Oribe-Yaki – zielony bunt japońskiej ceramiki herbacianej

Pod koniec XVI wieku w japońskiej ceramice do herbaty pojawiło się coś, czego wcześniej niemal nie znano: krzykliwy kolor, przekrzywione formy, niemal zuchwały dowcip. Tam, gdzie czarki poprzedniego pokolenia były brązowe, szare i surowo powściągliwe, nagle pojawiły się naczynia pokryte głęboką, szklisto spływającą miedzianą zielenią. Ich brzegi sprawiały wrażenie wygniecionych z okrągłego kształtu, a ścianki pokrywały geometryczne wzory, które bardziej pasowałyby do druku na tkaninie niż do czarki do herbaty. Ta ceramika do dziś nosi imię człowieka, który służył jako wojownik, a sławę zyskał jako mistrz herbaty: Oribe-yaki.

Czym jest Oribe-Yaki?

Oribe-yaki (織部焼) to japońska ceramika kamionkowa z regionu Mino w dzisiejszej prefekturze Gifu, powstająca głównie między około 1600 rokiem a latami 30. XVII wieku. Jej cechą rozpoznawczą jest zawierające miedź, głęboko zielone szkliwo, które nie jest nakładane na całej powierzchni, lecz wylewane na naczynie partiami, spływając przy tym pasmami i kroplami. Obok tego występują jasne strefy, pokryte białą engobą (rzadkim szlamem ilastym) lub pozostawione bez pokrycia, na które tlenkiem żelaza nanoszone są geometryczne i mocno zabstrahowane wzory roślinne. Charakterystyczne są ponadto celowo zniekształcone, asymetryczne formy. Oribe-yaki zalicza się, obok Shino, Ki-Seto i Setoguro, do czterech głównych odmian ceramiki z Mino; nazwa pochodzi od mistrza herbaty Furuty Oribe (1544–1615). Metropolitan Museum of Art prowadzi swoje egzemplarze tej grupy jako naczynia z Mino typu Oribe i opisuje materiał jako kamionkę z brązem żelazowym pod przezroczystym szkliwem oraz miedziowo-zielonym szkliwem.

Furuta Oribe: wojownik, mistrz herbaty, dawca imienia

Furuta Oribe urodził się w 1544 roku jako Furuta Shigenari w Motosu, w prowincji Mino – a więc dokładnie w tym regionie, w którym później wypalano nazwaną jego imieniem ceramikę. Służył najpierw jako wasal Odzie Nobunadze, następnie Toyotomiemu Hideyoshiemu, a zarazem został uczniem mistrza herbaty Sen no Rikyū. Po jego wymuszonej śmierci w roku 1591 Oribe uchodził za czołowego mistrza herbaty w Japonii. Nauczał shōguna Tokugawę Hidetadę, założył własną szkołę herbaty pod nazwą Oribe-ryū, a wśród jego uczniów znajdowały się tak wpływowe postaci jak Kobori Enshū i Hon’ami Kōetsu. Do dziś stosowana forma kamiennej latarni ogrodowej, Oribe-dōrō, również wywodzi się od niego. To, jak bezpośrednio kierował garncarzami w Mino, pozostaje jednak sporne w badaniach – pewne jest przede wszystkim to, że jego gust ukształtował ten styl. Do czego służyła ta ceramika, pokazują zbiory takie jak sześcioczęściowy zestaw mukōzuke z Metropolitan Museum of Art: miseczki na przystawki do posiłku kaiseki podczas spotkania herbacianego.

Zerwanie z estetyką Sen no Rikyū

Ideałem herbacianym Rikyū była redukcja: proste, ciemne czarki, stonowane kolory, piękno czerpiące z wyrzeczenia. Oribe poszedł drogą odwrotną. Nie szukał ciszy, lecz ruchu – i osiągnął go, świadomie łamiąc regularność. Brzegi były wgniatane, ścianki naczyń wykrzywiane, pola szkliwa przerywane w środku wzoru. W dzienniku herbacianym kupca Kamiya Sōtan znajduje się z roku 1599 najwcześniejsza znana pisemna wzmianka o takiej czarce; opisuje ją słowem hyōge (przekrzywiony, wypaczony, żartobliwy). To, co dziś brzmi jak nagana, oznaczało wówczas modę, która porwała świat herbaty. Postawę Oribe określa się dlatego często jako celowe rozbijanie formy: niedoskonałość nie powstaje tu przypadkowo w ogniu, lecz jest zamierzenie wywoływana ręką garncarza.

Skąd bierze się miedziana zieleń

Zielone szkliwo Oribe-yaki zawdzięcza swoją barwę miedzi, która najczęściej w postaci tlenku miedzi lub węglanu miedzi jest wmieszana w szkliwo popiołowo-skaleniowe. Decydująca jest przy tym nie tylko receptura, lecz atmosfera panująca w piecu: dopiero przy wypale utleniającym, czyli przy obfitym dostępie tlenu, miedź pozostaje w tej postaci, która wydobywa nasyconą zieleń. Jeśli ten sam skład wypala się w atmosferze redukcyjnej, barwa przechodzi w czerwień. Temperatura wypału wynosi około 1220 stopni Celsjusza, a przedział między stopieniem się szkliwa a odparowaniem miedzi jest wąski. Szkliwo nakłada się nie pędzlem, lecz przez polewanie lub czerpanie – dlatego spływa, gromadzi się przy krawędziach i tworzy te ciemne, niemal czarne obwódki, po których od razu można rozpoznać ten styl. Ci, którzy chcą kupić ceramikę Oribe, właśnie w tych nierówno spływających pasmach szkliwa znajdą najbardziej wiarygodną cechę rozpoznawczą.

Piece z Motoyashiki

Ta ceramika stała się możliwa dzięki nowatorskiemu rozwiązaniu technicznemu. Około 1605 roku z regionu Karatsu na Kyūshū dotarł do Mino nowy typ pieca: renbōshiki noborigama, komorowy piec zbudowany na zboczu, którego komory wypalowe są połączone szeregowo. Umożliwiał on osiąganie wyższych, a przede wszystkim bardziej równomiernych temperatur niż starsze piece wielkoprzestrzenne – a tym samym niezawodny rozwój koloru wymagającej glazury miedziowej. Piec Motoyashiki w dzielnicy Kujiri miasta Toki uznawany jest za pierwszy piec tej konstrukcji w Mino oraz za miejsce narodzin Oribe-yaki. Zespół pieca obejmował czternaście komór i mierzył ponad dwadzieścia cztery metry; jego pozostałości od 1967 roku są chronione jako narodowe miejsce historyczne. Obok koła garncarskiego stosowano tu coraz częściej formowanie na modelu, co dopiero uczyniło praktycznym kanciaste i wielokrotnie łamane formy naczyń.

Geometria pod szkliwem

Niemal tak samo charakterystyczna jak zieleń jest malatura, która pojawia się na pozostawionych wolnych powierzchniach. Nakłada się ją przed szkliwieniem pigmentem żelazistym bezpośrednio na czerep lub na białą engobę, a podczas wypału nabiera ciepłej, brązowoczarnej barwy. Motywy sprawiają wrażenie zaskakująco nowoczesnych: kraty, romby, wstęgi zygzakowate, wycinki koła oraz pola szachownicy, a między nimi radykalnie uproszczone trawy, liście bambusa lub sieci. Wiele z nich pochodzi ze świata wzorów tekstylnych i znaków herbowych, nie z malarstwa obrazowego – to jeden z powodów, dla których przedmioty Oribe często sprawiają na europejskich odbiorcach wrażenie zaskakująco współczesnych. Urok tkwi w zderzeniu: z jednej strony precyzyjnie poprowadzona geometria, z drugiej niekontrolowanie spływające szkliwo, które nie liczy się z żadnym wzorem.

Ao, Sō, Narumi: odmiany stylu Oribe

W obrębie tego stylu wykształciła się cała rodzina podtypów, których nazwy są używane w handlu do dziś. Ao-Oribe, „zielone Oribe”, to najbardziej znana odmiana: część naczynia pokrywa zielone szkliwo, reszta pozostaje jasna i jest malowana. Sō-Oribe pokrywa całe naczynie zielenią, z wyjątkiem stopy. W przypadku Narumi-Oribe jasna i czerwonawa glina łączone są w jedno naczynie, dzięki czemu efekt barwny wynika już z samego czerepu, zanim dojdą do niego szkliwo i malowidło – Metropolitan Museum of Art wyodrębnia ten podtyp jako „Narumi Oribe type”, na przykład przy dzbanie z kwiatami wiśni z początku XVII wieku. Aka-Oribe wykorzystuje czerwonawą glinę i przeważnie całkowicie rezygnuje z zieleni, E-Oribe eksponuje na pierwszym planie rysunek w kolorze żelazistej brązu. Kuro-Oribe i Oribe-guro stawiają wreszcie na głęboką czerń: naczynia wyjmowane są z pieca jeszcze rozżarzone i szybko chłodzone, dzięki czemu żelaziste szkliwo zastyga na czarno. Oribe-guro jest jednolicie czarne, podczas gdy Kuro-Oribe pozostawia jasną, malowaną powierzchnię.

Czarki formowane przez wciskanie

Najsłynniejszą formą Oribe jest Kutsu-gata-Chawan, „czarka do herbaty w kształcie buta”: naczynie, którego okrągły brzeg po uformowaniu na kole został celowo wgnieciony w owal lub trójkąt, tak że przy piciu powstaje przód i tył. Obok tego powstał niezwykle szeroki repertuar naczyń do ceremonii herbaty: mukōzuke (małe czarki pomocnicze), talerze z uchwytem w formie pałąka, naczynia do kadzenia, pojemniki na wodę, puszki na herbatę i wazony. Wiele z tych przedmiotów jest kanciastych, płatkowatych lub wachlarzowatych i trudno je układać w stosy; wygoda najwyraźniej nie była celem. To, co dotyczy dużych naczyń, odnosi się w równym stopniu do ich mniejszych krewnych: ten, kto chce kupić japońską czarkę do sake, która w dłoni leży nie okrągło, lecz kanciasto i nieco opornie, trafia dokładnie w tę tradycję.

Koniec krótkotrwałej mody

Rozkwit Oribe-yaki trwał zaledwie kilka dziesięcioleci. Latem 1615 roku, bezpośrednio po upadku zamku Osaka, Furuta Oribe został oskarżony o konspirację ze zwyciężoną partią Toyotomi; on i jego syn otrzymali nakaz popełnienia seppuku, rytualnego samobójstwa. Czy kiedykolwiek istniały niezbite dowody zdrady, pozostaje do dziś kwestią sporną. Wraz ze śmiercią patrona mody straciła ona swojego najważniejszego orędownika. Piece w Mino wciąż płonęły, lecz popyt malał: gust wczesnego okresu Edo zwrócił się ku spokojniejszym, bardziej wyważonym formom, a po latach 30. XVII wieku Oribe-yaki odgrywało w życiu herbacianym już niemal żadnej roli. Przez kolejne stulecia technika ta popadła w znacznym stopniu w zapomnienie.

Ponowne odkrycie w XX wieku

Powrót Oribe zawdzięczamy tym samym poszukiwaniom, które przywróciły światu również Shino-yaki. W 1930 roku garncarz Arakawa Toyozō odnalazł w górach Ōgaya, w rejonie Kukuri miasta Kani, czerepy ceramiczne z okresu Momoyama, dowodząc tym samym, że słynne dawne ceramiki do ceremonii herbaty wypalano nie w Seto, lecz w Mino. Jego odkrycie zwróciło uwagę świata specjalistów na cały zasypany krajobraz pieców regionu – zarówno na Shino, jak i na Setoguro, Ki-Seto i Oribe. W 1955 roku Arakawa został uhonorowany tytułem Ningen Kokuhō, „Żyjącego Skarbu Narodowego”. Także Kitaōji Rosanjin, w którego pracowni Arakawa czasowo pracował, sięgnął po formy Oribe. Dziś w miastach garncarskich Toki, Tajimi, Mizunami i Kani ponownie tworzy się we wszystkich tradycjach Mino; od 1978 roku ceramika z Mino jest oficjalnie uznana za tradycyjne japońskie rzemiosło artystyczne.

Czarka, która się sprzeciwia

Trzymanie naczynia Oribe w dłoni to osobliwe doświadczenie: scherben u podstawy jest ciepło zabarwiony i lekko chropowaty, zielone szkliwo w dotyku jest szkliste i chłodne, a pomiędzy nimi przebiega krawędź, której właściwie nie powinno tam być. Szybko wyczuwa się, w którym miejscu naczynie chce być trzymane – nie dlatego, że narzuca to jakaś reguła, lecz dlatego, że podpowiada to sama forma. W densho.art można znaleźć wykonane ręcznie japońskie unikaty ceramiczne, które niosą dalej tę radość z własnowolności, każdy egzemplarz sprowadzany osobno z Japonii. Ci, którzy chcą kupić japońską czarkę do herbaty niebanalną, lecz swoiście oporną, znajdą w naszej ofercie naczynia, na których zatrzymuje się wzrok – tak jak miedziana zieleń od czterystu lat gromadzi się na krawędziach czarek.

Źródła i literatura

The Metropolitan Museum of Art: Covered Vessel (Futamono) with Plum Tree, nr inw. 2023.731a, b, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Ewer (Suichū) with Cherry Blossoms and Picnic Curtain, nr inw. 2015.300.270a–c, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: Set of Six Side Dishes (Mukōzuke) for Tea Gathering Meal (Cha-kaiseki), nr inw. 1975.268.437, metmuseum.org.

Richard L. Wilson: Inside Japanese Ceramics. A Primer of Materials, Techniques, and Traditions. Weatherhill, New York 1995.