Arte giapponese per epoche

Come il Giappone conta la propria storia

Il Giappone non suddivide la sua storia in secoli, ma in epoche, e ognuna ha un nome. Il periodo Edo prende il nome dalla città di Edo, l'odierna Tokyo, dove lo shogunato Tokugawa trasferì la sede del governo nel 1603. Dal 1868 le epoche seguono i nomi di regno degli imperatori: Meiji significa "governo illuminato", Taishō "grande rettitudine", e il nome Heisei fu scelto espressamente per indicare un'epoca di pace. Un'epoca termina con un cambiamento al vertice dello Stato: nel 1868 con la Restaurazione Meiji, nel 1912 con la morte dell'imperatore Meiji, nel 2019 con l'abdicazione dell'imperatore Akihito, cui seguì l'era Reiwa. Chi colleziona arte giapponese incontra questi nomi ovunque: nelle descrizioni, sulle scatole in legno e nelle datazioni.

Periodo Edo (1603–1868): le tradizioni prendono forma

Circa 250 anni di pace sotto i Tokugawa e la quasi totale chiusura del paese a partire dal 1624 fecero nascere una cultura molto autonoma. La scuola Kanō dominava la pittura ufficiale; accanto a essa fiorirono la pittura decorativa Rinpa su fondo oro, la pittura Nanga ispirata agli ideali dei letterati cinesi e la xilografia a colori Ukiyo-e. Tradizioni ceramiche come Hagi, Kutani e la porcellana di Arita assunsero in quest'epoca la loro forma decisiva, e la cerimonia del tè passò dal rituale dei potenti alla pratica dei borghesi benestanti.

Meiji (1868–1912) e Taishō (1912–1926): apertura e modernità

Con la Restaurazione Meiji il Giappone si aprì all'Occidente a una velocità impressionante. In pittura il Nihonga, la "pittura giapponese", prese deliberatamente le distanze dalla pittura a olio occidentale (Yōga), e molti pittori continuarono a lavorare nel linguaggio della scuola Kanō in cui si erano formati. Alle esposizioni universali di Vienna e Parigi l'artigianato giapponese diede origine al giapponismo, e le porcellane di Kutani e Arita vissero una seconda fioritura delle esportazioni. La breve era Taishō produsse il romanticismo Taishō, fusione di immaginario giapponese, Art Nouveau e Art Déco; il grande terremoto del Kantō del 1923 distrusse inoltre numerose collezioni e botteghe.

Shōwa (1926–1989): crisi e rinascita

L'epoca più lunga della storia giapponese moderna si divide in un primo periodo Shōwa fino al 1945 e in un tardo periodo Shōwa successivo. Negli anni della guerra molte botteghe ceramiche dovettero ridurre o sospendere la produzione. Dopo il 1945 l'artigianato tradizionale visse una rinascita: il movimento Mingei attorno a Yanagi Sōetsu e Hamada Shōji valorizzò la bellezza degli oggetti d'uso quotidiano, lo Stato insignì maestri di spicco del titolo di "Tesori nazionali viventi" (Ningen Kokuhō), e Arakawa Toyōzō ricostruì lo smalto Shino.

Heisei (1989–2019) e Reiwa (dal 2019): la tradizione nel presente

Dopo lo scoppio della bolla economica, l'artigianato fatto a mano acquistò in Giappone un nuovo significato come contrappeso ai prodotti di massa effimeri. Centri ceramici come Bizen, Hagi o Shigaraki trovarono crescente apprezzamento in patria e all'estero, e concetti come il wabi-sabi o il kintsugi divennero noti in tutto il mondo. I pezzi delle ere Heisei e Reiwa provengono spesso da artisti ancora attivi, sovente in botteghe il cui nome si tramanda di generazione in generazione.

Che cosa dice l'epoca al momento dell'acquisto

L'indicazione d'epoca descrive l'oggetto: la carta o la seta, i colori usati, lo stato del supporto e, per la ceramica, l'argilla, lo smalto e le tracce d'uso. È una valutazione della cosa che ha davanti. Il nome dell'artista riporta invece ciò che è scritto sul pezzo. Le due informazioni sono indipendenti e possono divergere, per esempio quando un rotolo dell'era Shōwa porta il sigillo di un maestro morto molto prima. I pezzi più antichi mostrano inoltre la loro età: un rotolo del periodo Edo o Meiji presenta quasi sempre segni che fanno parte della sua storia.

Come si sostiene una datazione

Il primo testimone è il supporto: con i decenni carta e seta assumono un tono più caldo, compaiono macchie di umidità e l'inchiostro penetra nelle fibre. Anche i colori aiutano a datare: il blu di Prussia fu ampiamente usato in Giappone dagli anni 1830, mentre i coloranti sintetici all'anilina non vi sono attestati prima degli anni 1860. Il montaggio di un kakemono dice poco, perché tradizionalmente viene rinnovato ogni cento-duecento anni circa. Per la ceramica, firma, timbro e tomobako – la scatola in legno iscritta dall'artista – completano il quadro. L'iscrizione indica di solito oggetto, forno, nome dell'artista e sigillo, e nelle dinastie di ceramisti anche la generazione, spesso la vera chiave per collocare un pezzo nel tempo. Firma e scatola da sole non provano l'età; insieme allo stile consentono una valutazione fondata.

A che cosa fanno attenzione i collezionisti

Legga separatamente l'epoca e il nome dell'artista: l'una dice quanto è probabilmente antico un pezzo, l'altro quale nome vi compare. Nei rotoli conta soprattutto che siano dipinti a mano: un kakemono dipinto a mano è un pezzo unico, di qualunque epoca sia. Scatola in legno, sacchetto di stoffa e foglietti allegati restano con l'oggetto, perché insieme formano la sua catena di provenienza. E un kakemono non si appende in modo permanente: si espone per alcune settimane, con luce indiretta e umidità costante, poi riposa arrotolato nella sua scatola.