamionkowa z miasta Hagi w prefekturze Yamaguchi, założona w 1604 roku przez koreańskich garncarzy pod rządami feudała Mōri Terumoto. Charakterystyczne jest jasne, półprzezroczyste szkliwo z drobną siecią pęknięć (Kannyū), przez którą herbata lub sake latami wnikają w porowaty czerep, stopniowo go przebarwiając – proces dojrzewania zwany Hagi no Nanabake, czyli „siedem przemian”. Wiele chawan nosi ponadto nacięcie w stopce, zwane Kirikodai. Obok Raku i Karatsu-yaki Hagi uchodzi za jedną z trzech tradycji najwyżej cenionych w ceremonii herbaty; w odróżnieniu od Raku formowanie odbywa się tu na kole garncarskim.

Także: Hagi-Yaki, ceramika z Hagi, Shira-Hagi, Hagi

Hakogaki 箱書き

Hakogaki to naniesiony pędzlem napis na drewnianym pudełku, w którym przechowywane jest japońskie dzieło sztuki. Ma on zaskakująco stały układ: na wieku lub na przedniej ściance widnieje nazwa obiektu, obok niej piec (yaki) lub styl, na kolejnej powierzchni imię i nazwisko artysty, a całość zamyka pieczęć lub odręczny kakihan. Napis sporządzany jest niemal zawsze w stylu sōsho, silnie uproszczonej kursywie, co utrudnia jego odczytanie nawet osobom znającym język japoński. Jeśli napis pochodzi od samego artysty lub jego pracowni, mówi się o tomobako. Pudełko sporządzone przez osobę trzecią, na przykład przez mistrza ceremonii herbaty, również nosi hakogaki – zaświadcza ono jednak o czymś innym.

Także: Hako-gaki, hakogaki, opis na pudle, opis na skrzynce, opis na wieku, napis na pudle

Hanko 判子

Hanko to sama pieczęć, niewielki sztabkowy stempel z kamienia, drewna, rogu lub kości słoniowej, na którego czole wyryte jest lustrzanie odwrócone imię lub nazwisko. W Japonii zastępuje on w codziennym życiu podpis; w sztuce uwierzytelnia obrazy, kaligrafie oraz opisy na drewnianych pudełkach. Jego odcisk powstaje przy użyciu Shuniku, czerwonej pasty cynobrowej, kładzie się gęsto i lekko wypukło, a jego brzegi są nieregularne – zwykła, jedynie wydrukowana pieczęć wygląda w porównaniu z tym płasko i równomiernie. Od Hanko należy odróżnić Rakkan, czyli sygnaturę i odcisk pieczęci jako całość, oraz Kakihan, który jest pisany, a nie odciskany pieczęcią. Wielu artystów posługuje się kilkoma Hanko jednocześnie.

Także: Inkan, hanko, pieczątka imienna, japońska pieczęć, pieczęć, stempel

Hannya Shingyō 般若心経

Hannya Shingyō (般若心経) to japońska nazwa Sutry Serca, jednego z centralnych tekstów buddyzmu mahajany, a zwłaszcza buddyzmu zen, który zawiera naukę o pustce (Shunyata) w 262 znakach pisma. Powstał prawdopodobnie między I a III wiekiem na północy Indii i przybiera formę dialogu między bodhisattwą Avalokiteśvarą a mnichem Śāriputrą; „Hannya” oddaje przy tym sanskryckie słowo Prajñā, mądrość. Ze względu na swoją zwięzłość i głębię myślową Sutra Serca jest najczęściej kopiowanym tekstem japońskiej kaligrafii i jako kakemono często zdobi domowe pomieszczenia do medytacji.

Także: Sutra Serca, Sutra Serca Pradźni, Hannya Shingyō, Prajnaparamita, Sutra Prajniaparamity, Hannya-Shingyo

More about Hannya Shingyō in our topics

Hasami-yaki 波佐見焼

Hasami-yaki to japońska porcelana z miasta Hasami w prefekturze Nagasaki, której piece według tradycji wywodzą się z 1599 roku od koreańskich garncarzy pozostających w służbie lenna Ōmura; wyniki wykopalisk wskazują jednak na nieco późniejszy okres działalności. W odróżnieniu od dworsko zorientowanych tradycji sąsiednich, Hasami od początku nastawione było na produkcję naczyń użytkowych w dużych ilościach: na proste miski kurawanka dla zwykłych ludzi oraz na butelki compra, w których eksportowano przez Nagasaki sos sojowy i sake. W późnym okresie Edo Hasami było największym producentem niebiesko-białej porcelany w Japonii. Ponieważ wyroby te przez długi czas sprzedawano pod nazwą Arita, pod własną nazwą występują dopiero od lat 2000. XXI wieku.

Także: Hasami-Yaki, porcelana z Hasami, ceramika z Hasami, Hasami

Hashira 柱

Hashira (柱, „słup“) to określenie dwóch pionowych pasów brokatu, które w oprawie japońskiego zwoju wiszącego (kakemono) przebiegają po lewej i prawej stronie Honshi. Należą one do Chūmawashi, wewnętrznego obramowania, i ograniczają dzieło po bokach, podczas gdy Ichimonji ujmuje je poziomo od góry i od dołu. Do Hashira zazwyczaj dobiera się spokojniejszą tkaninę niż do Ichimonji, aby obramowanie nie przyćmiewało dzieła; szerokość Hashira współkształtuje wygląd całej oprawy. To, jak szerokie będą i z jakiej tkaniny zostaną wykonane, zależy od wybranej formy oprawy.

Także: Hashira-Streifen, Seiteneinfassung, Seitenstreifen, Chūmawashi-Hashira, Chumawashi-Hashira

Hassō 八双

Hassō (八双) to wąska drewniana listwa na górnym końcu japońskiego zwoju wiszącego (kakemono), której przekrój ma kształt półksiężyca; używana jest dla niej także nazwa Hyōmoku. Do niej, za pomocą dwóch metalowych pierścieni (kan), przymocowany jest sznur do zawieszania Kakehimo, a przy zwijaniu to wokół niej ostatecznie owija się pas obrazu. W przeciwieństwie do dolnego drążka Jiku, który swoim ciężarem wygładza kakemono, Hassō jest celowo lekki: zamyka zwój od góry i podtrzymuje go, nie obciążając go. Razem Hassō i Jiku tworzą oba drewniane elementy poprzeczne, między którymi rozpięta jest cała oprawa.

Także: Hasso, Hachisō, Hyōmoku, górna listwa zwoju

More about Hassō in our topics

Hidasuki 緋襷

Hidasuki, dosłownie „ogniste sznury”, to pomarańczowoczerwone linie na nieszkliwionej ceramice z Bizen, powstające, gdy naczynie przed wypałem owija się słomą ryżową. Tam, gdzie słoma przylegała do gliny, składniki popiołu reagują z żelazem zawartym w scherbie, pozostawiając ostro zarysowane pasma na jasnym tle. Pierwotnie owijanie było praktycznym zabiegiem, dzięki któremu ułożone w stosy naczynia nie sklejały się ze sobą w piecu; dopiero później zaczęto świadomie poszukiwać tego rysunku. W przeciwieństwie do Goma czy Shizen-yū, Hidasuki nie powstaje na skutek osadzania się popiołu unoszącego się w powietrzu, lecz w wyniku bezpośredniego kontaktu – linia dokładnie odwzorowuje przebieg słomy.

Także: Hi-dasuki, Hidasuki, Hidasuki-Bizen, wzór z sznurów ognia, wzór ze słomy ryżowej, ślady po słomie ryżowej

Hira-jawan 平茶碗

Hira-jawan (平茶碗) to płaska, bardzo szeroko otwarta japońska czarka do herbaty przeznaczona na pełnię lata. Jej duża powierzchnia sprawia, że matcha szybciej stygnie, a wzrok pada na szeroką zieloną płaszczyznę, w której odbija się światło – obraz, który przynosi wrażenie chłodu, zanim jeszcze wypije się pierwszy łyk. Jest letnim przeciwieństwem wysokiej, cylindrycznej Tsutsu-jawan, która zimą zatrzymuje ciepło. Pomiędzy tymi dwiema skrajnościami znajduje się zwykła okrągła czarka, która sprawdza się przez cały rok. Sezonowa zmiana czarki należy do najbardziej wymownych cech japońskiej kultury herbaty.

Także: Hirajawan, Hira-chawan, płaska czarka do herbaty, letnia czarka do herbaty

Hirado-yaki 平戸焼

Hirado-yaki to starsza nazwa porcelany z pieców w Mikawachi, w dzisiejszym Sasebo, w prefekturze Nagasaki, nazwana od lenna Hirado, którego ród książęcy Matsura prowadził tę manufakturę od XVII wieku. Chodzi o ten sam wyrób co Mikawachi-yaki: bardzo biały, drobnoziarnisty czerep z kamienia porcelanowego z wyspy Hariojima oraz z Amakusa, powściągliwe malowanie podszkliwne w kolorze kobaltowego błękitu oraz wyszukane zdobienia ażurowe i reliefowe. Pod tą nazwą wyrób ten stał się w XIX wieku znany również poza Japonią. Od sąsiadującego Arita odróżnia go dworskie pochodzenie oraz rezygnacja z gęstych, płaskich dekoracji barwnych.

Także: Hirado-Yaki, porcelana Hirado, ceramika Hirado, Hirado

Hishaku 柄杓

Hishaku (柄杓) to bambusowa chochla japońskiej ceremonii herbaty, którą czerpie się gorącą wodę z żelaznego kotła Kama do czarki do herbaty i uzupełnia się zimną wodę z naczynia na świeżą wodę Mizusashi. Składa się z wydrążonego kawałka bambusa jako czerpaka i cienkiego trzonka, w którego środkowej części znajduje się węzeł bambusowy. Istnieją osobne wersje na obie połowy roku: do przenośnego paleniska na węgiel drzewny Furo, używanego w ciepłych miesiącach, trzonek jest dłuższy, a jego koniec ścięty ku dołowi, natomiast do wpuszczonego w podłogę paleniska Ro, używanego w chłodnych miesiącach, trzonek jest krótszy, a czerpak większy. Również odkładanie chochli podlega ustalonym formom.

Także: Hishaku, bambusowa chochla, chochla do wody, chochla, Hi-shaku

Hiyose ひよせ

Hiyose to bogata w żelazo glina, z której wykonywana jest nieszkliwiona ceramika z Bizen. Pozyskuje się ją w okolicach Imbe, historycznego centrum tej tradycji, przede wszystkim z głębszych warstw pod polami ryżowymi – jest to glina górska, przemieszczona i osadzona tam przez płynącą wodę. Jest drobnoziarnista i wyjątkowo plastyczna, a zarazem mało ogniotrwała, co współkształtuje powolny, trwający wiele dni wypał w piecach Bizen. Przed obróbką leżakuje na wolnym powietrzu przez miesiące, a nawet lata, po czym jest szlamowana i mieszana. Jej zastosowanie w Bizen datuje się najczęściej na koniec okresu Muromachi. Dopiero jej wysoka zawartość żelaza sprawia, że podczas wypału bez szkliwa powstają barwy i efekty, z których Bizen jest znane.

Także: Hiyose, glina Hiyose, ił Hiyose, Bizen-yaki, glina Bizen

Honshi 本紙

Honshi (本紙) to właściwe dzieło sztuki wewnątrz japońskiego zwoju wiszącego (kakemono) – wykonane na papierze lub jedwabiu malowidło albo kaligrafia, umieszczone pośrodku oprawy. Wszystko dookoła nie należy do niego: pasy brokatu obramowania, wąska górna listwa, dolny drążek. Podczas wykonywania oprawy Honshi zostaje przez hyōgu-shi podklejone kilkoma cienkimi jak włos warstwami washi, tradycyjnie klejem ze skrobi pszennej. Kto ocenia stan kakemono, patrzy na oba elementy osobno: odklejające się obramowanie jest problemem oprawy, natomiast pęknięcie przebiegające w poprzek Honshi dotyczy samego dzieła.

Także: Hon-shi, pole obrazu, podłoże obrazu, środkowa część zwoju wiszącego

Hoshino-yaki 星野焼

Hoshino-yaki to japońska tradycja ceramiczna z wioski Hoshino, dziś będącej częścią miasta Yame w prefekturze Fukuoka, która w okresie Edo funkcjonowała jako piec lenny rodu Arima z Kurume. Ponieważ okolica jest terenem uprawy herbaty, powstawały tam przede wszystkim naczynia do przechowywania herbaty oraz przybory do parzenia herbaty. Miejscowa glina zawiera dużo żelaza i uchodzi za trudną w obróbce; słynne jest rzadkie Yūhi-yaki, którego ścianki rozświetlają się złociście, gdy tylko naleje się do nich herbatę lub sake. W 1894 roku wygasł ostatni piec. Dopiero w 1969 roku Yamamoto Genta wznowił tę tradycję po blisko osiemdziesięciu latach; od tego czasu w wiosce powstały kolejne pracownie.

Także: Hoshino-Yaki, ceramika Hoshino, Hoshino

Hotei 布袋

Hotei to pękaty, wiecznie uśmiechnięty japoński bóg szczęścia, uosabiający zadowolenie i obfitość, na Zachodzie często nazywany „śmiejącym się Buddą”. Jego atrybutem jest wielki płócienny worek, w którym według legendy nosi prezenty dla dzieci; przedstawiany jest z odsłoniętym brzuchem, otwartym śmiechem i często z wachlarzem. Jego korzenie sięgają chińskiego buddyzmu, gdzie wywodzi się od postaci wędrownego mnicha. Hotei należy do Siedmiu Bogów Szczęścia, Shichifukujin, i obok Jurōjina jest tym, który w malarstwie najczęściej występuje samodzielnie – bez reszty grupy.

Także: Lachender Buddha, Budai, Hotei-son, Glücksgott Hotei, Hotei, Bóg Szczęścia Hotei, śmiejący się Budda

Hyōgu-shi 表具師

Hyōgu-shi (表具師) to japoński mistrz oprawy – rzemieślnik, który montuje malowidła i kaligrafie w zwoje wiszące (kakemono), parawany lub przesuwne drzwi. Jego praca nazywa się hyōgu: podkleja on honshi kilkoma cienkimi jak włos warstwami washi i klejem z krochmalu pszennego, dobiera pasy brokatu obramowania odpowiednio do motywu oraz osadza listwę, drążek, końcówki i sznur. Do jego zadań należy również remontaż, podczas którego dzieło zostaje całkowicie oddzielone od swoich starych warstw nośnych, oczyszczone i zbudowane od nowa. W Japonii taki zabieg planuje się tradycyjnie w odstępie mniej więcej stu do stu pięćdziesięciu lat.

Także: Hyogu-shi, Hyōgushi, Hyogushi, Montażysta, Montażysta zwojów wiszących

More about Hyōgu-shi in our topics

I

Ichimonji 一文字

Ichimonji (一文字) to wąskie poprzeczne pasy z cienkiego brokatu, które w oprawie japońskiego zwoju wiszącego (kakemono) znajdują się bezpośrednio nad i pod honshi. Nazwa pochodzi od znaku 一, oznaczającego „jeden” – pojedynczej poziomej kreski, której kształtowi odpowiadają te pasy. Tradycyjnie używa się do nich najkosztowniejszej tkaniny z całej oprawy, często przetykanej złotą nicią; górny pas wypada przy tym zazwyczaj szerszy niż dolny. Ichimonji obramowują dzieło i pośredniczą między nim a spokojniejszymi pasmami brokatu wokół – to szczegół, po którym dobrze poznać staranność wykonania oprawy.

Także: Ichi-monji, Ichimonji-jō, Ichimonji-ge, pasek brokatowy, pasy brokatowe

Iga-yaki 伊賀焼

Iga-yaki to japońska ceramika kamionkowa z miasta Iga w prefekturze Mie, powstająca z tych samych żaroodpornych złóż gliny prajeziora Biwa, co sąsiadująca Shigaraki. Samodzielną tradycją stała się w okresie Momoyama i na początku okresu Edo, gdy władcy prowincji Tsutsui Sadatsugu, a później Tōdō Takatora, zlecali tam wypalanie naczyń do ceremonii herbaty: pojemników na wodę i waz na kwiaty o wyraźnie surowej, często zniekształconej formie. Charakterystyczne są zielony spływ szkliwa z topionego lotnego popiołu (Bidoro), czarne ślady po ogniu oraz doczepiane, uchowate uchwyty. Właśnie na tej podstawie tradycja rozróżnia oba piece: „Iga ma uszy, Shigaraki ich nie ma”. Od połowy okresu Edo produkcję zdominowały żaroodporne garnki do gotowania.

Także: Iga-Yaki, ceramika Iga, Ko-Iga, Iga

Ikebana 生け花

Ikebana to japońska sztuka układania kwiatów, łącząca gałęzie, kwiaty i naczynie w świadomie skomponowaną, zwykle asymetryczną kompozycję. Inaczej niż w przypadku zachodniego bukietu liczy się nie obfitość, lecz linia: łodygi, przestrzenie między nimi i kierunek, w który wskazuje gałąź, są częścią kompozycji. Wybór naczynia zależy od stylu – płaskie, szerokie misy (suiban) do stylu moribana z kenzanem, wysokie wazony do kompozycji pionowych. Od ikebany należy odróżnić chabana, kwiat herbaciany: często wystarcza pojedyncza gałąź, a przewodnią myślą jest ułożenie kwiatu tak, jak rośnie on w polu.

Także: Kadō, Kado, sztuka układania kwiatów, japońska sztuka florystyczna, ikebana

Imari-yaki 伊万里焼

Imari-yaki oznacza japońską porcelanę z regionu wokół Arity w prefekturze Saga, którą wysyłano przez pobliski port Imari – nazwa odnosi się więc do drogi handlowej, a nie do miejsca wytworzenia. Od 1659 roku towar ten trafiał w dużych ilościach do Europy za pośrednictwem Holenderskiej Kompanii Wschodnioindyjskiej, po tym jak chiński eksport porcelany załamał się w okresie zmiany dynastii z Ming na Qing. W Europie stało się to zarazem nazwą dekoru: gęste malowanie w błękicie podszkliwnym z czerwienią i złotem naszkliwnym, w Japonii nazywane Kinrande. Historyczny towar eksportowy nosi nazwę Ko-Imari. W Japonii dziś za Imari-yaki uznaje się przede wszystkim porcelanę z obszaru miasta Imari, natomiast towar z Arity określa się jako Arita-yaki.

Także: Imari-yaki, Ko Imari, ceramika Imari, dekor Imari

Ishigaki-yaki 石垣焼

Ishigaki-yaki to młoda ceramika japońska z wyspy Ishigaki w prefekturze Okinawa, której piec został otwarty w 1999 roku przez Kaneko Haruhiko. Jej cechą charakterystyczną jest specjalnie opracowana metoda, w której przezroczyste szkło zostaje stopione ze szkliwem Yuteki-Tenmoku: na czarnym, srebrzyście nakrapianym podłożu szkliwa leży warstwa szkła, która odtwarza prześwitujący błękit otaczających raf i dlatego nazywana jest błękitem Ishigaki (Ishigaki-Blau). W przeciwieństwie do dawnych tradycji z głównej wyspy, Ishigaki-yaki nie odwołuje się do historycznego pieca, lecz do nowoczesnej techniki; przedmioty tego rodzaju znajdują się między innymi w zbiorach British Museum.

Także: Ishigaki-Yaki, ceramika Ishigaki-yaki, Ishigaki

Iwami-yaki 石見焼

Iwami-yaki to japońska ceramika kamionkowa z okolic Gōtsu i Hamady w zachodniej części prefektury Shimane, dawnej prowincji Iwami, której początki sięgają połowy XVIII wieku. Jest to wyraźnie ceramika użytkowa: sławę zyskały Handō, wielkie dzbany na wodę, wypalane masowo w okresie Meiji i rozprowadzane po całym kraju za pośrednictwem żeglugi Kitamae. Miejscowa glina znosi wysokie temperatury wypału i daje gęsty, odporny na kwasy i sól czerep. Jako szkliwo służy najczęściej głęboko czerwonobrązowe Kimachi lub niebieskawo prześwitujący naciek ze skały Yunotsu. Duże naczynia formuje się w technice wałeczkowej.

Także: Iwami-yaki, Iwami yaki, ceramika Iwami, Gōtsu-yaki, Iwami

Izushi-yaki 出石焼

Izushi-yaki to japońska porcelana z dzielnicy Izushi w mieście Toyooka w prefekturze Hyōgo. Podstawą jest kamień porcelanowy odkryty w 1789 roku w Kakitani, wyjątkowo ubogi w żelazo; w 1793 roku, z pomocą specjalisty z Hizen, udało się przeprowadzić pierwszy wypał porcelany, po czym starszy piec garncarski tej miejscowości przestawiono na porcelanę. Efektem jest niemal czysto biały czerep, który pozostaje najczęściej niemalowany; ozdobę stanowi sama obróbka, czyli rzeźbione reliefy i ażurowe wycinanki. Właśnie na tym polega różnica w stosunku do Arity, gdzie efekt niosą malatura błękitna i wielobarwna.

Także: Izushi-yaki, Izushi Porzellan, Izushi-Hakuji, Izushi

J

Jiki 磁器

Jiki to japońskie określenie porcelany: gęsto spieczony w temperaturze od około 1250 do 1400 stopni czerep wykonany z kamienia porcelanowego lub kaolinu, biały i nieprzepuszczający wody, w cienkich miejscach przeświecający, a przy uderzeniu wydający jasny dźwięk. W Japonii Jiki wytwarza się dopiero od początku XVII wieku, najpierw w Arita; do tej grupy należą Imari-yaki, Kutani-yaki, Hirado-yaki i Nabeshima-yaki. Od Tōki, porowatego, kolorowego kamionki, różni się surowcem, temperaturą wypału i gęstością – a w użytkowaniu tym, że nie wchłania płynów. Oba razem tworzą dziedzinę Yakimono.

Także: Porcelana, porcelana jiki, japońska porcelana, porcelana twarda

Jiku 軸

Jiku (軸) to okrągły drążek u dolnego końca japońskiego zwoju wiszącego, wokół którego zwija się pas obrazu; pełna nazwa brzmi Jikugi (軸木). Jego ciężar rozprostowuje kakemono, dzięki czemu wisi ono spokojnie na ścianie. Znak 軸 oznacza oś lub wał i dlatego występuje także w słowie Kakejiku, czyli „wiszącej osi”. Od Jiku należy odróżnić Jikusaki (軸先), jego widoczne końcówki z kości, drewna, ceramiki lub tworzywa sztucznego: drążek jest elementem nośnym, a Jikusaki są ozdobnymi zakończeniami na jego obu końcach.

Także: Jikugi, drążek do zwijania, dolny drążek zwoju, wałek zwoju

Jikusaki 軸先

Jikusaki (軸先) to widoczne końcówki dolnego wałka japońskiego zwoju wiszącego (kakemono) – dwa gałki wystające z lewej i prawej strony poza pas obrazu. Wykonuje się je z kości, toczonego drewna, ceramiki, laki lub tworzywa sztucznego, a ich materiał stanowi użyteczną wskazówkę co do staranności wykonania oprawy: kość, drewno i ceramika świadczą o starannej pracy, błyszczące tworzywo sztuczne raczej o prostej lub późniejszej. Należy je odróżnić od samego jiku, czyli wałka, na którego końcach się znajdują. Przez jikusaki przekłada się także sznurki fuchin.

Także: Jiku-saki, końcówki drążka, końcówki drążka zwoju, zakończenia drążka zwoju wiszącego (kakemono)

Jurōjin 寿老人

Jurōjin to japoński bóg długiego życia, przedstawiany jako stary uczony o wysokim czole, z długą białą brodą i laską. W malarstwie towarzyszy mu niemal zawsze jeleń lub żuraw – oba zwierzęta symbolizują w Japonii długowieczność. Należy do Siedmiu Bogów Szczęścia, Shichifukujin, i wywodzi się z tradycji chińskiej. Obrazy przedstawiające Jurōjin są popularnym podarunkiem z okazji okrągłych urodzin. Od Fukurokuju, który również symbolizuje długie życie i ma to samo charakterystycznie wysokie czoło, nie zawsze można go jednoznacznie odróżnić na przedstawieniach.

Także: Jurojin, Juroujin, Jurōjin, bóg długiego życia

More about Jurōjin in our topics

K

Kachō-ga 花鳥画

Kachō-ga (花鳥画, „obraz kwiatów i ptaków“) to japoński gatunek malarstwa kwiatowo-ptasiego, w którym rośliny, ptaki i owady pojawiają się zwykle na tle skąpo zarysowanego fragmentu przyrody. Gatunek ten wywodzi się z malarstwa chińskiego i był w Japonii uprawiany niemal przez wszystkie szkoły; Araki Kanpō (1831–1915) uchodzi za jednego z jego najwybitniejszych przedstawicieli okresu Meiji. Kachō-ga łączy dokładną obserwację przyrody z wyraźnym odniesieniem do pory roku, dlatego takie zwoje wiszące (kakemono) tradycyjnie zawiesza się stosownie do sezonu. W odróżnieniu od malarstwa pejzażowego sansui, które prowadzi spojrzenie w dal, kachō-ga operuje w bliskim planie i czerpie z pojedynczego, dokładnie obserwowanego szczegółu.

Także: Kachoga, Kacho-ga, Kachōga, Kachō-ga, malarstwo kwiatów i ptaków, obraz kwiatowo-ptasi

More about Kachō-ga in our topics

Kaisho 楷書

Kaisho (楷書) to pismo regularne japońskiej kaligrafii: każda kreska stawiana jest osobno, wyraźnie zakończona i wykonywana w przepisanej kolejności, dzięki czemu znaki pozostają czytelne i wyraźne. Uznawane jest za podstawę nauki kaligrafii, ponieważ to właśnie w nim najwyraźniej widać budowę i proporcje znaku, a zarazem służy jako wzór dla drukowanych krojów pisma. Wśród pięciu klasycznych stylów Kaisho zajmuje miejsce pomiędzy starszym pismem kanclerskim Reisho a formami łączonymi: w porównaniu z półkursywnym Gyōsho i silnie skróconym Sōsho pozostaje surowe i spokojne. Odpisy sutr wykonuje się często właśnie w stylu Kaisho.

Także: Kaisho-tai, pismo regularne, pismo standardowe, styl kaisho

Kakehimo 掛緒

Kakehimo (掛緒) to sznur do zawieszania japońskiego zwoju wiszącego. Jest przymocowany za pomocą dwóch metalowych pierścieni do wąskiej górnej listwy i podczas zawieszania zakłada się go na hak w ścianie – i to jeszcze wtedy, gdy obraz jest w pełni zwinięty, dopiero potem pozwala się pasmu powoli się rozwinąć. Przy zdejmowaniu kolejność się odwraca: najpierw zwinięcie, następnie zdjęcie, a potem staranne owinięcie sznura wokół zwoju i zabezpieczenie go taśmą wiążącą. Wystarczająco mocno, aby nic się nie rozluźniło, ale nie na tyle ciasno, by taśma wpijała się w jedwab.

Także: Kake-himo, sznur do zawieszania, sznurek do zawieszania, sznur do zwoju wiszącego

Kakejiku 掛軸

Kakejiku (掛軸) to japoński zwój wiszący, czyli wykonany na papierze lub jedwabiu obraz malarski lub kaligraficzny, zamontowany w tekstylnym obramowaniu i zwijany wokół dolnego okrągłego drążka. Dosłownie termin ten oznacza „wiszący zwój” lub „wiszącą oś”, podkreślając tym samym ruchomą konstrukcję złożoną z drążków, pasów brokatu i sznura do zawieszania. We współczesnym języku Kakejiku i Kakemono (掛物) oznaczają w dużej mierze to samo. Kakemono jest przy tym określeniem ogólniejszym dla dzieła wiszącego, Kakejiku zaś fachowo węższym określeniem zamontowanego zwoju; w praktyce oba terminy używane są zazwyczaj synonimicznie.

Także: Kakemono, Kake-jiku, japoński zwój wiszący, Kakejiku, zwój wiszący

Kakemono 掛物

Kakemono (掛物) to japoński zwój wiszący: malowidło lub kaligrafia na papierze lub jedwabiu, otoczone oprawą z jedwabnego brokatu, zamkniętą u góry wąską listwą, a u dołu cięższym drążkiem, wokół którego zwija się pas. W odróżnieniu od oprawionego w ramę obrazu nie wisi on na stałe na ścianie, lecz jest wydobywany z okazji lub na daną porę roku – tradycyjnie do tokonoma – a następnie ponownie przechowywany w swojej drewnianej skrzynce. Termin oznacza dosłownie „rzecz wisząca” i używany jest dziś w dużej mierze jako synonim kakejiku (掛軸), które silniej podkreśla zwijalną formę z drążkami.

Także: kakemono, kakejiku, zwój wiszący, zwój japoński, japoński zwój, zwój, obraz na zwoju

Kakiemon 柿右衛門

Kakiemon to styl dekoracyjny japońskiej porcelany z Arity w prefekturze Saga, nazwany od rodziny garncarzy Sakaida Kakiemon, która wykształciła go w drugiej połowie XVII wieku. Podstawą jest czerep zwany nigoshide, o ciepłej, mlecznobiałej barwie przypominającej wodę po płukaniu ryżu. Na nim nakładane jest malowanie naszkliwne w ciepłych tonach czerwieni i pomarańczu, żółci, zieleni i błękitu, rozmieszczone asymetrycznie i celowo pozostawiające duże wolne powierzchnie; błękit podszkliwny z reguły nie występuje, a brzeg często pokrywa żelazistobrązowy pasek. W przeciwieństwie do gęsto malowanego dekoru Imari, Kakiemon czerpie swój wyraz z pozostawionej wolnej bieli. W 1971 roku technika nigoshide została uznana za ważne niematerialne dobro kultury Japonii.

Także: Kakiemon-yaki, styl Kakiemon, porcelana Kakiemon, Nigoshide

Kakihan 花押

Kakihan to odręczny monogram, wykształcony z imienia i nazwiska jego posiadacza i kreślony pędzlem jednym pociągnięciem. Spotyka się go przede wszystkim w hakogaki, czyli opisie na drewnianym pudełku, zwykle pod nazwiskiem artysty lub obok niego, gdzie zajmuje miejsce pieczęci. W przeciwieństwie do hanko nie wymaga narzędzia: jest rysowany, a nie odciskany, dlatego przy każdym zapisaniu wypada nieco inaczej. Historycznie forma ta sięga średniowiecznych dokumentów, w których zastępowała podpis. Dla przypisania danego dzieła kakihan jest jedną z kilku wskazówek, a nie dowodem autentyczności.

Także: Kaō, monogram pędzlem, sygnatura odręczna, odręczna pieczęć

Kama 釜

Kama (釜) to żeliwny czajnik do gotowania wody używany w japońskiej ceremonii parzenia herbaty, w którym woda na matcha jest podgrzewana i utrzymywana w cieple przez całe spotkanie; jego dokładniejsza nazwa to Chagama, czajnik do herbaty. W zależności od pory roku stoi on na przenośnym piecyku węglowym Furo lub nad wpuszczonym w podłogę paleniskiem Ro; po bokach znajdują się dwa uszka na zdejmowane uchwyty do przenoszenia. Za centra odlewnictwa kotłów uznaje się od XV wieku Ashiya w dzisiejszej prefekturze Fukuoka, Tenmyō w dzisiejszym Sano oraz Kyōto. Nie należy mylić 釜 z identycznie brzmiącym 窯, czyli piecem do wypalania, jak w Anagama czy Noborigama.

Także: Chagama, czajnik do herbaty, kocioł do wody, kama, czajnik ceremonii herbacianej

Kana 仮名

Kana (仮名) to japońskie sylabariusze, których znaki, w odróżnieniu od kanji, nie niosą własnego znaczenia, lecz oddają każdy jedną sylabę. Istnieją dwa zestawy po 46 znaków podstawowych: zaokrąglone hiragana i kanciaste katakana, oba powstałe poprzez uproszczenie kanji. W kaligrafii kana oznacza zazwyczaj hiragana, pisane miękko łączonymi, niemal malarsko działającymi pociągnięciami, pielęgnowane historycznie zwłaszcza na dworze cesarskim i w dworskiej poezji. Haiku i tanka do dziś tradycyjnie kaligrafuje się w stylu kana, często w połączeniu ze zredukowanym, pełnym niedopowiedzeń malarstwem tuszem.

Także: Hiragana, Katakana, pismo kana, sylabariusz

Kanji 漢字

Kanji (漢字, „chińskie znaki”) to przejęte z Chin znaki pisma japońskiego, z których każdy oznacza określone znaczenie i zwykle posiada kilka odczytań – jedno wywodzące się z języka chińskiego i jedno japońskie. Dotarły do Japonii wraz z sutrami buddyjskimi i do dziś stanowią podstawę kaligrafii: pojedyncze kanji, takie jak „miłość”, „szczęście” czy „spokój”, jako zwój wiszący (kakemono) niesie ze sobą całe dzieło. Do użytku codziennego urzędowa lista określa 2136 znaków. W przeciwieństwie do kana, które oddają jedynie sylaby, kanji przekazują znaczenie – to jeden z powodów, dla których oddziałują nawet bez znajomości języka.

Także: Kanji, znaki kanji, japońskie znaki, chińskie znaki, znaki chińskie, hanzi, znaki han

Kannon 観音

Kannon to japońska nazwa bodhisattwy współczucia, który po sanskrycku nazywa się Avalokiteshvara, a po chińsku Guanyin. W Japonii Kannon przedstawiany jest przeważnie w postaci o kobiecym wyglądzie: spokojna, często lekko pochylona twarz, zamknięte lub półprzymknięte oczy, kunsztowne nakrycie głowy. Postać ta uchodzi za pomocnicę w potrzebie i należy do najczęściej przedstawianych motywów buddyjskich w sztuce japońskiej – zarówno w malarstwie, jak i w ceramice, na przykład jako nieszkliwiona figurka Bizen-yaki. Oprócz prostej formy podstawowej zachowało się wiele form pojawiania się, w tym tysiącramienna Senju-Kannon oraz Byakue-Kannon w białej szacie.

Także: Kannon Bosatsu, Kanzeon, Guanyin, Avalokiteshvara

Kannyū 貫入

Kannyū to nazwa delikatnej sieci pęknięć, która powstaje podczas stygnięcia w szkliwie naczynia, ponieważ szkliwo i czerep kurczą się w różnym stopniu. W Europie zjawisko to znane jest jako kraklura i nie jest wadą: pęknięcia przebiegają wyłącznie przez warstwę szkliwa. Wiele tradycji celowo do niego dąży – w przypadku ceramiki z Hagi sieć pęknięć uchodzi za cechę charakterystyczną, podobnie jak przy szkliwach seladonowych. Jeśli czerep jest porowaty, herbata z biegiem lat wnika w pęknięcia i je zabarwia, dzięki czemu wzór pogłębia się wraz z użytkowaniem. Od kannyū należy odróżnić prawdziwe pęknięcie, które przechodzi przez szkliwo i czerep na wskroś.

Także: Kannyū, Craquelé, Kannyu, siatka spękań, sieć rys, spękania włoskowate, rysy szkliwa, spękania szkliwa

More about Kannyū in our topics

Kanō-Schule 狩野派

Szkoła Kanō (狩野派) była najbardziej wpływową japońską szkołą malarską wczesnej epoki nowożytnej, kierowaną przez pokolenia przez jedną rodzinę artystów i pełniącą funkcję oficjalnej szkoły malarskiej szogunatu. Jej styl łączył chińskie techniki malarstwa tuszem z intensywnymi kolorami i złotym tłem, kształtując przede wszystkim wielkoformatowe malowidła ścienne, na przesuwnych drzwiach oraz na parawanach. Za założyciela tradycyjnie uznaje się Kanō Masanobu (1434–1530); od okresu Muromachi aż po okres Edo (1603–1868) rodzina wyznaczała oficjalny gust, a jeszcze malarze okresu Meiji, tacy jak Hashimoto Gahō, wywodzili się z jej szkolenia. W przeciwieństwie do kierunku Rinpa szkoła Kanō stanowiła zamkniętą tradycję rodzinną i warsztatową o ściśle ustalonym toku nauczania.

Także: Kano-Schule, Kanō-ha, Kano-ha, Kanō-Malschule, szkoła Kanō, szkoła Kano

More about Kanō-Schule in our topics

Kanzake 燗酒

Kanzake (燗酒) to podgrzewane sake japońskie podawane na ciepło. Nie jest ono podgrzewane bezpośrednio na ogniu, lecz poprzez umieszczenie napełnionej butelki tokkuri w gorącej kąpieli wodnej; przyjęte temperatury wynoszą zwykle od 40 do 50 stopni. Dla poszczególnych stopni japońska kultura picia zna własne nazwy: Hinatakan oznacza około 30 stopni, Hitohadakan temperaturę ciała, Nurukan około 40, Jōkan około 45, Atsukan około 50 stopni, a wszystko powyżej nazywa się Tobikirikan. Mocne, wyraziste w smaku ryżu odmiany zyskują po podgrzaniu na umami, podczas gdy owocowe, aromatyczne odmiany premium pija się zazwyczaj schłodzone.

Także: Kan-zake, sake podgrzewane, ciepłe sake, Atsukan

Karatsu-yaki 唐津焼

Karatsu-yaki to japońska ceramika kamionkowa z regionu wokół Karatsu w prefekturze Saga w północnej części Kiusiu, powstała pod koniec XVI wieku pod silnym wpływem koreańskiej techniki garncarskiej. Wykonuje się ją z grubej, żelazistej gliny i celowo skąpego szkliwa, dzięki czemu ziarnisty czerep – zwłaszcza na nieszkliwionej stopce – pozostaje widoczny; typowe są ziemiste odcienie brązu, szarości i bieli. Znanymi odmianami są malowane tlenkiem żelaza E-Garatsu oraz Chōsen-Garatsu, w którym zlewają się ze sobą ciemne szkliwo żelazowe i białe szkliwo z popiołu słomy. W tradycyjnej hierarchii czarek do herbaty Karatsu-yaki plasuje się po Raku-yaki i Hagi-yaki; od pobliskiego Arita-yaki odróżnia je tworzywo.

Także: Karatsu-Yaki, ceramika z Karatsu, E-Garatsu, Chōsen-Garatsu, Karatsu

Kasama-yaki 笠間焼

Kasama-yaki to japońska ceramika kamionkowa z miasta Kasama w prefekturze Ibaraki, uznawana za najstarszy ośrodek ceramiczny regionu Kantō. Powstała w erze An'ei (1772–1781), kiedy naczelnik wsi Kuno Han'emon, korzystając ze wskazówek garncarza z Shigaraki, wzniósł piec. Wykorzystywana jest żelazista, bardzo plastyczna glina z zwietrzałego granitu, która bez szkliwa wypala się na kolor od rdzawobrązowego do ciemnego. Aż do okresu powojennego powstawały tu głównie naczynia zapasowe na potrzeby aglomeracji Edo; później miejscowość otworzyła się na swobodną ceramikę artystyczną, dlatego Kasama-yaki nie zna obowiązującego kanonu stylistycznego. Sąsiednie Mashiko zostało założone w 1853 roku przez garncarza wykształconego w Kasamie.

Także: Kasama-Yaki, ceramika z Kasama, Kasama

Kensui 建水

Kensui (建水) to naczynie na zużytą wodę w japońskiej ceremonii herbaty, do którego gospodarz wylewa wodę, którą podgrzał czarkę do herbaty i wypłukał trzepaczkę do herbaty. Wykonywane jest najczęściej z ceramiki, rzadziej z miedzi lub mosiądzu, z szeroko rozchylonym wylewem, tak by chawan można było nad nim czysto opróżnić. Uznawane jest za naczynie o najniższej randze wśród przyborów używanych podczas spotkania i dlatego stoi blisko po lewej stronie gospodarza, poza polem widzenia gości – inaczej niż naczynie na świeżą wodę mizusashi, które ustawiane jest w widocznym miejscu i podlega wspólnemu oglądaniu. Starsza nazwa brzmi mizukoboshi.

Także: Abwassergefäß, Mizukoboshi, Koboshi, Abwasserbehälter, kensui, naczynie na wodę, pojemnik na zużytą wodę

Kenzan 剣山

Kenzan (剣山, dosłownie „mieczowa góra”) to podstawka z igłami do ikebany: ciężka płyta, najczęściej z ołowiu, z której gęsto obok siebie wystają krótkie metalowe kolce, na które nabija się gałązki i łodygi. Leży w płaskim naczyniu, suiban, pod powierzchnią wody i utrzymuje materiał pod dowolnym żądanym kątem; dopiero to umożliwia styl moribana. Ogólnie takie narzędzie pomocnicze nazywa się hanadome, czyli uchwyt do kwiatów; kenzan upowszechnił się pod koniec okresu Meiji i na początku okresu Taishō, przy czym wynalezienie go przypisuje się kilku osobom i uznaje się je za niewyjaśnione. Nie należy go mylić z Ogatą Kenzanem, garncarzem i malarzem z Kioto.

Także: Kenzan, jeżyk kwiatowy, jeżyk do kwiatów, igielnik ikebana, Hanadome

Keshiki 景色

Keshiki, dosłownie „krajobraz” lub „sceneria”, to japońskie określenie wszystkiego, co wydarzyło się podczas wypału na powierzchni naczynia: spływu roztopionego szkliwa, osiadania popiołu, stref przepalenia, sieci pęknięć, plam i przebarwień. Nie jest to postrzegane jako lista usterek, lecz jak obraz krajobrazowy – z pierwszym planem, horyzontem i pogodą. W ceremonii herbaty posuwa się to tak daleko, że najbardziej wyraziste miejsce keshiki decyduje o tym, która strona uznawana jest za shōmen, czyli stronę przednią – i to właśnie ją gospodarz zwraca w stronę gościa. Naczynie ma więc stronę reprezentacyjną, której nikt nie zaprojektował.

Także: Landschaft, sceneria, pejzaż powierzchni, pejzaż wypału

Ki-Seto 黄瀬戸

Ki-Seto, „żółte Seto”, jest jednym z czterech wielkich stylów ceramiki regionu Mino w dzisiejszej prefekturze Gifu i wyróżnia się delikatnym, zwykle cienko nakładanym żółtym szkliwem. Tradycyjnie Ki-Seto służyło przede wszystkim eleganckiej zastawie kuchni kaiseki. Podobnie jak Shino, Oribe i Setoguro, styl ten powstał w okresie Momoyama w otoczeniu ceremonii herbaty, choć jego nazwa odnosi się do sąsiedniego Seto – przyporządkowanie, które było powszechnie przyjęte przez długi czas, zanim wykopaliska XX wieku potwierdziły istnienie pieców z okresu Momoyama w Mino. Od Shino odróżnia Ki-Seto cienka, żółtawa warstwa szkliwa w przeciwieństwie do grubego, mlecznobiałego szkliwa skaleniowego tego stylu.

Także: Kiseto, Ki-Seto-yaki, Żółte Seto, Ki Seto, Kizeto-yaki

Kinrande 金襴手

Kinrande, „styl złotej brokatowej tkaniny”, to dekoracja porcelanowa łącząca podszkliwny błękit, naszkliwne malowanie na czerwono oraz złoto, nazwana na cześć przetykanych złotą nicią jedwabnych tkanin, na których wzorowano ten dekor. Powstaje on w dwóch wypałach: najpierw czerep pokrywa się malowidłem z zawierającego kobalt gosu, następnie nakłada się szkliwo i wypala w temperaturze około 1300 stopni, po czym na gotowe szkliwo nakładane są żelazista czerwień i złoto, wypalane w niższej temperaturze. Styl ten daje się uchwycić w Arita pod koniec XVII wieku, nawiązując do starszych chińskich porcelan w stylu złotego brokatu z okresu Ming. W Europie znany jest jako dekor Imari – gęste, pokrywające całą powierzchnię malowanie powstało przede wszystkim z myślą o rynku eksportowym.

Także: Kinran-de, Kinrande, dekoracja Goldbrokat, złoty dekor, dekoracja Imari, porcelana Kinrande

Kintsugi 金継ぎ

Kintsugi, dosłownie „złote łączenie”, to japońska technika sklejania miejsc pęknięcia w ceramice lakierem urushi i posypywania powstałej spoiny sproszkowanym złotem, srebrem lub cyną. Naprawa nie jest więc ukrywana, lecz podkreślana: linia pęknięcia pozostaje widoczna jako delikatny rys i od tej pory należy do historii przedmiotu. Wykonana w sposób tradycyjny trwa tygodniami, ponieważ każda warstwa lakieru musi utwardzać się w wilgotnym cieple; dostępne w sprzedaży zestawy z żywicą syntetyczną są skrótem i nie nadają się bez zastrzeżeń do naczyń do picia. W estetyce wabi-sabi taka spoina nie jest uważana za skazę, lecz za dowód na to, że przedmiot przeżył swoją historię.

Także: Kintsukuroi, złota naprawa, złota reperacja, naprawa Kintsugi, złoty kit, kintsugi

Kiri 桐

Kiri (桐) to drewno drzewa Paulownia (glejcznia), pochodzące z drzewa nazywanego po niemiecku najczęściej Paulownie – klasyczny materiał na skrzynki do przechowywania japońskich obiektów sztuki. Jest wyjątkowo lekkie, a zarazem stabilne kształtem, słabo przewodzi ciepło i łagodzi wahania wilgotności powietrza, dlatego w Japonii od dawna przechowuje się w nim także kimona, dokumenty i instrumenty muzyczne. W Japonii dawniej zwyczajem było sadzenie drzewa Paulownia przy narodzinach córki i przetwarzanie go na mebel do posagu z okazji jej ślubu. Termin ten oznacza materiał, a nie pojemnik: skrzynka z tego drewna nazywa się kiribako.

Także: Paulownia, drewno paulowni, drewno kiri, kiri, drzewo cesarskie

Kiribako 桐箱

Kiribako (桐箱) to pudełko do przechowywania wykonane z kiri, drewna drzewa paulowni (Paulownia), stosowane w Japonii do przechowywania ceramiki, zwojów wiszących (kakemono), kimon i dokumentów. Kiri jest wyjątkowo lekkie i stabilne kształtowo, łagodzi wahania wilgotności i zawiera substancje odstraszające owady – stąd jego długa tradycja jako drewna magazynowego. Sam termin określa jedynie materiał: kiribako to prosta skrzynka z drewna paulowni. Jeśli natomiast nosi kaligraficzny opis oraz pieczęć artysty, mówi się o tomobako (共箱). W praktyce oba terminy są często używane zamiennie.

Także: Paulownia-Box, Kiri-Box, Kiribako, skrzynka z drewna pawłowni, pudełko z drewna pawłowni

Kirikodai 切高台

Kirikodai (切高台) to nazwa małego, zwykle klinowatego nacięcia wykonanego w stopce japońskiej czarki do herbaty. Najściślej wiąże się ono z ceramiką z Hagi, gdzie bardzo wiele egzemplarzy chawan je nosi. Co do jego pochodzenia istnieje kilka wyjaśnień; najbardziej rozpowszechnione mówi, że wyroby z Hagi w okresie Edo były zastrzeżone dla rodu lennego Mōri, a garncarze poprzez celowo wprowadzone „uszkodzenie” stopki dopuszczali dane sztuki do wolnej sprzedaży. Od kirikodai należy odróżnić warikodai, czyli stopkę podzieloną kilkoma nacięciami. Dziś nacięcie to jest szczegółem zdobniczym, w którym uwidacznia się indywidualny charakter pracy garncarza.

Także: Kiri-kodai, Kirikōdai, karbowana stopka, nacięcie na stopce

Kiyomizu-yaki 清水焼

Kiyomizu-yaki to ceramika z pieców na zboczach poniżej kiotoskiej świątyni Kiyomizu-dera, a więc ściśle rzecz biorąc, podzbiór Kyō-yaki, czyli ceramiki z całego miasta. Pierwotnie nazwa ta oznaczała wyłącznie wyroby z okolic Gojōzaka, stromej uliczki prowadzącej w górę do świątyni. Ponieważ pozostałe kiotoskie ośrodki wypału z czasem zanikły, ta jedna nazwa się utrzymała i dziś jest najczęściej używana jako synonim Kyō-yaki; rzemiosło to jest uznane przez państwo od 1977 roku pod podwójną nazwą Kyō-yaki · Kiyomizu-yaki. Od lat 60. XX wieku wiele pracowni działa w dzielnicy Yamashina, która do dziś nosi nazwę Kiyomizu-yaki-Danchi.

Także: Kiyomizu-Yaki, ceramika z Kiyomizu, Kiyomizu

Ko-Imari 古伊万里

Ko-Imari, „stare Imari”, oznacza historyczną porcelanę z okresu Edo z regionu Hizen wokół Aricie, w węższym znaczeniu towar eksportowy XVII i XVIII wieku, wysyłany przez port Imari. Termin ten jest kategorią kolekcjonerską i datującą, a nie oznaczeniem pochodzenia czy warsztatu: piece z reguły nie sygnowały swojego towaru eksportowego, dlatego duże, zwarte zbiory, takie jak kolekcja Shibata w Muzeum Ceramiki Kyūshū, mają decydujące znaczenie dla klasyfikacji. Na rynku europejskim pojęcie Ko-Imari bywa używane bardziej swobodnie niż w japońskiej literaturze fachowej i oznacza tam zazwyczaj po prostu przedmiot w starym dekorze eksportowym.

Także: Koimari, Altes Imari, Ko-Imari, porcelana Ko-Imari

Ko-Kutani 古九谷

Ko-Kutani, „stare Kutani”, oznacza porcelanę zdobioną kolorowym malowaniem naszkliwnym z połowy XVII wieku, tradycyjnie przypisywaną pierwszemu piecowi we wsi Kutani. Charakterystyczne jest mocne, często pokrywające całą powierzchnię malarstwo z pejzażami, ptakami i roślinami w pięciokolorowym stylu Gosai-de, a także wariant Aote, który rezygnuje z czerwieni i całkowicie pokrywa powierzchnię. Po mniej więcej pięćdziesięciu latach piec ten zgasł z przyczyn do dziś ostatecznie niewyjaśnionych; dopiero na początku XIX wieku, wraz z Saiko-Kutani, nastąpiło jego odrodzenie. Samo przypisanie jest sporne: wyniki wykopalisk wskazują, że znaczna część tych wyrobów powstała w Arita.

Także: Kokutani, Ko-Kutani, styl ko-kutani, porcelana ko-kutani, Kutani-yaki, ceramika ko-kutani

Kōan 公案

Kōan to paradoksalne zadanie ćwiczeniowe w buddyzmie zen – pytanie, powiedzenie lub krótkie zdarzenie, które nauczyciel zadaje uczniowi i którego nie można rozwiązać za pomocą logicznego myślenia. Wyrażenie pochodzi z chińskiego języka urzędowego i pierwotnie oznaczało akt urzędowy pewnego organu, czyli wiążący precedens. Kōan przekazywane są w zbiorach takich jak Mumonkan mnicha Mumona Ekai (1183–1260), którego pierwszy przypadek to słynne „Mu” mistrza Jōshū; tradycyjnie mówi się o około 1700 przypadkach. Z kōan pracuje przede wszystkim szkoła Rinzai, podczas gdy szkoła Sōtō stawia w centrum bezcelową medytację siedzącą shikantaza.

Także: Kōan, Zen-kōan, zagadka zen, ćwiczenie kōan

More about Kōan in our topics

Kobori Enshū 小堀遠州

Kobori Enshū (小堀遠州, 1579–1647) był japońskim daimyō, budowniczym i mistrzem herbaty wczesnego okresu Edo oraz uczniem Furuty Oribe. Jego ideał herbaty bywa określany jako kirei-sabi – ujęcie jaśniejsze i bardziej eleganckie niż surowa prostota Sen no Rikyū. Zachowała się tradycja, że wywierał wpływ na wytwórczość w wiosce garncarskiej Tachikui; powstałe tam chaire, mizusashi i chawan zyskały miano Enshū-Tamba i cieszyły się wysokim uznaniem wśród ówczesnych ludzi herbaty. Jak ścisły był ten kontakt w rzeczywistości, nie da się dziś już szczegółowo udowodnić – to przypisanie należy do tradycji przekazu.

Także: Enshū, Kobori Enshu, Enshu, Kobori Masakazu, Kobori Enshū

More about Kobori Enshū in our topics

Kobushi-yaki こぶ志焼

Kobushi-yaki to japońska ceramika z Iwamizawy na Hokkaidō, którą w 1946 roku założył tam Yamaoka Sanshū; uznawana jest za najstarszy wciąż działający piec na wyspie i jest obecnie prowadzona już przez trzecie pokolenie. Nazwa pochodzi od magnolii kobushi, która kwitła w czasie pierwszego wypału. Warsztat samodzielnie przygotowuje glinę i szkliwa, wytwarzając przede wszystkim naczynia użytkowe; za znak rozpoznawczy uznaje się niebiesko-białe, spływające szkliwo namako, obok niego stosowane są szkliwa zielone, żelazisto-brązowe, cynobrowoczerwone i białe. W odróżnieniu od starych pieców Honsiu, Kobushi-yaki reprezentuje krajobraz ceramiczny, który powstał dopiero w XX wieku.

Także: Kobushi-Yaki, ceramika Kobushi, Kobu-shi-yaki, Kobushi

Kochi-yaki 交趾焼

Kochi-yaki, a dokładniej Kōchi-yaki, oznacza nisko wypalaną, kolorowo szkliwioną ceramikę pokrywaną szkliwem ołowiowym, jaka powstawała w późnym okresie Ming w południowych Chinach i trafiała do Japonii drogą handlową. Nazwa nawiązuje do Kōchi, dawnej chińskiej nazwy północnego Wietnamu, przez którego terytorium prowadziła trasa handlowa. Charakterystyczne są intensywne, drobno spękane szkliwa barwne w kolorze turkusowej zieleni, żółci, fioletu i błękitu, oddzielane od siebie nałożonymi stegami, liniami rytymi lub reliefami. W drodze herbaty (chadō) małe puszki na kadzidło Kōchi należą do najwyżej cenionych przedmiotów. Od okresu Edo styl ten jest naśladowany w Japonii, przede wszystkim w Kyō-yaki przez rodzinę Eiraku, a także w Kutani.

Także: Kōchi-yaki, Kochi-Yaki, ceramika Kōchi, ceramika Kochi

Kōdai 高台

Kōdai to pierścień stopy na spodniej stronie japońskiej czarki, ten wąski pierścień, na którym naczynie stoi. Powstaje jako ostatni element: gdy glina osiągnie stan skórzastej twardości, naczynie odwraca się na kole garncarskim i nadmiar gliny wycina się nożem tokarskim, kanna. Zazwyczaj pozostaje nieszkliwiony, ponieważ w tym miejscu naczynie stoi w piecu podczas wypału – dzięki temu widoczny jest tam otwarty czerep, ukazujący barwę gliny, ziarnistość i ślady narzędzia. Dla kolekcjonerów jest to zatem najbardziej wymowne miejsce na całym naczyniu, tym bardziej że sygnatury niemal zawsze znajdują się właśnie tutaj. W kulturze herbaty stopie poświęca się osobną uwagę; czarkę tenmoku rozpoznaje się na przykład po jej uderzająco małym kōdai.

Także: Kodai, Kōdai, pierścień stopki, stopka, stopka czarki do herbaty, podstawa czarki do herbaty

More about Kōdai in our topics

Kōgō 香合

Kōgō to małe japońskie naczynie z pokrywką, w którym przechowuje się kadzidło używane podczas ceremonii herbaty. Ma zwykle zaledwie kilka centymetrów i powstaje z ceramiki, drewna lub laki urushi, często ze starannie wykonaną dekoracją. Według rozpowszechnionej konwencji lakierowane kōgō przeznaczone są do użytku z pachnącym drewnem kadzidlanym, natomiast ceramiczne – do miękkiego, ugniatanego kadzidła. W trakcie spotkania herbacianego naczynie podaje się gościom do obejrzenia, dlatego mimo niewielkich rozmiarów uznawane jest za odrębną dziedzinę kolekcjonerską. Od kōgō należy odróżnić kōro, czyli naczynie do spalania kadzidła, w którym kadzidło się tli – kōgō służy jedynie do jego przechowywania.

Także: Kogo, Kōgō, pojemnik na kadzidło, pudełko na kadzidło, naczynie na kadzidło

Kohiki 粉引

Kohiki to technika dekoracyjna, w której ciemny, żelazisty czerep pokrywa się w całości białą pobiałą (angobą), a następnie szkliwi przezroczystym szkliwem. Nazwa oznacza w przybliżeniu „posypany pudrem” i opisuje matową, lekko obłoczkowatą białą powierzchnię, przez którą na krawędziach i na stopce prześwituje ciemna glina. Technika wywodzi się z koreańskich wzorów i w Japonii była podejmowana przede wszystkim w piecach Karatsu. Z czasem porowata pobiała wchłania herbatę i pokrywa się plamistymi przebarwieniami – co uznawane jest za zamierzony walor.

Także: Kohiki-yaki, technika kohiki, biały szkiel angobowy, Ko-hiki, szkliwo kohiki

Koicha 濃茶

Koicha (濃茶, gęsta herbata) to uroczysty sposób przygotowania matchy: wielokrotnie większa ilość proszku na niewielką ilość wody, ubijana za pomocą Chasen powoli i ugniatana, a nie mieszana energicznie, o konsystencji syropu i bez piankowej pokrywy. Tradycyjnie jedna jedyna czarka jest podawana kolejno wszystkim uczestnikom, co czyni Koicha najbardziej uroczystą częścią spotkania herbacianego. Preferowana jest do tego nieco głębsza czarka o gładkiej, dobrze kryjącej glazurze wewnętrznej, aby gęsta herbata mogła się zebrać i nie pozostawała na chropowatej powierzchni; proszek pochodzi klasycznie z ceramicznego Chaire. Codzienną formą przeciwstawną jest cienka, spieniona Usucha.

Także: gęsta matcha, gęsta herbata, Koi-cha, Usucha

Koishiwara-yaki 小石原焼

Koishiwara-yaki to japońska ceramika użytkowa z wioski Tōhō w powiecie Asakura w prefekturze Fukuoka. Za początek uznaje się rok 1662, kiedy książę Kuroda Mitsuyuki sprowadził garncarzy z Imari; w dalszym rozwoju wymiana z sąsiednim piecem Takatori ukształtowała tę ceramikę. Charakterystyczne są równomierne geometryczne wzory, powstające na obracającym się kole, wśród nich Tobi-kanna, Hakeme oraz zdobienia grzebieniem i palcem, najczęściej w postaci białej polewy szlamowej na czerwonej glinie. W 1954 roku Yanagi Sōetsu i Bernard Leach chwalili tamtejsze warsztaty; w 1975 roku Koishiwara jako pierwsza ceramika Japonii została uznana za tradycyjne rzemiosło artystyczne. Onta jest pochodnym piecem tej tradycji.

Także: Koishiwara-yaki, Koishiwarayaki, ceramika Koishiwara, Nakano-yaki, Koishiwara

Kurinuki 刳り貫き

Kurinuki to technika formowania, w której naczynie jest wycinane i wydrążane z litej bryły gliny, zamiast być toczone na kole garncarskim lub budowane z wałków. Garncarz pracuje pętlą i szpachelką od wewnątrz na zewnątrz, dzięki czemu grubość ścianki pozostaje celowo nierówna, a ślady narzędzi są widoczne. Technikę tę rozpoznaje się zazwyczaj po kanciastych, lekko nieregularnych kształtach oraz po braku koncentrycznych rowków toczenia. Jest ona szczególnie popularna w przypadku guinomi i czarek do herbaty, gdzie poszukiwany jest mocny, rzeźbiarski efekt.

Także: Kurinuki-Technik, technika kurinuki, technika wydrążania, Kuri-nuki

Kuro-Raku 黒楽

Kuro-Raku, czyli „czarne Raku”, to głęboko czarny podstawowy typ czarki do herbaty Raku, którego początki sięgają garncarza Chōjirō w XVI wieku. Szkliwo pozyskiwane jest tradycyjnie z bogatej w żelazo skały z rzeki Kamo w Kyōto; topi się ono w wyższej temperaturze niż szkliwo Aka-Raku, zwykle około 1000 stopni i powyżej. Gdy tylko się roztopi, czarka jest wyciągana z pieca rozżarzona i poddawana gwałtownemu schłodzeniu na powietrzu – w ten sposób żelazo zastyga w nasyconej czerni. W porównaniu z cieplejszym Aka-Raku, Kuro-Raku sprawia wrażenie surowego i sprawia, że zieleń matchy nabiera szczególnego blasku.

Także: Kuroraku, Kuro Raku, Kuro-Raku, czarne raku, Kuro-Raku-Chawan, chawan Kuro-Raku

Kutani Gosai 九谷五彩

Kutani Gosai, „pięć kolorów Kutani”, to klasyczna paleta malatury naszkliwnej na porcelanie Kutani-yaki z prefektury Ishikawa: zieleń, żółć, purpura, błękit i czerwień. Kolory nakładane są jako gęste, szkliste farby topliwe na już wypalone szkliwo i wypalane w drugim, wyraźnie chłodniejszym wypale; dlatego leżą wypukło na powierzchni i nabierają głębi w świetle. Od tej palety pochodzi nazwa stylu pięciu kolorów, z którego słynie Kutani. Odróżnić należy od niego Aote, w którym pomija się czerwień, a powierzchnię pokrywa się w całości pozostałymi kolorami.

Także: Kutani-Gosai, Gosai, styl pięciu kolorów Kutani, pięć kolorów Kutani, Kutani-yaki

Kutani-yaki 九谷焼

Kutani-yaki to japońska porcelana z prefektury Ishikawa, nazwana od wsi Kutani, gdzie w połowie XVII wieku garncarz Gotō Saijirō założył pierwszy piec. Jej cechą rozpoznawczą jest intensywne, często pokrywające całą powierzchnię malowanie naszkliwne w stylu Gosai-de z użyciem zieleni, żółci, purpury, błękitu i czerwieni. Po około pięćdziesięciu latach pierwotny piec zaprzestał działalności – przyczyny do dziś nie zostały ostatecznie wyjaśnione; wyroby z tego okresu nazywane są Ko-Kutani. Dopiero na początku XIX wieku tradycja odrodziła się jako Saiko-Kutani. W odróżnieniu od Arita i Imari, które stawiają na kobaltowy błękit, czerwień i złoto, Kutani operuje szerszą paletą barw z dużym udziałem zieleni i purpury.

Także: Kutaniyaki, ceramika z Kutani, Gosai-de

Kyō-yaki 京焼

Kyō-yaki, dosłownie „wypalone w stolicy”, to zbiorcze określenie wszelkiej ceramiki i wyrobów porcelanowych powstających w Kyoto. W przeciwieństwie do Bizen czy Hagi termin ten nie oznacza stylu pieca, lecz miejsce wytwarzania: historycznie zaliczają się do niego okręgi piecowe Awataguchi, Omuro, Yasaka, Mizoro i Kiyomizu. Ponieważ Kyoto nie posiada znaczących własnych złóż gliny, nacisk od zawsze kładziony jest na obróbkę i dekorację – na starannie toczone ścianki, precyzyjnie wycinane stopki oraz malowane barwy. W XVII wieku decydujący wpływ mieli Nonomura Ninsei oraz jego uczeń Ogata Kenzan. Kiyomizu-yaki jest, ściśle rzecz biorąc, podzbiorem Kyō-yaki.

Także: Kyo-yaki, Kyoyaki, porcelana z Kioto, Kyō-yaki · Kiyomizu-yaki, Kyoto-yaki

More about Kyō-yaki in our topics

M

Ma 間

Ma to japońskie pojęcie oznaczające celowo ukształtowaną przestrzeń pomiędzy – odstęp między dwiema rzeczami, przerwę między dwoma dźwiękami, wolną powierzchnię, która dopiero nadaje przedmiotowi jego oddziaływanie. Znak ten oznacza zarówno przestrzenne, jak i czasowe przerwy, dlatego pojęcie to jest stosowane w architekturze, muzyce, teatrze i malarstwie. W malarstwie tuszem niezamalowane tło nie jest pozostałością, lecz częścią kompozycji; w tokonoma pusta powierzchnia dźwiga zwój wiszący (kakemono). Ma nie oznacza więc po prostu pustki, lecz świadomie pozostawioną wolną przestrzeń: to, co stoi samotnie, jest oglądane, to, co stoi w zbiorze, jest liczone.

Także: Zwischenraum, Ma-Raum, Leerraum, gestalteter Zwischenraum, Ma, puste miejsce, przestrzeń pusta, przestrzeń (ma)

Maki-e 蒔絵

Maki-e (蒔絵, dosłownie „obraz rozsypany”) to japońska technika lakiernicza, w której motyw maluje się wilgotnym urushi, a następnie posypuje się go proszkiem złota lub srebra, który przylega do twardniejącego lakieru. W zależności od metody powierzchnię pokrywa się następnie kolejną warstwą lakieru i ponownie poleruje na wysoki połysk, dzięki czemu metal wydaje się unosić w głębi lakieru. Typowymi nośnikami są pojemniki na herbatę, takie jak natsume, szkatułki do pisania oraz misy. Od raden technika maki-e różni się materiałem: tam macica perłowa jest wykładana w kawałkach, tu obraz tworzy rozsypany proszek metalu. Obie techniki często występują na tym samym przedmiocie.

Także: Makie, Maki-e, lakier Maki-e, złoto sypane, złoty lakier, obraz sypany

Makuri まくり

Makuri (まくり) to niezamontowany arkusz japońskiego malarstwa lub kaligrafii: gotowe dzieło, ale bez oprawy, bez listew i bez sznura do zawieszania. W Japonii był to przez długi czas stan, w jakim praca opuszczała pracownię – oprawiano ją później, w zależności od tego, do czego arkusz miał służyć. Makuri jest wyraźnie tańsze niż gotowy zwój wiszący, zajmuje niewiele miejsca i w każdej chwili może zostać zamontowane jako kakemono przez specjalistyczny warsztat. Przechowuje się je na płasko i w suchym miejscu, najlepiej między arkuszami bezkwasowego papieru. W odróżnieniu od shikishi czy tanzaku, makuri nie jest odrębnym formatem, lecz stanem montażu.

Także: niezamontowany arkusz, arkusz makuri, niezamontowany obraz, zwój wiszący bez oprawy

Mashiko-yaki 益子焼

Mashiko-yaki to japońska ceramika kamionkowa z miasta Mashiko w prefekturze Tochigi, której początki sięgają roku 1853 i garncarza Ōtsuki Keizaburō, wykształconego w sąsiednim Kasama. Miejscowa glina jest piaszczysta, zawiera domieszki żwiru i żelaza, przez co trudno wyciągnąć z niej cienkie ścianki; wyroby z Mashiko odznaczają się więc grubymi ściankami i dużą wagą. Charakterystyczne są mocne szkliwa z regionalnych surowców: czerwonobrunatne szkliwo kaki, mleczne nuka z popiołu z łusek ryżowych oraz karmelowobrunatne ame. W przeciwieństwie do stylistycznie otwartego Kasama, Mashiko wykształciło wyraźny rys – od 1924 roku garncarz Hamada Shōji uczynił to miejsce centrum ruchu Mingei.

Także: Mashiko-Yaki, ceramika z Mashiko, wyroby z Mashiko, Mashiko

Masu 枡

Masu to kwadratowe drewniane naczynie, które w Japonii przez wieki służyło jako urzędowa miara objętości ryżu i tradycyjnie wykonywane jest z cyprysu hinoki. Popularny format mieści jedno gō, czyli około 180 mililitrów – tę samą ilość, która stanowi również jednostkę odmierzania sake. Podczas uroczystych okazji sake do dziś pije się z masu, przy czym drewno nadaje wyraźny, własny zapach. Tym właśnie zasadniczo różni się ono od guinomi: masu jest miarą, a nie czarką do picia, i powstaje bez udziału ręki garncarza.

Także: Sakebox, drewniana miarka, Sake-Masu, Masu-Box, masu

Matcha 抹茶

Matcha (抹茶) to drobno mielona japońska zielona herbata, której nie zaparza się i nie odcedza, lecz pije w postaci proszku, w całości wraz z wodą. Krzewy herbaciane są przed zbiorem zacieniane przez kilka tygodni, co nadaje liściom intensywną zieloną barwę oraz łagodny smak z nutą umami; następnie liście poddaje się parowaniu, suszy i tradycyjnie miele na proszek w kamiennych młynach. Matcha przygotowywana jest w czarce do herbaty za pomocą bambusowej trzepaczki, w cienkiej, codziennej formie Usucha lub gęstej, uroczystej formie Koicha. Ponieważ proszek łatwo tworzy grudki, przed spienieniem warto przesiać go przez drobne sitko.

Także: Matcha, herbata Matcha, proszek Matcha, sproszkowana zielona herbata, Maccha

Mikawachi-yaki 三川内焼

Mikawachi-yaki to japońska porcelana z dzielnicy Mikawachi w mieście Sasebo w prefekturze Nagasaki. Jej początki sięgają koreańskich garncarzy, których osiedlił władca Hirado po kampaniach koreańskich około 1598 roku; od 1637 roku piec działał jako manufaktura lenna rodu Matsura. Charakterystyczne są szczególnie czysta biała porcelana, bardzo drobne malowanie podszkliwne w kolorze kobaltowego błękitu, a także ażurowa robota, reliefowe aplikacje i cienkościenne wyroby. Najbardziej znanym motywem jest Karako-e, przedstawiający bawiące się chińskie chłopięta; liczba przedstawionych dzieci odróżniała dawniej dary dworskie od wyrobów przeznaczonych do wolnej sprzedaży. Mikawachi-yaki i Hirado-yaki oznaczają tę samą tradycję.

Także: Mikawachi-Yaki, porcelana Mikawachi, ceramika Mikawachi, Mikawachi

Mingei 民藝

Mingei to ukuty w 1925 roku przez filozofa Yanagi Sōetsu wspólnie z garncarzami Hamada Shōji i Kawai Kanjirō termin określający japońskie rzemiosło ludowe, skrót od minshūteki kōgei. Kryje się za nim teza, że najpiękniejsze rzeczy to nie okazałe dzieła znanych artystów, lecz bezimiennie wytwarzane przedmioty codziennego użytku prostych rzemieślników; Yanagi ujął to w pojęciu yō no bi, „piękna użytku”. Ruch postrzegał się jako odpowiedź na szybką industrializację Japonii i doprowadził do zasadniczej nowej oceny ośrodków garncarskich, takich jak Mashiko, Tamba i Tobe. W 1936 roku w Tokio otwarto Nihon Mingeikan, Japońskie Muzeum Sztuki Ludowej.

Także: ruch Mingei, rzemiosło ludowe, japoński ruch sztuki ludowej, Mingei

Mino-yaki 美濃焼

Mino-yaki to zbiorcze określenie ceramiki z historycznej prowincji Mino, w dzisiejszej południowej części prefektury Gifu, w szczególności z miast Toki, Tajimi, Mizunami i Kani. Termin ten nie oznacza jednego stylu, lecz ponad piętnaście podtypów uznanych za tradycyjne rzemiosło artystyczne. Cztery najbardziej znane – biały Shino, zielony Oribe, żółty Ki-Seto i czarny Setoguro – powstały w okresie Momoyama w kręgu ceremonii herbaty i mistrza herbaty Furuty Oribe. W odróżnieniu od sąsiadującego Seto, z którego pochodzili twórcy tych stylów, Mino jest dziś, przy szacowanym udziale 50 do 60 procent, największym pod względem ilości regionem produkcji ceramiki w Japonii.

Także: Minoyaki, Mino Keramik, Mino-Keramiken, ceramika z Mino, Mino-yaki Gifu

Mishima 三島

Mishima to technika inkrustacji, w której wzory wyciska się lub ryje w skórzastej glinie, a powstałe wgłębienia wypełnia się szkliwem gliniastym (angobą) w innym kolorze; po zeskrobaniu nadmiaru pozostaje równa z powierzchnią, zazwyczaj biała dekoracja na ciemnym czerepie. Typowe są gęsto rozmieszczone wzory kwiatowe, kropkowe i wstęgowe. Technika pochodzi z Korei i została przejęta w Japonii przez kilka pieców. Jej nazwa, według tradycji, nawiązuje do podobieństwa rzędów wzoru do drukowanego kalendarza świątyni Mishima.

Także: Mishima-yaki, Mishima, technika Mishima, Zōgan, technika inkrustacji, dekoracja Mishima

Mizusashi 水指

Mizusashi (水指) to naczynie na świeżą wodę używane w japońskiej ceremonii parzenia herbaty – zwykle zamykany pokrywką pojemnik z ceramiki, z którego gospodarz za pomocą bambusowej chochli dolewa zimną wodę do kotła oraz płucze naczynia. Stoi ono widocznie w pomieszczeniu przez cały czas przygotowania herbaty i dlatego zaliczane jest do przedmiotów podlegających wspólnemu oglądaniu; odpowiednio starannie dobiera się je do pozostałego wyposażenia. Mizusashi powstają w wielu piecach, na przykład w Tamba, Ōhi czy Shigaraki. Naczynia na świeżą wodę nie należy mylić z kensui, naczyniem na zużytą wodę, do którego wylewa się użytą wodę.

Także: Frischwassergefäß, Wassergefäß, Frischwasserbehälter, Mizusashi Teezeremonie, mizusashi, pojemnik na wodę, naczynie na wodę, naczynie na świeżą wodę, pojemnik na świeżą wodę, mizusashi do ceremonii herbaty

Momiji 紅葉

Momiji oznacza zabarwione na czerwono jesienne liście japońskiego klonu i jest głównym motywem obrazów jesiennych w malarstwie japońskim. Urok tego motywu tkwi w stopniowaniu barw: pojedyncza gałązka pokazuje jednocześnie liście zielone, żółte i głęboko czerwone. Momiji jest szczególnie często łączone z płynącą wodą – czerwone liście na tle ciemnego nurtu to pomysł obrazowy powtarzany od stuleci. Oglądanie jesiennego przebarwienia liści ma jako Momijigari podobną rangę co oglądanie kwiatów wiśni wiosną. W przeciwieństwie do żurawia czy sosny, Momiji nie jest symbolem szczęścia na uroczyste okazje, lecz motywem sezonowym, który wiesza się jedynie na kilka tygodni.

Także: Ahorn, klon, klon japoński, momiji, jesienne liście, jesienne barwy, Momijigari

Mono no aware 物の哀れ

Mono no aware to termin japońskiej estetyki, oznaczający ciche wzruszenie wywołane świadomością przemijalności wszystkich rzeczy. Dosłownie oznacza mniej więcej patos rzeczy, a ukuty został w XVIII wieku przez uczonego Motoori Norinagę, który wywiódł go z dworskiej literatury okresu Heian, w szczególności z Genji Monogatari. Klasycznym obrazem tego zjawiska jest opadający kwiat wiśni: piękny właśnie dlatego, że nie trwa. W przeciwieństwie do Wabi-Sabi, które opisuje postawę wobec materiału i formy, Mono no aware oznacza uczucie odczuwane przez obserwującego – smutek wobec piękna, które przemija.

Także: Mono-no-aware, Mononoaware, Mono no Aware, patos rzeczy

Moribana 盛花

Moribana (盛花, „spiętrzone kwiaty”) to styl ikebany, w którym materiał roślinny układany jest w płaskim, szerokim naczyniu, zwanym suiban, i mocowany za pomocą kolczatki, zwanej kenzan. Nazwa opisuje efekt: gałązki i kwiaty wyglądają, jakby były spiętrzone na płaszczyźnie, kompozycja rozprzestrzenia się w sposób przypominający krajobraz i jest odczytywana również z góry. Forma ta została opracowana w okresie Meiji przez Ohara Unshina, który umieszczał nowo wprowadzone zachodnie kwiaty ogrodowe w szerokich czarach; uważana jest za początek nowoczesnej ikebany. Od nageire moribana różni się naczyniem i mocowaniem: tam wysoki wazon bez kenzan, tu płaska czara z nim.

Także: Mori-bana, styl moribana, kwiaty ułożone w formie stosu, forma ikebany w płaskiej misie

Mosha 模写

Mosha (模写) to wierne odwzorowanie istniejącego obrazu lub kaligrafii. Przez stulecia stanowiło ono w Japonii podstawę kształcenia malarzy: kto uczył się malować, przez lata najpierw kopiował, zanim stworzył coś własnego. Poza tym mosha służy do dziś zachowaniu dzieł – z kruchych malowideł ściennych i zwojów wiszących (kakemono) sporządza się kopie, aby oryginał mógł zostać oszczędzony. Szczególną formą jest genjō-mosha (現状模写), które kopiuje również obecny stan wraz z ubytkami i złuszczoną farbą, podczas gdy inne kopie odtwarzają stan pierwotny. Przy rinmo (臨模) wzór leży obok podczas pracy. Od utsushi mosha odróżnia intencja: tu chodzi o dokładność, tam o przyswojenie.

Także: Mo-sha, wierna kopia, odwzorowanie, Genjō-Mosha, Rinmo

Mujō 無常

Mujō to buddyjskie pojęcie ulotności: wgląd w to, że wszystko, co złożone, powstaje, zmienia się i przemija, i że nic nie jest trwałe. W formule Shogyō mujō myśl ta należy do podstawowych nauk buddyzmu; do literatury japońskiej wprowadził ją słynny początek Heike Monogatari. Dla sztuki Mujō jest warunkiem estetyki wabi-sabi: ślady użytkowania, zwietrzałe powierzchnie i krótkotrwały rozkwit danej pory roku nie są tam uważane za skazę. W odróżnieniu od Mono no aware, które oznacza wzruszenie odbiorcy, Mujō określa sam ten stan rzeczy.

Także: Mujo, Vergänglichkeit, Shogyō mujō, Unbeständigkeit, Mujō, przemijanie, nietrwałość

More about Mujō in our topics

Mushiboshi 虫干し

Mushiboshi (虫干し) to regularne wietrzenie zwojów wiszących (kakemono), ksiąg i tkanin, które w japońskich świątyniach i kolekcjach od wieków należy do corocznego rytmu. W suche, pogodne dni – tradycyjnie jesienią – dzieła wyjmuje się ze skrzyń, wiesza w cieniu i wietrzy przez kilka godzin. Idea stojąca za tym jest prosta: wilgoć, która zgromadziła się w zamkniętym pojemniku, ulatnia się, a owady nie znajdują już niezakłóconego środowiska. W przypadku prywatnej kolekcji wystarczy zawiesić każdy zwój wiszący (kakemono) raz lub dwa razy w roku na kilka godzin, w suchy dzień, bez bezpośredniego słońca i bez przeciągu.

Także: Mushi-boshi, wietrzenie zwojów wiszących, wietrzenie kolekcji, wietrzenie mushiboshi

Mushin 無心

Mushin, dosłownie „nie-umysł”, oznacza w buddyzmie zen stan działania bez przywiązanego myślenia: umysł nie zatrzymuje się na żadnej myśli ani żadnym zamiarze i dzięki temu może swobodnie odpowiadać na chwilę. Szczegółowo opisał go mnich zen Takuan Sōhō w piśmie Fudōchi Shinmyōroku, które poświęcił mistrzowi miecza Yagyū Munenori; stamtąd pojęcie to oddziałało na drogi sztuk walki i sztuki. W kaligrafii i malarstwie tuszem Mushin oznacza pociągnięcie pędzla, które nie jest ani przemyślane, ani poprawiane – Enso uchodzi za jego najbardziej znane świadectwo. W odróżnieniu od Satori, Mushin nie jest jednorazowym doświadczeniem, lecz postawą w działaniu.

Także: Mushin no shin, Nicht-Geist, Nichtanhaften, Mu-shin, mushin, stan mushin

N

Nabeshima-yaki 鍋島焼

Nabeshima-yaki to japońska porcelana, którą ród książęcy Nabeshima z lenna Saga zlecał wytwarzać od schyłku XVII wieku aż do okresu Meiji we własnej manufakturze lennej – nie na sprzedaż, lecz jako podarunek dla szogunatu oraz dla innych rodów książęcych. Piece znajdowały się w Ōkawachiyamie, kotlinie otoczonej górami w dzisiejszym Imari, co ułatwiało utrzymanie technik w tajemnicy. Wyroby te rozpoznaje się po znormalizowanych rozmiarach talerzy, wysokim pierścieniu stopy z precyzyjnie wykreślonym wzorem grzebieniowym oraz czysto japońskich motywach. Obok barwnie malowanego Iro-Nabeshima występują również dekoracje podszkliwne w kolorze niebieskim oraz seladon. W odróżnieniu od przeznaczonej do handlu porcelany Arita i Imari, Nabeshima powstawała bez względu na koszty.

Także: Nabeshima-Yaki, porcelana Nabeshima, ceramika Nabeshima, Nabeshima

Nageire 投入

Nageire (投入, „wrzucone”) to styl ikebana, w którym gałęzie umieszcza się w wysokim naczyniu – wazonie, dzbanie, bambusowej tulei – tak, że opierają się jedynie o brzeg naczynia i wzajemnie o siebie; nie stosuje się kenzanu, co najwyżej zaklinowany patyczek. Nazwa nawiązuje do pozornie niedbałego gestu, jakim kwiaty wkłada się do naczynia: efekt ma sprawiać wrażenie swobodnego, a nie pracy włożonej w nachylenie i podparcie. Forma ta rozwinęła się między okresem Muromachi a okresem Edo obok wystawnego Rikka i jest bliska prostocie kwiatów herbacianych Chabana. Jej odpowiednikiem jest Moribana w płaskiej misie.

Także: Nage-ire, Nageirebana, styl nageire, forma rzucona

Natsume 棗

Natsume (棗) to japońskie pudełko na herbatę z drewna pokrytego laką, w którym przechowuje się proszek matcha do cienkiej herbaty. Nazwa pochodzi od jujuby, japońskiej pigwy (głożyny), której owoc przypomina swoim przysadzistym kształtem z płasko wysklepionym wieczkiem. Klasyczna forma to gładka czerń, często jednak spotyka się także dekoracje w technice maki-e, czyli technice rozpraszania złotego i srebrnego proszku. Do gęstej herbaty tradycyjnie nie używa się natsume, lecz chaire, mniejszego pudełka na herbatę z ceramiki z wieczkiem z kości słoniowej. Jako niewielki obiekt lakierniczy natsume dobrze prezentuje się także poza ceremonią herbaty, w niszy.

Także: Teedose, pojemnik na matchę, japoński pojemnik na herbatę, natsume, lakierowany pojemnik na herbatę, puszka na herbatę

Netsuke 根付

Netsuke to niewielki rzeźbiony przedmiot, który w japońskim stroju pełnił funkcję przeciwwagi: ponieważ kimono nie ma kieszeni, sakiewki, pojemniki na tytoń lub inrō noszono na sznurku przełożonym przez pas obi i zabezpieczonym na górnym końcu przed zsunięciem właśnie za pomocą netsuke. Ma ono zwykle od trzech do czterech centymetrów, wykonane jest tradycyjnie z bukszpanu, hebanu lub kości słoniowej i zawsze posiada otwory na sznurek, zwane himotoshi. Ponieważ jest obracane w dłoni, jest opracowane rzeźbiarsko ze wszystkich stron. W odróżnieniu od czysto dekoracyjnego okimono, netsuke jest przedmiotem użytkowym; wraz z upowszechnieniem stroju zachodniego utraciło swoją funkcję.

Także: Netsuke, figurka netsuke, rzeźba netsuke, guzik do inro

Nezumi-Shino 鼠志野

Nezumi-Shino, czyli „mysie Shino”, to szara odmiana ceramiki Shino z regionu Mino. Uformowany czerep pokrywa się najpierw na całej powierzchni bogatym w żelazo engobe zwanym oniita; w tę warstwę garncarz wydrapuje swój wzór, dzięki czemu jasna glina ponownie staje się widoczna. Na wierzch nakłada się charakterystyczną białą glazurę skaleniową. Podczas wypału pozostałe engobe przybiera barwę myszatoszarą do czerwonawobrązowej, natomiast wydrapane linie pozostają jasne – rysunek pojawia się więc jasny na ciemnym tle. Dokładnie odwrotnie jest w przypadku E-Shino, gdzie motyw maluje się bezpośrednio farbą żelazową.

Także: Nezumishino, Nezumi Shino, Nezumi-Shino

Nihonga 日本画

Nihonga (日本画, „obraz japoński”) to zbiorcze określenie klasycznego malarstwa japońskiego, wykonywanego przy użyciu naturalnych pigmentów, cienkich pędzli oraz tradycyjnych podłoży malarskich, takich jak papier, jedwab czy drewno. Termin ten ukuto dopiero w okresie Meiji, aby odróżnić rodzimą tradycję malarską od równocześnie importowanego z Zachodu malarstwa olejnego (Yōga). Nihonga obejmuje zatem bardzo różne style i szkoły – od monochromatycznego malarstwa tuszem Sumi-e, przez dworskie Yamato-e, aż po malarstwo szkoły Kanō i Rinpa. Nie jest to więc ani technika, ani styl, lecz utworzone z perspektywy czasu określenie zbiorcze dla malarstwa japońskiego jako całości.

Także: Nihon-ga, malarstwo japońskie, malarstwo nihonga, klasyczne malarstwo japońskie, Nihonga

Ningen Kokuhō 人間国宝

Ningen Kokuhō, dosłownie „żyjący skarb narodowy”, to powszechnie stosowane określenie osób uznanych w Japonii za nosicieli ważnego niematerialnego dobra kultury. Wyróżnienie to wywodzi się z ustawy o ochronie dóbr kultury z 1950 roku i jest przyznawane od 1955 roku; oficjalny tytuł jest znacznie bardziej rozbudowany niż jego popularna nazwa. Uznaniem obejmuje się nie pojedyncze dzieło, lecz opanowanie techniki – szkliwa, wypału, sposobu dekoracji – połączone z zadaniem przekazywania jej dalej. Wśród ceramików tytuł ten spotyka się często u tych, którzy zrekonstruowali procesy uznane za utracone, jak na przykład Arakawa Toyōzō dla Shino w 1955 roku czy Kaneshige Tōyō dla Bizen w 1956 roku.

Także: Ningen Kokuhō, żyjący skarb narodowy, żywy skarb narodowy, skarb narodowy Japonii, Human National Treasure

More about Ningen Kokuhō in our topics

Noborigama 登り窯

Noborigama to zbudowany na zboczu wzgórza piec komorowy, w którym kilka komór wypałowych wznosi się schodkowo jedna za drugą. Ciepło odpadowe każdej komory wstępnie podgrzewa następną, co skraca czas wypału i zmniejsza zużycie drewna oraz pozwala uzyskać znacznie bardziej równomierne temperatury niż w jednokomorowym anagama. Ta forma konstrukcyjna pochodzenia koreańskiego rozpowszechniła się w Japonii na przełomie XVII wieku i w ogóle umożliwiła produkcję szkliwionych wyrobów w większej ilości; w Tamba jej wprowadzenie datuje się na około 1611 rok. Bardziej równomiernie nie oznacza jednak jednakowo: każda komora i każde miejsce w niej wypala się inaczej, dlatego rezultaty różnią się od sztuki do sztuki.

Także: Nobori-gama, piec komorowy, piec wspinający się, piec tunelowy, noborigama

O

Obori-Sōma-yaki 大堀相馬焼

Obori-Sōma-yaki to japońska tradycja ceramiczna z dzielnicy Ōbori miejscowości Namie w prefekturze Fukushima, której założenie datuje się na 1690 rok i która pozostawała pod opieką lenna Sōma. Wyróżnia się trzema cechami rozpoznawczymi: malowanym wizerunkiem biegnącego konia nawiązującym do herbu rodu Sōma, celowo wywoływaną niebieską siatką pęknięć w szkliwie oraz dwuwarstwową konstrukcją, w której czarka składa się z dwóch osadzonych jedna w drugiej misek i pozostaje chłodna na zewnątrz. Po katastrofie reaktora w 2011 roku cała miejscowość musiała zostać ewakuowana; część pracowni działa od tego czasu dalej w innych miejscach w Fukushimie.

Także: Obori-Soma-yaki, Ōbori-Sōma-yaki, Sōma-yaki, ceramika Obori-Soma

Ochoko お猪口

Ochoko (お猪口) to mała, klasyczna japońska czarka do sake, znana z zestawów do sake – niska, lekko stożkowata i przeznaczona na kilka łyków. Napełnia się ją z tokkuri, pękatej butelki na sake, przy czym za grzeczne uważa się nalewanie sake osobie naprzeciw i pozwolenie, by ona nalała sake nam samym. Od guinomi odróżnia go przede wszystkim wielkość: guinomi to nieco większa, głębsza czarka, która garncarzom i kolekcjonerom służy jako niewielka płaszczyzna artystyczna. Płaskie, szeroko otwarte sakazuki z kolei należy do uroczystych okazji ceremonialnych. Ochoko oferowane są często w zestawie z pasującym tokkuri.

Także: Sakebecher, O-choko, Choko, kleiner Sakebecher, Sake Becher, Ochoko, czarka do sake, kieliszek do sake

Ohi-yaki 大樋焼

Ohi-yaki to japońska ceramika herbaciana z Kanazawy w prefekturze Ishikawa, która powstała w 1666 roku, gdy garncarz Chōzaemon towarzyszył mistrzowi herbaty Senso Sōshitsu z Kyoto na dwór władcy Kaga, Maedy Tsunanoriego. Technicznie jest odgałęzieniem tradycji Raku: naczynia formowane są ręcznie, bez koła garncarskiego, obrabiane szpachelkami i wypalane pojedynczo w niskiej temperaturze. Jej cechą rozpoznawczą jest bursztynowe, żelaziste szkliwo Ame, sięgające od jasnego, miodowego odcienia po głęboką czerwoną brąz. Właśnie w tym tkwi różnica względem kyotoskiego Raku-yaki, które operuje czernią i stonowaną czerwienią; dochodzi do tego bardziej przysadzista, cięższa forma.

Także: Ōhi-yaki, ceramika z Ohi, wyroby z Ohi, Ohi-chawan

Okimono 置物

Okimono to wolnostojący przedmiot dekoracyjny bez funkcji użytkowej, który w Japonii tradycyjnie ustawia się we wnęce Tokonoma, na półce lub na domowym ołtarzu; nazwa oznacza dosłownie „rzecz postawiona”. Okimono wykonywane są z drewna, kości słoniowej, ceramiki, brązu lub emalii cloisonné, a motywy obejmują zwierzęta i istoty baśniowe, bóstwa oraz sceny z życia codziennego. W okresie Meiji powstawało wiele, często bardzo misternie wykonanych okimono przeznaczonych na rynek zachodni, z których wiele stworzyli rzeźbiarze wcześniej wykonujący netsuke. Okimono różni się zasadniczo od netsuke: nie ma otworów na sznurek i nie jest noszone, lecz oglądane.

Także: Okimono, figurka ozdobna, figurka dekoracyjna, przedmiot ozdobny

Okres Azuchi-Momoyama 安土桃山時代

Okres Azuchi-Momoyama (1573–1603) to krótka epoka przełomu między okresem Muromachi a okresem Edo, w której Oda Nobunaga i Toyotomi Hideyoshi zjednoczyli Japonię; niektóre ujęcia kończą go już bitwą pod Sekigaharą w roku 1600. Dla japońskiej ceramiki te trzy dekady mają decydujące znaczenie: w otoczeniu ceremonii herbaty powstały w regionie Mino tradycje szkliwa Shino, Oribe, Ki-Seto i Setoguro, garncarz Chōjirō stworzył wspólnie z mistrzem herbaty Sen no Rikyū Raku-yaki, a tradycje takie jak Bizen czy Karatsu przeżywały swój rozkwit jako ceramika do herbaty najwyższej rangi. Przedmioty z okresu Momoyama do dziś uchodzą za wzorzec.

Także: okres Momoyama, Momoyama, Azuchi-Momoyama, okres Azuchi-Momoyama

okres Edo 江戸時代

Okres Edo (1603–1868), nazywany również okresem Tokugawa, to trwająca około 250 lat epoka pokoju w historii Japonii, w której siogunat Tokugawa sprawował rządy z Edo, dzisiejszego Tokio. Od 1624 roku polityka sakoku niemal całkowicie odizolowała kraj, a Nagasaki pozostało praktycznie jedynym portem handlowym. To właśnie w tej izolacji ukształtowały się liczne, żywe do dziś tradycje: porcelana z Arita, Kutani-yaki oraz Hagi-yaki, kolorowy drzeworyt ukiyo-e, dekoracyjne malarstwo rinpa oraz szerokie zakorzenienie ceremonii herbaty w życiu społecznym. Okres ten następuje po okresie Azuchi-Momoyama i kończy się w 1868 roku wraz z restauracją Meiji. Jako datowanie określenie „okres Edo” oznacza zatem przedmiot przedindustrialny, powstały przed otwarciem Japonii.

Także: okres Tokugawa, okres Edo, era Edo, era Tokugawa

Okres Heian 平安時代

Okres Heian (794–1185) to epoka, w której dwór cesarski rezydował w Heian-kyō, dzisiejszym Kioto; cesarz Kanmu przeniósł tam stolicę w 794 roku. Politycznie dworem rządzili regenci z rodu Fujiwara, kulturowo zaś po zakończeniu misji poselskich do Chin ukształtowała się wyraźnie rodzima kultura dworska. Rozwinęło się w niej sylabiczne pismo kana, a wraz z nim literatura dworska – Genji Monogatari autorstwa Murasaki Shikibu jest jej najbardziej znanym dziełem – oraz barwna tradycja malarska Yamato-e wraz ze zwojami obrazowymi Emakimono. Epoka ta następuje po okresie Nara i kończy się w 1185 roku zwycięstwem rodu Minamoto nad rodem Taira.

Także: okres Heian, epoka Heian, Heian

Okres Heisei 平成時代

Okres Heisei (1989–2019) to epoka pod rządami cesarza Akihito, która rozpoczęła się w szczytowym momencie „bańki spekulacyjnej” (Bubble Economy) i po jej załamaniu przeszła w gospodarczą stagnację tzw. „straconych dekad”. Naznaczyły ją także poważne katastrofy: trzęsienie ziemi Hanshin w 1995 roku oraz trzęsienie ziemi Tōhoku wraz z tsunami i katastrofą w Fukushimie w 2011 roku. To właśnie w tej niepewności rzemiosło artystyczne wykonane ręcznie zyskało na nowo uznanie jako przeciwwaga dla krótkotrwałych towarów masowych, podczas gdy wabi-sabi i kintsugi zyskały międzynarodową rozpoznawalność. Okres Heisei następuje po okresie Shōwa i zakończył się w 2019 roku wraz z abdykacją Akihito; od tego czasu obowiązuje okres Reiwa. Dzieła datowane na okres Heisei są zatem pracami współczesnymi.

Także: Heisei-Periode, Heisei, Heisei Ära, okres Heisei

Okres Jōmon 縄文時代

Okres Jōmon to prehistoryczna epoka Japonii, zazwyczaj datowana na okres od około 14 000 do 300 roku p.n.e.; dane te wahają się w zależności od stanowiska archeologicznego i stanu badań. Nazwę zawdzięcza wzorom odcisków sznura na naczyniach – Jōmon oznacza „wzór sznura” – które odciskano skręconymi sznurami w wilgotnej glinie. Ta ceramika, wypalana na otwartym ogniu w stosunkowo niskiej temperaturze, uznawana jest za jedną z najstarszych na świecie. Po okresie Jōmon następuje okres Yayoi, związany z uprawą ryżu na mokrych polach oraz naczyniami o wyraźnie prostszych formach; tym samym Jōmon stoi u początków historii japońskiej ceramiki.

Także: okres Jōmon, kultura Jōmon, Jomon, Jōmon

More about Okres Jōmon in our topics

Okres Kamakura 鎌倉時代

Okres Kamakura (1185–1333) to epoka pierwszych rządów wojskowych w Japonii: Minamoto no Yoritomo po zwycięstwie nad rodem Taira ustanowił swój szogunat w Kamakurze, podczas gdy dwór cesarski pozostał w Kyōto. Dla sztuki jest to przede wszystkim okres, w którym buddyzm zen przybył z Chin do Japonii – Eisai przyniósł linię Rinzai, Dōgen linię Sōtō – oraz w którym powstała wyraźnie realistyczna rzeźba związana z Unkei i Kaikei. Do tej epoki oraz do poprzedzającego ją okresu Heian sięga również produkcja Rokkoyō, sześciu starych pieców. Okres ten kończy się w 1333 roku upadkiem regentów z rodu Hōjō i przechodzi w okres Muromachi.

Także: okres Kamakura, epoka Kamakura, Kamakura

okres Meiji 明治時代

Okres Meiji (1868–1912) to epoka, w której cesarz Mutsuhito po upadku szogunatu Tokugawa odzyskał rzeczywistą władzę rządzącą, a Japonia w ciągu kilku dziesięcioleci przeszła modernizację na wzór zachodni. Dla sztuki był to przełom o dwóch obliczach: konfrontacja z zachodnim malarstwem olejnym (yōga) doprowadziła do świadomego odgraniczenia rodzimej tradycji malarskiej jako nihonga, a japoński eksport wywołał w Europie japonizm, na którym silnie skorzystały ośrodki ceramiki, takie jak Arita i Kutani. Jednocześnie wraz z upadkiem władzy feudalnej wiele lokalnych pieców garncarskich straciło swoje wsparcie. Okres Meiji następuje po okresie Edo i kończy się w 1912 roku wraz z początkiem okresu Taishō.

Także: okres Meiji, Meiji, era Meiji

okres Muromachi 室町時代

Okres Muromachi (1333–1573) to epoka, w której z Kyoto rządził szogunat Ashikaga; swoją nazwę zawdzięcza tamtejszej dzielnicy Muromachi. Dla sztuki japońskiej jest to jeden z najbardziej doniosłych okresów w ogóle: powstają w nim teatr Nō, malarstwo tuszem wzorowane na wzorach chińskich, styl mieszkalny shoin z tokonoma oraz początki ceremonii herbaty w duchu wabi. Okres ten następuje po okresie Kamakura i przechodzi w okres Azuchi-Momoyama, w którym ceramika do celów herbacianych przeżywa swój pierwszy wielki rozkwit.

Także: okres Muromachi, Muromachi, epoka Ashikaga

okres Reiwa 令和時代

Okres Reiwa to trwająca od 2019 roku japońska era, która rozpoczęła się wraz ze zmianą tronu na cesarza Naruhito i następuje po okresie Heisei. Ponieważ japońskie dzieła sztuki są zwykle datowane według er, określenie to oznacza po prostu dzieło powstałe współcześnie. W przypadku ceramiki oznacza to zazwyczaj: wykonane przez garncarza pracującego obecnie, często z podpisanym pudłem drewnianym i udokumentowaną pracownią. W przeciwieństwie do starszych er, za tym datowaniem nie kryje się więc pojęcie stylu, lecz jedynie wskazanie na współczesność.

Także: Reiwa, era Reiwa, okres Reiwa

okres Shōwa 昭和時代

Okres Shōwa (1926–1989) to najdłuższy okres we współczesnej historii Japonii, nazwany od imienia panowania cesarza Hirohito. Dzieli się on na fazę wczesną (1926–1945) z militaryzmem, gospodarką wojenną i drastycznie ograniczoną produkcją rzemieślniczą oraz fazę późniejszą (1945–1989) z demokratyczną odnową i cudem gospodarczym. W okresie powojennym powstał ruch Mingei skupiony wokół Yanagi Sōetsu, a państwowy system Ningen-Kokuhō, „Żyjących Skarbów Narodowych”, wyróżniał wybitnych mistrzów; techniki uznane za utracone, takie jak szkliwo Shino, zostały zrekonstruowane. Ponieważ wiele warsztatów znalazło wówczas swoją dzisiejszą formę, znaczna część starszej japońskiej ceramiki użytkowej nosi datowanie na okres Shōwa.

Także: okres Shōwa, Showa, okres Showa, epoka Shōwa, era Shōwa

More about okres Shōwa in our topics

Okres Taishō 大正時代

Okres Taishō (1912–1926) to krótka epoka pomiędzy okresem Meiji a okresem Shōwa, nazwana na cześć cesarza Taishō, poważnie ograniczonego stanem zdrowia, za którego panowania parlament zyskał na znaczeniu – tak zwana demokracja Taishō. W ciągu tych czternastu lat dobrobytu gospodarczego i rosnącej kultury miejskiej powstał romantyzm Taishō, połączenie tradycyjnej japońskiej ikonografii z europejską secesją i art déco. Tradycyjne pracownie kontynuowały działalność, otwierając się jednak ostrożnie na formy i dekoracje pod wpływem Zachodu, podczas gdy szersza warstwa mieszczańskich nabywców kupowała wysokiej jakości ceramikę i malarstwo. Wielkie trzęsienie ziemi Kantō z 1923 roku zniszczyło liczne kolekcje i pracownie.

Także: Taishō-Periode, Taisho, Taisho-Periode, Taisho Zeit, okres Taishō, epoka Taishō, Taishō

More about Okres Taishō in our topics

Onta-yaki 小鹿田焼

Onta-yaki to japońska ceramika użytkowa z osady Sarayama koło Hity w prefekturze Ōita, która powstała w 1705 roku, gdy sprowadzono tam garncarzy z pobliskiego Koishiwara. Do dziś pracuje tam jedynie kilka rodzin, które przygotowują glinę za pomocą napędzanych wodą stęp zwanych karausu i nie sygnują swoich wyrobów. Charakterystyczne są rytmiczne wzory w białej powłoce na czerwonawym czerepie: rzeźbione nacięcia (tobi-kanna), pociągnięcia pędzla (hakeme) oraz nalewane pasy szkliwa. Yanagi Sōetsu wychwalał to miejsce w 1931 roku jako wzorcowe rzemiosło ludowe, a Bernard Leach pracował tam w 1954 roku. W 1995 roku technika ta została uznana za ważne niematerialne dobro kultury.

Także: Onta-yaki, ceramika Onta, Ontagawa-yaki, Onta

Oribe-yaki 織部焼

Oribe-yaki to japońska ceramika kamionkowa z regionu Mino w dzisiejszej prefekturze Gifu, powstająca głównie między rokiem 1600 a latami 30. XVII wieku. Jej cechą rozpoznawczą jest miedziowe, głęboko zielone szkliwo, które nie jest nakładane na całej powierzchni, lecz polewane partiami na naczyniu i spływa pasmami; obok tego występują jasne strefy z geometrycznym malowidłem podszkliwnym z tlenku żelaza oraz celowo zniekształcone, asymetryczne kształty. Styl nazwano od mistrza ceremonii herbaty Furuty Oribe (1544–1615), którego gust go ukształtował. Tym samym Oribe jest najbardziej rzucającym się w oczy spośród czterech stylów Mino i przeciwieństwem powściągliwości stylu Shino. Po wymuszonym samobójstwie Oribego w 1615 roku styl ten szybko stracił na znaczeniu.

Także: Oribe-Yaki, ceramika Oribe, Ao-Oribe, Oribe

Otani-yaki 大谷焼

Otani-yaki to japońska ceramika kamionkowa z dzielnicy Ōasa w mieście Naruto w prefekturze Tokushima na wyspie Shikoku, której początki datuje się na 1780 rok. Swój rozkwit zawdzięcza uprawie indygo w regionie: dla kadzi farbiarskich barwników wypalano dzbany wielkości człowieka. Takie wielkoformatowe naczynia powstają w niezwykłej technice ne-rokuro, w której jeden garncarz, leżąc, obraca koło nogami, podczas gdy drugi formuje naczynie. Bogata w żelazo glina daje szorstką powierzchnię o metalicznym połysku. Piec komorowy tej miejscowości uchodzi za jeden z największych w Japonii.

Także: Ōtani-yaki, ceramika Otani, Otani yaki, Otani

R

Raden 螺鈿

Raden (螺鈿) to japońska technika inkrustacji macicą perłową: cienko szlifowane płytki z muszli lub skorupy ślimaka są przycinane, wkładane w podłoże lakierowe lub osadzane we wgłębieniu, pokrywane kolejną warstwą laki, a następnie ponownie odsłaniane przez szlifowanie. Efekt mieni się w zależności od kąta padania światła błękitem, zielenią i różem, odcinając się chłodnym blaskiem od głębokiej czerni urushi. Zdobi się w ten sposób szkatułki, misy, puszki na herbatę oraz meble. W odróżnieniu od maki-e, gdzie motyw tworzy rozsypany proszek złota lub srebra, raden posługuje się stałymi, osadzanymi kawałkami materiału; obie techniki są często łączone na jednym przedmiocie.

Także: Perlmutteinlage, Perlmutt-Einlage, Raden-Technik, Perlmutt, raden, technika raden, masa perłowa, inkrustacja masą perłową

Rakkan 落款

Rakkan to poświadczenie autentyczności japońskiego obrazu lub kaligrafii, składające się z odręcznego podpisu i czerwonego odcisku pieczęci, umieszczane zazwyczaj na brzegu kompozycji. Ściśle rzecz biorąc, termin ten oznacza obie te części razem; w handlu dziełami sztuki oznacza jednak często sam odcisk pieczęci. Do druku używa się Shuniku, cynobrowej pasty do pieczęci, a pieczęć nosi zwykle imię artysty zapisane archaicznym pismem pieczęciowym Tensho. Rakkan należy odróżnić od Hanko, czyli samej pieczęci jako przedmiotu, oraz od Kakihan, monogramu pisanego pędzlem bez użycia pieczęci. Dla odbiorcy Rakkan nigdy nie jest jedynie potwierdzeniem, lecz świadomie umieszczonym czerwonym akcentem w kompozycji obrazu.

Także: Namenssiegel, Signatur und Siegel, Rakkan-in, Siegelabdruck, Rotes Siegel, pieczęć rakkan, pieczęć artysty, pieczęć czerwona, odcisk pieczęci

Raku-yaki 楽焼

Raku-yaki to japońska tradycja ceramiczna, która w XVI wieku wywodzi się ze współpracy garncarza Chōjirō z mistrzem herbaty Sen no Rikyū i wytwarza przede wszystkim chawan do ceremonii herbaty. Czarki formuje się ręcznie, bez koła garncarskiego, wypala się w stosunkowo niskiej temperaturze i szybko schładza; w ten sposób powstają charakterystyczne drobne pęknięcia i niepowtarzalne przebiegi szkliwa. Rozpowszechnionymi typami podstawowymi są czarny Kuro-Raku i czerwony Aka-Raku. Nazwa wywodzi się z wyróżnienia nadanego przez Toyotomi Hideyoshi; rodzina Raku kontynuuje tę tradycję w Kyōto do dziś. W tradycyjnej hierarchii czarek do herbaty Raku zajmuje miejsce przed Hagi i Karatsu.

Także: Raku-Yaki, ceramika Raku, Aka-Raku, Raku

Reisho 隷書

Reisho (隷書) to pismo kancelaryjne, drugi najstarszy z pięciu klasycznych stylów pisma w kaligrafii wschodnioazjatyckiej. Powstał w Chinach w okresie Qin jako uproszczona, szybsza w zapisie forma pisma pieczęciowego Tensho, a za czasów dynastii Han stał się oficjalnym pismem urzędowym stosowanym w dokumentach i inskrypcjach kamiennych. Charakterystyczne są szeroko rozłożone, dość płaskie znaki oraz zamaszyście wybiegające poziome pociągnięcie kończące, po japońsku nazywane Hataku. Z Reisho wywodzą się młodsze style: pismo regularne Kaisho, półkursywa Gyōsho oraz pismo trawiaste Sōsho. W Japonii Reisho można do dziś zobaczyć tam, gdzie pismo ma emanować godnością – na banknotach, w nagłówkach gazet, na tabliczkach z nazwiskami oraz na pieczęciach.

Także: Reisho-tai, pismo kancelaryjne, Clerical Script, styl kancelaryjny

Rinpa 琳派

Rinpa (琳派) oznacza dekoracyjny nurt malarstwa japońskiego, który przedstawia silnie stylizowane motywy natury – trawy, kwiaty, fale, ptaki – często na złotym tle. Nazwa pochodzi od malarza Ogaty Kōrina, „ha” oznacza szkołę. W odróżnieniu od szkoły Kanō, Rinpa nie była przekazywana jako rodzinne przedsiębiorstwo, lecz poprzez studiowanie wzorów: Sakai Hōitsu (1761–1829) na przykład nigdy nie był uczniem Kōrina, lecz poznał jego twórczość w ramach samodzielnych studiów i zapoczątkował nurt Edo-Rinpa. Płaski, ornamentalny język obrazowy o wyraźnych sylwetkach wpłynął w XIX wieku także na europejską sztukę secesji.

Także: Rimpa, szkoła Rinpa, szkoła Rimpa, szkoła Kōrin, Rinpa

Rokkoyō 六古窯

Rokkoyō, „Sześć Starych Pieców”, to zbiorcze określenie sześciu japońskich ośrodków ceramicznych, które nieprzerwanie wytwarzają ceramikę od średniowiecza: Seto, Tokoname, Shigaraki, Bizen, Echizen i Tamba. Wszystkie sześć wypalało początkowo grube, nieszkliwione kamionkowe naczynia na codzienny użytek – dzbany na zapasy, moździerze, naczynia na wodę i zboże – i dopiero znacznie później uznano je za rzemiosło artystyczne; Seto stanowi tu wyjątek, gdyż już wcześnie powstawały tam wyroby szkliwione. Sam termin jest młodszy niż zjawisko, które opisuje: ukuł go około 1948 roku historyk ceramiki Koyama Fujio. W 2017 roku Sześć Starych Pieców zostało wspólnie wpisanych na listę japońskiego dziedzictwa kulturowego.

Także: Rokkoyō, Rokkoyo, Sześć Starych Pieców, Sześć Dawnych Pieców, sześć starożytnych pieców Japonii

More about Rokkoyō in our topics

Rokuro 轆轤

Rokuro to japońskie koło garncarskie, a zarazem określenie pracy przy nim. Rozpowszechnione są napędzane nogą koło keri-rokuro, wprawiane w ruch ręką koło te-rokuro oraz dziś koło elektryczne. Osoba pracująca przy kole ciągnie ściankę naczynia palcami ku górze; powstają wówczas delikatne, spiralnie biegnące ku górze rowki toczenia, po których można rozpoznać wyroby toczone na kole. Niemal w całej Japonii koło obraca się zgodnie z ruchem wskazówek zegara – wioska garncarska Tachikui w Tamba jest jednym z niewielu wyjątków. Od rokuro należy odróżnić tebineri, czyli budowanie naczynia ręcznie, całkowicie bez użycia koła.

Także: Koło garncarskie, Keri-rokuro, koło do formowania, Kerokuro, technika Rokuro, rokuro

Ryū 龍

Ryū to japoński smok: pozbawiona skrzydeł, wężowata istota, która włada wodą, deszczem i niebem i w mitologii uważana jest zwykle za życzliwego opiekuna. Jego ikonografia powstała ze zlania się wyobrażeń chińskich, indyjskich i rodzimych, shintoistycznych. Od swoich chińskich krewnych odróżnia się tradycyjnie liczbą palców: trzy zamiast czterech lub pięciu. W przeciwieństwie do smoka zachodniego nie zionie ogniem i nie potrzebuje skrzydeł; dla skrzydlatej, ziejącej ogniem istoty w europejskim ujęciu przyjęło się we współczesnym języku japońskim zapożyczenie Doragon. Na kakemono smok symbolizuje moc, mądrość i ochronę przed złymi duchami.

Także: Drache, Tatsu, smok japoński, Ryu, Ryū

More about Ryū in our topics

S

Sakazuki 盃

Sakazuki (盃) to płaska, szeroko otwarta japońska czarka do sake, używana tradycyjnie przede wszystkim przy okazjach ceremonialnych – na przykład podczas San-san-kudo, rytualnej wymiany czarek do sake podczas ślubu shintō, a także w Nowy Rok i dni świąteczne. Wykonywana jest z ceramiki lub z lakierowanego drewna, często lakierowana na czerwono i zdobiona złotem. Od naczyń codziennego użytku odróżnia ją przede wszystkim kształt: podczas gdy ochoko i guinomi są kubkowate i głębokie, sakazuki jest szerokie i niskie, dzięki czemu płyn pozostaje widoczny niczym lustro. Do codziennego picia sake jest to forma najmniej praktyczna, do okazji świątecznych – forma odpowiednia.

Także: płaska czarka do sake, ceremonialna czarka do sake, czarka sakazuki

Sakoku 鎖国

Sakoku (鎖国, „zamknięcie kraju”) to polityka szogunatu Tokugawa, która w okresie Edo w znacznym stopniu odizolowała Japonię od świata zewnętrznego. Od 1624 roku handel i podróże zostały drastycznie ograniczone: Japończykom zabroniono opuszczania kraju, chrześcijaństwo zostało zakazane, a Nagasaki pozostało niemal jedynym portem handlowym, do którego mogły zawijać statki holenderskie i chińskie. Samo słowo jest młodsze niż zjawisko, które opisuje – powstało dopiero w 1801 roku, gdy tłumacz Shizuki Tadao przełożył na język japoński tekst Engelberta Kaempfera. Odizolowanie zakończyło się wymuszonym otwarciem Japonii począwszy od 1853 roku; to właśnie w tej izolacji ukształtowały się liczne tradycje japońskiego rzemiosła artystycznego.

Także: Sakoku, Sakoku-Politik, izolacja Japonii, polityka izolacji Japonii, polityka zamknięcia kraju, zamknięcie kraju

Sanadahimo 真田紐

Sanadahimo to wąska, płasko tkana japońska taśma, którą zamyka się przede wszystkim drewniane skrzynki, takie jak tomobako czy kiribako. W przeciwieństwie do okrągłego sznura plecionego powstaje ona na krośnie z osnowy i wątku, dzięki czemu jest gęsta, bardzo wytrzymała na rozciąganie i niemal nierozciągliwa – pierwotnie z tego powodu używano jej do zawieszeń mieczy, elementów zbroi oraz do wiązania ładunków. Tka się ją przeważnie z bawełny lub jedwabiu, często w drobne wzory paskowe lub kratowe, które w zależności od szkoły herbaty, warsztatu lub rodziny wypadają odmiennie i tym samym służą jako znak rozpoznawczy. Nazwa tradycyjnie łączona jest z rodem wojowników Sanada; wywód ten uznawany jest za legendę.

Także: Sanada-Himo, Sanada-Band, Sanadahimo-Kordel, Webband, taśma Sanadahimo, tasiemka Sanada

Sangiri 桟切

Sangiri jest jednym z klasycznych efektów wypału nieszkliwionej ceramiki z Bizen: szare, niebieskoszare aż po niemal czarne strefy, powstające tam, gdzie naczynie zostaje w piecu przykryte popiołem i żarzącym się węglem drzewnym. Pod tą warstwą brakuje tlenu, żelazo zawarte w skorupie ulega redukcji i zamiast typowej rdzawobrązowej barwy przechodzi w chłodne odcienie szarości; przejścia są miękkie i obłoczkowate. Jeśli przykrycie powstaje samoistnie z ułożenia naczynia w piecu, mówi się o sangiri naturalnym; jeśli pod koniec wypału celowo usypuje się węgiel drzewny, mówi się o sangiri sztucznym. W odróżnieniu od goma i bidoro, sangiri nie opiera się na roztopionym popiele, lecz na atmosferze wypału.

Także: San-giri, efekt Sangiri, Sumi-Sangiri, Sangiri-Bizen

Sansui 山水

Sansui (山水, dosłownie „góry i woda”) to japońskie malarstwo pejzażowe – wodospad pomiędzy skałami, wioska rybacka we porannej mgle, wzgórze porośnięte sosnami na tle odległych łańcuchów górskich. Żyje ono z gradacji tuszu oraz z dużej ilości pustej przestrzeni, odczytywanej jako mgła, woda lub niebo, i jest dostępne bez wcześniejszej wiedzy: taki obraz ogląda się jak okno i przy każdym spojrzeniu odkrywa się kolejny szczegół. Pod względem technicznym pejzaże uchodzą za wdzięczne, ponieważ niepomalowane podłoże lepiej znosi związane z wiekiem zżółknięcie niż powierzchniowe kolorowanie. W przeciwieństwie do kaligrafii zen, sansui nie trzyma się jednej określonej symboliki.

Także: Sansui-ga, Sansuiga, Sansui, japońskie malarstwo pejzażowe, malarstwo pejzażowe, pejzaż, obraz pejzażowy, krajobraz

Satori 悟り

Satori to w buddyzmie zen doświadczenie nagłego przebudzenia, przełom w postrzeganiu, w którym zwykły podział między obserwatorem a światem wydaje się na chwilę zniesiony. Uchodzi za coś, czego nie da się zaplanować ani ująć w słowa; przekazywane jest więc w anegdotach i paradoksalnych kōanach, a nie w formie twierdzeń doktrynalnych. Dla sztuki pojęcie to ma istotne znaczenie, ponieważ kaligrafia zen i malarstwo tuszem nie przedstawiają rezultatu, lecz stan umysłu w chwili pociągnięcia pędzla – najbardziej znanym tego przykładem jest enso.

Także: Satori, przebudzenie, oświecenie, Kenshō, doświadczenie satori

Satsuma-yaki 薩摩焼

Satsuma-yaki to japońska tradycja kamionki z dawnej prowincji Satsuma na południu dzisiejszej prefektury Kagoshima, zapoczątkowana przez koreańskich garncarzy, którzy przybyli na Kyūshū pod koniec XVI wieku. Rozróżnia się dwie linie: Shiro-Satsuma o kości słoniowej barwie scherbu, drobno kraklowanym przezroczystym szkliwie i gęstym zdobieniu naszkliwnym złotem, pierwotnie zarezerwowaną dla rodu książęcego Shimazu, oraz Kuro-Satsuma z bogatej w żelazo gliny, z ciemnym szkliwem, jako naczynia codziennego użytku. Najważniejsze rozróżnienie: Satsuma to nie porcelana, lecz kamionka – scherb pozostaje nieprzezroczysty, wydaje głuchy dźwięk i niemal zawsze nosi kraklurę. Podobnie bogato zdobione porcelanowe wyroby pochodzą zazwyczaj z Kutani.

Także: Satsumayaki, Satsuma-yaki, kamionka Satsuma, Shiro Satsuma, Kuro Satsuma, Nishikide

Seiza 正座

Seiza (正座, dosłownie „prawidłowe siedzenie”) to formalna japońska pozycja siedząca: klęcząc na podłodze, z pośladkami opartymi na piętach, wyprostowanymi plecami i dłońmi ułożonymi na kolanach. Jako obowiązująca forma na uroczyste okazje upowszechniła się w okresie Edo w środowisku wojowników, a później stała się powszechnie przyjęta. W pomieszczeniu do ceremonii herbaty jest podstawową pozycją zarówno gospodarza, jak i gości: z niej prowadzone są naczynia i przybory, i z niej ogląda się zwój wiszący (kakemono) w tokonoma, dlatego wysokość spojrzenia i proporcje pomieszczenia są dostosowane właśnie do niej. Również w kaligrafii oraz w sztukach walki seiza uznawana jest za klasyczną pozycję.

Także: Seiza, siad japoński, siad klęczny, formalna pozycja siedząca, klasyczny japoński sposób siedzenia

Seladon 青磁

Seladon oznacza półprzezroczyste, zielonkawe do niebieskozielonych mieniące się szkliwo pochodzenia wschodnioazjatyckiego, a także pokrytą nim ceramikę. Jego barwa pochodzi z niewielkiej domieszki żelaza w szkliwie, która podczas wypału redukcyjnego – czyli przy celowym ograniczeniu dostępu tlenu w piecu – przechodzi z czerwonobrązowej w zieloną; już niewielkie wahania prowadzenia pieca zmieniają odcień. Zostało ono opracowane w Chinach, gdzie za szczyt tej sztuki uznaje się piece z Longquan; w Japonii nosi nazwę Seiji. Szkliwo to często pokrywa delikatna sieć rys, zwana Kannyū. Europejska nazwa wywodzi się od postaci powieściowej Céladon z „L’Astrée” Honoré d’Urfégo, którego bladozielony strój wszedł w modę na początku XVII wieku.

Także: Celadon, Seiji, Seladon, Ceramika seladonowa, Ceramika celadonowa, Szkliwo seladonowe, Glazura seladonowa, Seladon-yaki

Sen no Rikyū 千利休

Sen no Rikyū (千利休, 1522–1591) był najbardziej wpływowym mistrzem herbaty w Japonii i ukształtował estetykę ceremonii herbaty obowiązującą do dziś. Doprowadził ideał Wabi-Cha do skrajności: maleńkie pomieszczenia herbaciane, wejście na tyle niskie, że każdy gość musiał się schylić, proste naczynia z drewna i zwykłej gliny zamiast kosztownych importów z Chin. Ze współpracy z garncarzem Chōjirō powstała ceramika Raku, a odkąd Rikyū bywał w klasztorze Daitoku-ji, zwoje (kakemono) na tokonoma pomieszczenia herbacianego tradycyjnie pochodzą właśnie z tego klasztoru. Rikyū zmarł w 1591 roku wskutek wymuszonego samobójstwa; jego uczeń Furuta Oribe uchodził odtąd za czołowego mistrza herbaty.

Także: Rikyū, Rikyu, Sen no Rikyu, Sen Rikyū

More about Sen no Rikyū in our topics

Sencha 煎茶

Sencha to najczęściej pity japoński zielony herbata: parowane, zwijane i suszone liście, które zalewa się gorącą wodą, a nie ubija na proszek jak matcha. Pije się go z yunomi, wyższego kubka bez uszka, a nie z szerokiej czarki do herbaty. Obok ceremonii herbaty opartej na proszku w Japonii rozwinęła się z Senchadō odrębna, mniej sformalizowana tradycja zaparzania. Dla zrozumienia japońskiej zastawy do herbaty kluczowe jest to rozróżnienie: zaparzanie i ubijanie wymagają różnych naczyń.

Także: Blatttee, japanischer Grüntee, Sen-cha, sencha

Seto-yaki 瀬戸焼

Seto-yaki to japońska tradycja ceramiczna z Seto i Owariasahi w prefekturze Aichi i wyjątek wśród sześciu starych pieców Japonii: podczas gdy pozostałych pięć wypalało nieszkliwione kamionkowe wyroby, Seto było przez wieki jedynym japońskim ośrodkiem wyrobów szkliwionych. Według tradycji jej początki sięgają Katō Shirozaemona, który w XIII wieku uczył się w Chinach; chińska celadonowa ceramika i tenmoku ukształtowały wczesną produkcję. Zamiast jednolitego wyglądu Seto cechuje duża różnorodność szkliw oraz styl sometsuke z podszkliwnym malowaniem kobaltem. Garncarze z Seto, którzy zbiegli do Mino, założyli tam później style Shino, Oribe i Ki-Seto.

Także: Seto-yaki, ceramika z Seto, ceramiki z Seto, Setomono

Setoguro 瀬戸黒

Setoguro, „czarne Seto”, jest jednym z czterech wielkich stylów ceramiki regionu Mino w dzisiejszej prefekturze Gifu i oznacza głęboką, aksamitną czerń. Powstaje dzięki szczególnej technice: naczynia wyciąga się z pieca jeszcze rozżarzone i poddaje się gwałtownemu schłodzeniu, przez co żelazowe szkliwo zastyga na czarno – stąd też nazwa Hikidashi-guro, „wyciągnięta czerń”. Podobnie jak Shino, Oribe i Ki-Seto, Setoguro powstało w okresie Momoyama, choć nazwa odnosi się do sąsiedniego Seto. Tę samą technikę gwałtownego chłodzenia stosują odmiany Oribe – Kuro-Oribe i Oribe-guro; w odróżnieniu od ręcznie formowanego Raku-yaki pracuje się tu na kole garncarskim.

Także: Seto-guro, Hikidashi-guro, Setoguro-Chawan, czarne Seto

Shakyō 写経

Shakyō (写経, „przepisywanie sutr”) to ręczne przepisywanie sutr buddyjskich pędzlem i tuszem, praktykowane w Japonii od wieków jako praktyka medytacyjna. Najczęściej kopiowaną sutrą jest Sutra Serca (Hannya Shingyō), której 262 znaki szczególnie dobrze nadają się do tego ćwiczenia. W zen Shakyō uznawane jest nie tylko za akt czci, lecz przede wszystkim za ćwiczenie koncentracji: uważne odrysowywanie każdego pojedynczego kanji skupia piszącego na chwili obecnej, przy czym już samo ucieranie kamienia tuszowego stanowi część tej praktyki. Gotowy odpis można złożyć w świątyni jako dar ofiarny lub przechowywać w domu.

Także: Shakyō, Shakyo, Sutra-Abschrift, Sutrenabschrift, Sutra-Kopieren, kopiowanie sutr, przepisywanie sutr

More about Shakyō in our topics

Shasei 写生

Shasei (写生) to malowanie i rysowanie na podstawie bezpośredniej obserwacji, a więc studium żywego ptaka i rzeczywistej rośliny, a nie wzorca pracowni. W Japonii Maruyama Ōkyo (1733–1795) wprowadził ten sposób pracy w XVIII wieku wbrew dominującemu wówczas kształceniu na podstawie funpon; z jego kręgu wywodzi się szkoła Maruyama-Shijō, której dokładna obserwacja natury oddziaływała aż po okres Meiji. To, że shasei uchodziło wówczas za nowość, pokazuje z kolei, jak bardzo kopiowanie było do tego czasu oczywistą normą. Przeciwieństwo to jednak nie dotyczy techniki: również obraz stworzony według natury pozostaje w prowadzeniu pędzla i kompozycji zobowiązany wobec przekazanego języka form.

Także: Sha-sei, Studium natury, Rysowanie z natury, Shasei-ga, Maruyama-Shijō

Shibui 渋い

Shibui to japoński osąd smaku estetycznego, określający powściągliwe, dyskretne piękno: proste na pierwsze wrażenie, a dopiero przy dłuższym oglądaniu ujawniające swoje bogactwo. Słowo to pierwotnie oznacza cierpki lub ściągający, jak smak niedojrzałej kaki, i w kulturze herbaty stało się pochwałą dla przedmiotów, które nie zabiegają o uwagę. Do międzynarodowego języka projektowania trafiło za sprawą Yanagi Sōetsu i japońskiego ruchu sztuki ludowej. W przeciwieństwie do Wabi-Sabi, które podkreśla ślady upływu czasu i przypadku, Shibui jest przede wszystkim wartościowaniem: przedmiot może być nowy i nieskazitelny, a mimo to shibui, dopóki pozostaje dyskretny.

Także: Shibusa, Shibumi, estetyka shibui

Shichifukujin 七福神

Shichifukujin to grupa siedmiu przynoszących szczęście bóstw japońskiej religii ludowej, które wspólnie zapowiadają szczęście, dobrobyt i spełnione życie: Ebisu, Daikokuten, Bishamonten, Benzaiten, Fukurokuju, Jurōjin i Hotei. Godne uwagi jest ich pochodzenie z trzech tradycji – tylko Ebisu jest rdzennie japońskim bóstwem shintoistycznym, trzy bóstwa pochodzą z obszaru indyjskiego, a trzy z Chin. Jako grupa zostały one, według tradycji, zebrane razem dopiero pod koniec okresu Muromachi (1336–1573) w Kyōto. Według najbardziej znanej legendy podróżują one do ludzi na Nowy Rok na statku skarbów Takarabune; w styczniu popularna jest pielgrzymka Shichifukujin-Meguri.

Także: Shichifukujin, Siedmiu Bogów Szczęścia, Siedmiu Bogów Pomyślności, 7 Bogów Szczęścia, Bogowie Szczęścia

Shifuku 仕覆

Shifuku (仕覆) to zszyty japoński woreczek z tkaniny ściągany sznurkiem, tradycyjnie wykonany z jedwabnego brokatu, który dodatkowo chroni obiekt sztuki w jego drewnianym pudełku. Jest on rozpowszechniony przede wszystkim w przypadku szczególnie cennych przyborów do herbaty, takich jak pojemniki na herbatę, a niekiedy chroni także czarki lub inne przedmioty. Jego zadaniem jest stanowić miękką, a zarazem przepuszczającą powietrze warstwę między ceramiką a drewnem; prostsze obiekty obywają się natomiast ze zwykłą bawełnianą tkaniną. Oryginalny shifuku, podobnie jak pudełko, należy do obiektu i jest przechowywany razem z nim, ponieważ oba te elementy stanowią część wyposażenia i historii danego przedmiotu.

Także: Shifuku, Shi-fuku, worek z brokatu, woreczek z brokatu, worek z tkaniny, woreczek z tkaniny, worek z jedwabiu, woreczek z jedwabiu

Shigaraki-yaki 信楽焼

Shigaraki-yaki to nieszkliwiona japońska ceramika kamionkowa z regionu wokół Kōka w prefekturze Shiga i jeden z sześciu starych ośrodków garncarskich Japonii. Jej bogata w skaleń glina pochodzi z osadów pradawnego jeziora Biwa i nadaje powierzchni ziarnistą, niemal kamienistą fakturę z grubymi wtrąceniami kwarcu. Podobnie jak Bizen, wypalana jest bez szkliwa metodą yakishime w temperaturze około 1250 do 1300 stopni, przy czym powstają naturalne szkliwo popiołowe, ogniste zaczerwienienie i przypominające perły „oczy kraba”. Od Bizen odróżnia Shigaraki przede wszystkim ta jasna, piaszczysta ziarnistość czerepu. Miejscowość ta jest ponadto ludowo znana ze swych zaokrąglonych figurek tanuki, tradycji sięgającej XX wieku.

Także: Shigaraki-Yaki, ceramika z Shigaraki, ceramika Shigaraki-yaki, Shigaraki

Shikishi 色紙

Shikishi (色紙) to sztywna, niemal kwadratowa japońska tektura malarska o wymiarach około 24 na 27 centymetrów, tradycyjnie wykorzystywana do kaligrafii, krótkich wierszy i malarstwa tuszem. Charakterystyczną cechą jest często złoty lub srebrny brzeg, który nadaje gotowemu dziełu niemal ceremonialną oprawę. Mimo dosłownej nazwy „kolorowy papier”, nie chodzi o papier do prac ręcznych, lecz o wielowarstwowe, stabilne kształtowo podłoże obrazowe, które nie wymaga dodatkowej oprawy, by nadawać się do prezentacji. W porównaniu z przestrzennym kakemono, shikishi sprawia wrażenie znacznie bardziej intymnego; od wąskiego tanzaku odróżnia go zwarty format kwadratowy, mieszczący zamknięte kompozycje, a nie pojedynczy wers wiersza.

Także: Malkarton, Shiki-shi, Kalligrafiekarton, Shikishi-Karton, Shikishi

Shikki 漆器

Shikki to japońskie określenie wyrobów lakierowanych, czyli gotowych przedmiotów, których podłoże pokryte jest wieloma cienkimi warstwami Urushi – misek, czarek, pałeczek, pudełek, szkatułek na przybory do pisania i mebli. Podłoże, po japońsku Kiji, wykonane jest najczęściej z toczonego lub rzeźbionego drewna, rzadziej z bambusa, papieru, skóry lub metalu. Shikki różni się od Urushi tak, jak materiał różni się od wyrobu: Urushi to sam lakier, Shikki to wykonany z niego przedmiot. Tradycje regionalne, takie jak Wajima-nuri czy Aizu-nuri, noszą własne nazwy. W języku angielskim słowo „japan” oznacza wyroby lakierowane, tak jak „china” oznacza porcelanę.

Także: Shikki, laka japońska, wyroby lakierowane, ceramika lakierowana, laka, wyroby z laki

Shin-hanga 新版画

Shin-hanga (新版画, „nowy drzeworyt”) to ruch odnowy japońskiego kolorowego drzeworytu w XX wieku, prowadzony w decydującym stopniu przez wydawcę Watanabe Shōzaburō. Sam proces pozostał tradycyjny: rysownik projektu, snycerz i drukarz pracowali w podziale pracy, a arkusze ukazywały się w nakładzie. Nowy był język obrazowy – światło, nastrój i wizerunek człowieka XX wieku, często z wpływami zachodnimi. Do najbardziej znanych przedstawicieli należy Itō Shinsui (1898–1972), który jednocześnie działał jako malarz nihonga. W odróżnieniu od ukiyo-e okresu Edo, shin-hanga stanowi świadome odrodzenie tej tradycji druku; dla międzynarodowego postrzegania sztuki japońskiej te arkusze były szczególnie skuteczne ze względu na swoją dostępność.

Także: Shin Hanga, Shinhanga, Shin-hanga, nowy japoński drzeworyt, nowy drzeworyt

Shino-yaki 志野焼

Shino-yaki to japońska ceramika kamionkowa z regionu Mino w dzisiejszej prefekturze Gifu, powstała pod koniec XVI wieku i uznawana za najstarszą białą szkliwioną ceramikę Japonii. Charakterystyczne jest grubo nakładane, mlecznobiałe szkliwo skaleniowe z drobnymi porami i małymi kraterami oraz czerwonawymi plamami ogniowymi; wiele przedmiotów nosi powściągliwe motywy w tlenku żelaza pod szkliwem. Wśród czterech wielkich stylów Mino Shino stanowi cichy, biały przeciwbiegun głośnego, zielonego Oribe. Po upadku w okresie Edo garncarz Arakawa Toyōzō (1894–1985) zrekonstruował tę technikę i wykazał, że pochodzi ona nie z Seto, lecz z Mino.

Także: Shino-Yaki, ceramika Shino, E-Shino, Shino

Shizen-yū 自然釉

Shizen-yū to naturalny nalot popiołu na nieszkliwionej ceramice: popiół lotny z paleniska opalanego drewnem osiada podczas wypału na barkach i krawędziach naczyń i topi się tam z żelazem zawartym w glinie, tworząc szklistą warstwę. To szkliwo nie jest więc nakładane, lecz powstaje w piecu – dlatego nigdy nie wygląda dwa razy tak samo i jest najsilniejsze po stronie zwróconej do ognia. Szczególnie klarowne, zielonkawo połyskujące partie nazywane są Bidoro, od portugalskiego vidro oznaczającego szkło. W Bizen niektóre odmiany noszą własne nazwy: Goma dla nakrapianych śladów popiołu, Hidasuki dla czerwonych linii pozostawionych przez słomę ryżową.

Także: Shizen yu, Shizen-yu, Shizen-yū, naturalna szkliwa popiołowa, szkliwo z popiołu, glazura popiołowa, naturalna glazura

More about Shizen-yū in our topics

Shōchikubai 松竹梅

Shōchikubai to japońska nazwa grupy motywów złożonej z sosny, bambusa i śliwy, w języku niemieckim najczęściej oddawana jako „Trzej Przyjaciele Zimy”. Każda z roślin niesie własne znaczenie: sosna pozostaje zielona nawet zimą i symbolizuje trwałość oraz długowieczność, bambus ugina się pod ciężarem śniegu, nie łamiąc się, a śliwa kwitnie jako pierwsza w chłodzie, jeszcze przed wiśnią. Wspólnie te trzy rośliny uchodzą za wróżący szczęście motyw noworoczny i świąteczny i pojawiają się na zwojach kakemono, ceramice i wyrobach lakierniczych. W Japonii kolejność Shō-Chiku-Bai służy ponadto jako powszechnie stosowana trzystopniowa skala jakości.

Także: Drei Freunde des Winters, Sho-Chiku-Bai, Shochikubai, Shōchikubai, sosna bambus śliwa, sosna-bambus-śliwa

More about Shōchikubai in our topics

Shodai-yaki 小代焼

Shodai-yaki to japońska ceramika kamionkowa z północy prefektury Kumamoto, przede wszystkim z Arao i Nankan u podnóża góry Shōdai. Jej początki datuje się na rok 1632, kiedy to Hosokawa Tadatoshi przeniósł się z Buzen do prowincji Higo, zabierając ze sobą garncarzy z rodzin Hinkōji i Katsuragi; technika ta wpisuje się tym samym w tę samą, ukształtowaną przez wpływy koreańskie, linię co Agano i Karatsu. Wykorzystywana jest bogata w żelazo glina zawierająca drobne kamyki, na którą nakłada się szkliwo z popiołu słomy ryżowej, a następnie chochlą polewa się szerokimi pasmami drugie szkliwo - technika ta nazywana jest Nagashi-gake. W zależności od efektu wypału wyroby noszą nazwę Shodai-biały, -niebieski lub -żółty.

Także: Shōdai-yaki, ceramika Shodai, Shodai yaki, Shodai

Shodō 書道

Shodō (書道, „droga pisma”) to japońska kaligrafia, sztuka pisma przejęta z Chin, wykonywana pędzlem i czarnym tuszem, w której raz postawionych pociągnięć nie da się poprawić. Dō, to samo „droga” co w Budō czy Chadō, wskazuje na dożywotnią ścieżkę ćwiczeń: chodzi tu mniej o dekoracyjne piękne pismo, a bardziej o skoncentrowane wykonanie ustalonej kolejności pociągnięć. Naucza się pięciu klasycznych stylów – Tensho, Reisho, Kaisho, Gyōsho i Sōsho – wykonywanych za pomocą „czterech skarbów gabinetu uczonego”: Fude, Sumi, Suzuri i Washi. Shodō jest ściśle związane z buddyzmem zen, zwłaszcza poprzez przepisywanie sutr, Shakyō.

Także: Shodō, Shodo, kaligrafia japońska, japońska kaligrafia, sztuka japońskiej kaligrafii, droga pisma, droga pisania

More about Shodō in our topics

Shoin 書院

Shoin oznaczało pierwotnie miejsce do pracy mnicha zen – wysunięty w głąb pomieszczenia wykusz z parapetem – i dało później nazwę całemu stylowi budowlanemu: shoin-zukuri, stylowi mieszkalnemu arystokracji wojskowej. Zwykle przypisuje się mu te elementy wyposażenia, które kształtują japońskie wnętrze mieszkalne do dziś – niszę obrazową tokonoma, przesunięte względem siebie półki ścienne chigaidana oraz jednolitą podłogę tatami. Dla sztuki styl ten jest istotny dlatego, że po raz pierwszy nadał zwojowi wiszącemu (kakemono) i naczyniu na kwiaty stałe, specjalnie do tego celu zbudowane miejsce.

Także: Shoin-zukuri, styl shoin, architektura shoin

Shōji 障子

Shōji to lekkie elementy przesuwne w tradycyjnym domu japońskim: cienka drewniana krata pokryta z jednej strony półprzezroczystym papierem washi. Oddzielają one pomieszczenia od siebie lub odgradzają je od zewnątrz, przepuszczając przy tym światło dzienne w sposób stonowany i rozproszony na całej powierzchni, zamiast przepuszczać je kierunkowo jak szkło. To właśnie to miękkie, rozproszone światło kształtuje sposób postrzegania ceramiki i malarstwa we wnętrzu tradycyjnym. Należy je odróżnić od fusuma, nieprzejrzystych, często malowanych drzwi przesuwnych pokrytych papierem z obu stron.

Także: Shōji, Shoji, drzwi przesuwne, ścianka przesuwna z papieru, ścianka shōji

Shōmen 正面

Shōmen (正面, przód, strona przednia) oznacza najpiękniejszą, celowo na przód skierowaną stronę japońskiego naczynia do herbaty, w szczególności czarki do herbaty. Ponieważ ręcznie uformowana czarka nigdy nie jest idealnie okrągła, zawsze znajduje się miejsce, w którym szkliwo piękniej spływa lub krawędź lepiej łapie światło. Podczas ceremonii herbacianej gospodarz ustawia czarkę tak, aby Shōmen było zwrócone w stronę gościa. Ten przed piciem obraca ją o mniej więcej dwa krótkie ćwierćobroty, aby jego usta nie dotykały strony przedniej, a następnie obraca ją z powrotem – jest to gest uprzejmości, a nie zasada sama w sobie.

Także: Shomen, Shōmen, przód, strona przednia, strona licowa

More about Shōmen in our topics

Shunyata 空

Shunyata to buddyjskie pojęcie pustki: uświadomienie sobie, że wszystkie rzeczy i zjawiska nie istnieją niezależnie i same z siebie, lecz są wolne od stałej, nieodłącznej natury. Sanskryckie słowo oddawane jest w języku japońskim znakiem 空 (Kū). Najbardziej znaną formę myśl ta przybiera w Sutrze Serca, która streszcza tę naukę w 262 znakach pisma i zaostrza ją w wersie „Forma jest pustką, pustka jest formą”. Nie chodzi więc o nicość, lecz o brak trwałej istoty własnej. W sztuce pojęcie to obecne jest przede wszystkim za pośrednictwem Enso, którego pusta przestrzeń wewnętrzna odczytywana jest jako otwarta możliwość.

Także: Śūnyatā, Sunyata, Kū, pustka, pustka (kū)

Sometsuke 染付

Sometsuke to japońska nazwa błękitu podszkliwnego: malowanie kobaltową farbą gosu na wstępnie wypalonym białym czerepie, na który następnie nakładane jest przezroczyste szkliwo. Podczas wypału szkliwa w temperaturze około 1300 stopni błękit wtapia się w szkliwo i uzyskuje swoją charakterystyczną głębię; znajduje się on pod powierzchnią i dlatego nie da się go ani wyczuć dotykiem, ani zetrzeć. Elementy malowane ręcznie wykazują nierówny rysunek pociągnięć pędzla, natomiast dekory drukowane pod lupą ukazują drobny raster punktowy. W odróżnieniu od Akae i Kinrande, które nakładane są jako farby naszkliwne w drugim, chłodniejszym wypale, Sometsuke powstaje w jednym wypale wysokotemperaturowym.

Także: Some-tsuke, dekoracja podszkliwna kobaltem, porcelana biało-niebieska, malowidło kobaltowe, malarstwo gosu, Sometsuke

Sōsho 草書

Sōsho (草書, „pismo trawiaste”) to silnie łączone pismo kursywne japońskiej kaligrafii, w którym kreski są ściągane, a całe fragmenty znaków skracane do zamaszystych pociągnięć. Pisze się je wyjątkowo szybko, przy czym podlega ono ustalonym formom skrótowym i dla osób niewprawionych jest często niemal nieczytelne – odczytuje się je raczej jako ślad ruchu niż jako tekst. W porównaniu z Kaisho i Gyōsho, Sōsho jest najswobodniejszym z pięciu klasycznych stylów i uchodzi dlatego za szczególnie odpowiedni do bezpośredniego wyrazu; również Enso rysuje się zazwyczaj w tej szybkiej, kursywnej manierze. Nauczyć się go można jedynie na podstawie bardziej rygorystycznych stylów.

Także: Sōsho, Sosho, Sōsho-tai, Grasschrift, Kursivschrift, pismo trawiaste, pismo kursywne, styl trawiasty

More about Sōsho in our topics

Sueki 須恵器

Sueki to szara, twardo wypalana ceramika japońskiego antyku, której technika dotarła do Japonii z Półwyspu Koreańskiego około połowy V wieku. Formowana jest na szybko obracającym się kole garncarskim i wypalana w wykopanym w zboczu tunelowym piecu w temperaturze powyżej 1100 stopni przy niedoborze tlenu; stąd niebieskoszary, gęsto spieczony czerep, na którym miejscami zalega stopiony popiół lotny. Wyraźnie różni się od stosowanego równolegle, wypalanego w otwartym, bogatym w tlen środowisku czerwonawego Hajiki. Sueki wytwarzano aż do okresu Heian, w największym zakresie w okręgu piecowym Suemura koło Ōsaki. Uznaje się ją za techniczną podstawę późniejszych tradycji kamionki, takich jak Bizen czy Shigaraki.

Także: Sueki, ceramika Sueki, wyroby Sueki

Suiban 水盤

Suiban (水盤) to płaskie, szeroko otwarte naczynie do układania kwiatów – niska misa z ceramiki, metalu lub szkła, najczęściej okrągła, owalna lub prostokątna, w której widoczna pozostaje powierzchnia wody. Jest to naczynie stylu moribana: ponieważ gałązki nie znajdują w nim oparcia o ściankę naczynia, mocuje się je na kolczatce (kenzan), stojącej w płytkiej wodzie. Ta sama forma służy również jako podstawka pod bonsai i pod miniaturowe pejzaże. Od wysokiego naczynia wazonowego nageire suiban różni się zasadniczo: tam podporą jest ścianka naczynia, tu – płytka z kolcami.

Także: Sui-ban, płaska misa ikebana, misa na wodę, misa na kwiaty

Suibokuga 水墨画

Suibokuga to japońskie malarstwo tuszem, w którym pracuje się wyłącznie czarnym tuszem i wodą, tak że wrażenie obrazu powstaje jedynie z gradacji między głęboką czernią a jasną szarością. Technika ta dotarła do Japonii z Chin w związku z buddyzmem zen i od XIV wieku kształtowała tam przedstawienia pejzaży, bambusów i postaci. Termin ten jest często używany jako synonim sumi-e; suibokuga kładzie przy tym większy nacisk na lazurowanie i rozlewanie się rozcieńczonego tuszu, sumi-e zaś ogólniej oznacza malowanie tuszem.

Także: Suiboku, Suiboku-ga, Sumi-e, malarstwo tuszem, malarstwo tuszem wodnym

Sumi 墨

Sumi (墨) to twardy tusz japoński – sztabka z drobnej sadzy i kleju zwierzęcego (nikawa), którą przed pisaniem lub malowaniem naciera się z wodą na kamieniu do ucierania. Rozróżnia się sadzę ze spalonego drewna sosnowego od sadzy z oleju lampowego; obie dają nieco odmienne odcienie czerni. Nara od wieków uchodzi za centrum wytwarzania. To, jak długo i z jaką ilością wody się ciera, decyduje o gęstości tuszu, a tym samym o stopniowaniu tonów w obrazie; w praktyce zen samo ucieranie liczy się już jako pierwszy krok medytacyjny. W przeciwieństwie do gotowego tuszu w płynie, sumi można za każdym razem przygotować od nowa, dostosowując go do danego dzieła.

Także: Sumi, tusz sumi, laska tuszu, tusz japoński, sumi-e (tusz)

Sumi-e 墨絵

Sumi-e (墨絵) to japońskie malarstwo tuszem, w którym motywy powstają wyłącznie za pomocą czarnego tuszu, pędzla i stopniowanego nacisku na jego czubek. Technika ta, nazywana także Suibokuga, dotarła do Japonii z Chin za pośrednictwem mnichów buddyjskich i została udoskonalona w kręgu buddyzmu zen w okresie Muromachi (1333–1573). Forma, objętość i głębia atmosferyczna powstają całkowicie bez użycia koloru, jedynie dzięki stopniowaniu tuszu i niepomalowanemu tłu. Klasyczne motywy to pejzaże, „Czterech Szlachetnych” – orchidea, bambus, chryzantema i kwiat śliwy – a także patriarchowie zen, tacy jak Bodhidharma. W odróżnieniu od Nihonga, które jako pojęcie zbiorcze obejmuje całą rodzimą tradycję malarską, Sumi-e oznacza konkretną technikę.

Także: Sumie, Suibokuga, japońskie malarstwo tuszem, malarstwo tuszem, malarstwo sumi-e, sumi-e

Suzuri 硯

Suzuri (硯) to kamień do ucierania tuszu w japońskiej kaligrafii i malarstwie tuszowym, na którym stała sztabka tuszu jest ucierana z niewielką ilością wody na tusz płynny. Wykonany jest zazwyczaj z drobnoziarnistego łupka lub podobnie zwięzłej skały i posiada dwie strefy: lekko nachyloną powierzchnię do ucierania oraz głębsze zagłębienie, w którym gromadzi się gotowy tusz. Ziarnistość powierzchni decyduje o tym, jak drobno zostaje starta sadza i jak równomiernie płynie tusz. Wraz z pędzlem (fude), tuszem (sumi) i papierem (washi) suzuri zaliczany jest do „Czterech Skarbów Gabinetu Uczonego”.

Także: Suzuri, kamień do tuszu, kamień do rozcierania tuszu

T

Tada-yaki 多田焼

Tada-yaki to japońska ceramika z dzielnicy Tada w mieście Iwakuni w prefekturze Yamaguchi. Powstała w 1700 roku jako piec rodu Kikkawa, który sprowadził w tym celu garncarzy z Kyōto, i przez około sto lat dostarczała przede wszystkim czarki do herbaty oraz naczynia na kwiaty jako podarunki dla szogunatu. Charakterystyczne są jasny czerep pod zieloną glazurą seladonową (Seiji-yū) oraz wyraźnie drobna sieć spękań, po japońsku zwana Kannyū; często towarzyszy temu dekoracja rytowana. Historyczny piec wygasł pod koniec XVIII wieku; dopiero na początku lat 70. XX wieku garncarz Tamura Unkei wskrzesił tę tradycję na podstawie starych dokumentów. Historyczne egzemplarze są niezwykle rzadkie.

Także: Tadayaki, Tada, Tada Iwakuni, Unkeizan-gama

Takarabune 宝船

Takarabune (宝船, „statek skarbów”) to mała, przysadzista łódź z pełną, wydętą żaglem, którą według najbardziej znanej legendy Siedmiu Bogów Szczęścia przypływa do ludzi w Nowy Rok. Załadowana jest workami ryżu i symbolami szczęścia; jako motyw obrazowy pojawia się na zwojach wiszących (kakemono), kartach noworocznych i drukach. Rozpowszechniony był zwyczaj wkładania takiej kartki w nocy z 1 na 2 stycznia pod poduszkę, aby uzyskać pomyślny pierwszy sen roku (Hatsuyume); towarzyszy temu wiersz-palindrom, który czyta się tak samo od przodu, jak i od tyłu. Jako stałe połączenie statku i siedmiu bogów motyw ten spopularyzował się w okresie Edo.

Także: Takarabune, statek skarbów, statek szczęścia, statek bogów szczęścia

Takasago 高砂

Takasago oznacza japońską legendę o starym małżeństwie, które objawia się jako duchy dwóch połączonych ze sobą sosen – sosny z Takasago i jej sosny-partnerki w odległym Sumiyoshi. Opowieść zyskała sławę dzięki noszącej tę samą nazwę sztuce nō autorstwa Zeamiego, uznawanej od okresu Muromachi za jedno z najważniejszych dzieł o charakterze pomyślności. W malarstwie para przedstawiana jest zazwyczaj z grabiami i miotłą pod sosną, często w towarzystwie żurawi. Jako motyw obrazu Takasago symbolizuje długie, trwałe małżeństwo i tradycyjnie uchodzi za prezent ślubny, w niektórych regionach również za prezent na 25. lub 50. rocznicę ślubu.

Także: Takasago-Legende, Aioi no Matsu, Takasago no Matsu, legenda Takasago

Takatori-yaki 高取焼

Takatori-yaki to japońska ceramika herbaciana z prefektury Fukuoka, którą około 1600 roku zapoczątkował koreański garncarz Hassan, po japońsku Takatori Hachizō, na zlecenie księcia Kuroda Nagamasa. We wczesnym okresie Edo piec otrzymał wskazówki od mistrza herbaty Kobori Enshū i od tego czasu uchodzi za jeden z siedmiu pieców, którym przypisuje się jego gust. Charakterystyczne są bardzo cienko toczone ścianki oraz wielowarstwowo nakładane szkliwa, gdzie mleczno-biała polewa spływa po brązowym podkładzie szkliwa żelazowego. Również cienkościenne Agano jest stylistycznie bliskie Takatori; oba oddzielał przede wszystkim pan feudalny.

Także: Takatori-yaki, Takatori yaki, Enshū-Takatori, Takatori, ceramika Takatori

Tamba-yaki 丹波焼

Tamba-yaki to japońska ceramika kamionkowa z wioski Tachikui w dzisiejszym Tamba-Sasayama, prefektura Hyōgo, której początki datuje się na późny XII wiek. Jako jeden z sześciu starych pieców miejsce to przez stulecia wypalało nieszkliwione dzbany zapasowe, moździerze i butelki na sake; ich powierzchnię kształtuje wyłącznie naturalny nalot popiołowy (Shizen-yū), którego wyraźnie zielonkawo połyskujące partie nazywane są Bidoro. Około 1611 roku doszły piec komorowy koreańskiej konstrukcji oraz rzadkie w Japonii koło garncarskie obracające się w lewo. Pod względem technicznym Tamba jest bliska Bizen-yaki oraz Shigaraki-yaki, różni się jednak od obu wyraźnie kolorem i formami.

Także: Tamba-yaki, Tanba-yaki, Tamba, Tanba, ceramika z Tamba, ceramika z Tanba, Tamba-Tachikui-yaki

Tanuki 狸

Tanuki to japońska nazwa jenota, aktywnego nocą zwierzęcia z rodziny psowatych, szeroko rozpowszechnionego w Japonii, niespokrewnionego ani z szopem praczem, ani z borsukiem. W tradycji ludowej od wieków uchodzi za mistrza przemiany: jako Bake-danuki przybiera ludzką postać lub przemienia się w przedmioty. Jako figurka ceramiczna kojarzony jest przede wszystkim z Shigaraki – okrągłobrzuche, stojące postacie w słomianym kapeluszu, z butelką sake, ustawiane przed sklepami i gospodami jako talizmany przynoszące szczęście. Osiem atrybutów, które przypisuje się im dzisiaj, zostało zebranych dopiero w latach 50. XX wieku pod nazwą „Hachisō Engi”.

Także: Marderhund, Shigaraki-Tanuki, Tanuki, figurka Tanuki, Bake-danuki

Tanzaku 短冊

Tanzaku (短冊) to długi, wąski japoński pasek papieru o typowych wymiarach około 7,5 na 36 centymetrów, na którym tradycyjnie zapisywano pojedyncze wersy poezji, przede wszystkim waka i haiku. Wąski, pionowy format wymaga płynnego, pionowego układu znaków i dzięki temu podąża za tokiem języka wiersza często bardziej bezpośrednio niż kwadratowe shikishi, które służy raczej kompozycjom zamkniętym w sobie. Oba formaty do dziś należą do klasycznego wyposażenia japońskiej kaligrafii. Tanzaku znane są ponadto ze święta Tanabata, podczas którego zapisane paski papieru z osobistymi życzeniami zawiesza się na gałązkach bambusa.

Także: Tan-zaku, tanzaku, pasek na wiersz, pasek papieru do kaligrafii, pasek Tanabata

Tatami 畳

Tatami to grube maty podłogowe japońskiego wnętrza mieszkalnego, tradycyjnie z rdzeniem z prasowanych warstw słomy ryżowej, warstwą wierzchnią z plecionej trawy sitowej igusa oraz materiałową obszywką na dłuższych bokach. Są one zarazem miarą pomieszczenia: wielkość pokoi podaje się w Japonii według liczby mat, a pokój herbaciany o powierzchni czterech i pół maty uchodzi za format klasyczny. Dokładne wymiary różnią się w zależności od regionu. Dla sztuki ma to o tyle znaczenie, że wysokość oglądania i pozycja siedząca przed tokonoma wynikają z siedzenia na macie.

Także: tatami, mata tatami, mata ryżowa, mata ze słomy ryżowej

Tebineri 手捻り

Tebineri oznacza formowanie naczynia wyłącznie rękami, bez koła garncarskiego: glina jest wyciskana i ciągnięta z bryły lub budowana z wałków, a następnie kształtowana za pomocą drewnianych i metalowych szpachelek zwanych hera. Rozpoznać to można po wyraźnie zmieniającej się od miejsca do miejsca grubości ścianki, po płaskich powierzchniach cięcia oraz po celowo niespokojnym brzegu – brak jest rowków po obtaczaniu na kole. W ten sposób powstają tradycyjnie czarki raku i ohi. Pojęciem przeciwstawnym jest Rokuro, czyli praca na kole garncarskim; daje ona formy bardziej okrągłe i regularne, podczas gdy Tebineri nadaje każdej czarce indywidualną sylwetkę.

Także: Te-bineri, technika ręcznego formowania, formowanie ręczne, ukształtowane ręcznie, technika budowania z gliny

Tenmoku 天目

Tenmoku oznacza ciemne, bardzo bogate w żelazo szkliwo, a także stożkowaty kształt czarki do herbaty, z którym dotarło do Japonii – nie jest to więc ani region, ani piec. Swój początek ma w piecach Jian w chińskiej prowincji Fujian, gdzie w okresie Południowej Song (1127–1279) wypalano czarki do herbaty pokryte czarnym szkliwem; nazwa wywodzi się od góry Tianmu, z której japońscy mnisi przywieźli takie czarki. Podczas stygnięcia rozpuszczony tlenek żelaza wydziela się na powierzchni w postaci kryształów, tworząc efekty zwane Nogime, Yuteki oraz rzadki Yōhen. Ponieważ szkliwo nie jest związane z jednym miejscem, Tenmoku spotykane jest zarówno w Seto, jak i w Kyōto czy Mino.

Także: Temmoku, szkliwo tenmoku, Tenmoku-yaki, Jianzhan, czarna czarka do herbaty

Tensho 篆書

Tensho to archaiczne pismo pieczęciowe, najstarszy z pięciu klasycznych stylów pisma w kaligrafii wschodnioazjatyckiej. Jego znaki mają surową budowę, są utworzone z równomiernie grubych kresek i wypełniają niemal kwadratowe pole; płynne odczytanie tego pisma jest rzadkością nawet w Japonii. Właśnie dlatego przetrwało ono tam, gdzie pismo jest zarazem ornamentem: niemal każda pieczęć artysty nosi jego imię zapisane w stylu Tensho. Obok niego istnieją Reisho, pismo kancelaryjne, Kaisho, pismo drukowane zgodne z regułami, Gyōsho, półkursywa, oraz Sōsho, silnie łączona kursywa. Napisy na pudełkach (tomobako) pisane są zazwyczaj w stylu Sōsho, natomiast pieczęcie niemal zawsze w stylu Tensho.

Także: Tenshō, Siegelschrift, Tensho-tai, Seal Script, pismo pieczęciowe, styl pieczęciowy

Tobe-yaki 砥部焼

Tobe-yaki to japońska porcelana z miasta Tobe w prefekturze Ehime na wyspie Shikoku. Wywodzi się z rozporządzenia lenna Ōzu z 1775 roku, które miało na celu wykorzystanie odpadów z miejscowej produkcji kamieni do ostrzenia; w 1777 roku garncarzowi Sugino Jōsuke udał się pierwszy udany wypał. Charakterystyczne są wyraźnie grubościenny, odporny na uderzenia czerep, lekko szarawy odcień bieli oraz prosta, nakładana ręcznie malatura podszkliwna w kolorze kobaltowego błękitu (Sometsuke). Tym samym Tobe stanowi przeciwieństwo cienkościennej porcelany eksportowej z Arity: było to zawsze naczynia codziennego użytku. W 1953 roku Yanagi Sōetsu, Bernard Leach i Hamada Shōji docenili zachowane tam rzemiosło ręczne.

Także: Tobe-Yaki, porcelana z Tobe, ceramika z Tobe, Tobe

Tōki 陶器

Tōki to japońskie określenie kamionki, a właściwie wyrobu z gliny garncarskiej: ceramika ze zwykłej gliny garncarskiej, wypalana w temperaturze około 800 do 1200 stopni, która zachowuje barwny, porowaty czerep. Ponieważ chłonie on wodę, Tōki jest z reguły szkliwione; stuknięte wydaje głuchy dźwięk, w dotyku jest cieplejsze i nie jest przeświecające. Naprzeciw niego stoi Jiki, gęsta biała porcelana. Japońska terminologia fachowa zna ponadto Doki, czyli nieszkliwiony wypał niskotemperaturowy, oraz Sekki, gęste kamionkowe wyroby wysoko wypalane – w użyciu codziennym jednak wysoko wypalane tradycje, takie jak Bizen czy Shigaraki, są zazwyczaj zaliczane do Tōki.

Także: Tōki, kamionka, ceramika, ceramika Tōki

More about Tōki in our topics

Tokkuri 徳利

Tokkuri (徳利) to pękata japońska butelka do sake ze zwężaną szyjką, z której nalewa się do ochoko lub guinomi. Tradycyjnie mieści około jednego gō – dawnej japońskiej miary objętości wynoszącej około 180 mililitrów. Wąska szyjka nie jest ozdobą: dozuje strumień i spowalnia stygnięcie, gdy sake podawane jest podgrzane. Do podgrzewania napełniony tokkuri stawia się w kąpieli wodnej, zwykle o temperaturze około 40 do 50 stopni; bezpośrednie podgrzewanie na palniku oraz gwałtowne zmiany temperatury szkodzą ceramice. Tokkuri i czarki do sake są często oferowane jako zestaw, lecz nie muszą do siebie przynależeć.

Także: Sakeflasche, Sake-Karaffe, japanische Sakeflasche, Sakekaraffe, tokkuri

Tokobashira 床柱

Tokobashira to boczna słupowa kolumna dekoracyjna tokonoma – filar, który oddziela wnękę ozdobną od reszty pomieszczenia. Często jest to pień poddany minimalnej obróbce, zachowujący korę, ślady po gałęziach lub naturalne wygięcie, dzięki czemu stanowi jedyny świadomie nieregularny element w skądinąd ściśle prostokątnej konstrukcji. Należy odróżnić go od tokogamachi, widocznej, często ciemno bejcowanej lub lakierowanej przedniej krawędzi podniesionej podłogi. Ten, kto odtwarza tokonoma w europejskim mieszkaniu, nie potrzebuje prawdziwej tokobashira: odtworzone japońskie elementy konstrukcyjne szybko sprawiają tam wrażenie kulisy, a ideę niesie sama redukcja.

Także: Schmucksäule, Tokonoma-Säule, Toko-bashira, Tokobashira

Tokoname-yaki 常滑焼

Tokoname-yaki to japońska ceramika z miasta Tokoname na półwyspie Chita w prefekturze Aichi, zaliczana do sześciu starych pieców Japonii. Jej początki sięgają XII wieku, kiedy powstawały tu przede wszystkim duże, nieszkliwione naczynia zapasowe. Tokoname słynie dziś przede wszystkim z Kyūsu, czajniczków do herbaty z uchwytem z boku, wykonanych z żelazistej czerwonej gliny (Shudei), wypalanych bez szkliwienia; porowatemu czerepowi przypisuje się łagodzenie cierpkości zielonej herbaty. W odróżnieniu od sąsiedniego Seto, gdzie już wcześnie wytwarzano wyroby szkliwione, w Tokoname nacisk do dziś kładzie się na nieszkliwiony, gęsto spieczony czerep.

Także: Tokoname-Yaki, ceramika Tokoname, wyroby Tokoname, Tokoname

Tokonoma 床の間

Tokonoma to podwyższona nisza obrazowa w reprezentacyjnym pomieszczeniu tradycyjnego domu japońskiego: płytka nisza w ścianie z lekko uniesionym podłożem, na której tylnej ścianie wisi zwój (kakemono), a na podłodze stoi naczynie na kwiaty, niekiedy także kōro (naczynie na kadzidło). Tę formę budowlaną zalicza się zazwyczaj do stylu shoin. Tokonoma uznawana jest za miejsce honorowe pomieszczenia: nie wchodzi się do niej, nie stawia się niczego przed nią i nie umieszcza się w niej przedmiotów codziennego użytku. W przeciwieństwie do półki nie jest ona miejscem gromadzenia przedmiotów, lecz powierzchnią przeznaczoną na bardzo niewielką liczbę obiektów, zmienianych wraz z porą roku – przeważająca jej część pozostaje celowo pusta.

Także: Toko, nisza tokonoma, nisza na zwój wiszący

Tomobako 共箱

Tomobako (共箱) to towarzyszące dziełu sztuki japońskiej pudełko drewniane, opisane przez artystę lub pracownię – dosłownie „pudełko towarzyszące”. Na wieku widnieje kaligraficznie zapisana nazwa dzieła, wewnątrz lub na spodzie artysta własnoręcznie składa podpis, zwykle uzupełniony czerwoną pieczęcią. Zamykane jest ono plecionym sznurem, sanadahimo. Tym samym jest ono czymś więcej niż opakowaniem: poświadcza pochodzenie i autentyczność i stanowi nierozłączną część obiektu; jeśli zostanie od niego oddzielone, wśród kolekcjonerów uznaje się to za wyraźny powód obniżenia wartości. Różnica względem kiribako (桐箱) leży w opisie, nie w materiale.

Także: Tomobako, pudełko artysty, oryginalne pudełko, towarzyszące pudełko, pudełko z drewna kiri, sygnowane pudełko kiri, sygnowane pudełko z drewna kiri

Tsuboya-yaki 壺屋焼

Tsuboya-yaki to ceramika z dzielnicy Tsuboya w Naha na Okinawie i najważniejsza tradycja garncarska dawnych Wysp Riukiu. Powstała w 1682 roku, gdy rząd królewski połączył w tym miejscu trzy starsze okręgi piecowe. Rozróżnia się Arayachi, nieszkliwioną, wypalaną w niższej temperaturze kamionkę na dzbany zapasowe i naczynia na awamori, oraz Jōyachi, szkliwioną zastawę stołową z wyrazistym zdobieniem. W odróżnieniu od pieców z głównej wyspy, Tsuboya stanowi odrębną linię z wpływami chińskimi i południowoazjatyckimi; należą do niej także figury strażnicze Shīsā. Miejscowo ceramika nazywana jest nie Yakimono, lecz Yachimun.

Także: Tsuboya-yaki, ceramika Tsuboya, Tsuboya yaki, Yachimun, Tsuboya

Tsuru 鶴

Tsuru to japońskie słowo oznaczające żurawia, jeden z najczęstszych symboli szczęścia w sztuce japońskiej. Ptak ten tradycyjnie uchodzi za symbol długowieczności i wierności małżeńskiej; powiedzenie „Tsuru wa sennen, kame wa mannen” – żuraw żyje tysiąc lat, żółw dziesięć tysięcy – wyjaśnia, dlaczego żuraw i żółw, Tsuru i Kame, tak często pojawiają się razem na zwojach wiszących (kakemono), ceramice i wyrobach z laki. Jako motyw parowy żuraw pasuje do ślubów i rocznic, pojedynczo zaś do okrągłych urodzin. W malarstwie towarzyszy ponadto Jurōjinowi, bogu długiego życia, a jako figurka origami Orizuru żyje dalej w rzemiośle papierniczym.

Także: Żuraw, Żurawie, Motyw żurawia, Tsuru, Tsuru i Kame

Tsutsu-jawan 筒茶碗

Tsutsu-jawan (筒茶碗) to wysoka, cylindryczna japońska czarka do herbaty na chłodne miesiące. Jej wąski otwór oddaje mało ciepła, dłonie obejmują ściankę, a matcha pozostaje wyczuwalnie dłużej gorąca. Cenę stanowi nieco więcej cierpliwości przy ubijaniu, ponieważ chasen ma w wąskiej formie mniej miejsca niż w szerokiej czarce. Tsutsu-jawan jest zimowym odpowiednikiem płaskiej Hira-jawan pełni lata. Kto posiada tylko jedną czarkę, powinien sięgnąć raczej po zwykłą okrągłą formę, którą można stosować przez cały rok.

Także: Tsutsujawan, Tsutsu-chawan, czarka cylindryczna, zimowa czarka do herbaty

U

Ukiyo-e 浮世絵

Ukiyo-e (浮世絵, „obrazy przepływającego świata”) to bliska ludowi japońska tradycja obrazowania okresu Edo, która powstała najpierw jako malarstwo, a od XVII wieku rozpowszechniła się przede wszystkim jako kolorowy drzeworyt. Motywy pochodzą z miejskiego życia rozrywkowego: aktorzy kabuki, kurtyzany z dzielnic rozrywki, pejzaże, później także sceny historyczne i mitologiczne. Mistrzowie tacy jak Katsushika Hokusai i Utagawa Hiroshige zyskali międzynarodową sławę i wywarli wpływ na europejski impresjonizm. Jako grafika drukowana ukiyo-e powstawało w podziale pracy – rysownik projektu, snycerz drzeworytniczy i drukarz – i od początku było pomyślane pod kątem nakładu. Tym zasadniczo różni się od malowanych ręcznie dzieł jednostkowych tradycji Nihonga.

Także: Ukiyo-e, Ukiyoe, japoński drzeworyt barwny, japoński drzeworyt, obrazy przepływającego świata

Urushi 漆

Urushi (漆) to japoński lakier naturalny, pozyskiwany z żywicy drzewa lakowego i nakładany w wielu cienkich warstwach na podłoże, zwykle drewniane. Podczas utwardzania ulega polimeryzacji i staje się wyjątkowo odporny na wodę, alkohol i kwasy; dobrze wykonane przedmioty przetrwają całe stulecia. Typowe są głęboka czerń i czerwień, często zdobione złotem w technice maki-e lub macicą perłową w inkrustacjach raden. Trujący jest wyłącznie surowy sok drzewa, zawierający alergenny urushiol – utwardzony lakier jest bezpieczny w kontakcie z żywnością. Wyrobów lakierowanych nigdy nie należy myć w zmywarce, podgrzewać w kuchence mikrofalowej ani w piekarniku, lecz czyścić ręcznie.

Także: Urushi, lakier urushi, laka japońska, wyroby lakierowane, lakiernictwo japońskie, naturalny lakier

Usucha 薄茶

Usucha (薄茶, cienka herbata) to codzienny sposób przygotowania matchy: niewiele proszku, sporo gorącej, ale nie wrzącej wody, energicznie ubite trzepaczką chasen na drobnopianistą, jednolitą pianę. Każdy gość otrzymuje własną czarkę, a etykieta jest zauważalnie swobodniejsza niż przy gęstej herbacie. Idealna jest czarka z odpowiednio dużą powierzchnią dna, ponieważ trzepaczka może tam pracować płasko i szybko; proszek przechowuje się natomiast klasycznie w lakierowanym natsume. Formą przeciwstawną jest koicha, gęsta herbata uroczystych okazji. Kto pije matchę w domu, niemal zawsze pije usucha.

Także: dünner Matcha, dünner Tee, Usu-cha, Koicha, usucha

Utsushi 写し

Utsushi (写し) oznacza nawiązanie do dawniejszego dzieła, będące jednocześnie przyswojeniem i ukłonem w jego stronę. Kopiujący wchodzi w dialog z mistrzem przeszłości: przyswaja sobie jego technikę, materiał i decyzje estetyczne, łącząc własną epokę z wcześniejszą. W kulturze herbaty jest to oczywiste – kolejni mistrzowie herbaty świadomie nawiązują do naczyń cenionych przez swoich poprzedników, a garncarze wykonują utsushi słynnych czarek do herbaty. Utsushi jest wyraźnie odróżniane od mozō (模造), czyli zwykłej reprodukcji, i nie ma nic wspólnego z fałszerstwem: utsushi nie ukrywa swojego wzoru, lecz się do niego odwołuje, a wykonawca podpisuje się z reguły własnym nazwiskiem.

Także: Utsushi-mono, twórcze naśladownictwo, kopia hołdownicza, wznowienie motywu, Mozō

W

Wabi-Cha 侘茶

Wabi-Cha (侘茶) to świadomie prosty nurt japońskiej ceremonii parzenia herbaty, który zastępuje kosztowne chińskie naczynia importowane prostymi, często rodzimymi naczyniami i wynosi do rangi ideału małe, skromne pomieszczenie do parzenia herbaty. Za jego twórcę uznaje się Muratę Jukō, który połączył praktykę zen z herbatą; Takeno Jōō rozwinął tę postawę dalej, a pełny kształt nadał jej w XVI wieku Sen no Rikyū, z którego wymagań wywodzi się ceramika Raku. Wabi-Sabi oznacza natomiast ogólną postawę estetyczną, która postrzega niedoskonałość i przemijalność jako źródło piękna – Wabi-Cha jest jej konkretnym urzeczywistnieniem na drodze herbaty.

Wabi-Sabi 侘寂

Wabi-Sabi to japońska postawa estetyczna, która postrzega niedoskonałość, przemijalność i niedokończenie jako właściwe źródło piękna. Pojęcie to łączy dwa pierwotnie niezależne słowa: Wabi, czyli docenianie prostoty i świadomej rezygnacji, oraz Sabi, czyli piękno, które powstaje wraz z wiekiem i patyną. Postawa ta została ukształtowana przez ceremonię herbaty Sen no Rikyū w XVI wieku; widoczna jest w nieszkliwionej ceramice z Bizen czy ceramice z Shigaraki oraz w złotej naprawie Kintsugi. W odróżnieniu od Mono no aware, które oznacza wzruszenie przemijalnością, Wabi-Sabi opisuje postawę twórczą – a mianowicie świadomą powściągliwość, nie zaniedbanie.

Także: Wabi Sabi, estetyka wabi-sabi, filozofia wabi-sabi, Wabi, Sabi

Washi 和紙

Washi (和紙) to ręcznie czerpany papier japoński, tradycyjnie wytwarzany z długich włókien łykowych krzewu kōzo i innych rodzimych roślin. Długie włókna nadają mu jednocześnie chłonność i niezwykłą wytrzymałość na rozerwanie – dwie cechy, na których opiera się znaczna część sztuki japońskiej. W kaligrafii i malarstwie tuszem chłonność umożliwia charakterystyczny rozlew tuszu, dlatego doświadczeni kaligrafowie świadomie dobierają papier do stylu pisma i wyrazu. Przy oprawie zwoju wiszącego (kakemono) washi pełni funkcję materiału nośnego: hyōgu-shi podkleja honshi kilkoma cieniutkimi warstwami przy użyciu kleju z mąki pszennej, dzięki czemu pas papieru daje się zwijać bez pękania.

Także: Japanpapier, Wa-shi, washi, papier japoński, papier ręcznie czerpany

Y

Yahazu 矢筈

Yahazu (矢筈) to długi drążek z rozwidlonym zakończeniem, służący do zawieszania i zdejmowania japońskich zwojów wiszących (kakemono); tradycyjnie wykonany jest z bambusa. Nazwa ta oznacza właściwie nacięcie na końcu strzały, które opiera się na cięciwie – rozwidlenie narzędzia wygląda dokładnie tak samo. Za pomocą yahazu można bezpiecznie założyć sznur do zawieszania jeszcze zwiniętego kakemono na wysoko umieszczony haczyk, bez konieczności wchodzenia na drabinę i bez wypuszczania obrazu z rąk. Przy zdejmowaniu narzędzie to służy w odwrotnej kolejności temu samemu celowi.

Także: Ya-hazu, drążek do zawieszania, drążek do kakemono, drążek do zwoju wiszącego

Yakimono 焼き物

Yakimono, dosłownie „rzecz wypalona“, to japoński termin zbiorczy oznaczający ceramikę wszelkiego rodzaju – od nieszkliwionego kamionkowego wyrobu po najdelikatniejszą porcelanę. Obejmuje on podgrupy Doki, Tōki, Sekki i Jiki i sam w sobie nie mówi nic o surowcu, temperaturze wypału ani szkliwie; kto chce dokładniej sklasyfikować dany przedmiot, potrzebuje tych węższych pojęć. W dużej mierze jako synonim używane jest słowo Tōjiki. Należy zauważyć, że Yakimono w języku japońskim oznacza jednocześnie grupę grillowanych potraw – które znaczenie jest właściwe, wynika wyłącznie z kontekstu.

Także: Yaki-mono, Tōjiki, Tojiki, ceramika japońska

Yakishime 焼締

Yakishime oznacza twardo wypalane, nieszkliwione japońskie kamionkowe wyroby ceramiczne, których powierzchnia powstaje wyłącznie w piecu. Glina spieka się w wysokiej temperaturze na tyle gęsto, że naczynie staje się wodoszczelne nawet bez kąpieli szkliwiącej; to, co na takich przedmiotach lśni szklisto, to popiół lotny, który stopił się podczas wypalania. Technika ta jest typowa dla Bizen, Shigaraki, Tokoname, Echizen i Tamba, gdzie wypały drewnem trwają przez kilka dni. Prawdziwy przedmiot yakishime ma zawsze stronę ogniową i spokojniejszą stronę tylną – zmienia się, gdy obraca się go w dłoni. Wyroby przemysłowe z brązowym szkliwem imitującym ten efekt wyglądają natomiast wszędzie tak samo.

Także: Yaki-shime, ceramika niepolewana, ceramika Yakishime, wypał twardy, wypał bez szkliwa

Yamato-e 大和絵

Yamato-e (大和絵) to dworska, zdecydowanie rodzima tradycja malarska Japonii, która rozwijała się od okresu Heian (794–1185), posługując się intensywnymi kolorami, dekoracyjnym zastosowaniem złota oraz motywami narracyjnymi. Przedstawiane są sceny dworskie, motywy literackie i motywy przyrody; najsłynniejszym przykładem są emakimono, poziome zwoje malarskie, które ilustrują dzieła takie jak „Opowieść o księciu Genji” w ciągłej sekwencji obrazów. Tradycję tę podtrzymywała od średniowiecza przede wszystkim szkoła Tosa, ściśle związana z dworem cesarskim w Kyōto. Yamato-e świadomie odróżniało się od malarstwa o proweniencji chińskiej i stoi tym samym w opozycji do zredukowanej, monochromatycznej estetyki malarstwa tuszem zen.

Także: Yamatoe, malarstwo Yamato, malarstwo dworskie japońskie, szkoła Tosa, Yamato-e

Yōga 洋画

Yōga (洋画, „obraz zachodni”) oznacza malarstwo japońskie w stylu zachodnim – malarstwo olejne, akwarelę i rysunek z zastosowaniem perspektywy centralnej, modelunku światłocieniowego oraz europejskich podłoży malarskich. Termin ten powstał w okresie Meiji jako przeciwieństwo Nihonga, pod którym zbierano rodzimą tradycję malarską; oba słowa nabrały znaczenia dopiero dzięki temu przeciwstawieniu. Za prekursora uważa się Takahashiego Yuichiego (1828–1894), który początkowo kształcił się w szkole Kanō; później decydującą rolę odegrał Kuroda Seiki, który w 1893 roku powrócił z Francji. Yōga nie jest zatem techniką pochodzenia japońskiego, lecz przyswojeniem malarstwa europejskiego przez japońskich artystów.

Także: Yoga (malarstwo), malarstwo Yōga, malarstwo zachodnie w Japonii, japońskie malarstwo olejne

More about Yōga in our topics

Yohaku no bi 余白の美

Yohaku no bi (余白の美, „piękno pozostałej bieli”) to japońska zasada kompozycyjna, według której niezamalowana powierzchnia obrazu jest pełnoprawną częścią obrazu. Nie jest ona pozostałością, na którą zabrakło czasu, lecz mgłą, wodą, niebem lub przestrzenią – jej oddziaływanie powstaje wyłącznie z granic tego, co namalowane. Myśl tę przejęto około XII wieku z chińskiego malarstwa pejzażowego; w Japonii połączyła się ona z buddyjskimi pojęciami kū (空, pustka) i mu (無, nieobecność). Zwój wiszący, którego papier w dwóch trzecich pozostaje nietknięty, nie jest więc niedokończony, lecz tak skomponowany, by resztę wniósł sam widz.

Także: Yohaku, Yohaku no bi, piękno pustki, pusta przestrzeń w obrazie, pustka obrazu, przestrzeń niewypełniona

More about Yohaku no bi in our topics

Yōhen 曜変

Yōhen, „mieniąca się przemiana”, jest najrzadszą postacią szkliwa Tenmoku: ciemne plamy otoczone opalizującą aureolą w błękicie i fiolecie, dzięki czemu czarka, w zależności od padania światła, przypomina rozgwieżdżone niebo. Według japońskiej tradycji zachowały się tylko trzy kompletne czarki Yōhen; wszystkie trzy zostały uznane za skarby narodowe. Pojęcie to należy odróżnić od identycznie brzmiącego Yōhen zapisywanego innymi znakami (窯変, „przemiana w piecu”), którym w Bizen i innych tradycjach wypału drewnem określa się intensywne zmiany barwy powstające podczas wypału. Chodzi o dwie różne rzeczy, które w języku niemieckim łatwo ze sobą pomylić.

Także: Yohen, Yōhen Tenmoku, Yohen Tenmoku

More about Yōhen in our topics

Yūgen 幽玄

Yūgen to podstawowe pojęcie klasycznej estetyki japońskiej, oznaczające głębokie, tajemnicze piękno, które jedynie się zaznacza i nigdy nie ukazuje się w pełni. Dosłownie słowo to oznacza mroczno-tajemnicze; w poezji dworskiej, a później przede wszystkim w teatrze Nō, stało się ono centralnym miernikiem jakości. W malarstwie Yūgen oznacza to, co powstaje poprzez pominięcie: mglisty krajobraz, na wpół zasłoniętą górę, motyw w skromnym formacie shikishi. W odróżnieniu od Wabi-Sabi, które dotyczy śladów starości i użytkowania, Yūgen opisuje działanie tego, co jedynie zasugerowane – głębię poprzez zasłonięcie, nie poprzez zwietrzenie.

Także: Yugen, Yūgen-Ästhetik, Yugen-Ästhetik, estetyka yūgen, yūgen

More about Yūgen in our topics

Yunomi 湯呑

Yunomi (湯呑, dosłownie „pijący gorącą wodę”) to wyższy, pozbawiony uchwytu japoński kubek do herbaty parzonej z liści, takiej jak Sencha, Bancha czy prażona Hōjicha. Herbata parzy się wcześniej w dzbanku, zwanym Kyūsu, i dopiero potem jest do niego przelewana; naczynie musi ją jedynie utrzymywać w cieple i dobrze leżeć w dłoni, dlatego może być wyższe niż szersze. Typowe wymiary to około sześć do ośmiu centymetrów średnicy przy wysokości od ośmiu do dziesięciu centymetrów. W przeciwieństwie do chawan, w yunomi herbata nie powstaje, a jedynie trafia do niego już gotowa. Yunomi są często sprzedawane w nierównej wielkością parze, zwanej Meoto-Yunomi.

Także: Yunomi, kubek yunomi, filiżanka yunomi, japoński kubek do herbaty, japońska filiżanka do herbaty

Yuteki 油滴

Yuteki, „krople oleju”, to jedna z odmian szkliwa tenmoku: okrągłe, srebrzyście do niebieskawa mieniące się plamki na głęboko czarnym tle. Powstają tam, gdzie podczas wypału pęcherzyki gazu przebiły powierzchnię szkliwa, a przy stygnięciu w powstałych zagłębieniach gromadzą się kryształy tlenku żelaza. To, jak duże i jak gęsto rozmieszczone będą krople, zależy przede wszystkim od tempa stygnięcia – wzór ten można ukierunkować dzięki doświadczeniu, lecz nie da się go dokładnie przewidzieć. Od Yuteki należy odróżnić Nogime, przypominające sierść zająca prążkowanie tej samej rodziny szkliw, oraz nieporównanie rzadsze Yōhen z jego mieniącymi się, tęczowymi otoczkami.

Także: Yūteki, Yuteki, szkliwo z kroplami oleju, Yuteki Tenmoku, Oil Spot, krople oleju

Z

Zashiki 座敷

Zashiki to wyłożone matami tatami pomieszczenie recepcyjne i gościnne w japońskim domu, a więc reprezentacyjne pomieszczenie, w którym podejmowani są goście. Zwykle znajduje się w nim także tokonoma, podwyższona wnęka na obraz, w której umieszcza się zwój wiszący (kakemono) i kwiaty; zashiki jest więc tym pomieszczeniem, dla którego tradycyjnie dobierano i zmieniano dzieła sztuki japońskiej. Nazwa oznacza dosłownie mniej więcej „wyłożone miejsce do siedzenia” i przypomina o tym, że siedzi się tu na podłodze – wysokość spojrzenia na kakemono wynika właśnie z tego.

Także: Zashiki, pokój przyjęć, pokój gościnny, pokój tatami

Zazen 坐禅

Zazen to siedząca medytacja buddyzmu zen i jego centralna praktyka; nazwa oznacza dosłownie „siedzenie w skupieniu”. Siedzi się z wyprostowanymi plecami w pełnej lub połowicznej pozycji lotosu, tak by pośladki i oba kolana podtrzymywały ciało, przy spokojnym, liczonym lub po prostu obserwowanym oddechu. Dwie główne japońskie szkoły ćwiczą odmiennie: w szkole Sōtō na pierwszym planie stoi shikantaza, samo siedzenie bez celu, jak opisuje to Dōgen w swojej instrukcji Fukan Zazengi; szkoła Rinzai łączy siedzenie z pracą nad kōanem. Od satori zazen różni się tym, że jest samą praktyką, a nie jej rezultatem.

Także: Zazen, Za-Zen, medytacja siedząca, medytacja zen, siedzenie w skupieniu

Zen 禅

Zen to japoński nurt buddyzmu mahajany, wywodzący się z chińskiego chan, w którym centralne miejsce zajmuje medytacja siedząca zazen. Nazwa pochodzi, poprzez chan, od sanskryckiego słowa dhyāna, oznaczającego medytację. Zwłaszcza w okresie Muromachi (1333–1573) zen wywarł wpływ na sztukę japońską, dając początek malarstwie tuszem sumi-e, kaligrafii shodō, ceremonii herbaty chadō oraz suchym ogrodom. Do centralnych motywów obrazowych należą enso, krąg kreślony jednym pociągnięciem, oraz przedstawienia Bodhidharmy. Dwie główne szkoły różnią się praktyką: rinzai posługuje się kōanami, sōtō zaś pozbawioną celu medytacją siedzącą shikantaza.

Także: Zen, buddyzm zen, buddyzm zenistyczny, chan, chan-buddyzm, buddyzm chan