L'art japonais par époque

Comment le Japon compte son histoire

Le Japon ne découpe pas son histoire en siècles, mais en époques, et chacune porte un nom. L'époque d'Edo tient son nom de la ville d'Edo, l'actuelle Tokyo, où le shogunat Tokugawa installa son siège en 1603. À partir de 1868, les époques suivent les noms de règne des empereurs : Meiji signifie « gouvernement éclairé », Taishō « grande droiture », et le nom Heisei devait expressément évoquer une ère de paix. Une époque s'achève avec un changement à la tête de l'État – en 1868 avec la restauration Meiji, en 1912 avec la mort de l'empereur Meiji, en 2019 avec l'abdication de l'empereur Akihito, à laquelle succéda l'ère Reiwa. Qui collectionne l'art japonais rencontre ces noms partout : dans les descriptions, sur les boîtes en bois et dans les datations.

L'époque d'Edo (1603–1868) : les traditions prennent forme

Quelque 250 ans de paix sous les Tokugawa et la fermeture quasi totale du pays à partir de 1624 firent naître une culture très singulière. L'école Kanō dominait la peinture officielle ; à ses côtés s'épanouirent la peinture décorative Rinpa sur fond d'or, la peinture Nanga inspirée des lettrés chinois et l'estampe Ukiyo-e. Des traditions céramiques comme Hagi, Kutani ou la porcelaine d'Arita trouvèrent alors leur forme décisive, et la cérémonie du thé passa du cercle des puissants à la bourgeoisie aisée.

Meiji (1868–1912) et Taishō (1912–1926) : ouverture et modernité

Avec la restauration Meiji, le Japon s'ouvrit à l'Occident à une vitesse vertigineuse. En peinture, le Nihonga, « peinture japonaise », se démarqua délibérément de la peinture à l'huile occidentale (Yōga), et de nombreux peintres continuèrent à travailler dans le langage de l'école Kanō où ils avaient été formés. Aux expositions universelles de Vienne et de Paris, l'artisanat japonais déclencha le japonisme, et les porcelaines de Kutani et d'Arita connurent un second essor à l'exportation. La brève ère Taishō vit naître le romantisme Taishō, mêlant imagerie japonaise, Art nouveau et Art déco ; le grand séisme du Kantō de 1923 détruisit aussi de nombreuses collections et ateliers.

Shōwa (1926–1989) : crise et renaissance

La plus longue époque de l'histoire japonaise moderne se divise en une première période Shōwa jusqu'en 1945 et une période Shōwa tardive ensuite. Pendant la guerre, beaucoup d'ateliers de céramique durent réduire ou cesser leur production. Après 1945, l'artisanat traditionnel connut une renaissance : le mouvement Mingei autour de Yanagi Sōetsu et Hamada Shōji mit en lumière la beauté des objets utilitaires, l'État distingua des maîtres éminents comme « Trésors nationaux vivants » (Ningen Kokuhō), et Arakawa Toyōzō reconstitua la glaçure Shino.

Heisei (1989–2019) et Reiwa (depuis 2019) : la tradition au présent

Après l'éclatement de la bulle économique, l'artisanat fait main prit une nouvelle importance au Japon, en contrepoint des produits de masse éphémères. Des centres céramiques comme Bizen, Hagi ou Shigaraki gagnèrent en estime au Japon comme à l'étranger, et des notions comme le wabi-sabi ou le kintsugi devinrent connues dans le monde entier. Les pièces des ères Heisei et Reiwa sont souvent l'œuvre d'artistes encore actifs aujourd'hui – fréquemment dans des ateliers dont le nom se transmet de génération en génération.

Ce que l'époque indique lors d'un achat

L'indication d'époque décrit l'objet : le papier ou la soie, les couleurs employées, l'état du support, et pour la céramique l'argile, la glaçure et les traces d'usage. C'est une appréciation de la chose que vous avez sous les yeux. Le nom de l'artiste, lui, rapporte ce qui figure sur la pièce. Les deux informations sont indépendantes et peuvent diverger – par exemple lorsqu'un rouleau de l'ère Shōwa porte le sceau d'un maître mort bien avant. Les pièces anciennes portent aussi leur âge de façon visible : un rouleau d'Edo ou de Meiji montre presque toujours des marques qui appartiennent à son histoire.

Comment une datation s'étaye

Le support est le premier témoin : avec les décennies, le papier et la soie prennent un ton plus chaud, des rousseurs apparaissent, l'encre pénètre les fibres. Les couleurs aident aussi à dater – le bleu de Prusse fut largement employé au Japon à partir des années 1830, et les colorants synthétiques à l'aniline n'y sont pas attestés avant les années 1860. Le montage d'un kakemono en dit peu, car il est traditionnellement renouvelé tous les cent à deux cents ans environ. Pour la céramique, signature, cachet et tomobako – la boîte en bois inscrite par l'artiste – complètent le tableau. L'inscription mentionne en général l'objet, le four, le nom de l'artiste et le sceau, et pour les dynasties de potiers la génération, souvent la vraie clé de la datation. Signature et boîte ne prouvent pas l'âge à elles seules ; avec le style, elles fondent une appréciation solide.

Ce à quoi les collectionneurs prêtent attention

Lisez séparément l'époque et le nom de l'artiste : l'une dit l'âge probable de la pièce, l'autre quel nom y figure. Pour les rouleaux, l'essentiel est de savoir s'ils sont peints à la main – un kakemono peint à la main est une pièce unique, quelle que soit son époque. Boîte en bois, pochette en tissu et papiers joints restent avec l'objet, car ils forment ensemble sa chaîne de provenance. Enfin, un kakemono ne s'accroche pas en permanence : on le montre quelques semaines, sous une lumière indirecte et une humidité stable, puis il repose enroulé dans sa boîte.