Tradycyjne malarstwo japońskie – między tuszem, jedwabiem a cichą aluzją

Osoba, która po raz pierwszy staje przed klasycznym japońskim zwojem wiszącym (kakemono), często najpierw zauważa to, czego brakuje: brak farby olejnej, brak perspektywicznej iluzji głębi, często nawet brak koloru w zachodnim rozumieniu. Zamiast tego: dużo pustej przestrzeni, niewiele, lecz precyzyjnie poprowadzonych linii, kompozycja, która raczej sugeruje niż wyraża wprost. Tradycyjne malarstwo japońskie kieruje się własnymi prawami estetycznymi, które ukształtowały się na przestrzeni ponad tysiąca lat w ścisłej wymianie z Chinami oraz w nieustannym dialogu z rodzimymi prądami religijnymi i filozoficznymi.

Nihonga: „malarstwo japońskie”

Zbiorcze określenie klasycznego malarstwa japońskiego brzmi Nihonga (日本画), dosłownie „obraz japoński” – termin ukuty dopiero w okresie Meiji, aby świadomie odróżnić rodzimą tradycję malarską od równocześnie importowanego z Zachodu malarstwa olejnego (Yōga). Nihonga obejmuje przy tym wiele technik i stylów wykształconych na przestrzeni historii, które często wyraźnie różnią się między sobą materiałem, nośnikiem obrazu i językiem wizualnym, lecz dzielą wspólne zasady podstawowe: stosowanie naturalnych pigmentów, delikatnych pędzli oraz tradycyjnych nośników obrazu, takich jak papier, jedwab czy drewno.

Sumi-e: malowanie czarnym tuszem

Jedną z najbardziej wpływowych technik malarstwa japońskiego jest Sumi-e (nazywana też Suibokuga) – malarstwo tuszem. Za pomocą jednego pędzla, czarnego tuszu i zmiennego nacisku na końcówkę pędzla uzyskuje się formę, objętość, a nawet głębię atmosferyczną – całkowicie bez użycia koloru. Ta technika, przejęta z Chin, dotarła do Japonii za pośrednictwem mnichów buddyjskich i została udoskonalona zwłaszcza w kręgu zen-buddyzmu w okresie Muromachi (1333–1573). Klasyczne motywy Sumi-e obejmują zarówno pejzaże, jak i „Czterech Szlachetnych” – orchideę, bambus, chryzantemę i kwiat śliwy – aż po portrety patriarchów zen, takich jak Bodhidharma. Oba te bieguny można obejrzeć obok siebie w Metropolitan Museum of Art: zwój pejzażowy Maejimy Sōyū z okresu Muromachi oraz Bodhidharmę wykonanego tuszem na papierze autorstwa Unkoku Tōgana (1547–1618). Oba te bieguny można obejrzeć obok siebie w Metropolitan Museum of Art: zwój pejzażowy Maejimy Sōyū z okresu Muromachi oraz Bodhidharmę wykonanego tuszem na papierze autorstwa Unkoku Tōgana (1547–1618).

Yamato-e: rodzime malarstwo dworskie

Równolegle do malarstwa tuszem o proweniencji chińskiej już w okresie Heian (794–1185) wykształciła się z Yamato-e zdecydowanie rodzima tradycja malarska, przedstawiająca sceny dworskie, opowieści literackie i motywy przyrodnicze w intensywniejszych barwach i z dekoracyjnym zastosowaniem złota. Najsłynniejszym przykładem są emakimono, poziome zwoje obrazowe, które ilustrowały dzieła literackie, takie jak „Opowieść o księciu Genji”, w postaci ciągłej sekwencji obrazów. Yamato-e stanowi tym samym świadome stylistyczne przeciwieństwo zredukowanej, monochromatycznej estetyki później rozwijającego się malarstwa tuszem zen.

Szkoła Kanō i szkoła Rinpa: dworska świetność i dekoracyjna innowacja

Od okresu Muromachi, a zwłaszcza w okresie Edo (1603–1868), ukształtowało się kilka wpływowych szkół malarskich, które przez wieki kształtowały japońskie malarstwo. Szkoła Kanō, prowadzona przez pokolenia przez jedną rodzinę artystów, łączyła chińskie techniki malarstwa tuszem z intensywnymi barwami i złotym tłem, stając się oficjalną szkołą malarską szogunatu. Szkoła Rinpa natomiast, nazwana od malarza Ogaty Kōrina, wyróżniała się dekoracyjnymi, często silnie stylizowanymi motywami przyrody na złotym tle i wywarła później wpływ także na europejską sztukę secesji. Obie szkoły pokazują, jak różnorodnie mogło rozwijać się japońskie malarstwo w ramach własnej tradycji, nie porzucając przy tym fundamentalnego uznania dla redukcji, prowadzenia linii i znaczenia pustej przestrzeni.

Nośniki obrazu: kakemono, byōbu i fusuma

Tradycyjne malarstwo japońskie jest ściśle związane ze swoimi specyficznymi formami prezentacji. Kakemono, pionowy zwój do zawieszania, jest do dziś najbardziej znaną formą i był tradycyjnie eksponowany w tokonoma, wnęce wystawowej japońskiego pomieszczenia mieszkalnego – często wymieniany w zależności od pory roku lub okazji. Obok niego ugruntowały się byōbu, wieloczęściowy parawan składany, oraz fusuma, malowane drzwi przesuwne, które w tradycyjnych japońskich domach mieszkalnych i świątyniach nosiły często rozległe, spójne kompozycje krajobrazowe lub przyrodnicze. Wszystkie te formaty łączy to, że nie są pomyślane jako trwałe, lecz jako podlegające sezonowej lub sytuacyjnej zmianie – zasadnicza różnica w stosunku do zachodniej tradycji trwale oprawionego obrazu. Jak duże mogły być te formaty, pokazuje para sześcioczęściowych parawanów stojących autorstwa Kano Chōkichiego w Metropolitan Museum of Art, która rozwija krajobraz czterech pór roku na całej powierzchni obrazu. Jak duże mogły być te formaty, pokazuje para sześcioczęściowych parawanów stojących autorstwa Kano Chōkichiego w Metropolitan Museum of Art, która rozwija krajobraz czterech pór roku na całej powierzchni obrazu.

Centralne motywy obrazowe

Pewne motywy przewijają się przez całą historię malarstwa japońskiego, niosąc ze sobą własne, często wielowarstwowe znaczenia. Pejzaże z sosnami, żurawiami i wodospadami symbolizują długowieczność i trwałość. Smoki symbolizują potęgę, mądrość i ochronę. Kwiaty, takie jak kwiaty wiśni czy kwiaty śliwy, odnoszą się do przemijalności życia i piękna chwili. Motywy religijne i filozoficzne, takie jak Bodhidharma czy symbol enso, uosabiają centralne idee buddyzmu zen. Te powracające tematy obrazowe tworzą wspólny słownik wizualny, rozumiany i rozwijany przez stulecia.

Zasady kompozycji obrazu: pustka, sugestia, asymetria

Tym, co łączy tradycyjne malarstwo japońskie ponad podziałami szkół i okresów, jest zasadniczo inne podejście do przestrzeni obrazu niż w zachodniej historii sztuki. Zamiast wypełniać powierzchnię możliwie w całości, pusta przestrzeń, zwana Ma, jest świadomie stosowana jako środek kompozycyjny – jako chwila wytchnienia, jako sugestia tego, co nie zostało pokazane, lecz powinno zostać dopowiedziane w myślach. Kompozycje asymetryczne są preferowane względem symetrycznych, ponieważ sprawiają wrażenie bardziej naturalnych i żywych. Ta zasada świadomego pominięcia, która szczególnie wyraźnie przejawia się w malarstwie tuszem pod wpływem zen, jest ściśle spokrewniona z estetyką Wabi-Sabi: docenieniem niedoskonałości jako właściwego źródła piękna.

Ukiyo-e: sztuka płynącego świata

Obok klasycznych tradycji malarstwa zwojowego i malarstwa ściennego w okresie Edo rozwinęła się z ukiyo-e odrębna, wyraźnie bliższa ludowi tradycja obrazowa, która początkowo rozpowszechniana była jako malarstwo, a od XVII wieku coraz częściej jako drzeworyt barwny. Ukiyo-e, dosłownie „obrazy płynącego świata”, poświęcało się przede wszystkim miejskiemu życiu rozrywkowemu wschodzącej warstwy kupieckiej i rzemieślniczej: aktorom teatru kabuki, kurtyzanom dzielnic rozrywki, krajobrazom, a później także scenom historycznym i mitologicznym. Mistrzowie tacy jak Katsushika Hokusai i Utagawa Hiroshige zyskali dzięki swoim dziełom ogromną rozpoznawalność nie tylko w Japonii, lecz także na arenie międzynarodowej, i w XIX wieku wywarli istotny wpływ na europejski impresjonizm. Metropolitan Museum of Art prezentuje „Wielką falę” Hokusaia jako grafikę z serii „Trzydzieści sześć widoków góry Fudżi” i datuje ten druk na okres około 1830–1832. Metropolitan Museum of Art prezentuje „Wielką falę” Hokusaia jako grafikę z serii „Trzydzieści sześć widoków góry Fudżi” i datuje ten druk na okres około 1830–1832.

W przeciwieństwie do klasycznego malarstwa nihonga, tworzonego głównie na zamówienie świątyń, arystokracji lub stanu samurajskiego, ukiyo-e od początku nastawione było na możliwość powielania i szeroką dostępność: dzięki podziałowi pracy między rysownikiem projektującym, snycerzem drzeworytniczym i drukarzem drzeworyty barwne mogły być wytwarzane w stosunkowo wysokim nakładzie i po przystępnych cenach – wczesny prekursor późniejszej demokratyzacji sztuki, która do dziś współkształtuje postrzeganie japońskiej sztuki obrazowej na Zachodzie. Dla kolekcjonerów oznacza to, że dzieła nihonga, ze względu na ich jednostkowe wykonanie oraz bardziej wyszukane materiały, cieszą się zazwyczaj innym uznaniem niż powielane odbitki ukiyo-e, choć obie tradycje w równym stopniu należą do bogatego dziedzictwa japońskiej sztuki obrazowej. Kto zna obie te tradycje, lepiej rozumie, dlaczego japońskie malarstwo pozostało do dziś tak różnorodne: jako współgranie ekskluzywnych dzieł jednostkowych i szeroko dostępnych, równie kunsztownie wykonanych drukow.

W densho.art znajdą Państwo malowane ręcznie zwoje wiszące (kakemono) japońskich artystów, którzy do dziś podtrzymują przy życiu te wielowiekowe techniki i tradycje obrazowe. Ten, kto chce kupić kakemono lub kupić oryginalny japoński zwój wiszący, odkryje w naszej ofercie japońskiego malarstwa cichą siłę wyrazu tuszu, koloru i pustej przestrzeni. Tak też tradycyjne japońskie malarstwo pozostaje do dziś źródłem cichej inspiracji dla każdego, kto otworzy się na jego własny język obrazowy.

Źródła i literatura

The Metropolitan Museum of Art: Landscape of the Four Seasons, Kano Chōkichi, nr inw. 1975.268.42, .43, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Landscape, Maejima Sōyū, nr inw. 1975.268.41, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Under the Wave off Kanagawa (Kanagawa oki nami ura), nr inw. JP2569, metmuseum.org.

Timothy Clark (red.): Hokusai. Beyond the Great Wave. Thames & Hudson / British Museum, Londyn 2017.