Wabi-Sabi – piękno niedoskonałości

Pęknięta czarka do herbaty. Zwietrzała belka drewniana. Kakemono z zaledwie jednym, niecałkiem symetrycznym pociągnięciem pędzla. W większości estetycznych tradycji świata takie rzeczy uchodziłyby za wadliwe, za kandydatów do naprawy lub wymiany. W Japonii natomiast noszą one nazwę oznaczającą dokładnie coś przeciwnego: Wabi-Sabi, być może najbardziej wpływową filozofię estetyczną Japonii – postawę, która w tym, co niedoskonałe, ulotne i niedokończone, dostrzega prawdziwe piękno.

Dwa pojęcia, jedna postawa

Wabi-Sabi (侘寂) składa się z dwóch pierwotnie niezależnych pojęć, których znaczenie zmieniało się na przestrzeni wieków. Wabi (侘) oznaczało pierwotnie uczucie przygnębienia i samotności, na przykład życie pustelnika z dala od blasku dworu, jednak z czasem przekształciło się w pozytywne docenienie prostoty, powściągliwości i świadomej rezygnacji z nadmiaru. Sabi (寂) oznaczało pierwotnie uczucie chłodu lub opuszczenia, ale rozwinęło się w docenienie piękna, które towarzyszy starzeniu się i przemijaniu rzeczy – na przykład patynę długo używanego przedmiotu lub zwietrzenie kamienia. Razem Wabi-Sabi opisuje postawę estetyczną i filozoficzną, która postrzega niedoskonałość, przemijalność i niedokończenie nie jako braki, lecz jako właściwe źródło piękna. Okakura Kakuzō ujął tę postawę w 1906 roku w „The Book of Tea” w sposób zwięzły dla odbiorców zachodnich: pawilon herbaciany jest „consecrated to the worship of the Imperfect, purposely leaving some thing unfinished for the play of the imagination to complete” – poświęcony Niedoskonałemu, poprzez świadome pozostawienie czegoś niedokończonym, co ma dopełnić wyobraźnia. Okakura Kakuzō ujął tę postawę w 1906 roku w „The Book of Tea” w sposób zwięzły dla odbiorców zachodnich: pawilon herbaciany jest „consecrated to the worship of the Imperfect, purposely leaving some thing unfinished for the play of the imagination to complete” – poświęcony Niedoskonałemu, poprzez świadome pozostawienie czegoś niedokończonym, co ma dopełnić wyobraźnia.

Korzenie w buddyzmie zen

Wabi-Sabi jest ściśle powiązane z buddyzmem zen, który postrzega nietrwałość wszystkich rzeczy (Mujō) oraz pustkę (Shunyata) jako centralne prawdy nauki buddyjskiej. Estetykę Wabi-Sabi ukształtowała w szczególności japońska ceremonia herbaty, tak jak została ona w XVI wieku w istotny sposób rozwinięta przez mistrza herbaty Sen no Rikyū. Rikyū świadomie poszukiwał prostych, nieregularnych, często ręcznie formowanych naczyń do herbaty – takich jak stworzone przez Chōjirō czarki do herbaty Raku – jako świadomej przeciwwagi dla kosztownych, nieskazitelnie szkliwionych chińskich wyrobów importowanych, które wcześniej cieszyły się wielkim uznaniem wśród japońskich kolekcjonerów. Ta zredukowana forma ceremonii herbaty, zwana Wabi-Cha, do dziś uchodzi za jedno z najważniejszych praktycznych wcieleń filozofii Wabi-Sabi. To, jak bezpośrednio przełożyło się to na same naczynia, ujmuje w jednym zdaniu Muzeum Raku w Kyōto: czarka do herbaty Raku wywodzi się z ideału Wabi głoszonego przez Sen no Rikyū. To, jak bezpośrednio przełożyło się to na same naczynia, ujmuje w jednym zdaniu Muzeum Raku w Kyōto: czarka do herbaty Raku wywodzi się z ideału Wabi głoszonego przez Sen no Rikyū.

Zasady: niedoskonałość, ulotność, niedokończenie

Trzy powiązane ze sobą podstawowe idee tworzą fundament estetyki wabi-sabi. Fukinsei, asymetria i nieregularność, odrzuca przekonanie, że piękno musi być związane z geometryczną perfekcją; lekko nieregularna forma uchodzi za bardziej żywą i naturalną niż nieskazitelna równomierność. Kanso, prostota, świadomie rezygnuje z tego, co zbędne i dekoracyjne, na rzecz jasnego, zredukowanego języka form. Datsuzoku wreszcie, uwolnienie się od konwencji, zachęca do wyzwolenia się z ustalonych reguł i danie przestrzeni przypadkowi, naturze lub chwili, zamiast całkowitego kontrolowania każdego szczegółu. Zasady te można bezpośrednio odnaleźć w licznych japońskich formach sztuki: w enso, nigdy niepoprawianym kręgu zen, w nieszkliwionej ceramice z Bizen, kształtowanej przez przypadkowość ognia, czy w zredukowanej kompozycji obrazu tuszem sumi-e.

Kintsugi: naprawa jako podniesienie wartości

Żaden przykład nie ilustruje filozofii wabi-sabi tak bezpośrednio jak kintsugi, japońska technika naprawiania pękniętej ceramiki za pomocą złotego lakieru. Zamiast maskować pęknięcie lub złamanie, uwidacznia się je celowo i uwypukla złotą masą spoinującą. Naprawiony przedmiot nie jest przez to uważany za uszkodzony, lecz za wzbogacony: widoczne miejsce pęknięcia staje się częścią historii obiektu, który dzięki temu staje się bardziej niepowtarzalny i w pewnym sensie cenniejszy niż przed uszkodzeniem. Kintsugi czyni tym samym uchwytną centralną zasadę wabi-sabi – że przemijalność, uszkodzenie i wiek nie są skazą, lecz integralną częścią piękna przedmiotu.

Wabi-Sabi w ceramice

Wabi-Sabi ujawnia się w sposób szczególnie wyraźny w nieszkliwionych japońskich tradycjach ceramicznych, takich jak Bizen-yaki czy Shigaraki-yaki, których kolorystyka i tekstura powstają wyłącznie w wyniku niekontrolowanego przebiegu procesu wypału. Każdy egzemplarz jest przez to z konieczności niepowtarzalny, naznaczony indywidualnymi śladami popiołu, delikatnymi asymetriami i przebarwieniami, których nigdy nie da się dokładnie powtórzyć. Również spękane szkliwo (craquelé) ceramiki z Hagi, które w toku wieloletniego użytkowania stopniowo zmienia barwę, uosabia tę samą myśl: piękno jako proces, a nie jako gotowy stan końcowy. Oba te bieguny stoją obok siebie w Metropolitan Museum of Art: czarka Bizen z okresu Momoyama, opisana tam jako kamionka z naturalnym szkliwem popiołowym, oraz biały pojemnik na wodę z Hagi autorstwa Miwy Kyūwy (1895–1981), pokryty szkliwem ze skalenia i popiołu. Oba te bieguny stoją obok siebie w Metropolitan Museum of Art: czarka Bizen z okresu Momoyama, opisana tam jako kamionka z naturalnym szkliwem popiołowym, oraz biały pojemnik na wodę z Hagi autorstwa Miwy Kyūwy (1895–1981), pokryty szkliwem ze skalenia i popiołu.

Wabi-sabi we wnętrzu mieszkalnym

Także poza Japonią wabi-sabi stało się w ostatnich dziesięcioleciach wpływową zasadą kształtowania wnętrz mieszkalnych – choć często sprowadzaną jedynie do powierzchownych trendów dekoracyjnych. Właściwa postawa wabi-sabi sięga głębiej: oznacza świadomą rezygnację z dążenia do perfekcji i nieustannego odnawiania, docenianie przedmiotów noszących ślady historii i użytkowania oraz pozostawianie naturalnych materiałów w ich pierwotnej, nieobrobionej postaci. Wykonany ręcznie element ceramiki z widocznymi śladami wypału, kakemono z pojedynczym, niepoprawianym pociągnięciem pędzla lub nieregularnie ukształtowana czarka do herbaty wyrażają tę myśl bardziej bezpośrednio, niż mogłaby to uczynić jakakolwiek przemysłowo dopracowana produkcja seryjna.

Wabi-sabi a estetyka kaligrafii

Także w japońskiej kaligrafii i malarstwie tuszem postawa wabi-sabi ujawnia się szczególnie wyraźnie. Enso, spontanicznie malowany krąg zen, celowo nie jest poprawiany, nawet jeśli nie wychodzi w pełni symetryczny – drobna nieregularność uznawana jest za autentyczny wyraz chwili, a nie za błąd, który należałoby naprawić. Podobnie w tradycyjnym malarstwie tuszem sumi-e celowo pozostawia się duże, niewypełnione powierzchnie, tak zwaną przestrzeń ma, która w równym stopniu jak faktycznie namalowane linie wpływa na wymowę obrazu. To docenienie pustki, niedokończenia i pozornej przypadkowości przenika niemal wszystkie dziedziny tradycyjnej sztuki japońskiej i czyni z wabi-sabi łączącą zasadę estetyczną, obejmującą tak różne dyscypliny jak ceramika, malarstwo, sztuka ogrodowa i architektura.

Istotne jest przy tym rozróżnienie między prawdziwym wabi-sabi a zwykłym niedbalstwem: docenienie niedoskonałości nie oznacza dowolności ani braku staranności, lecz przeciwnie – wysoki stopień świadomości i umiejętności, niezbędny, by rozpoznać, kiedy nieregularność wzbogaca wymowę dzieła, a kiedy jedynie mu szkodzi. Ta subtelna, często trudna do przekazania równowaga czyni z wabi-sabi wymagającą dyscyplinę estetyczną, którą można w pełni pojąć dopiero poprzez wieloletnie zgłębianie danej formy sztuki. Kto zaczyna dostrzegać tę równowagę, wykształca zarazem wyostrzone wyczucie jakości pracy rzemieślniczej w ogóle – efekt uboczny zgłębiania wabi-sabi, sięgający daleko poza sztukę japońską. To wyostrzone spojrzenie zmienia często również stosunek do własnych przedmiotów codziennego użytku: zamiast ciągłego nabywania nowych rzeczy, na pierwszy plan wysuwa się coraz bardziej docenianie tego, co już posiadamy, i jego indywidualnej historii.

W densho.art Państwo znajdą wykonaną ręcznie japońską ceramikę i malarstwo, które w widoczny sposób ukazują to wielowiekowe docenienie niedoskonałości – każdy egzemplarz to unikat, naznaczony indywidualnymi śladami własnego powstawania. Zapraszamy do odkrycia w naszej ofercie, ile piękna może kryć się w świadomym odejściu od perfekcji. Tak więc wabi-sabi pozostaje do dziś czymś znacznie więcej niż trendem w projektowaniu – jest zaproszeniem do podejścia do samego życia z większym spokojem. Kto otworzy się na tę postawę, odkrywa w niej często zaskakująco praktyczną filozofię życia na co dzień. Ci Państwo, którzy chcą kupić ceramikę japońską ukazującą tę filozofię, znajdą ją w naszej ofercie.

Źródła i literatura

Okakura Kakuzō: The Book of Tea. 1906, wersja cyfrowa: Project Gutenberg, eBook nr 769.

Raku Museum, Kyōto: Birth of Raku ware.

The Metropolitan Museum of Art: Serving Dish (Hirabachi) with Circular Patterns (Botan-mochi), nr inw. 2015.300.264, metmuseum.org.

The Metropolitan Museum of Art: White Hagi Water Jar (Mizusashi), Miwa Kyūwa, nr inw. 2016.509a, b, metmuseum.org.