Termini dell'arte giapponese dalla A alla Z – il glossario Densho

Da chawan a wabi-sabi: i termini più importanti legati alla ceramica e alla pittura giapponese spiegati in breve.

Ciotola da tè giapponese chawan Yakesa nella scatola di conservazione

Kakemono, chawan, yakishime, tomobako: intorno all'arte tradizionale giapponese si incontrano molti termini che non si spiegano da soli. Questo glossario li raccoglie in un unico luogo e spiega ciascuno in poche frasi – dal rotolo verticale ai forni per la ceramica e alla cultura del tè, fino ai concetti estetici fondamentali e alle epoche giapponesi.

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A

Agano-yaki 上野焼

L'Agano-yaki è una tradizione ceramica giapponese originaria del distretto di Tagawa, nella prefettura di Fukuoka, nel Kyūshū, nata nel 1602 quando il signore di Kokura, Hosokawa Tadaoki, chiamò il vasaio coreano Sonkai ai piedi del monte Fukuchi. Come il Karatsu, risale dunque ad artigiani coreani, ma fin dall'inizio fu utensile da tè destinato alla corte. Caratteristica è la parete volutamente sottile e leggera; a ciò si aggiunge una gamma insolita di smalti, tra cui il più noto è il verde-azzurro che scorre su superfici chiare. L'Agano rientra tra i sette forni attribuiti al maestro del tè Kobori Enshū.

Anche: ceramica Agano, Agano yaki, Ueno-yaki, Agano

Aka-Raku 赤楽

Aka-Raku, il «Raku rosso», è uno dei due tipi classici fondamentali della ciotola da tè Raku: un corpo ceramico costruito a mano con argilla rossa ferruginosa, su cui viene applicato uno smalto trasparente. La cottura avviene a bassa temperatura, di solito intorno agli 800-900 gradi, cosicché i toni caldi del rosso, dell'ocra e dell'arancio dell'argilla traspaiono attraverso lo smalto. A differenza del Kuro-Raku, che viene cotto a temperature più elevate ed estratto incandescente dal forno, l'Aka-Raku si raffredda più lentamente; l'effetto risulta più morbido e accogliente. Come tutta la ceramica Raku, il corpo ceramico rimane poroso e sorprendentemente leggero.

Anche: Aka-Raku, Akaraku, Aka Raku, ceramica Raku rossa, chawan Aka-Raku

Akae 赤絵

Akae, letteralmente «pittura rossa», indica la decorazione policroma sopra smalto su porcellana giapponese, in cui un caldo rosso ferro dà il tono. I colori vengono applicati sulla superficie già cotta e vetrificata e fissati in una seconda cottura, decisamente più fredda; per questo restano leggermente in rilievo e si possono percepire al tatto con l'unghia. È proprio questo ciò che distingue l'akae dal sometsuke, il cui blu cobalto si trova sotto lo smalto. Combinando le due tecniche, il blu sottosmalto con la decorazione policroma sopra smalto, si ottiene il somenishiki; se si aggiunge l'oro, si parla di kinrande. L'akae è diffuso soprattutto ad Arita, Kutani e Kyoto.

Anche: Aka-e, decorazione in rosso, smalti sopra coperta, decorazione soprasmalto, decorazione in rosso ferro

Akahada-yaki 赤膚焼

L'akahada-yaki è una tradizione ceramica giapponese proveniente dalle colline del monte Gojō, a ovest della città di Nara, e rientra tra le sette fornaci attribuite al gusto di Kobori Enshū. Il nome rimanda in parte all'antica denominazione del luogo, Akahada-yama, in parte al colore rossastro assunto dall'argilla durante la cottura; le fonti al riguardo non sono concordi. Caratteristico è uno smalto bianco lattiginoso e finemente craquelé, sotto il cui bordo affiora il rossastro scherbo. La forma decorativa più nota è il nara-e, una pittura fine e ingenua con cervi, templi e scene tratte da antichi racconti; la sua introduzione è considerata un merito del vasaio Okuda Mokuhaku. La fornace fu sostenuta dagli Yanagisawa, signori di Kōriyama.

Anche: Akahada-yaki, Akahada yaki, ceramica Akahada, Akahadayama-yaki, Akahada

Akazu-yaki 赤津焼

L'Akazu-yaki è una tradizione ceramica giapponese originaria del quartiere di Akazu, a est del centro cittadino di Seto, nella prefettura di Aichi, e costituisce quindi un ramo della ceramica di Seto. Le fornaci di quella zona sono documentate fin dal periodo Heian; l'orientamento attuale risale invece ai primi anni del XVII secolo, quando dei vasai vi si insediarono di nuovo in modo mirato. Ciò che caratterizza questa tradizione non è tanto un aspetto unico, quanto la compresenza di sette smalti tramandati – smalto di cenere, smalto ferruginoso, Ko-Seto, Ki-Seto, Shino, Oribe e Ofuke – e di dodici tecniche decorative. Nel 1977 l'Akazu-yaki è stato riconosciuto come artigianato artistico tradizionale. La grafia Akatsu, che si incontra occasionalmente, indica la stessa ceramica.

Anche: Akazu-yaki, Akatsu-yaki, ceramica di Akatsu, ceramica di Akazu, Akazu

Amakusa-Porzellan 天草陶磁器

La porcellana di Amakusa è la porcellana prodotta nelle isole Amakusa, nella prefettura di Kumamoto, la cui base è la pietra per porcellana di Amakusa estratta in loco. La roccia, scoperta alla fine del XVII secolo e utilizzata per la ceramica a partire dal XVIII secolo, è notevolmente bianca, dura e traslucida; costituisce circa quattro quinti dell'estrazione giapponese di pietra per porcellana e viene tuttora fornita anche ad Arita, Mikawachi e ad altri centri della porcellana. Sul posto operano tra gli altri i forni Uchida Sarayama, Takahama, Maruo e Mizunodaira, in parte con porcellana bianca traslucida, in parte con grès sotto smalti namako e neri. Nel 2003 la ceramica di Amakusa è stata riconosciuta come artigianato artistico tradizionale.

Anche: Amakusa-yaki, ceramica di Amakusa, porcellana di Amakusa, Amakusa-Tōjiki, Amakusa

Anagama 穴窯

L'anagama è un forno a legna a camera unica, scavato come lungo tunnel nel fianco di una collina e ricoperto di argilla; il nome significa letteralmente «forno a grotta». Questa tipologia costruttiva giunse in Giappone dalla penisola coreana nel corso del primo millennio e rimase per secoli l'unica in uso nei antichi centri di produzione ceramica. La cottura dura giorni senza interruzione, con fiamma e cenere volante che investono direttamente i vasi – da cui la naturale deposizione di cenere e le zone di colore per cui è apprezzata la ceramica non smaltata. Da distinguere dall'anagama è il successivo noborigama, costituito da più camere disposte in sequenza, che cuoce in modo più uniforme.

Anche: Anagama, forno anagama, forno a tunnel, forno a caverna, forno a camera singola, cottura anagama

Arita-yaki 有田焼

L'arita-yaki è una porcellana dura giapponese proveniente dalla regione di Arita, nella prefettura di Saga, a Kyūshū, e viene considerata la prima porcellana prodotta in Giappone. Alla base vi fu la scoperta del caolino sulla collina di Izumiyama nel 1616 da parte del vasaio coreano Yi Sam-pyeong. Il corpo ceramico, cotto a circa 1.300 gradi, è duro, liscio e leggermente traslucido nei punti più sottili - un contrasto netto rispetto alle tradizioni di gres dal carattere terroso come la ceramica di Bizen. Fra gli stili più noti vi sono il Ko-Arita blu cobalto, il raffinato stile Kakiemon e l'Iro-Nabeshima di ambito cortigiano. L'imari-yaki indica lo stesso tipo di ceramica, ma prende il nome dal porto di imbarco: Arita designa la regione di produzione, Imari la via commerciale.

Anche: Arita-yaki, porcellana di Arita, ceramica di Arita, Arita

Asahi-yaki 朝日焼

L'asahi-yaki è una ceramica da tè giapponese proveniente da Uji, nella prefettura di Kyōto, che secondo la tradizione fu fondata intorno al 1600 ai piedi del monte Asahi e figura tra le sette fornaci nel gusto di Kobori Enshū. È strettamente legata al tè di Uji: le ciotole da tè venivano aggiunte come dono alle forniture di tè in foglie. Caratteristico è uno scherzo bruno chiaro con screziature rosso-nerastre, che altrove è chiamato gohon, mentre a Uji viene detto kase, «dorso di cervo»; le tracce di spatola e di tornitura restano visibili come keshiki. A differenza del cittadino kyō-yaki, l'asahi rinuncia in gran parte alla decorazione sopra smalto.

Anche: Asahi-yaki, ceramica di Asahi, Asahi yaki, Uji-Asahi, Asahi

B

Banko-yaki 萬古焼

La ceramica Banko-yaki è una ceramica giapponese di Yokkaichi e Komono, nella prefettura di Mie, che risale al mercante Nunami Rōzan di Kuwana; questi iniziò intorno al 1740, a Obuke, a cuocere per passione utensili da tè di propria fattura. Il nome deriva dal suo sigillo Banko fueki, che significa pressappoco «immutabile per sempre». Oggi Banko designa due prodotti: teiere non smaltate in argilla ferruginosa cotta in atmosfera riducente, il cui scherzo color bruno porpora si chiama Shidei, e pentole di argilla refrattaria per il fornello, a cui viene aggiunta petalite. La grandissima parte dei donabe giapponesi proviene da questa regione.

Anche: Bankoyaki, ceramica Banko, Yokkaichi-Banko, Banko, Banko-yaki

Benzaiten 弁財天

Benzaiten, per lo più chiamata semplicemente Benten, è la dea giapponese delle arti, della musica, dell'eloquenza e dell'acqua, l'unica figura femminile tra i Sette Dei della Fortuna. Deriva dalla dea fluviale induista Sarasvati e viene di norma raffigurata con un liuto biwa. Il suo legame con l'acqua si è riflesso in Giappone nei luoghi di culto a lei dedicati: i santuari di Benzaiten si trovano spesso presso laghi, fiumi o su isole. Per musicisti, scrittori e oratori una sua immagine è tradizionalmente considerata un dono adatto, il che fa di lei, tra i sette dei, quella più vicina alla creazione artistica.

Anche: Benten, Benzaiten-sama, Sarasvati, dea Benzaiten

Bidoro ビードロ

Con bidoro si indicano le pozze vetrose e verdastre che si formano durante la cottura della ceramica non smaltata, quando la cenere volatile si scioglie sul biscotto e si raccoglie in avvallamenti o sulle spalle del pezzo. A differenza della semplice deposizione di cenere puntiforme, il bidoro appare come vetro trasparente colato e può formare gocciolature. Il nome deriva dalla parola portoghese «vidro», che significa vetro, e ricorda i primi contatti con gli europei. Questo effetto è particolarmente apprezzato nella ceramica di Bizen, dove insieme a goma e hidasuki fa parte del repertorio formale della cottura a legna.

Anche: smalto Bidoro, colatura vetrosa, Bīdoro

Bijin-ga 美人画

Bijin-ga (美人画, «immagine di una bella donna») è un genere della pittura giapponese che raffigura figure femminili come tipo, non come ritratto di una persona specifica. Il senso risiede negli elementi accessori: motivo e taglio del kimono, acconciatura, posizione delle mani, stagione dello sfondo – una dama davanti a un susino in fiore è al tempo stesso un'immagine primaverile. Nato nell'ukiyo-e del periodo Edo, il genere fu trasferito nel XX secolo nella pittura nihonga da artisti come Itō Shinsui (1898–1972). Il rango di un bijin-ga dipende per lo più dalla resa materica: da come un pittore rende la caduta della seta e il passaggio dal colletto alla nuca.

Anche: Bijinga, Bijin-e, bijin-ga, ritratto di bellezza, ritratto femminile

Bishamonten 毘沙門天

Bishamonten è il dio della fortuna giapponese dei guerrieri e protettore, raffigurato in armatura completa con una lancia in una mano e una piccola pagoda nell'altra – quest'ultima rappresenta la casa del tesoro buddista che egli custodisce. Appartiene ai Sette Dei della Fortuna, gli Shichifukujin, e proviene originariamente dal buddhismo indiano. È l'unico del gruppo a comparire anche in un secondo ruolo: con il nome di Tamonten fa parte dei Quattro Re Celesti, che nei templi sorvegliano i punti cardinali. Nella raffigurazione è facilmente riconoscibile per essere l'unico ad avere un aspetto marziale e non gioioso.

Anche: Bishamon, Tamonten, Bishamonten, Vaishravana, Vaisravana

Bizen-yaki 備前焼

Il Bizen-yaki è una ceramica giapponese in grès non smaltata originaria della prefettura di Okayama, la cui colorazione nasce esclusivamente dal fuoco. La cottura avviene con la tecnica yakishime a circa 1.200-1.300 gradi Celsius, per diversi giorni, in un forno alimentato a legna; fiamma e cenere lasciano effetti di cottura (yōhen) che portano nomi propri – goma, sangiri e hidasuki. Alla base vi è l'argilla hiyose, ricca di ferro, proveniente dai dintorni di Imbe. Bizen è annoverato tra i sei antichi forni del Giappone ed è riconosciuto come artigianato artistico tradizionale dal 1982. A differenza di Seto, il secondo di questi sei centri, Bizen rinuncia ancora oggi, in modo coerente, a qualsiasi smalto e decorazione pittorica.

Anche: Bizen-yaki, ceramica di Bizen, Bizen ware, Bizen

Bokuseki 墨蹟

Bokuseki (墨蹟, «tracce d'inchiostro») è la calligrafia dei monaci zen e in Giappone è considerata una categoria a sé stante all'interno dell'arte della scrittura. Vengono scritte per lo più brevi sentenze zen, singoli caratteri o versi poetici, spesso in modo rapido, energico e volutamente non levigato. A differenza dello shodō in generale, qui non è la perfezione stilistica a essere in primo piano, bensì l'autorità spirituale di chi scrive: molti autori non erano calligrafi di professione, ma abati e maestri zen. Il bokuseki ha un posto fisso nella cultura del tè, dove un simile rotolo verticale è appeso nel tokonoma della sala da tè e definisce il tono dell'incontro; ne fanno parte anche le iscrizioni sugli utensili da tè.

Anche: Bokuseki, calligrafia Bokuseki, calligrafia zen, tracce d'inchiostro

Byōbu 屏風

Un byōbu è un paravento giapponese composto da più pannelli pieghevoli, uniti da cerniere di carta, le cui superfici sono dipinte o recano calligrafia. Il nome significa letteralmente «parete del vento» e indica così la funzione originaria: il paravento suddivideva lo spazio e riparava dalle correnti d'aria, pur essendo al contempo supporto pittorico. Sono diffuse le coppie di due paraventi da sei pannelli ciascuno, la cui composizione va letta attraverso entrambe le metà. A differenza del kakemono, il byōbu è a sé stante e non viene arrotolato, bensì ripiegato.

Anche: paravento giapponese, byobu, byōbu, schermo pieghevole, paravento pieghevole

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C

Chabana 茶花

Chabana (茶花, letteralmente fiore del tè) è l'ornamento floreale della cerimonia del tè giapponese e consiste di norma in pochissimo: un bocciolo di camelia, un ramoscello, qualche filo d'erba, disposti come se fossero cresciuti così. Si mostra ciò che fiorisce in quel momento della stagione, sistemato in uno hanaire in ceramica, bambù o bronzo, che nel tokonoma sta accanto al rotolo. Rispetto all'ikebana, che consente più costruzione e una composizione più visibile, il chabana arretra deliberatamente: il fiore non deve sembrare disposto ad arte, ma solo portare un istante dell'anno nella stanza del tè.

Anche: Chabana, fiore da tè, fiori da tè, composizione floreale Chabana, composizione floreale della cerimonia del tè

Chadō 茶道

Chadō (茶道, letto anche Sadō) è la «via del tè» – la cerimonia del tè giapponese, intesa come pratica di esercizio che dura tutta la vita. Il Dō è lo stesso di Shodō (calligrafia) o Budō (arte marziale) e indica sempre un percorso di esercizio anziché una semplice acquisizione di abilità: si impara l'uso della ciotola, della frusta e dell'acqua nell'arco di decenni, sotto la guida di una scuola. Come orientamento interiore valgono i quattro principi armonia (Wa), rispetto (Kei), purezza (Sei) e quiete (Jaku). Chanoyu indica invece il singolo incontro, durante il quale il tè viene effettivamente preparato e bevuto.

Anche: Chadō, Chado, Sadō, Sado, via del tè, cerimonia del tè, Chanoyu

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Chaire 茶入

Il chaire è il piccolo contenitore in ceramica in cui si conserva il matcha denso per la cerimonia del tè, di solito con un coperchio in avorio o in un materiale sostitutivo e protetto da una sacca di broccato di seta, lo shifuku. Storicamente i chaire erano tra gli oggetti più apprezzati dell'intera cultura del tè; alcuni pezzi venivano scambiati come fossero terreni. Si distingue dal natsume per materiale e uso: il natsume, il contenitore laccato, appartiene al tè leggero, mentre il chaire, il contenitore in ceramica, appartiene al tè denso - una distinzione che vale ancora oggi.

Anche: Barattolo da tè, barattolo da tè in ceramica, chaire

Chaji 茶事

Un chaji (茶事) è la forma completa e formale della cerimonia del tè giapponese: l'ospite invita pochi ospiti, li accoglie con un pasto kaiseki, offre dolci e prepara infine prima il koicha denso, poi l'usucha leggero. Uno svolgimento di questo tipo dura tradizionalmente circa quattro ore. Sono tramandate sette forme fondamentali, che si distinguono soprattutto in base al momento della giornata, dal chaji del mattino a quello della sera. Il chaji si distingue dal chakai per la durata, il pasto e la ristretta cerchia di ospiti invitati; nel chakai si offrono di norma soltanto un dolce e una ciotola di tè. Chanoyu è il termine generale che designa la riunione in quanto tale.

Anche: Cha-ji, chaji, cerimonia del tè completa, cerimonia del tè formale

Chakai 茶会

Un chakai (茶会) è la riunione conviviale del tè giapponese più breve e informale, durante la quale agli ospiti vengono offerti un dolcetto e una ciotola di tè, per lo più usucha leggero, più raramente koicha denso. Non comprende un pasto; di conseguenza un chakai dura piuttosto un'ora scarsa che mezza giornata. Particolarmente diffuso è l'ōyose-chakai, un grande evento in cui gruppi di ospiti vengono condotti in successione nella stanza del tè e per il quale non sono richieste conoscenze pregresse. Dal chaji, che dura diverse ore e comprende il pasto kaiseki, il chakai si distingue per portata e formalità, non per gli utensili utilizzati.

Anche: Cha-kai, chakai informale, Ōyose-Chakai, Oyose-Chakai

Chakin 茶巾

Un chakin (茶巾) è il piccolo panno bianco di lino o canapa con cui, nella cerimonia del tè giapponese, si asciuga e si deterge la ciotola da tè. L'ospite riscalda prima il chawan con acqua calda, versa quest'acqua nel recipiente di scarico kensui e asciuga poi la ciotola con il chakin, leggermente inumidito e piegato a strisce, prima di versarvi la polvere di matcha. Il formato usuale è di circa trenta per quindici centimetri; particolarmente apprezzata è la canapa sbiancata di Nara, chiamata narazarashi. Dal fukusa di seta si distingue per materiale e funzione: il chakin tocca la ciotola, il fukusa pulisce gli utensili.

Anche: panno chakin, chakin, panno di lino per la cerimonia del tè, cha-kin

Chanoyu 茶の湯

Chanoyu (茶の湯, letteralmente «acqua calda per il tè») è la cerimonia del tè giapponese intesa come incontro concreto: un ospite prepara il matcha per gli invitati secondo uno svolgimento prestabilito e porge loro la ciotola. Il termine mette l'accento sull'evento – lo spazio, gli utensili selezionati, la sequenza dei gesti, il rotolo verticale nel tokonoma. Si distingue tra l'incontro più breve e informale (chakai) e il chaji, formale e della durata di alcune ore, con pasto. Chadō, la via del tè, indica la stessa pratica, ma pone l'accento sulla pratica costante lungo tutta la vita. Entrambi i termini convivono ancora oggi; chanoyu è il più antico e il più vicino alla vita quotidiana.

Anche: Cha-no-yu, cerimonia del tè, cerimonia del tè giapponese, Chadō, Sadō, Way of Tea

Chasen 茶筅

Un chasen (茶筅) è il frustino da tè giapponese in bambù con cui il tè verde matcha in polvere e l'acqua calda vengono montati direttamente nella ciotola da tè fino a formare una schiuma a grana fine. Viene ricavato da un unico pezzo di bambù e presenta, a seconda della lavorazione, da circa sessanta a centoventi sottili rebbi ricurvi verso l'esterno. Il suo ingombro determina la geometria del chawan: la testa dello strumento deve poter ruotare liberamente, motivo per cui le ciotole da tè sono ampie e piatte all'interno. Il chasen è un elemento di consumo: dopo l'uso viene semplicemente sciacquato con acqua pulita, asciugato in posizione verticale e, prima o poi, sostituito quando i rebbi si spezzano.

Anche: frullino da tè, frullino di bambù, frullino per matcha, chasen

Chashaku 茶杓

Il chashaku (茶杓) è il sottile cucchiaio da tè giapponese in bambù, con cui il tè matcha in polvere viene dosato dal contenitore e versato nella ciotola. Viene ricavato da un unico pezzo, leggermente piegato al centro e termina in una lama piatta a forma di cucchiaio; un nodo del bambù è spesso visibile sul manico. Insieme a chawan e chasen costituisce la dotazione fondamentale per la preparazione del matcha - tutto il resto è comodità. Nella cerimonia del tè, i chashaku sono tra gli strumenti più personali: vengono spesso nominati, firmati e conservati in un proprio astuccio.

Anche: cucchiaio da tè, cucchiaio di bambù, cucchiaio per matcha, cucchiaio chashaku, chashaku

Chawan 茶碗

Il chawan (茶碗) è l'ampia ciotola da tè giapponese, priva di manico, in cui il matcha viene sbattuto con il frustino di bambù (chasen) direttamente nel recipiente e da cui viene poi bevuto. È quindi al tempo stesso strumento e recipiente da bere, il che ne spiega la forma: apertura larga, fondo interno perlopiù piatto, parete obliqua ascendente e un piede non smaltato (kōdai). I pezzi classici misurano generalmente da undici a tredici centimetri di diametro. Uno yunomi è invece la tazza più alta e slanciata per il tè in foglie infuso, mentre un guinomi non è un piccolo chawan, bensì un recipiente per il sake a sé stante. I chawan vengono realizzati in quasi tutte le tradizioni ceramiche, dalla ceramica Raku alla ceramica di Hagi, fino alla ceramica Shino e alla ceramica Oribe.

Anche: ciotola da tè, chawan, ciotola per matcha, ciotola da matcha

D

Daikokuten 大黒天

Daikokuten è il dio giapponese della fortuna, associato alla prosperità, all'agricoltura e al commercio. Il suo attributo è un martello magico con cui, secondo la leggenda, diffonde ricchezza ovunque colpisca; viene generalmente raffigurato in piedi su sacchi di riso e accompagnato da topi. In origine risale a una divinità indiana dall'aspetto minaccioso e in Giappone si è trasformato in una figura amichevole e tozza, con un copricapo piatto. Appartiene ai Sette Dei della Fortuna, gli Shichifukujin, e compare particolarmente spesso insieme a Ebisu. Sulle prime banconote giapponesi del 1885 era raffigurato Daikokuten.

Anche: Daikoku, Daikoku-ten, Daikokusama, Daikokuten

Daruma 達磨

Daruma è il nome giapponese di Bodhidharma e allo stesso tempo la denominazione della popolare figura portafortuna che ne trasse origine dall'iconografia. La figura è tondeggiante, non ha né braccia né gambe e, dopo essere stata rovesciata, si rialza da sola – un'immagine simbolica della perseveranza, riassunta nel proverbio «Nanakorobi yaoki», cadere sette volte, rialzarsi otto. Le sue origini risalgono ai talismani del Daruma-dera di Takasaki; intorno al 1770 nacquero i primi stampi. Tradizionalmente viene venduta con due occhi vuoti: uno si colora quando si prende un proposito, il secondo non appena l'obiettivo è raggiunto. Bodhidharma indica invece la figura del monaco della tradizione.

Anche: Daruma, bambola Daruma, Bodhidharma, Bodaidaruma

E

E-Shino 絵志野

E-Shino, «Shino dipinto», è la sottotipologia più diffusa della ceramica Shino della regione di Mino. Sul biscotto crudo viene disegnato un motivo con un colore pittorico ferruginoso – il cosiddetto Oniita – sopra il quale viene applicata la spessa smaltatura feldspatica bianco latte. Durante la cottura il disegno traspare come attraverso una nebbia e appare in tonalità dal marrone al grigio-marrone. I motivi restano perlopiù semplici: erbe, rami, reticoli o linee astratte. Il Nezumi-Shino si distingue dall'E-Shino nel procedimento: lì la superficie viene prima interamente ricoperta di ingobbio ferruginoso e il motivo viene poi inciso per sottrazione, qui invece viene dipinto direttamente.

Anche: Eshino, E Shino, E-Shino, ceramica Shino dipinta, chawan E-Shino

Ebisu 恵比寿

Ebisu è il dio della fortuna giapponese del commercio, della prosperità e dei pescatori, riconoscibile dalla sua canna da pesca e dal grande pesce dentice rosso. È l'unico dei Sette Dei della Fortuna, gli Shichifukujin, di origine puramente shintoista giapponese, ed è particolarmente amato da bottegai e commercianti; un'immagine che lo raffigura è tradizionalmente considerata un dono adatto per l'apertura di un'attività. Spesso appare in coppia con Daikokuten, e i due si completano a vicenda: Ebisu rappresenta la buona pesca e il commercio prospero, Daikokuten la prosperità domestica. Nelle regioni rurali del Giappone, entrambi sono stati a lungo venerati insieme su un piccolo altare domestico.

Anche: Yebisu, Ebisu-sama, Ebisu, dio della fortuna Ebisu

Echizen-yaki 越前焼

La ceramica di Echizen (Echizen-yaki) è una ceramica giapponese di grès non smaltata, prodotta nella zona di Echizen nella prefettura di Fukui, ed è una delle sei antiche fornaci del Giappone. I suoi inizi sono datati al tardo XII secolo; nel corso dei secoli qui si produssero soprattutto grandi giare da conservazione, vasi e mortai, che attraverso la costa del Mar del Giappone raggiungevano ampie parti del paese. L'argilla ferrosa cuoce scura, e come a Bizen o a Tamba è soltanto la naturale ricaduta di cenere durante la cottura a legna a plasmare la superficie. Il fatto che Echizen sia annoverata a tutti gli effetti tra le antiche tradizioni di fornace autonome risale alle ricerche dello storico della ceramica Koyama Fujio intorno al 1948.

Anche: Echizen-yaki, ceramica di Echizen, Echizen ware, Echizen

Emakimono 絵巻物

Un emakimono è un rotolo pittorico giapponese orizzontale: un supporto d'immagine in carta o seta, orientato orizzontalmente, che viene srotolato e osservato sezione per sezione da destra verso sinistra. A differenza del kakemono, dal formato verticale, che viene appeso alla parete, l'emakimono viene osservato appoggiato su una superficie; l'immagine si dispiega durante la lettura come una narrazione e unisce spesso la pittura a passaggi di testo inseriti. Il genere divenne celebre grazie alle illustrazioni letterarie di corte del periodo Heian e del periodo Kamakura. Oggi lo si incontra quasi esclusivamente nei musei e nelle collezioni dei templi.

Anche: Emaki, emakimono, rotolo illustrato, rotolo dipinto, rotolo orizzontale

Enso 円相

L'enso (円相, «forma circolare») è un cerchio tracciato con una o due pennellate libere dell'arte zen giapponese, che esprime l'illuminazione, il vuoto (shunyata) e l'universo nella sua interezza. Nasce in un unico movimento, generalmente molto rapido, di solito nello stile corsivo sosho, e non viene corretto; per questo è considerato un'immagine immediata dello stato interiore del suo autore. Un cerchio lasciato aperto rappresenta il movimento, lo sviluppo e il perfezionamento continuo, mentre uno chiuso rappresenta piuttosto il compimento e la totalità. La più antica raffigurazione conosciuta è attribuita al maestro chan cinese Kyozan (814–890).

Anche: Enso, Ensō, cerchio Enso, cerchio zen, simbolo Enso

Epoca Reiwa 令和時代

L'era Reiwa è l'era giapponese in corso dal 2019, iniziata con l'ascesa al trono dell'imperatore Naruhito e successiva all'era Heisei. Poiché gli oggetti d'arte giapponesi vengono solitamente datati per era, questa indicazione denota semplicemente un pezzo di produzione contemporanea. Per la ceramica ciò significa in genere: realizzata da un vasaio oggi in attività, spesso con cofanetto di legno firmato e bottega documentata. A differenza delle ère più antiche, dietro questa datazione non si cela dunque un concetto stilistico, ma solo il riferimento al presente.

Anche: Reiwa, era Reiwa, periodo Reiwa

F

Fuchin 風鎮

I fuchin (風鎮) sono pesi decorativi giapponesi abbinati in coppia, che pendono alle due estremità inferiori di un kakemono e lo mantengono fermo. Il nome significa letteralmente «placavento»: impediscono che la superficie dipinta oscilli nelle correnti d'aria e, allo stesso tempo, la tendono leggermente in lunghezza, cosicché le piccole pieghe si distendono più rapidamente. Vengono fissati con un cordoncino di seta con nappina sopra gli jikusaki, le estremità del bastone tondo inferiore. I fuchin sono realizzati in ceramica, marmo, onice, cristallo di rocca, legno o metallo e tradizionalmente si acquistano in coppia. È importante un peso misurato, poiché fuchin troppo pesanti gravano in modo permanente sul montaggio.

Anche: pesi decorativi, pesi per kakemono, pesi per rotolo verticale, fuchin, fu-chin

Fude 筆

Un fude (筆) è il pennello giapponese da scrittura e pittura, realizzato con peli di animale raccolti in fascio entro un'asta di bambù o legno, con cui si eseguono la calligrafia e la pittura a inchiostro. A seconda del tratto desiderato si impiegano peli diversi, ad esempio di capra, donnola o cavallo: i fasci morbidi danno tratti pieni e molto assorbenti, quelli più rigidi una punta precisa. Poiché il fude è lavorato a sezione rotonda e può essere condotto in qualsiasi direzione, larghezza, pressione e densità dell'inchiostro nascono unicamente dal movimento della mano. Il pennello è perciò considerato un prolungamento diretto della mano del calligrafo e rientra tra i «Quattro tesori dello studio del letterato».

Anche: Fude, pennello per calligrafia, pennello per calligrafia giapponese, pennello da inchiostro, pennello giapponese

Fuji-San 富士山

Il Fuji-San è, con i suoi 3.776 metri, la montagna più alta del Giappone e al tempo stesso il motivo più raffigurato nella storia dell'arte giapponese. In quanto vulcano sacro, è considerato da secoli la dimora di divinità; dal periodo Edo, Konohanasakuya-hime è venerata come sua divinità principale. L'esempio più celebre della sua tradizione pittorica sono le «Trentasei vedute del Fuji» di Katsushika Hokusai, i cui primi schizzi risalgono al 1830. È degno di nota che gli artisti raffigurassero regolarmente la montagna più grande di quanto in realtà apparisse: non si trattava della veduta esatta, ma della forma ideale. La desinenza -San sta qui per «monte», non per l'appellativo di cortesia.

Anche: Fuji, Monte Fuji, Fujisan, Fujiyama

Fukinsei 不均斉

Fukinsei è il principio compositivo giapponese dell'asimmetria intenzionale: evita il centro speculare e vi sostituisce assi disassati, numeri dispari e forme irregolari. Il filosofo Hisamatsu Shin'ichi (1889–1980) lo annovera, nel suo libro «Zen and the Fine Arts», tra i tratti fondamentali dell'estetica zen. Fukinsei si manifesta nel bordo leggermente irregolare di una ciotola da tè fatta a mano, nella composizione di un ikebana o nella disposizione degli oggetti nel tokonoma. A differenza del wabi-sabi, che descrive un atteggiamento complessivo, fukinsei è una precisa regola compositiva: si tratta di uno squilibrio intenzionale, non di arbitrarietà.

Anche: Asimmetria, irregolarità, principio del fukinsei, asimmetria intenzionale

Fukurokuju 福禄寿

Fukurokuju è il dio della fortuna giapponese che riunisce in sé fortuna, prosperità e lunga vita – i tre caratteri del suo nome corrispondono esattamente a questi tre doni. Lo si riconosce da una fronte insolitamente alta e allungata, che simboleggia grande saggezza; nelle raffigurazioni è spesso accompagnato da una gru o da una tartaruga. Appartiene ai Sette Dei della Fortuna e proviene dalla tradizione taoista cinese. Da Jurōjin, che rappresenta anch'egli la longevità e porta la stessa fronte alta, è spesso difficile da distinguere nelle immagini; alcune tradizioni li considerano addirittura la stessa figura.

Anche: Fukurokujin, Fukurokuju, Fukuroku, dio della fortuna Fukurokuju

Fukusa 袱紗

Il fukusa (袱紗) è il fazzoletto di seta quadrato con cui il padrone di casa di una cerimonia del tè giapponese pulisce ritualmente gli utensili, in particolare il cucchiaio di bambù chashaku e il contenitore del tè. La piegatura e la manipolazione del panno, chiamata fukusa-sabaki, costituiscono una fase a sé stante e precisamente codificata della cerimonia; le singole pieghe vengono tradizionalmente interpretate in senso simbolico. Colore e uso variano a seconda della scuola e della persona: per gli uomini sono d'uso i fazzoletti viola scuro, per le donne quelli rossi o arancioni. A differenza del panno di lino chakin, che serve esclusivamente ad asciugare la ciotola da tè, il fukusa non viene mai utilizzato bagnato.

Anche: Fukusa, panno di seta, fukusa di seta, tsukai-fukusa, panno di purificazione della cerimonia del tè, panno per la cerimonia del tè

Funpon 粉本

I funpon (粉本) sono le raccolte di modelli di una bottega pittorica giapponese: ricalchi di opere più antiche, in parte copie fedeli, in parte schizzi rapidi, per lo più in scala ridotta e tramandati attraverso le generazioni. Costituivano il vero capitale di una bottega e venivano custoditi di conseguenza. Gli allievi della bottega vedevano raramente gli originali degli antichi maestri; ciò che studiavano erano i ricalchi del proprio maestro, che fungevano da manuale di stile. La scuola Kanō ha sviluppato questo sistema nel modo più coerente – tanto coerente che critici successivi vi individuarono la ragione del suo irrigidimento. Il funpon si distingue dal mosha in quanto insieme rispetto alla singola copia: il mosha designa l'atto stesso del ricalcare, il funpon la riserva di modelli a cui una bottega attingeva.

Anche: Funpon, Fun-pon, libro di modelli, quaderno di modelli, raccolta di modelli, copia modello

Furuta Oribe 古田織部

Furuta Oribe (古田織部, 1544–1615), il cui vero nome era Furuta Shigenari, fu un guerriero e maestro del tè giapponese, dal quale prende il nome la ceramica Oribe, di colore verde. Servì Oda Nobunaga e Toyotomi Hideyoshi, divenne allievo di Sen no Rikyū e, dopo la morte di quest'ultimo nel 1591, fu considerato il maestro del tè più autorevole del Giappone; istruì lo shōgun Tokugawa Hidetada e fondò una propria scuola del tè, l'Oribe-ryū. Dove Rikyū cercava la riduzione, Oribe puntava sul movimento: bordi incavati, pareti tirate in obliquo, un intenso verde rame. Quanto direttamente egli abbia effettivamente guidato i vasai di Mino è questione controversa nella ricerca; ciò che è accertato è soprattutto che il suo gusto ha plasmato lo stile.

Anche: Oribe, Furuta Shigenari, Furuta Oribe, maestro del tè

Fusuma 襖

I fusuma sono le porte scorrevoli opache della casa giapponese: una leggera struttura di legno rivestita su entrambi i lati con carta o tessuto, racchiusa da un listello perimetrale e dotata di un incavo per l'apertura. Suddividono lo spazio interno e possono essere rimossi, cosicché più stanze diventano un unico ambiente. A differenza degli shōji, il cui reticolo di legno rivestito su un solo lato lascia passare la luce del giorno in modo attenuato, i fusuma sono opachi – e quindi superficie pittorica: le loro superfici rientrano, insieme a kakemono e byōbu, tra i supporti classici della pittura giapponese e in templi e castelli recano spesso un paesaggio che si sviluppa in continuità su più ante.

Anche: fusuma, porta fusuma, fusuma-shōji, parete scorrevole fusuma, porta scorrevole dipinta

G

Gō 号

Un gō è uno pseudonimo artistico giapponese che pittori, calligrafi e vasai adottano al posto del proprio nome civile e con cui firmano le loro opere. Viene spesso assunto al termine dell'apprendistato, talvolta conferito dal maestro, e molti artisti ne portano diversi nel corso della loro vita – al cambio di bottega, all'assunzione di un nome di famiglia o dopo una cesura nella propria opera. Due firme che sembrano non avere nulla in comune possono quindi provenire dalla stessa mano. Per la ricerca questo significa: un gō è un termine di ricerca, non un documento d'identità. Nelle dinastie di vasai si aggiunge inoltre il nome della linea, tramandato di generazione in generazione.

Anche: Gō, nome d'arte, Gagō, pseudonimo, nome dell'atelier

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Gohonte 御本手

Gohonte (御本手) indica un motivo di macchie sottili, dal rosa al chiaro, su fondo grigio-beige, che compare soprattutto sulle ciotole da tè. Non viene dipinto, ma si forma durante la cottura dall'interazione tra l'argilla ricca di ferro e il chiaro smalto di cenere sovrastante, emergendo così dallo stesso scherbo. Il nome deriva dai Gohon, i modelli di ordinazione con cui i maestri del tè giapponesi, a partire dalla fine del XVI secolo, commissionavano ciotole presso forni coreani. Oggi il Gohonte è particolarmente legato alla ceramica di Hagi, dove, accanto allo Shira-Hagi e all'Ido-Hagi, è considerato una variante cromatica a sé stante.

Anche: Gohon, Gohon-te, Gohon-Chawan, Gohonte

Goma 胡麻

Goma, in giapponese «sesamo», indica le screziature granulose di cenere sulla ceramica di Bizen non smaltata, che appaiono come se qualcuno avesse cosparso la superficie di semi di sesamo. Si formano quando la cenere volatile della cottura a legna, che dura giorni, si deposita sul biscotto e vi fonde in vetro punto per punto, senza però confluire in uno strato continuo. I granuli si addensano sul lato rivolto verso il fuoco, mentre diminuiscono verso il lato posteriore. Il goma è quindi una manifestazione particolare dello shizen-yū, la naturale ricaduta di cenere; quando invece la cenere confluisce in una pozza limpida e dai riflessi verdastri, si parla di bidoro.

Anche: goma, effetto goma, cenere di goma, macchie di cenere, screziature simili a semi di sesamo

Gosu 呉須

Il gosu è il pigmento a base di cobalto della pittura sottosmalto giapponese: un pigmento minerale che viene applicato sul biscotto prima della cottura a smalto e che resiste senza danni all'alta temperatura di cottura. Il gosu naturale non è ossido di cobalto puro, bensì un minerale con impurità di manganese e ferro; queste conferiscono al blu storico il suo tono grigiastro, spesso tendente al blu-grigio. A lungo il materiale è stato importato dalla Cina, in seguito estratto anche in Giappone; a ciò si è aggiunto il cobalto sintetico, il cui blu appare più chiaro e più freddo. Il gosu è quindi il materiale, il sometsuke la tecnica decorativa realizzata con esso.

Anche: gosu, blu gosu, blu cobalto, pigmento di cobalto, asbolite

Guinomi ぐい呑

Il guinomi (ぐい呑) è la coppa da sake giapponese per il sorso deciso: leggermente più grande e più profonda del piccolo ochoko, per lo più in ceramica e raramente in vetro. Il nome allude al fatto che il sake si beve in pochi sorsi; di conseguenza una coppa di questo tipo contiene solo alcuni sorsi. Il sake viene versato dal tokkuri, in Giappone tradizionalmente non a se stessi, ma alla persona di fronte. Un guinomi non è un chawan in miniatura, ma è costruito per bere anziché per la preparazione: gli manca la superficie di base per il frustino da tè. Poiché su uno spazio ridotto si rivela la mano di un vasaio, i guinomi sono apprezzati dai collezionisti.

Anche: coppa da sake, coppa da sake giapponese, guinomi, gui-nomi

Gyōsho 行書

Il gyōsho (行書) è la scrittura semicorsiva della calligrafia giapponese, nella quale i singoli tratti di un carattere vengono collegati tra loro senza che la forma di base vada perduta. Nasce dal movimento fluido e continuo del pennello e risulta più scorrevole e personale della scrittura regolare kaisho, pur restando decisamente più leggibile della scrittura erbacea fortemente abbreviata sōsho. Il gyōsho occupa così una posizione intermedia tra i cinque stili classici e storicamente era la scrittura d'uso comune per lettere e appunti. Nella formazione segue di norma solo dopo la sicura padronanza del kaisho.

Anche: Gyosho, Gyōsho-tai, semicorsivo, stile semicorsivo

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H

Hagi no Nanabake 萩の七化け

Hagi no Nanabake (萩の七化け), «le sette trasformazioni di Hagi», indica il lento cambiamento di colore che un pezzo di ceramica di Hagi subisce con l'uso. Poiché lo smalto e il corpo ceramico sono porosi e presentano una fine rete di crettature (Kannyū), il tè o il sake penetrano nell'argilla nel corso degli anni e colorano gradualmente la superficie, inizialmente chiara e dai riflessi rosati, di tonalità che vanno dall'ambra al bruno. Il numero sette non va inteso alla lettera, ma sta a indicare che un pezzo di questo tipo assume, nel corso degli anni, più volte un aspetto diverso. Gli intenditori non vi vedono un segno di usura, bensì la vera e propria maturazione – per questo la ceramica di Hagi si pulisce con acqua limpida, poiché anche il detersivo penetra nell'argilla.

Anche: Nanabake, sette trasformazioni, sette metamorfosi di Hagi, Hagi no Nanabake

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Hagi-yaki 萩焼

La ceramica di Hagi (Hagi-yaki) è una ceramica giapponese in grès proveniente dalla città di Hagi, nella prefettura di Yamaguchi, fondata nel 1604 da vasai coreani sotto il signore feudale Mōri Terumoto. Caratteristico è uno smalto chiaro e traslucido con una fine rete di crettature (Kannyū), attraverso la quale il tè o il sake penetrano nel corso degli anni nell'argilla porosa, scurendola progressivamente – un processo di maturazione chiamato Hagi no Nanabake, le «sette trasformazioni». Molti chawan presentano inoltre un'intaccatura nel piede ad anello, chiamata Kirikodai. Insieme alla ceramica Raku e alla ceramica di Karatsu, la ceramica di Hagi è considerata una delle tre tradizioni più apprezzate nella cerimonia del tè; a differenza della ceramica Raku, qui la lavorazione avviene al tornio.

Anche: Hagi-yaki, ceramica di Hagi, Shira-Hagi, Hagi

Hakogaki 箱書き

Hakogaki è l'iscrizione a pennello sulla scatola di legno in cui viene conservata un'opera d'arte giapponese. Segue un ordine sorprendentemente stabile: sul coperchio o sul lato frontale compare la denominazione dell'oggetto, accanto ad essa il forno oppure lo stile, su un'altra superficie il nome dell'artista, chiuso da un sigillo o da un kakihan manoscritto. È scritta quasi sempre in sōsho, il corsivo fortemente semplificato, il che rende la decifrazione ardua anche per chi conosce il giapponese. Se l'iscrizione proviene dall'artista stesso o dal suo atelier, si parla di tomobako. Anche una scatola di terza mano, ad esempio di un maestro del tè, reca un hakogaki, ma attesta qualcosa di diverso.

Anche: hakogaki, hako-gaki, iscrizione sulla scatola, iscrizione sul coperchio, tomobako

Hanko 判子

Un hanko è il timbro sigillo vero e proprio, un piccolo stelo di pietra, legno, corno o avorio, sulla cui superficie frontale è inciso, in senso speculare, un nome. In Giappone sostituisce nella vita quotidiana la firma; nell'arte autentica dipinti, calligrafie e le iscrizioni sulle scatole di legno. La sua impronta si ottiene con lo shuniku, la pasta rossa al cinabro, risulta densa e lievemente in rilievo e presenta bordi irregolari - un sigillo semplicemente stampato appare invece piatto e uniforme. Da distinguere dall'hanko sono il rakkan, ossia firma e impronta considerate come un insieme, e il kakihan, che viene scritto e non timbrato. Molti artisti utilizzano più hanko contemporaneamente.

Anche: Inkan, hanko, timbro giapponese, sigillo giapponese, timbro con il nome, sigillo personale

Hannya Shingyō 般若心経

L'Hannya Shingyō (般若心経) è la denominazione giapponese del Sutra del Cuore, un testo centrale del buddhismo Mahayana e in particolare dello zen, che riassume l'insegnamento della vacuità (Shunyata) in 262 ideogrammi. Fu composto probabilmente tra il I e il III secolo nel nord dell'India ed è strutturato come un dialogo tra il bodhisattva Avalokiteśvara e il monaco Śāriputra; «Hannya» rende in questo contesto la parola sanscrita Prajñā, saggezza. Per la sua brevità e profondità concettuale, il Sutra del Cuore è il testo più copiato della calligrafia giapponese e, sotto forma di kakemono, adorna spesso gli spazi domestici dedicati alla meditazione.

Anche: Sutra del Cuore, Sutra della Grande Saggezza, Hannya Shingyo, Hannya Shingyō, Prajnaparamita Sutra, Sutra della Perfezione della Saggezza

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Hasami-yaki 波佐見焼

La ceramica di Hasami è porcellana giapponese della città di Hasami, nella prefettura di Nagasaki, le cui fornaci, secondo la tradizione, risalgono al 1599 e a vasai coreani al servizio del feudo di Ōmura; i reperti degli scavi archeologici suggeriscono tuttavia un periodo di attività un po' più tardo. A differenza delle tradizioni vicine di impronta cortigiana, Hasami fu fin dall'inizio orientata verso il vasellame d'uso quotidiano prodotto in grandi quantità: le rustiche ciotole kurawanka destinate alla gente comune e le bottiglie compra, con cui salsa di soia e sake venivano esportati attraverso Nagasaki. Nel tardo periodo Edo, Hasami era il più grande produttore di porcellana blu e bianca del Giappone. Poiché la merce fu a lungo commercializzata tramite Arita, essa compare con il proprio nome soltanto a partire dagli anni 2000.

Anche: Hasami-yaki, porcellana di Hasami, ceramica di Hasami, Hasami

Hashira 柱

Con il termine hashira (柱, "colonna") si indicano le due strisce verticali di broccato che, nel montaggio di un rotolo verticale giapponese, corrono a sinistra e a destra dell'honshi. Appartengono al chūmawashi, l'incorniciatura interna, e delimitano l'opera lateralmente, mentre gli ichimonji la incorniciano orizzontalmente in alto e in basso. Per gli hashira si sceglie di solito un tessuto più sobrio rispetto a quello degli ichimonji, affinché l'incorniciatura non sovrasti l'opera; la loro larghezza contribuisce a definire l'effetto complessivo del montaggio. Quanto siano larghi e di quale tessuto siano fatti dipende dalla forma di montaggio scelta.

Anche: hashira, striscia hashira, bordo laterale, chumawashi-hashira, chūmawashi-hashira

Hassō 八双

L'hassō (八双) è la sottile stecca di legno posta all'estremità superiore di un rotolo verticale giapponese, dalla sezione lavorata a forma di mezzaluna; per essa è in uso anche la denominazione hyōmoku. Ad essa sono fissati, tramite due anelli metallici (kan), i cordoncini di sospensione kakehimo, e attorno ad essa si avvolge per ultima la superficie dipinta durante l'arrotolamento. A differenza della bacchetta cilindrica inferiore jiku, che con il proprio peso distende il kakemono, l'hassō è deliberatamente leggero: chiude il rotolo nella parte superiore e lo sostiene senza appesantirlo. Insieme, hassō e jiku costituiscono le due traverse tra le quali è tesa l'intera montatura.

Anche: Hassō, Hachisō, Hyōmoku, listello superiore

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Hidasuki 緋襷

Hidasuki, letteralmente «cordoni di fuoco», sono le linee arancio-rosse sulla ceramica di Bizen non smaltata, che si formano quando un recipiente viene avvolto in paglia di riso prima della cottura. Nei punti in cui la paglia era a contatto con l'argilla, i componenti della sua cenere reagiscono con il ferro presente nel biscotto e lasciano tracce nettamente disegnate su fondo chiaro. In origine l'avvolgimento era un accorgimento pratico, per evitare che i recipienti impilati nel forno si saldassero tra loro; solo in seguito il disegno venne ricercato deliberatamente. A differenza di goma o shizen-yū, hidasuki non si basa sulla ricaduta di cenere volatile, bensì sul contatto diretto: la linea segue esattamente l'andamento della paglia.

Anche: Hidasuki, Hi-dasuki, decorazione hidasuki, ceramica Bizen hidasuki, tracce di paglia di riso, motivo a corde di fuoco

Hira-jawan 平茶碗

Una hira-jawan (平茶碗) è la ciotola da tè giapponese piatta e molto aperta, adatta alla piena estate. La sua ampia superficie fa raffreddare il matcha più rapidamente, e lo sguardo si posa su una vasta area verde in cui si riflette la luce - un'immagine che trasmette freschezza ancora prima di bere il primo sorso. È la controparte estiva della tsutsu-jawan, alta e cilindrica, che in inverno mantiene il calore. Tra questi due estremi si colloca la comune ciotola rotonda, che funziona tutto l'anno. Il cambio stagionale della ciotola è uno dei tratti più evidenti della cultura giapponese del tè.

Anche: Hirajawan, Hira-chawan, ciotola da tè piatta, ciotola da tè estiva

Hirado-yaki 平戸焼

Hirado-yaki è la denominazione più antica per la porcellana delle fornaci di Mikawachi, nell'odierna Sasebo, prefettura di Nagasaki, chiamata così dal feudo di Hirado, il cui casato principesco Matsura mantenne la manifattura a partire dal XVII secolo. Si intende la stessa ceramica nota come Mikawachi-yaki: un impasto molto bianco e a grana fine ottenuto da pietra di porcellana dell'isola di Hariojima e da Amakusa, una sobria decorazione sottosmalto in blu cobalto e un elaborato lavoro a traforo e a rilievo. Con questo nome la ceramica divenne nota anche fuori dal Giappone nel XIX secolo. Rispetto alla vicina Arita, essa si distingue per l'origine cortigiana e per la rinuncia a decori pittorici fitti e a campitura piena.

Anche: Hirado-yaki, porcellana di Hirado, ceramica di Hirado, Hirado

Hishaku 柄杓

Un hishaku (柄杓) è il mestolo di bambù della cerimonia del tè giapponese, con cui si attinge l'acqua calda dalla pentola di ferro Kama versandola nella ciotola da tè e si rabbocca l'acqua fredda presa dal contenitore per l'acqua fresca Mizusashi. È composto da un pezzo di bambù scavato che funge da coppa e da un manico sottile, al cui centro si trova un nodo di bambù. Esistono versioni proprie per le due metà dell'anno: per il braciere portatile Furo dei mesi caldi il manico è più lungo e il taglio all'estremità è rivolto verso il basso, mentre per il focolare incassato Ro dei mesi freddi è più corto e la coppa è più grande. Anche la posa del mestolo segue forme precise.

Anche: mestolo di bambù, hishaku, hi-shaku, mestolo per l'acqua, mestolo per il tè

Hiyose ひよせ

Hiyose è l'argilla ricca di ferro con cui viene realizzata la ceramica di Bizen non smaltata. Viene estratta nella zona di Imbe, il centro storico della tradizione, soprattutto dagli strati più profondi sotto le risaie – argilla di montagna che l'acqua corrente ha trasportato fin lì e depositato. È a grana fine e straordinariamente plastica, ma al tempo stesso poco refrattaria, il che condiziona la cottura lenta e di più giorni dei forni di Bizen. Prima della lavorazione riposa all'aperto per mesi o anni, viene decantata e mescolata. Il suo impiego a Bizen viene generalmente fatto risalire alla fine del periodo Muromachi. Solo il suo elevato contenuto di ferro fa nascere, nella cottura priva di smalto, quei colori ed effetti per cui Bizen è nota.

Anche: argilla Hiyose, argilla di Bizen, argilla di campo, terra Hiyose

Honshi 本紙

L'honshi (本紙) è l'opera d'arte vera e propria all'interno di un rotolo verticale giapponese: la pittura o la calligrafia eseguita su carta o seta, che si trova al centro del montaggio. Tutto ciò che la circonda non ne fa parte: le fasce di broccato della bordura, la stecca superiore stretta, il bastone tondo inferiore. Durante il montaggio, l'honshi viene foderato dall'hyōgu-shi con più strati sottilissimi di washi, tradizionalmente con colla d'amido di grano. Chi valuta lo stato di conservazione di un kakemono considera i due elementi separatamente: una bordura che si sta staccando è un problema del montaggio, uno strappo che attraversa l'honshi riguarda l'opera stessa.

Anche: Hon-shi, honshi, campo pittorico, supporto pittorico, parte centrale del rotolo verticale

Hoshino-yaki 星野焼

La ceramica di Hoshino è una tradizione ceramica giapponese originaria del villaggio di Hoshino, oggi parte della città di Yame nella prefettura di Fukuoka, che nel periodo Edo veniva gestita come fornace feudale della casata Arima di Kurume. Poiché la zona è una regione di coltivazione del tè, vi si producevano soprattutto contenitori per la conservazione del tè e utensili da tè. L'argilla locale è ricca di ferro e considerata difficile da lavorare; celebre è la rara ceramica Yūhi, la cui parete si illumina di dorato non appena vi si versa tè o sake. Nel 1894 si spense l'ultima fornace. Solo nel 1969 Yamamoto Genta riprese la tradizione dopo circa ottant'anni; da allora si sono aggiunte altre botteghe nel villaggio.

Anche: Hoshino-yaki, ceramica di Hoshino, Hoshino

Hotei 布袋

Hotei è il tondeggiante e sempre sorridente dio della fortuna giapponese, che rappresenta la soddisfazione e l'abbondanza e in Occidente viene spesso chiamato «Buddha ridente». Il suo attributo è un grande sacco di stoffa in cui, secondo la leggenda, porta doni per i bambini; viene raffigurato con il ventre scoperto, un'ampia risata e spesso un ventaglio. Le sue radici affondano nel buddhismo cinese, dove viene fatto risalire alla figura di un monaco errante. Hotei appartiene ai Sette Dei della Fortuna, gli Shichifukujin, ed è, insieme a Jurōjin, colui che nella pittura compare più spesso da solo, senza il resto del gruppo.

Anche: Hotei, Budai, Hotei-son, Buddha ridente, dio della fortuna Hotei

Hyōgu-shi 表具師

Un hyōgu-shi (表具師) è un montatore giapponese – l'artigiano che monta dipinti e calligrafie trasformandoli in rotoli verticali, paraventi o fusuma. Il suo lavoro si chiama hyōgu: incolla l'honshi con più strati sottilissimi di washi e colla di amido di frumento, sceglie le fasce di broccato della cornice in armonia con il motivo e applica listello, bastone cilindrico, terminali e cordoncino. Ne fa parte anche il rimontaggio, in cui l'opera viene completamente staccata dai suoi vecchi strati di supporto, pulita e ricostruita da capo. In Giappone si è soliti pianificare un intervento di questo tipo a intervalli di circa cento-centocinquanta anni.

Anche: Hyogu-shi, Hyōgushi, Hyogushi, montatore di kakemono, montatore di rotoli verticali

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I

Ichimonji 一文字

Con il termine ichimonji (一文字) si indicano le sottili strisce orizzontali di broccato pregiato che, nel montaggio di un rotolo verticale giapponese, si trovano immediatamente sopra e sotto lo honshi. Il nome deriva dal carattere 一, che significa «uno» – un singolo tratto orizzontale, a cui le strisce corrispondono nella forma. Tradizionalmente per questo elemento si utilizza il tessuto più pregiato dell'intero montaggio, spesso intessuto con fili d'oro; la striscia superiore risulta di norma più larga di quella inferiore. Gli ichimonji incorniciano l'opera e fanno da mediazione tra essa e le più sobrie fasce di broccato circostanti – un dettaglio dal quale si riconosce bene la cura di un montaggio.

Anche: Ichi-monji, Ichimonji-jō, Ichimonji-ge, ichimonji, striscia di broccato

Iga-yaki 伊賀焼

L'Iga-yaki è una ceramica giapponese in grès proveniente dalla città di Iga, nella prefettura di Mie, che si basa sugli stessi giacimenti di argilla resistenti al calore dell'antico lago Biwa su cui poggia anche la vicina Shigaraki. Divenne una tradizione autonoma nel periodo Momoyama e nel primo periodo Edo, quando i signori feudali Tsutsui Sadatsugu e, in seguito, Tōdō Takatora vi fecero produrre appositamente utensili da tè: contenitori per l'acqua e vasi da fiori dalla forma volutamente scabra, spesso deformata. Caratteristici sono il flusso vetroso verde della cenere volatile fusa (bidoro), le tracce nere di cottura e le anse applicate a forma di orecchio. È proprio questo il tratto che distingue nella tradizione le due fornaci: «Iga ha le orecchie, Shigaraki no». Dalla metà del periodo Edo la produzione è dominata dalle pentole refrattarie da cucina.

Anche: Iga-yaki, ceramica di Iga, Ko-Iga, Iga

Ikebana 生け花

L'ikebana è l'arte giapponese della composizione floreale, che unisce rami, fiori e contenitore in una composizione consapevolmente strutturata, per lo più asimmetrica. A differenza del mazzo di fiori occidentale, non conta l'abbondanza, ma la linea: gli steli, gli spazi vuoti e la direzione verso cui un ramo punta fanno parte della composizione. La scelta del contenitore segue lo stile: ciotole basse e larghe (suiban) per lo stile moribana con il kenzan, vasi alti per le composizioni erette. Da distinguere dall'ikebana è il chabana, il fiore del tè: si accontenta spesso di un solo ramo e segue il principio guida di disporre il fiore così come si trova nel campo.

Anche: Kadō, Kado, ikebana, arte floreale giapponese, composizione floreale giapponese

Imari-yaki 伊万里焼

Imari-yaki indica la porcellana giapponese proveniente dalla regione di Arita, nella prefettura di Saga, che veniva imbarcata attraverso il vicino porto di Imari – il nome designa quindi la via commerciale, non il luogo di produzione. A partire dal 1659 questa merce raggiunse l'Europa in grande quantità tramite la Compagnia Olandese delle Indie Orientali, dopo che l'esportazione di porcellana cinese era crollata durante il cambio di dinastia da Ming a Qing. In Europa ne nacque al contempo anche un nome di decoro: una fitta decorazione in blu sottosmalto con rosso e oro soprasmalto, chiamata in Giappone Kinrande. La merce storica destinata all'esportazione si chiama Ko-Imari. In Giappone oggi viene considerata Imari-yaki soprattutto la porcellana proveniente dal territorio comunale di Imari, mentre la merce proveniente da Arita è detta Arita-yaki.

Anche: Imariyaki, Ko Imari, ceramica Imari, decoro Imari

Ishigaki-yaki 石垣焼

L'ishigaki-yaki è una ceramica giapponese di recente origine dell'isola di Ishigaki, nella prefettura di Okinawa, il cui forno fu aperto nel 1999 da Kaneko Haruhiko. La sua caratteristica è un procedimento sviluppato appositamente, in cui vetro trasparente viene fuso con uno smalto yuteki tenmoku: sopra il fondo nero dello smalto, punteggiato di gocce argentate, si trova uno strato di vetro che riproduce l'azzurro traslucido delle barriere coralline circostanti, e per questo viene chiamato blu ishigaki. A differenza delle antiche tradizioni della terraferma, l'ishigaki-yaki non si richiama a un forno storico, bensì a una tecnica moderna; alcuni pezzi si trovano tra l'altro al British Museum.

Anche: Ishigaki-yaki, ceramica di Ishigaki, Ishigaki

Iwami-yaki 石見焼

L'Iwami-yaki è una ceramica giapponese di gres proveniente dalla zona intorno a Gōtsu e Hamada, nella parte occidentale della prefettura di Shimane, l'antica provincia di Iwami, i cui inizi risalgono alla metà del XVIII secolo. Si tratta di merceologia d'uso quotidiano per eccellenza: divennero celebri gli handō, grandi orci per l'acqua, prodotti in grande quantità durante l'epoca Meiji e distribuiti in tutto il paese attraverso il traffico navale Kitamae. L'argilla locale sopporta alte temperature di cottura e produce un cotto denso, resistente agli acidi e al sale. Come smalto si utilizza per lo più il Kimachi, di un profondo bruno-rossastro, oppure una colatura bluastra e traslucida a base di pietra di Yunotsu. I pezzi di grandi dimensioni vengono realizzati con la tecnica a colombino.

Anche: ceramica di Iwami, Iwami yaki, Gōtsu-yaki, Iwami

Izushi-yaki 出石焼

L'Izushi-yaki è una porcellana giapponese proveniente dal quartiere di Izushi, nella città di Toyooka, prefettura di Hyōgo. Alla base vi è la pietra porcellanica scoperta nel 1789 a Kakitani, straordinariamente povera di ferro; nel 1793, con l'aiuto di un esperto di Hizen, si riuscì a ottenere la prima cottura di porcellana, in seguito alla quale il più antico forno da vasaio del luogo fu convertito alla produzione di porcellana. Il risultato è uno scherzo quasi puramente bianco, che nella maggior parte dei casi rimane non dipinto; la decorazione è affidata alla lavorazione stessa, ossia all'intaglio a rilievo e all'intaglio traforato. Proprio in questo sta la differenza rispetto ad Arita, dove è la pittura in blu e a colori a determinarne l'effetto.

Anche: Izushi, Izushi yaki, Izushi-yaki, porcellana Izushi, Izushi-Hakuji, Izushi hakuji

J

Jiki 磁器

Jiki è il termine giapponese per la porcellana: un impasto ceramico realizzato con pietra porcellanica o caolino, sinterizzato in modo compatto a circa 1.250-1.400 gradi, bianco e impermeabile all'acqua, che nelle parti sottili risulta traslucido e al tocco produce un suono chiaro e squillante. In Giappone il jiki viene prodotto solo a partire dai primi del XVII secolo, dapprima ad Arita; Imari, Kutani, Hirado e Nabeshima appartengono a questo gruppo. Dal tōki, il grès poroso e colorato, si distingue per materia prima, temperatura di cottura e densità - e nell'uso per il fatto di non assorbire liquidi. Insieme, i due formano l'ambito dello yakimono.

Anche: Porcellana, porcellana Jiki, porcellana giapponese, porcellana dura

Jiku 軸

Il jiku (軸) è la barra cilindrica all'estremità inferiore di un rotolo verticale giapponese, attorno alla quale viene arrotolata la superficie dipinta; il suo nome più completo è jikugi (軸木). Il suo peso distende il kakemono, in modo che rimanga disteso e fermo alla parete. Il carattere 軸 significa asse o fuso, e per questo compare anche nella parola kakejiku, l'«asse sospesa». Da distinguere dal jiku sono i jikusaki (軸先), le sue terminazioni visibili in osso, legno, ceramica o plastica: la barra è l'elemento portante, i jikusaki sono le chiusure decorative alle sue due estremità.

Anche: jiku, jikugi, bastone inferiore del kakemono, bastoncino di rotolamento

Jikusaki 軸先

Gli jikusaki (軸先) sono i terminali visibili del bastone cilindrico inferiore di un rotolo verticale giapponese: i due pomelli che sporgono a sinistra e a destra dalla superficie dipinta. Sono realizzati in osso, legno tornito, ceramica, lacca o materiale sintetico, e il loro materiale costituisce un indizio utile sulla cura di un montaggio: osso, legno e ceramica indicano un lavoro accurato, mentre la plastica lucida suggerisce piuttosto una lavorazione semplice o più tarda. Vanno distinti dal jiku stesso, il bastone cilindrico alle cui estremità sono collocati. Sugli jikusaki vengono fatti passare anche i cordoncini dei fuchin.

Anche: Jiku-saki, terminali dell'asta, terminali dell'asta cilindrica, terminali del rotolo verticale

Jurōjin 寿老人

Jurōjin è il dio giapponese della longevità, raffigurato come un anziano sapiente dall'alta fronte, lunga barba bianca e un bastone. Nella pittura è quasi sempre accompagnato da un cervo o da una gru – entrambi animali che in Giappone simboleggiano la longevità. Appartiene ai Sette Dei della Fortuna, gli Shichifukujin, e proviene dalla tradizione cinese. Le immagini di Jurōjin sono un regalo diffuso in occasione di compleanni importanti. Da Fukurokuju, che rappresenta anch'egli una lunga vita e porta la stessa fronte vistosamente alta, non si distingue sempre in modo univoco nelle raffigurazioni.

Anche: Jurojin, Juroujin, Jurōjin, dio della longevità, dio della lunga vita

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K

Kachō-ga 花鳥画

Kachō-ga (花鳥画, «immagine di fiori e uccelli») è il genere giapponese della pittura di fiori e uccelli, in cui piante, uccelli e insetti compaiono per lo più in uno scorcio di natura appena accennato. Il genere deriva dalla pittura cinese e fu coltivato in Giappone da quasi tutte le scuole; Araki Kanpō (1831–1915) è considerato uno dei suoi massimi rappresentanti del periodo Meiji. Il kachō-ga unisce un'attenta osservazione della natura a un chiaro riferimento stagionale, motivo per cui questi rotoli verticali vengono tradizionalmente appesi in base alla stagione appropriata. A differenza della pittura di paesaggio sansui, che conduce lo sguardo verso la lontananza, il kachō-ga opera nello spazio ravvicinato e vive del singolo dettaglio osservato con precisione.

Anche: Kachoga, Kacho-ga, Kachōga, kachō-ga, pittura di fiori e uccelli

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Kaisho 楷書

Il kaisho (楷書) è la scrittura regolare della calligrafia giapponese: ogni tratto viene tracciato singolarmente, terminato con precisione ed eseguito nell'ordine prescritto, cosicché i caratteri restino chiari e ben leggibili. È considerata la base della formazione calligrafica, poiché in essa struttura e proporzione di un carattere si mostrano con la massima chiarezza, e funge inoltre da modello per i caratteri tipografici a stampa. All'interno dei cinque stili classici, il kaisho si colloca tra la più antica scrittura cancelleresca reisho e le forme corsive: rispetto al semicorsivo gyōsho e al fortemente abbreviato sōsho, essa resta rigorosa e composta. Le trascrizioni di sutra vengono spesso eseguite in kaisho.

Anche: Kaisho-tai, stile kaisho, scrittura standard giapponese, scrittura regolare giapponese

Kakehimo 掛緒

Il kakehimo (掛緒) è il cordoncino di sospensione di un rotolo verticale giapponese. È fissato tramite due anelli metallici alla stecca superiore, quella stretta, e viene appoggiato sul gancio a parete al momento di appendere il rotolo verticale – e questo mentre l'opera è ancora completamente arrotolata, perché solo dopo la si lascia srotolare lentamente verso il basso. Nel togliere il rotolo verticale, l'ordine si inverte: prima si riavvolge, poi lo si stacca, quindi si dispone il cordoncino ordinatamente intorno al rotolo e lo si fissa con il nastro legaccio. Abbastanza saldo da non allentarsi, ma non così stretto da lasciare il segno del nastro nella seta.

Anche: Kake-himo, cordoncino di sospensione, cordino per rotolo verticale, corda per kakemono

Kakejiku 掛軸

Un kakejiku (掛軸) è un rotolo pittorico giapponese da appendere, ossia una pittura o un'opera calligrafica realizzata su carta o seta, montata in un'intelaiatura di tessuto e arrotolata attorno a un bastone cilindrico inferiore. Letteralmente il termine significa «rotolo appeso» ovvero «asse appeso» e sottolinea così proprio la struttura mobile fatta di bastoni, fasce di broccato e cordoncino di sospensione. Nell'uso linguistico odierno, kakejiku e kakemono (掛物) indicano in larga misura la stessa cosa. Kakemono è in questo caso il termine più generale per un'opera da appendere, kakejiku quello tecnicamente più specifico per il rotolo montato; nella pratica i due termini sono per lo più usati come sinonimi.

Anche: kakemono, kake-jiku, kakejiku, rotolo verticale giapponese, rotolo appeso giapponese

Kakemono 掛物

Un kakemono (掛物) è un rotolo verticale giapponese: una pittura o una calligrafia su carta o seta, circondata da una bordura in broccato di seta, chiusa in alto da una stecca sottile e in basso da un bastone tondo più pesante, attorno al quale la stesura può essere arrotolata. A differenza di un quadro incorniciato, non resta appeso permanentemente alla parete, ma viene esposto in occasione di ricorrenze o secondo la stagione – tradizionalmente nel tokonoma – e successivamente riposto nella sua scatola di legno. Il termine significa letteralmente «cosa sospesa» ed è oggi ampiamente usato come sinonimo di kakejiku (掛軸), che sottolinea maggiormente la forma arrotolabile con i bastoni.

Anche: kakejiku, rotolo verticale, kakemono, rotolo appeso, pittura su rotolo giapponese

Kakiemon 柿右衛門

Il Kakiemon è uno stile decorativo della porcellana giapponese di Arita, nella prefettura di Saga, che prende il nome dalla famiglia di vasai Sakaida Kakiemon, che lo sviluppò nella seconda metà del XVII secolo. Alla base vi è lo scherbo chiamato nigoshide, un caldo bianco latte che ricorda l'acqua di lavaggio del riso. Su di esso si trova una pittura in sopracoperta nei toni caldi del rosso e dell'arancione, giallo, verde e blu, disposta in modo asimmetrico e che lascia deliberatamente ampie superfici libere; il blu sottocoperta manca di norma, e il bordo porta spesso una striscia bruno-ferro. A differenza del decoro Imari, dipinto in modo fitto, il Kakiemon vive del bianco lasciato libero. Nel 1971 la tecnica nigoshide è stata riconosciuta come importante bene culturale immateriale del Giappone.

Anche: Kakiemon-yaki, stile Kakiemon, porcellana Kakiemon, Nigoshide, ceramica Kakiemon

Kakihan 花押

Un kakihan è un monogramma manoscritto, sviluppato a partire dal nome di chi lo utilizza e tracciato con il pennello in un unico tratto. Lo si trova soprattutto nell'hakogaki, l'iscrizione su una scatola di legno, di solito sotto o accanto al nome dell'artista, dove occupa il posto di un sigillo. A differenza di un hanko, non richiede alcuno strumento: è disegnato, non stampato, e per questo risulta ogni volta leggermente diverso. Storicamente questa forma risale a documenti medievali, nei quali sostituiva la firma. Ai fini dell'attribuzione di un'opera, un kakihan è uno degli indizi possibili, non una prova di autenticità.

Anche: Kaō, monogramma pennellato, kakihan, firma pennellata, sigillo manoscritto

Kama 釜

Un kama (釜) è il bollitore in ghisa della cerimonia del tè giapponese, nel quale l'acqua per il matcha viene riscaldata e mantenuta calda per tutta la durata dell'incontro; più precisamente è chiamato chagama, bollitore da tè. A seconda della stagione, poggia sul braciere portatile furo o sopra il focolare incassato nel pavimento ro; ai lati presenta due anelli per maniglie removibili. Come centri della fusione di bollitori sono considerati, sin dal XV secolo, Ashiya nell'attuale prefettura di Fukuoka, Tenmyō nell'attuale Sano, nonché Kyōto. Da non confondere è 釜 con l'omofono 窯, il forno di cottura, come si trova in anagama o noborigama.

Anche: Chagama, kama, bollitore per tè, bollitore per l'acqua, bollitore per la cerimonia del tè

Kana 仮名

I kana (仮名) sono i sillabari giapponesi, i cui caratteri, a differenza dei kanji, non portano un significato proprio ma rendono ciascuno una sillaba. Esistono due serie di 46 caratteri base ciascuna: l'hiragana, dalle forme arrotondate, e il katakana, dalle forme spigolose, entrambi nati dalla semplificazione dei kanji. Nella calligrafia, kana indica per lo più l'hiragana, che viene scritto con tratti morbidi e legati, dall'effetto quasi pittorico, e che storicamente veniva coltivato soprattutto alla corte imperiale e nella poesia cortigiana. Haiku e tanka vengono ancora oggi tradizionalmente calligrafati nello stile kana, spesso abbinati a una pittura a inchiostro essenziale e allusiva.

Anche: Hiragana, Katakana, kana, sillabario giapponese, scrittura sillabica

Kanji 漢字

I kanji (漢字, «caratteri Han») sono i caratteri della scrittura giapponese ripresi dalla Cina, ciascuno dei quali rappresenta un significato e possiede solitamente più letture – una di ispirazione cinese e una giapponese. Giunsero in Giappone con i sutra buddhisti e costituiscono ancora oggi il fondamento della calligrafia: un singolo kanji come «amore», «felicità» o «quiete» porta come rotolo verticale un'opera intera. Per l'uso quotidiano un elenco ufficiale fissa 2136 caratteri. A differenza dei kana, che rendono soltanto sillabe, i kanji trasmettono significato – un motivo per cui agiscono anche senza conoscenza della lingua.

Anche: Kanji, ideogrammi giapponesi, caratteri giapponesi, caratteri cinesi, sinogrammi, Han

Kannon 観音

Kannon è il nome giapponese del bodhisattva della compassione, chiamato in sanscrito Avalokiteshvara e in cinese Guanyin. In Giappone Kannon viene raffigurato prevalentemente in forma dall'aspetto femminile: volto calmo, spesso leggermente inclinato, occhi chiusi o semichiusi, elaborato copricapo. La figura è considerata soccorritrice nel bisogno e appartiene ai motivi buddhisti più frequentemente raffigurati nell'arte giapponese, tanto nella pittura quanto nella ceramica, ad esempio come figura non smaltata in ceramica di Bizen. Accanto alla forma base essenziale sono tramandate numerose forme di manifestazione, tra cui la Senju-Kannon dalle mille braccia e la Byakue-Kannon in veste bianca.

Anche: Kannon Bosatsu, Kanzeon, Guanyin, Avalokiteshvara, Kwannon

Kannyū 貫入

Si chiama kannyū la fine rete di crepe che si forma nello smalto di un vaso durante il raffreddamento, perché smalto e ceramica si ritirano in misura diversa. In Europa il fenomeno è noto come craquelé e non costituisce un difetto: le crepe interessano soltanto lo strato di smalto. Molte tradizioni la ricercano espressamente: nella ceramica di Hagi la rete di crepe è considerata un tratto distintivo, così come nei smalti celadon. Se la ceramica è porosa, con gli anni il tè penetra nelle crepe e le colora, cosicché il motivo si accentua con l'uso. Da distinguere dal kannyū è una vera e propria incrinatura, che attraversa smalto e ceramica.

Anche: Kannyu, craquelé, craquelure, rete di crettature, cavillature, crettatura dello smalto

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Kanō-Schule 狩野派

La scuola Kanō (狩野派) fu la più influente scuola pittorica giapponese della prima età moderna, guidata per generazioni da un'unica famiglia di artisti e scuola pittorica ufficiale dello shogunato. Il suo stile univa le tecniche pittoriche cinesi a inchiostro a colori intensi e sfondo dorato, e caratterizzò soprattutto la pittura di grande formato su pareti, porte scorrevoli (fusuma) e paraventi. Fondatore è tradizionalmente considerato Kanō Masanobu (1434–1530); dal periodo Muromachi fino al periodo Edo (1603–1868) la famiglia determinò il gusto ufficiale, e ancora pittori del periodo Meiji come Hashimoto Gahō provenivano dalla sua formazione. A differenza della corrente Rinpa, la scuola Kanō era una tradizione familiare e di bottega chiusa, con una rigida successione didattica.

Anche: Scuola Kanō, Kanō-ha, Kano-ha, scuola di pittura Kanō, scuola Kano

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Kanzake 燗酒

Kanzake (燗酒) è sake giapponese servito riscaldato. Non viene riscaldato direttamente sulla fiamma, bensì immergendo la bottiglia Tokkuri piena in un bagno d'acqua calda; solitamente tra i 40 e i 50 gradi. Per le singole gradazioni la cultura giapponese del bere conosce denominazioni proprie: Hinatakan indica circa 30 gradi, Hitohadakan la temperatura corporea, Nurukan circa 40, Jōkan circa 45, Atsukan circa 50 gradi, e tutto ciò che supera questa temperatura si chiama Tobikirikan. Le varietà corpose, con un carattere di riso marcato, guadagnano in umami se riscaldate, mentre le varietà premium fruttate e aromatiche vengono generalmente bevute fredde.

Anche: Kan-zake, sake caldo, sake tiepido, Atsukan

Karatsu-yaki 唐津焼

Il Karatsu-yaki è una ceramica giapponese di gres proveniente dalla regione di Karatsu, nella prefettura di Saga, nel nord di Kyūshū, nata alla fine del XVI secolo sotto la forte influenza della tecnica ceramica coreana. Si lavora con un'argilla grezza e ferrosa e uno smalto volutamente sobrio, cosicché lo scherbo granuloso – in particolare sul piede non smaltato – resta visibile; tipici sono i toni terrosi di marrone, grigio e bianco. Varianti note sono l'E-Garatsu, dipinto con ossido di ferro, e il Chōsen-Garatsu, in cui uno smalto scuro a base di ferro e uno smalto bianco a base di cenere di paglia si fondono l'uno nell'altro. Nella tradizionale gerarchia delle ciotole da tè, il Karatsu si colloca dopo il Raku e l'Hagi; dalla vicina Arita lo separa il materiale.

Anche: Karatsu-yaki, ceramica di Karatsu, E-Garatsu, Chōsen-Garatsu, Karatsu

Kasama-yaki 笠間焼

Il Kasama-yaki è una ceramica giapponese di gres proveniente dalla città di Kasama, nella prefettura di Ibaraki, considerata il più antico centro ceramico della regione del Kantō. Nacque nell'era An'ei (1772–1781), quando il capovillaggio Kuno Han'emon fece costruire una fornace con la guida di un vasaio proveniente da Shigaraki. Viene lavorata un'argilla ferruginosa e molto plastica, derivata da granito alterato, che senza smalto assume in cottura una colorazione dal rossobruno allo scuro. Fino al dopoguerra si producevano soprattutto recipienti da conservazione destinati alla grande area di Edo; in seguito il luogo si aprì alla ceramica libera d'autore, per cui il Kasama-yaki non conosce un canone stilistico vincolante. La vicina Mashiko fu fondata nel 1853 da un vasaio formatosi a Kasama.

Anche: Kasama-yaki, ceramica di Kasama, Kasama ware, Kasama

Kensui 建水

Il kensui (建水) è il recipiente per l'acqua di scarto della cerimonia del tè giapponese, in cui l'ospite versa l'acqua con cui ha prescaldato la ciotola da tè e sciacquato il frustino da tè. Viene realizzato per lo più in ceramica, oltre che in rame o ottone, con l'imboccatura ampiamente svasata, in modo che il chawan possa essere svuotato con precisione al di sopra di esso. È considerato l'utensile di rango più basso della riunione e per questo si trova vicino alla sinistra dell'ospite, fuori dal campo visivo degli ospiti - a differenza del recipiente per l'acqua fresca mizusashi, che viene collocato in modo visibile e viene anch'esso osservato. Una denominazione più antica è mizukoboshi.

Anche: kensui, mizukoboshi, koboshi, contenitore per l'acqua sporca, recipiente per l'acqua di scarico

Kenzan 剣山

Un kenzan (剣山, letteralmente «montagna di spade») è il portaspilli dell'ikebana: una piastra pesante, per lo più di piombo, da cui sporgono fitte punte metalliche corte in cui si infilano rami e steli. Si trova nel recipiente basso, il suiban, sotto la superficie dell'acqua e tiene il materiale in qualsiasi angolazione desiderata; solo così diventa possibile lo stile moribana. In generale un tale strumento si chiama hanadome, portafiori; il kenzan si diffuse verso la fine dell'epoca Meiji e all'inizio dell'epoca Taishō, e l'invenzione è attribuita a più persone, restando quindi non chiarita. Non va confuso con Ogata Kenzan, il vasaio e pittore di Kyoto.

Anche: Kenzan, portafiori, kenzan portafiori, Hanadome

Keshiki 景色

Keshiki, letteralmente «paesaggio» o «scenario», è il termine giapponese per indicare tutto ciò che è avvenuto in cottura sulla superficie di un recipiente: il colare dello smalto fuso, il deposito della cenere, le zone di cottura, la rete di screpolature, macchie e scolorimenti. Non lo si considera un elenco di difetti, bensì come un dipinto di paesaggio, con primo piano, orizzonte e atmosfera. Nella cerimonia del tè, questo arriva al punto che è il punto più espressivo del keshiki a determinare quale lato sia considerato lo shōmen, il lato anteriore – ed è proprio questo lato che l'ospitante rivolge al proprio ospite. Un recipiente possiede così un lato d'onore che nessuno ha progettato.

Anche: keshiki, paesaggio, scenario, paesaggio superficiale, paesaggio di cottura

Ki-Seto 黄瀬戸

Ki-Seto, «Seto giallo», è uno dei quattro grandi stili ceramici della regione di Mino, nell'odierna Gifu, e si distingue per uno smalto giallo delicato, applicato solitamente in strato sottile. Tradizionalmente il Ki-Seto era destinato soprattutto a raffinati servizi da tavola per la cucina kaiseki. Come Shino, Oribe e Setoguro, lo stile nacque durante il periodo Momoyama nell'ambito della cerimonia del tè, sebbene il suo nome rimandi alla vicina Seto - un'attribuzione a lungo consueta, prima che gli scavi del XX secolo dimostrassero l'esistenza delle fornaci Momoyama a Mino. Ciò che distingue il Ki-Seto dallo Shino è lo strato di smalto sottile e giallastro, rispetto allo smalto feldspatico spesso e bianco latte di quest'ultimo.

Anche: Kiseto, Ki-Seto-yaki, Ki Seto, Kizeto-yaki, ceramica Ki-Seto, Seto giallo

Kinrande 金襴手

Kinrande, il «broccato d'oro», è un decoro su porcellana in blu sottosmalto, pittura sopra smalto rossa e oro, che prende il nome dai tessuti di seta intessuti con fili d'oro a cui si ispira. Si ottiene con due cotture: prima il biscotto viene dipinto con il gosu contenente cobalto, smaltato e cotto a circa 1.300 gradi, poi il rosso ferro e l'oro vengono applicati sullo smalto finito e cotti a una temperatura più bassa. Lo stile è documentato ad Arita verso la fine del XVII secolo, sul modello delle più antiche porcellane cinesi a broccato d'oro dell'epoca Ming. In Europa è noto come decoro Imari - la pittura fitta e a copertura totale della superficie nacque soprattutto per il mercato d'esportazione.

Anche: Kinran-de, decoro Kinrande, decoro in oro, decoro Imari, porcellana Kinrande

Kintsugi 金継ぎ

Kintsugi, letteralmente «unione d'oro», è la tecnica giapponese che consiste nel saldare i punti di rottura della ceramica con lacca urushi e nel cospargere poi la giuntura con polvere d'oro, d'argento o di stagno. La riparazione non viene quindi nascosta, bensì messa in risalto: la linea di frattura resta visibile come un sottile tratto e da quel momento fa parte della storia del pezzo. Eseguito secondo la tradizione, il procedimento richiede settimane, perché ogni strato di lacca deve indurirsi in un ambiente caldo e umido; i kit in commercio a base di resina sintetica rappresentano una scorciatoia e non sono senz'altro adatti a recipienti da bere. Nell'estetica wabi-sabi una tale giuntura non è considerata un difetto, bensì la testimonianza che un oggetto ha vissuto.

Anche: Kintsukuroi, riparazione con l'oro, riparazione Kintsugi, oro di giunzione, stucco d'oro

Kiri 桐

Kiri (桐) è il legno dell'albero di Paulownia, il materiale classico per le scatole di conservazione degli oggetti d'arte giapponesi. È straordinariamente leggero e allo stesso tempo stabile nella forma, conduce male il calore e attenua le variazioni dell'umidità dell'aria, motivo per cui in Giappone da sempre vi si conservano anche kimono, documenti e strumenti musicali. In Giappone un tempo era usanza piantare un albero di Paulownia alla nascita di una bambina e ricavarne, in occasione del matrimonio, un mobile per il corredo. Il termine indica il materiale, non il contenitore: la scatola realizzata con questo legno si chiama kiribako.

Anche: Paulownia, legno di paulonia, kiri, legno di kiri, albero dei principi, kiribako

Kiribako 桐箱

Una kiribako (桐箱) è una scatola di conservazione in kiri, il legno dell'albero dell'imperatrice (Paulownia), utilizzata in Giappone per ceramica, rotoli verticali, kimono e documenti. Il kiri è estremamente leggero e stabile nella forma, attenua le variazioni di umidità e contiene sostanze che tengono lontani gli insetti - da qui la sua lunga tradizione come legno da conservazione. Il termine indica in primo luogo solo il materiale: una kiribako è una cassa semplice in legno di paulownia. Se invece reca la denominazione calligrafica e il sigillo dell'artista, si parla di tomobako (共箱). Nella pratica, i due termini vengono spesso usati come sinonimi.

Anche: scatola di paulownia, scatola in legno di paulonia, kiribako, cofanetto di paulownia

Kirikodai 切高台

Il kirikodai (切高台) è la piccola tacca, generalmente a forma di cuneo, incisa nell'anello del piede di una ciotola da tè giapponese. È legata soprattutto alla ceramica di Hagi, dove moltissimi chawan la presentano. Sulla sua origine esistono diverse spiegazioni; la più diffusa è che la ceramica di Hagi, nel periodo Edo, fosse riservata al casato feudale dei Mōri, e che i vasai rendessero i pezzi vendibili liberamente praticando deliberatamente un «difetto» sul piede. Da distinguere dal kirikodai è il warikodai, l'anello del piede diviso da più incisioni. Oggi la tacca è un dettaglio formale in cui si riconosce lo stile personale del vasaio.

Anche: Kiri-kodai, Kirikōdai, piede ad anello intagliato, tacca nel piede ad anello

Kiyomizu-yaki 清水焼

Il Kiyomizu-yaki è la ceramica prodotta nelle fornaci sui pendii sottostanti il tempio di Kiyomizu-dera a Kyoto, e costituisce quindi, in senso stretto, un sottoinsieme del Kyō-yaki, la ceramica dell'intera città. In origine il nome indicava esclusivamente i manufatti provenienti dalla zona intorno al Gojōzaka, la ripida via che sale verso il tempio. Poiché le altre fornaci di Kyoto scomparvero nel corso del tempo, questo unico nome è rimasto in uso e oggi viene per lo più impiegato come sinonimo di Kyō-yaki; l'artigianato è riconosciuto ufficialmente dallo Stato dal 1977 con il doppio nome Kyō-yaki · Kiyomizu-yaki. Dagli anni '60 molte botteghe operano nel distretto di Yamashina, che ancora oggi si chiama Kiyomizu-yaki-Danchi.

Anche: Kiyomizu-yaki, ceramica di Kiyomizu, Kiyomizu ware, Kiyomizu

Ko-Imari 古伊万里

Ko-Imari, «vecchio Imari», indica la porcellana storica del periodo Edo proveniente dalla regione dello Hizen intorno ad Arita, in senso più stretto la merce da esportazione del XVII e XVIII secolo, imbarcata attraverso il porto di Imari. Il termine è una categoria da collezionisti e di datazione, non un'indicazione di provenienza o di bottega: le fornaci di norma non firmavano la loro merce da esportazione, motivo per cui grandi fondi chiusi come la collezione Shibata del Museo di ceramica del Kyūshū sono decisivi per la classificazione. Sul mercato europeo Ko-Imari viene spesso usato in modo più generico che nella letteratura specialistica giapponese, e lì indica per lo più semplicemente un pezzo nell'antico decoro da esportazione.

Anche: Ko-Imari, Koimari, Antico Imari, porcellana Ko-Imari, ceramica Ko-Imari

Ko-Kutani 古九谷

Ko-Kutani, «vecchio Kutani», indica le porcellane decorate a smalti policromi sopra la coperta della metà del XVII secolo, tradizionalmente attribuite alla prima fornace del villaggio di Kutani. Caratteristica è una pittura vigorosa, spesso a copertura totale della superficie, con paesaggi, uccelli e piante nello stile a cinque colori Gosai-de, nonché la variante Aote, che rinuncia al rosso e ricopre completamente la superficie. Dopo circa cinquant'anni questa fornace si spense per ragioni che ancora oggi non sono state chiarite in modo definitivo; solo all'inizio del XIX secolo, con il Saiko-Kutani, ebbe inizio la rinascita. La stessa attribuzione è controversa: i ritrovamenti degli scavi archeologici indicano che una parte considerevole di questi pezzi fu realizzata ad Arita.

Anche: Kokutani, Ko-Kutani, stile Ko-Kutani, porcellana Ko-Kutani, antico Kutani

Kōan 公案

Un kōan è un esercizio paradossale del buddhismo zen: una domanda, un detto o un breve episodio che il maestro pone al discepolo e che non si può risolvere con il pensiero logico. Il termine deriva dalla lingua amministrativa cinese e indicava originariamente il documento ufficiale di un'autorità, dunque un precedente vincolante. I kōan ci sono tramandati in raccolte come il Mumonkan del monaco Mumon Ekai (1183–1260), il cui primo caso è il celebre «Mu» del maestro Jōshū; per tradizione si parla di circa 1700 casi. Con i kōan lavora soprattutto la scuola Rinzai, mentre la scuola Sōtō pone al centro la meditazione seduta senza scopo, lo shikantaza.

Anche: Koan, Kōan, Zen kōan, Kōan zen, indovinello zen

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Kobori Enshū 小堀遠州

Kobori Enshū (小堀遠州, 1579–1647) fu un daimyō giapponese, architetto e maestro del tè del primo periodo Edo, allievo di Furuta Oribe. Il suo ideale del tè viene spesso descritto come kirei-sabi, una concezione più chiara ed elegante rispetto alla rigorosa essenzialità di Sen no Rikyū. Secondo la tradizione, egli influenzò la produzione nel villaggio di vasai di Tachikui; i chaire, i mizusashi e i chawan lì realizzati divennero noti come Enshū-Tamba e godevano di grande considerazione presso i maestri del tè dell'epoca. Quanto fosse effettivamente stretto questo contatto non è oggi più dimostrabile nei dettagli: l'attribuzione appartiene alla tradizione.

Anche: Enshū, Kobori Enshu, Enshu, Kobori Masakazu, Kobori Enshū

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Kobushi-yaki こぶ志焼

La ceramica Kobushi-yaki proviene da Iwamizawa, nell'Hokkaidō, dove fu fondata da Yamaoka Sanshū nel 1946; è considerata la più antica fornace ancora attiva dell'isola ed è oggi condotta dalla terza generazione. Il nome deriva dal magnolia Kobushi, che era in fiore al momento della prima cottura. La bottega prepara da sé l'argilla e gli smalti e produce soprattutto vasellame d'uso quotidiano; il tratto distintivo è lo smalto Namako dalle sfumature blu-bianche, accanto al quale si trovano smalti verdi, bruno-ferro, rosso cinabro e bianchi. A differenza delle antiche fornaci dell'Honshū, la ceramica Kobushi-yaki rappresenta un panorama ceramico sorto solo nel XX secolo.

Anche: Kobushi-yaki, ceramica Kobushi, Kobu-shi-yaki, Kobushi

Kochi-yaki 交趾焼

Kochi-yaki, più precisamente Kōchi-yaki, indica una ceramica a bassa cottura con smalti piombiferi policromi, sviluppatasi nella tarda Cina meridionale dell'epoca Ming e giunta in Giappone attraverso il commercio. Il nome rimanda a Kōchi, l'antico nome cinese per il Vietnam settentrionale, la cui rotta commerciale portò questa merce. Caratteristici sono smalti colorati intensi e finemente crettati in verde turchese, giallo, violetto e blu, separati tra loro da setti applicati, linee incise o rilievi. Nella via del tè, i piccoli bruciaprofumi Kōchi sono tra i pezzi più apprezzati. Dall'epoca Edo questo stile viene imitato in Giappone, soprattutto nel Kyō-yaki dalla famiglia Eiraku e nella ceramica di Kutani.

Anche: Kōchi-yaki, Kochi-Yaki, ceramica Kōchi, ceramica Kochi

Kōdai 高台

Il kōdai è il piede ad anello sul fondo di una ciotola giapponese, quel sottile anello su cui essa poggia. Si forma per ultimo: quando l'argilla è a consistenza di cuoio, il recipiente viene capovolto sul tornio e l'argilla in eccesso viene asportata con il coltello da tornio, il kanna. Per lo più rimane senza smalto, perché in quel punto il pezzo poggia nel forno durante la cottura: così l'argilla resta a vista e mostra il colore dell'argilla, la granulometria e le tracce degli utensili. Per i collezionisti è quindi il punto più rivelatore di tutto il recipiente, tanto più che le firme si trovano quasi sempre qui. Nella cultura del tè il piede viene osservato a parte; una ciotola tenmoku, ad esempio, si riconosce dal suo kōdai particolarmente piccolo.

Anche: Kōdai, piede ad anello, piede circolare, piede della ciotola da tè

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Kōgō 香合

Un kōgō è un piccolo contenitore giapponese con coperchio, in cui viene conservato l'incenso per la cerimonia del tè. Misura per lo più solo pochi centimetri ed è realizzato in ceramica, legno o lacca urushi, spesso con una decorazione lavorata con cura. Secondo una convenzione diffusa, i kōgō laccati sono destinati all'uso con legno di incenso profumato, quelli in ceramica all'incenso morbido e impastato. Nel corso di un incontro per il tè, il contenitore viene fatto passare tra gli ospiti per l'osservazione, motivo per cui, nonostante le sue dimensioni ridotte, è considerato un ambito collezionistico a sé stante. Da distinguere dal kōgō è il kōro, il bruciaincenso, in cui l'incenso si consuma bruciando: il kōgō si limita a conservarlo.

Anche: Kōgō, kogo, porta incenso, contenitore per incenso, scatola per incenso

Kohiki 粉引

Kohiki è una tecnica decorativa in cui un'argilla scura e ferrosa viene interamente ricoperta con un ingobbio bianco e successivamente rivestita con uno smalto trasparente. Il nome significa letteralmente «cosparso di polvere» e descrive la superficie bianca opaca e leggermente vaporosa, attraverso la quale l'argilla scura traspare ai bordi e sul piede. La tecnica risale a modelli coreani e in Giappone venne ripresa soprattutto nelle fornaci di Karatsu. Con il tempo il rivestimento poroso assorbe il tè e si macchia in modo irregolare, effetto che è considerato un pregio voluto.

Anche: tecnica kohiki, ingobbio bianco, Ko-hiki, smalto kohiki

Koicha 濃茶

Il koicha (濃茶, tè denso) è la preparazione cerimoniale del matcha: la quantità multipla di polvere rispetto a poca acqua, impastata lentamente con il chasen invece che frullata, dalla consistenza sciropposa e priva di schiuma in superficie. Tradizionalmente un'unica ciotola viene fatta passare tra i partecipanti, il che rende il koicha la parte più solenne di una riunione del tè. Per prepararlo si preferisce una ciotola leggermente più profonda, con uno smalto interno liscio e ben coprente, così che il tè denso possa raccogliersi senza restare attaccato a una superficie ruvida; la polvere proviene classicamente da un chaire in ceramica. La forma quotidiana e opposta è l'usucha, sottile e schiumato.

Anche: tè spesso, matcha spesso, koicha, koi-cha, usucha

Koishiwara-yaki 小石原焼

La ceramica Koishiwara è una ceramica giapponese d'uso quotidiano proveniente dal villaggio di Tōhō, nel distretto di Asakura, nella prefettura di Fukuoka. Il suo inizio è fatto risalire al 1662, quando il feudatario Kuroda Mitsuyuki fece venire vasai da Imari; nel corso del tempo lo scambio con la vicina fornace di Takatori ha caratterizzato questa ceramica. Caratteristici sono i motivi geometrici regolari che si formano sul tornio in movimento, tra cui tobi-kanna, hakeme e i tratti a pettine e a dito, per lo più in ingobbio bianco su argilla rossa. Nel 1954 Yanagi Sōetsu e Bernard Leach elogiarono le officine; nel 1975 Koishiwara fu dichiarata la prima ceramica giapponese ad essere riconosciuta artigianato artistico tradizionale. Onta è la fornace figlia di questa tradizione.

Anche: Koishiwarayaki, ceramica di Koishiwara, Nakano-yaki, Koishiwara, Koishiwara-yaki

Kurinuki 刳り貫き

Il kurinuki è una tecnica di modellazione in cui un recipiente viene ricavato e scavato da un blocco compatto di argilla, invece di essere tornito o costruito a colombino. Il vasaio lavora con cappio e spatola dall'interno verso l'esterno, per cui lo spessore della parete resta volutamente irregolare e le tracce degli utensili rimangono visibili. Questa tecnica si riconosce di solito da forme spigolose, leggermente irregolari, e dall'assenza di solchi concentrici di tornitura. È particolarmente diffusa nei guinomi e nelle ciotole da tè, dove si ricerca un effetto forte e scultoreo.

Anche: tecnica kurinuki, kurinuki, tecnica dello scavo, kuri-nuki

Kuro-Raku 黒楽

Il kuro-raku, il «raku nero», è il tipo fondamentale nero intenso della ciotola da tè Raku e risale al vasaio Chōjirō nel XVI secolo. Lo smalto viene tradizionalmente ricavato da roccia ricca di ferro del fiume Kamo a Kyōto; fonde a temperatura più alta rispetto allo smalto Aka-Raku, di solito intorno ai 1.000 gradi e oltre. Non appena è fuso, la ciotola viene estratta incandescente dal forno e raffreddata bruscamente all'aria - così il ferro si solidifica in un nero intenso. Rispetto al più caldo Aka-Raku, il Kuro-Raku appare austero e fa risaltare in modo particolare il verde del matcha.

Anche: Kuroraku, Kuro Raku, Kuro-Raku, ceramica Raku nera, Raku nero, Kuro-Raku chawan

Kutani Gosai 九谷五彩

Il Kutani Gosai, i «cinque colori di Kutani», è la palette classica della decorazione sopra smalto (aka-e) su porcellana Kutani della prefettura di Ishikawa: verde, giallo, porpora, blu e rosso. I colori vengono applicati come smalti fusibili densi e vetrosi sopra lo smalto già cotto e fissati in una seconda cottura, decisamente più fredda; per questo restano in rilievo e acquistano profondità nella luce. Da questa palette deriva il nome dello stile dei cinque colori per cui il Kutani è noto. Da distinguere è l'Aote, in cui il rosso viene tralasciato e la superficie viene interamente coperta con i colori restanti.

Anche: Kutani Gosai, Gosai, ceramica Kutani a cinque colori, stile a cinque colori di Kutani, Kutani gosai-de

Kutani-yaki 九谷焼

Il kutani-yaki è una porcellana giapponese della prefettura di Ishikawa, che prende il nome dal villaggio di Kutani, dove a metà del XVII secolo il vasaio Gotō Saijirō fondò la prima fornace. Il suo segno distintivo è la decorazione sopra smalto intensa, spesso a copertura totale, nello stile gosai-de con verde, giallo, porpora, blu e rosso. Dopo circa cinquant'anni la fornace originaria cessò l'attività – le ragioni non sono ancora state chiarite in modo definitivo; i pezzi di quella fase sono chiamati ko-kutani. Solo all'inizio del XIX secolo la tradizione rinacque come saiko-kutani. A differenza di Arita e Imari, che puntano su blu cobalto, rosso e oro, il kutani lavora con una palette più ampia e una forte componente di verde e porpora.

Anche: Kutaniyaki, ceramica di Kutani, Gosai-de

Kyō-yaki 京焼

Kyō-yaki, letteralmente «ciò che è stato cotto nella capitale», è il termine collettivo per tutta la ceramica e la porcellana prodotte a Kyoto. A differenza di Bizen o Hagi, il termine non designa uno stile di forno, bensì un luogo di produzione: ne fanno storicamente parte i distretti di forni di Awataguchi, Omuro, Yasaka, Mizoro e Kiyomizu. Poiché Kyoto non possiede giacimenti di argilla propri degni di nota, l'accento è da sempre posto sulla lavorazione e sulla decorazione – su pareti tornite con precisione, piedi tagliati con esattezza e colore dipinto a mano. Figure di rilievo nel XVII secolo furono Nonomura Ninsei e il suo allievo Ogata Kenzan. Il Kiyomizu-yaki è, in senso stretto, un sottoinsieme del Kyō-yaki.

Anche: Kyo-yaki, Kyoyaki, Kyō-yaki, porcellana di Kyoto, ceramica di Kyoto, Kiyomizu-yaki, Kyoto-yaki

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M

Ma 間

Ma è il termine giapponese per lo spazio intermedio strutturato: la distanza tra due cose, la pausa tra due suoni, la superficie libera che conferisce a un oggetto la sua efficacia. Il carattere indica allo stesso tempo intervalli spaziali e temporali, motivo per cui il termine viene usato in architettura, musica, teatro e pittura. Nella pittura a inchiostro, il fondo non dipinto non è un residuo, ma parte della composizione; nel tokonoma è la superficie vuota a sostenere il rotolo verticale. Ma non significa quindi semplicemente vuoto, bensì spazio consapevolmente lasciato libero: ciò che sta da solo viene osservato, ciò che sta in un insieme viene contato.

Anche: Ma, spazio Ma, spazio vuoto, ma (spazio-tempo), vuoto compositivo

Maki-e 蒔絵

Il maki-e (蒔絵, letteralmente "immagine sparsa") è la tecnica laccata giapponese in cui un motivo viene dipinto con urushi umido e successivamente cosparso di polvere d'oro o d'argento, che rimane aderente alla lacca in fase di indurimento. A seconda della procedura, la superficie viene poi rilaccata e nuovamente lucidata a specchio, in modo che il metallo sembri fluttuare nella profondità della lacca. I supporti tipici sono le scatole da tè come il natsume, gli scrittoi e le ciotole. Il maki-e si distingue dal raden per il materiale impiegato: in quest'ultimo viene incastonata madreperla in pezzi, mentre nel maki-e è la polvere di metallo sparsa a formare l'immagine. Entrambe le tecniche compaiono spesso sullo stesso oggetto.

Anche: Maki-e, lacca maki-e, laccatura Maki-e, lacca dorata, decorazione a polvere d'oro

Makuri まくり

Un makuri (まくり) è un foglio non montato di pittura o calligrafia giapponese: l'opera compiuta, ma senza cornice, senza aste e senza il cordoncino per appenderlo. In Giappone questo era a lungo lo stato abituale in cui un'opera lasciava l'atelier: il montaggio avveniva in seguito, a seconda dell'uso a cui il foglio era destinato. Un makuri costa decisamente meno di un rotolo verticale finito, richiede pochissimo spazio e può essere fatto montare in qualsiasi momento come kakemono presso un laboratorio specializzato. Va conservato disteso e all'asciutto, preferibilmente tra fogli di carta priva di acidi. A differenza dello shikishi o del tanzaku, il makuri non è un formato a sé, ma uno stato di montaggio.

Anche: foglio non montato, foglio makuri, dipinto non montato, rotolo verticale senza montaggio

Mashiko-yaki 益子焼

Il Mashiko-yaki è una ceramica giapponese di terraglia originaria della città di Mashiko, nella prefettura di Tochigi, che risale al 1853, quando fu introdotta dal vasaio Ōtsuka Keizaburō, formatosi nella vicina Kasama. L'argilla locale è sabbiosa, ricca di ciottoli e ferro, e si presta difficilmente a essere assottigliata; per questo motivo la ceramica di Mashiko risulta a pareti spesse e pesante. Caratteristici sono gli smalti intensi ottenuti da materie prime regionali: lo smalto Kaki, bruno-rossastro, il Nuka lattiginoso ottenuto dalla cenere di lolla di riso, e l'Ame, color caramello. A differenza di Kasama, stilisticamente aperta, Mashiko ha acquisito un'impronta ben definita: a partire dal 1924 il vasaio Hamada Shōji rese il luogo centro del movimento Mingei.

Anche: Mashiko-yaki, ceramica di Mashiko, Mashiko ware, Mashiko

Masu 枡

Il masu è un recipiente di legno a forma quadrata che in Giappone è servito per secoli come unità di misura ufficiale per il riso e che tradizionalmente viene realizzato in cipresso hinoki. Il formato più diffuso ha una capacità di un gō, ovvero circa 180 millilitri – la stessa quantità che funge anche da unità di misura per il sake. In occasioni festive il sake viene bevuto ancora oggi nel masu, e il legno conferisce un odore caratteristico. Rispetto al guinomi si differenzia quindi in modo sostanziale: il masu è un'unità di misura, non una ciotola da bere, e non richiede la mano del vasaio.

Anche: masu, scatola di sakè, misurino in legno, sake masu, masu box

Matcha 抹茶

Il matcha (抹茶) è tè verde giapponese finemente macinato, che non viene infuso e filtrato, ma bevuto interamente in polvere insieme all'acqua. Prima della raccolta, i cespugli di tè vengono ombreggiati per alcune settimane, il che conferisce alle foglie il loro verde intenso e un sapore delicato e ricco di umami; in seguito vengono cotti a vapore, essiccati e tradizionalmente macinati in polvere con mole di pietra. Il matcha viene preparato nella ciotola da tè con la frusta di bambù, nella forma sottile e quotidiana Usucha o nella forma densa e cerimoniale Koicha. Poiché la polvere tende facilmente a formare grumi, prima di montarla conviene passarla attraverso un setaccio fine.

Anche: tè matcha, matcha, polvere di matcha, tè verde in polvere, maccha

Mikawachi-yaki 三川内焼

Il Mikawachi-yaki è una porcellana giapponese proveniente dal quartiere di Mikawachi, nella città di Sasebo, prefettura di Nagasaki. Risale a vasai coreani che il signore feudale di Hirado stabilì nella zona dopo le campagne di Corea, intorno al 1598; dal 1637 la fornace operò come manifattura feudale della casata Matsura. Caratteristici sono una porcellana bianca particolarmente pura, una pittura sottosmalto molto fine in blu cobalto, nonché lavorazioni traforate, applicazioni a rilievo e pezzi dalle pareti sottili. Il motivo più noto è il karako-e, bambini cinesi che giocano; il numero di bambini raffigurati distingueva un tempo i doni di corte dalla merce destinata alla libera vendita. Mikawachi-yaki e Hirado-yaki designano la stessa tradizione.

Anche: Mikawachi-yaki, porcellana Mikawachi, ceramica di Mikawachi, Mikawachi

Mingei 民藝

Mingei è il termine coniato nel 1925 dal filosofo Yanagi Sōetsu insieme ai vasai Hamada Shōji e Kawai Kanjirō per indicare l'artigianato popolare giapponese, forma abbreviata di minshūteki kōgei. Alla base vi è la tesi secondo cui gli oggetti più belli non sarebbero i pezzi sontuosi di artisti celebri, bensì gli oggetti d'uso quotidiano realizzati in forma anonima da semplici artigiani; Yanagi condensò questo concetto nel termine yō no bi, la «bellezza dell'uso». Il movimento si intendeva come risposta alla rapida industrializzazione del Giappone e rivalutò in modo radicale luoghi di cottura come Mashiko, Tamba e Tobe. Nel 1936 aprì a Tokyo il Nihon Mingeikan, il Museo giapponese di arte popolare.

Anche: movimento Mingei, Mingei, arte popolare giapponese, artigianato popolare giapponese

Mino-yaki 美濃焼

Mino-yaki è il termine collettivo per la ceramica proveniente dall'antica provincia di Mino, nell'odierna Gifu meridionale, in particolare dalle città di Toki, Tajimi, Mizunami e Kani. Il termine non designa uno stile unico, ma oltre quindici sottotipi riconosciuti come artigianato artistico tradizionale. I quattro più noti – lo Shino bianco, l'Oribe verde, il Ki-Seto giallo e il Setoguro nero – nacquero durante il periodo Momoyama nell'ambito della cerimonia del tè e del maestro del tè Furuta Oribe. A differenza della vicina Seto, da cui provenivano i fondatori di questi stili, Mino è oggi, con una quota stimata tra il 50 e il 60 per cento, la regione ceramica quantitativamente più importante del Giappone.

Anche: Minoyaki, ceramica di Mino, ceramiche di Mino, Mino-yaki Gifu

Mishima 三島

Il mishima è una tecnica a incrostazione in cui i motivi vengono impressi o incisi nell'argilla ancora allo stato di cuoio, e gli incavi vengono poi riempiti con barbottina di colore diverso; dopo la raschiatura rimane un disegno a filo, generalmente bianco, nello scherzo scuro. Sono tipici i motivi fitti di fiori, punti e bande. La tecnica proviene dalla Corea e fu adottata in Giappone da diverse fornaci. Il suo nome deriverebbe, secondo la tradizione, dalla somiglianza delle file di motivi con il calendario stampato del santuario di Mishima.

Anche: Mishima, tecnica Mishima, zōgan, tecnica a incrostazione, decoro Mishima

Mizusashi 水指

Il mizusashi (水指) è il contenitore dell'acqua fresca della cerimonia del tè giapponese - un recipiente in ceramica, per lo più chiuso da un coperchio, dal quale il padrone di casa versa con il mestolo di bambù acqua fredda nel calderone e risciacqua gli utensili. Rimane visibile nella stanza per tutta la durata della preparazione e rientra quindi tra i pezzi che vengono osservati insieme agli altri; viene perciò scelto con altrettanta cura rispetto al resto degli utensili. I mizusashi nascono in molte fornaci, per esempio a Tamba, Ōhi o Shigaraki. Il contenitore dell'acqua fresca non va confuso con il kensui, il contenitore dell'acqua di scarto, nel quale viene versata l'acqua usata.

Anche: mizusashi, contenitore per l'acqua fresca, vaso per l'acqua, recipiente per l'acqua, mizusashi cerimonia del tè

Momiji 紅葉

Momiji indica il fogliame autunnale arrossato dell'acero giapponese ed è il motivo dominante dei dipinti autunnali nella pittura giapponese. Il fascino del motivo risiede nella gradazione cromatica: un singolo ramo mostra contemporaneamente foglie verdi, gialle e rosso intenso. Momiji viene combinato particolarmente spesso con l'acqua corrente – foglie rosse su una corrente scura sono un'idea pittorica che si ripete da secoli. L'osservazione del foglie autunnale ha, come momijigari, un rango simile a quello dell'osservazione dei fiori di ciliegio in primavera. A differenza della gru o del pino, Momiji non è un simbolo di buon auspicio per occasioni festive, ma un motivo stagionale, che si espone solo per poche settimane.

Anche: Ahorn, acero, acero giapponese, foglie autunnali, foglie d'autunno, momiji, momijigari, momiji giapponese

Mono no aware 物の哀れ

Mono no aware è un concetto dell'estetica giapponese che indica la commozione silenziosa suscitata dalla consapevolezza della caducità di tutte le cose. Traducibile letteralmente come il pathos delle cose, fu coniato nel XVIII secolo dallo studioso Motoori Norinaga, che lo fece derivare dalla letteratura di corte del periodo Heian, in particolare dal Genji Monogatari. L'immagine classica che lo rappresenta è quella del fiore di ciliegio che cade: bello proprio perché non dura. A differenza del wabi-sabi, che descrive un atteggiamento nei confronti della materia e della forma, mono no aware indica un sentimento di chi osserva - la malinconia di fronte al bello che svanisce.

Anche: Mono no aware, mono-no-aware, Mononoaware, il pathos delle cose, la commozione delle cose

Moribana 盛花

Moribana (盛花, «fiori ammassati») è uno stile di ikebana in cui il materiale vegetale viene disposto in un recipiente basso e ampio, il suiban, e fissato con un porta-aghi, il kenzan. Il nome ne descrive l'effetto: rami e fiori appaiono ammassati sulla superficie, la composizione si estende come un paesaggio e viene letta anche dall'alto. La forma fu sviluppata nel periodo Meiji da Ohara Unshin, che sistemò i fiori da giardino occidentali appena introdotti in ampie ciotole; è considerata l'inizio dell'ikebana moderno. Moribana si distingue dal nageire per recipiente e supporto: là il vaso alto senza kenzan, qui la ciotola bassa con esso.

Anche: Moribana, stile moribana, ceramica di Mino, ikebana in vaso basso

Mosha 模写

Mosha (模写) è la riproduzione fedele di un'immagine o di una calligrafia esistente. Per secoli è stata in Giappone il fondamento della formazione dei pittori: chi imparava a dipingere copiava per anni prima di realizzare qualcosa di proprio. Inoltre, il mosha serve ancora oggi alla conservazione: di pitture murali e rotoli verticali fragili vengono realizzate copie, in modo che l'originale possa essere preservato. Una forma particolare è il genjō-mosha (現状模写), che riproduce anche lo stato attuale, comprese le lacune e la vernice scrostata, mentre altre copie ricostruiscono lo stato originario. Nel rinmo (臨模) il modello resta accanto durante il lavoro. Il mosha si distingue dall'utsushi per l'intenzione: nell'uno si tratta di precisione, nell'altro di appropriazione.

Anche: Mosha, Mo-sha, copia fedele, riproduzione, Genjō-Mosha, Rinmo

Mujō 無常

Mujō è il termine buddhista per l'impermanenza: la consapevolezza che tutto ciò che è composto nasce, si trasforma e infine svanisce, e che nulla è duraturo. Nella formula Shogyō mujō, questo concetto rientra tra gli insegnamenti fondamentali del buddhismo; nella letteratura giapponese fu introdotto dal celebre incipit dello Heike Monogatari. Per l'arte, Mujō è il presupposto dell'estetica Wabi-Sabi: i segni d'uso, le superfici consumate dal tempo e la breve fioritura di una stagione non vi sono considerati un difetto. A differenza di Mono no aware, che indica la commozione dell'osservatore, Mujō designa il fatto in sé.

Anche: Mujō, mujo, impermanenza, Shogyō mujō, shogyo mujo, transitorietà

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Mushiboshi 虫干し

Il mushiboshi (虫干し) è l'aerazione periodica di rotoli verticali, libri e tessuti, che nei templi e nelle collezioni giapponesi fa parte da secoli del ciclo dell'anno. Nelle giornate secche e serene – tradizionalmente in autunno – i pezzi vengono tolti dalle loro cassette, appesi all'ombra e arieggiati per alcune ore. L'idea alla base è semplice: l'umidità che si è accumulata nel contenitore chiuso si disperde, e gli insetti non trovano più un ambiente indisturbato. Per una collezione privata è sufficiente appendere ogni rotolo verticale una o due volte l'anno per alcune ore, in una giornata secca, senza sole diretto e senza correnti d'aria.

Anche: Mushi-boshi, aerare i rotoli verticali, arieggiare la collezione, arieggiatura mushiboshi

Mushin 無心

Mushin, letteralmente «non-mente», indica nel buddhismo zen uno stato di azione senza un pensiero che vi si aggrappi: la mente non resta fissata su alcun pensiero né alcuna intenzione e può perciò rispondere liberamente all'attimo. A descriverlo in modo approfondito fu il monaco zen Takuan Sōhō nello scritto Fudōchi Shinmyōroku, che dedicò al maestro di spada Yagyū Munenori; da lì il concetto si propagò nelle vie marziali e artistiche. Nella calligrafia e nella pittura a inchiostro, Mushin indica il tratto di pennello che non viene né pensato né corretto - l'Enso ne è considerato la testimonianza più nota. A differenza del Satori, Mushin non è un'esperienza unica, bensì un atteggiamento nell'agire.

Anche: Mushin no shin, mushin, non-mente, stato di non attaccamento

N

Nabeshima-yaki 鍋島焼

Il Nabeshima-yaki è una porcellana giapponese che il casato dei signori Nabeshima del feudo di Saga fece produrre dal tardo XVII secolo fino all'epoca Meiji in una propria manifattura feudale – non per la vendita, ma come dono allo shogunato e ad altri casati feudali. Le fornaci si trovavano a Ōkawachiyama, una conca vallonata circondata da montagne nell'odierna Imari, il che facilitava la segretezza delle tecniche. Questa ceramica è riconoscibile dalle dimensioni standardizzate dei piatti, da un alto piede ad anello con un motivo a dente di pettine tracciato con precisione e da motivi puramente giapponesi. Accanto all'Iro-Nabeshima dipinto a colori si trovano il blu sottovetrina e il seladon. A differenza della porcellana Arita e Imari, destinata al commercio, il Nabeshima veniva prodotto senza riguardo per i costi.

Anche: Nabeshima-yaki, porcellana Nabeshima, ceramica Nabeshima, Nabeshima

Nageire 投入

Nageire (投入, «gettato dentro») è lo stile ikebana in cui i rami vengono disposti in un recipiente alto – un vaso, una brocca, un tubo di bambù – sostenendosi unicamente sul bordo del recipiente e l'uno sull'altro; non si utilizza alcun portafiori ad aghi, tutt'al più un bastoncino incastrato. Il nome allude al gesto apparentemente casuale con cui i fiori vengono posti nel recipiente: il risultato deve apparire disinvolto, non il lavoro dedicato all'inclinazione e alla tenuta. Questa forma si sviluppò tra il periodo Muromachi e il periodo Edo accanto all'elaborato Rikka ed è vicina al sobrio fiore da tè Chabana. La sua controparte è il Moribana nella ciotola piatta.

Anche: Nage-ire, Nageirebana, stile Nageire, ikebana Nageire

Natsume 棗

Un natsume (棗) è il contenitore da tè giapponese in legno laccato, in cui si conserva la polvere di matcha per il tè leggero. Il nome deriva dalla giuggiola, il frutto del giuggiolo giapponese, alla cui forma tozza con il coperchio leggermente bombato somiglia. Il colore classico è un nero sobrio, ma sono frequenti anche decori in maki-e, la tecnica a spruzzo con polvere d'oro e d'argento. Per il tè denso non si utilizza tradizionalmente un natsume, bensì un chaire, il contenitore da tè più piccolo in ceramica con coperchio in avorio. Come piccolo oggetto laccato, un natsume trova posto anche al di fuori della cerimonia del tè, ad esempio in una nicchia.

Anche: natsume, contenitore per il tè matcha, scatola per tè matcha, contenitore laccato per tè, natsume in lacca, contenitore da tè giapponese

Netsuke 根付

Un netsuke è un piccolo oggetto intagliato che nell'abbigliamento giapponese fungeva da fermo: poiché il kimono non ha tasche, borse, portatabacco o inrō venivano portati appesi a un cordoncino che passava sopra la cintura obi e veniva assicurato contro lo scivolamento tramite il netsuke posto all'estremità superiore. Misura per lo più da tre a quattro centimetri, è tradizionalmente realizzato in bosso, ebano o avorio e presenta sempre dei fori per il cordoncino, l'himotoshi. Poiché viene fatto ruotare nella mano, è lavorato su tutti i lati. A differenza dell'okimono, puramente decorativo, il netsuke è un oggetto d'uso; con l'introduzione dell'abbigliamento occidentale perse la sua funzione.

Anche: Netsuke, Ne-tsuke, scultura netsuke, figura netsuke, intaglio netsuke

Nezumi-Shino 鼠志野

Il Nezumi-Shino, «Shino del topo», è la variante grigia della ceramica Shino proveniente dalla regione di Mino. Il corpo modellato viene dapprima ricoperto uniformemente con un engobbio ricco di ferro, l'Oniita; in questo strato il vasaio incide il proprio motivo, così che l'argilla chiara torni a essere visibile. Sopra si applica la tipica smaltatura bianca a base di feldspato. Durante la cottura, l'engobbio rimasto assume una colorazione che va dal grigio topo al bruno-rossastro, mentre le linee incise restano chiare: il disegno appare dunque chiaro su fondo scuro. Esattamente al contrario avviene nell'E-Shino, dove il motivo viene dipinto direttamente con colore ferroso.

Anche: Nezumishino, Nezumi Shino, Nezumi-Shino, ceramica Shino grigia

Nihonga 日本画

Nihonga (日本画, «immagine giapponese») è il termine collettivo per la pittura giapponese classica, eseguita con pigmenti naturali, pennelli sottili e supporti tradizionali come carta, seta o legno. Il termine fu coniato solo nel periodo Meiji, per distinguere la tradizione pittorica autoctona dalla pittura a olio (yōga) importata in quello stesso periodo dall'Occidente. Il nihonga comprende quindi stili e scuole molto diversi tra loro – dalla pittura a inchiostro monocroma sumi-e alla pittura di corte yamato-e, fino alla pittura kanō e rinpa. Non si tratta dunque né di una tecnica né di uno stile, bensì di una denominazione collettiva formatasi a posteriori per indicare la pittura giapponese nel suo complesso.

Anche: Nihon-ga, pittura giapponese, pittura Nihonga, pittura giapponese classica, Nihonga

Ningen Kokuhō 人間国宝

Ningen Kokuhō, letteralmente «Tesoro nazionale vivente», è la denominazione comune per le persone riconosciute in Giappone come depositarie di un importante bene culturale immateriale. Il riconoscimento risale alla legge per la tutela dei beni culturali del 1950 e viene conferito dal 1955; il titolo ufficiale è decisamente più macchinoso di quello popolare. Non viene riconosciuta un'opera singola, bensì la padronanza di una tecnica – uno smalto, una cottura, un modo di decorare – unita al compito di trasmetterla. Tra i ceramisti si incontra spesso questo titolo tra coloro che hanno ricostruito procedimenti ritenuti perduti, come Arakawa Toyōzō per lo Shino nel 1955 o Kaneshige Tōyō per il Bizen nel 1956.

Anche: Tesoro nazionale vivente, Ningen Kokuhō, Ningen Kokuho, Bene culturale immateriale vivente, Tesoro nazionale del Giappone

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Noborigama 登り窯

Un noborigama è un forno a camere costruito su un pendio, nel quale più camere di cottura salgono a scalinata una dietro l'altra. Il calore residuo di ogni camera preriscalda quella successiva, il che riduce la durata della cottura e il consumo di legna e consente temperature nettamente più uniformi rispetto all'anagama monocamera. Questa tipologia costruttiva, di origine coreana, si diffuse in Giappone attorno al volgere del XVII secolo e rese possibile, per la prima volta, la produzione di ceramica invetriata in quantità maggiori; a Tamba, ad esempio, la sua introduzione viene datata intorno al 1611. Più uniforme, tuttavia, non significa uguale: ogni camera e ogni posizione al suo interno cuoce in modo diverso, motivo per cui i risultati variano da pezzo a pezzo.

Anche: Noborigama, forno a camere, forno a salita, forno a tunnel, forno arrampicante

O

Obori-Sōma-yaki 大堀相馬焼

L'obori-sōma-yaki è una tradizione ceramica giapponese originaria del quartiere di Ōbori, nella città di Namie, prefettura di Fukushima, la cui fondazione è datata al 1690 e che godeva della protezione del feudo di Sōma. Presenta tre elementi distintivi: un cavallo al galoppo dipinto, ripreso dallo stemma della casata Sōma, una rete di crettature blu volutamente prodotta nello smalto e una costruzione a doppia parete, per cui una tazza è composta da due ciotole inserite l'una nell'altra e rimane fresca all'esterno. In seguito all'incidente al reattore del 2011, l'intero luogo dovette essere evacuato; da allora parte delle botteghe continua a lavorare in altre località della prefettura di Fukushima.

Anche: Obori-Soma-yaki, Ōbori-Sōma-yaki, Sōma-yaki, ceramica Obori-Soma, ceramica di Soma

Ochoko お猪口

L'ochoko (お猪口) è il piccolo e classico bicchierino da sake giapponese, quello che si conosce dai servizi da sake – basso, leggermente conico e pensato per pochi sorsi. Viene riempito dal tokkuri, la bottiglia panciuta per il sake, ed è considerato cortese versare da bere all'altra persona e farsi versare da bere a propria volta. Ciò che lo distingue dal guinomi è soprattutto la dimensione: il guinomi è la ciotola un po' più grande e più profonda, che per vasai e collezionisti funge da piccola superficie artistica. Il sakazuki, piatto e ampiamente aperto, appartiene invece alle occasioni cerimoniali. Gli ochoko vengono spesso offerti in un set con il tokkuri abbinato.

Anche: Ochoko, O-choko, Choko, tazzina da sake, bicchierino da sake, coppetta da sake

Ohi-yaki 大樋焼

La ceramica Ohi-yaki è una ceramica da tè giapponese di Kanazawa, nella prefettura di Ishikawa, nata nel 1666, quando il vasaio Chōzaemon accompagnò il maestro del tè Senso Sōshitsu da Kyoto alla corte del signore di Kaga, Maeda Tsunanori. Tecnicamente è un ramo della tradizione Raku: i recipienti vengono costruiti a mano senza tornio, rifiniti con spatole e cotti singolarmente a bassa temperatura. Il suo segno distintivo è lo smalto ame color ambra, ferruginoso, che va da toni di miele chiari fino a un profondo bruno-rossiccio. È proprio in questo che risiede la differenza rispetto alla ceramica Raku-yaki di Kyoto, che lavora con il nero e il rosso coperto; a ciò si aggiunge un linguaggio formale più tozzo e massiccio.

Anche: Ōhi-yaki, ceramica di Ohi, Ohi-yaki ware, Ohi-chawan

Okimono 置物

Un okimono è un oggetto ornamentale a sé stante, privo di funzione d'uso, che in Giappone viene tradizionalmente collocato nella nicchia tokonoma, su una mensola o su un altare domestico; il nome significa letteralmente «cosa posata». Gli okimono sono realizzati in legno, avorio, ceramica, bronzo o cloisonné, e i motivi spaziano da animali e creature fantastiche a divinità, fino a scene di vita quotidiana. Nel periodo Meiji nacquero numerosi okimono, spesso lavorati con grande cura, destinati al mercato occidentale; molti furono realizzati da intagliatori che in precedenza avevano prodotto netsuke. L'okimono si distingue radicalmente dal netsuke: non presenta fori per il cordoncino e non viene indossato, ma osservato.

Anche: Okimono, Oki-mono, statuetta ornamentale, oggetto ornamentale, soprammobile

Onta-yaki 小鹿田焼

La ceramica Onta-yaki è un tipo di ceramica giapponese originaria del villaggio di Sarayama, presso Hita, nella prefettura di Ōita, nata nel 1705, quando alcuni vasai furono condotti lì dalla vicina Koishiwara. Fino ad oggi vi lavorano solo poche famiglie, che preparano l'argilla con magli azionati ad acqua, chiamati karausu, e non firmano i propri pezzi. Caratteristici sono i motivi ritmici in rivestimento bianco su scherzo rossastro: tacche incise (tobi-kanna), pennellate (hakeme) e colate di smalto versato. Yanagi Sōetsu elogiò il luogo nel 1931 come esempio esemplare di artigianato popolare, e Bernard Leach vi lavorò nel 1954. Nel 1995 la tecnica fu riconosciuta come importante bene culturale immateriale.

Anche: Onta-yaki, ceramica di Onta, Ontagawa-yaki, Onta

Oribe-yaki 織部焼

L'oribe-yaki è una ceramica giapponese in grès proveniente dalla regione di Mino, nell'odierna prefettura di Gifu, prodotta soprattutto tra il 1600 circa e gli anni 1630. Il suo tratto distintivo è uno smalto verde intenso a base di rame, che non viene applicato in modo uniforme ma versato a tratti sull'oggetto, colando in strisce; accanto a questo compaiono zone chiare con decorazioni sottosmalto geometriche in ossido di ferro e forme volutamente deformate e asimmetriche. Lo stile prende il nome dal maestro del tè Furuta Oribe (1544–1615), il cui gusto lo ha caratterizzato. L'oribe è così il più appariscente dei quattro stili di Mino e la controparte della sobrietà dello shino. Dopo il suicidio forzato di Oribe nel 1615, lo stile perse rapidamente importanza.

Anche: Oribe-yaki, ceramica Oribe, Ao-Oribe, Oribe

Otani-yaki 大谷焼

La ceramica di Otani-yaki è un gres giapponese proveniente dal quartiere di Ōasa, nella città di Naruto, nella prefettura di Tokushima, sull'isola di Shikoku, i cui inizi vengono datati al 1780. Il suo sviluppo è legato alla coltivazione dell'indaco della regione: per le vasche di tintura dei tintori venivano cotte giare alte quanto un uomo. Questi grandi recipienti nascono con l'insolita tecnica del ne-rokuro, in cui un vasaio, disteso, fa girare il tornio con i piedi, mentre un secondo vasaio modella la forma. L'argilla ricca di ferro conferisce una superficie ruvida con un riflesso metallico. Il forno a camera del luogo è considerato uno dei più grandi del Giappone.

Anche: Ōtani-yaki, ceramica Otani, Otani yaki, Otani

P

Periodo Azuchi-Momoyama 安土桃山時代

Il periodo Azuchi-Momoyama (1573–1603) è il breve periodo di transizione tra il periodo Muromachi e il periodo Edo, durante il quale Oda Nobunaga e Toyotomi Hideyoshi unificarono il Giappone; alcune ricostruzioni lo fanno terminare già con la battaglia di Sekigahara nel 1600. Per la ceramica giapponese questi tre decenni sono decisivi: nel contesto della cerimonia del tè nacquero nella regione di Mino le tradizioni di smalto Shino, Oribe, Ki-Seto e Setoguro, il vasaio Chōjirō creò insieme al maestro del tè Sen no Rikyū la ceramica Raku, e tradizioni come la ceramica di Bizen o la ceramica di Karatsu conobbero il loro apice come ceramica da tè di primo rango. I pezzi Momoyama sono considerati ancora oggi un punto di riferimento.

Anche: periodo Momoyama, Momoyama, Azuchi-Momoyama, periodo Azuchi-Momoyama

periodo Edo 江戸時代

Il periodo Edo (1603–1868), detto anche periodo Tokugawa, è la lunga epoca di pace di circa 250 anni della storia giapponese, durante la quale lo shogunato Tokugawa governò da Edo, l'odierna Tokio. Dal 1624 la politica del sakoku isolò il paese in modo pressoché totale, e Nagasaki rimase quasi l'unico porto commerciale. Proprio in questo isolamento presero forma molte tradizioni ancora oggi vive: la porcellana di Arita, la ceramica di Hagi e di Kutani, la xilografia policroma ukiyo-e, la pittura decorativa Rinpa e il radicamento sociale diffuso della cerimonia del tè. Il periodo Edo segue il periodo Azuchi-Momoyama e termina nel 1868 con la restaurazione Meiji. Come datazione, «periodo Edo» indica quindi un pezzo preindustriale, realizzato prima dell'apertura del Giappone.

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Periodo Heian 平安時代

Il periodo Heian (794–1185) è l'epoca in cui la corte imperiale governò da Heian-kyō, l'odierna Kyōto; l'imperatore Kanmu vi trasferì la capitale nel 794. Politicamente la corte era dominata dai reggenti della famiglia Fujiwara, mentre culturalmente, dopo la fine delle ambascerie in Cina, si sviluppò una cultura di corte marcatamente autoctona. In essa si sviluppò la scrittura sillabica kana e con essa la letteratura di corte – il Genji Monogatari di Murasaki Shikibu ne è l'opera più nota – nonché la tradizione pittorica a colori Yamato-e con i rotoli dipinti emakimono. L'epoca segue il periodo Nara e termina nel 1185 con la vittoria dei Minamoto sui Taira.

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Periodo Heisei 平成時代

Il periodo Heisei (1989–2019) è l'epoca del regno dell'imperatore Akihito, iniziata con l'apice della «bubble economy» e sfociata, dopo il suo collasso, nei «decenni perduti» di stagnazione economica. Fu segnata inoltre da gravi catastrofi, il terremoto di Hanshin del 1995 e il terremoto del Tōhoku con lo tsunami e Fukushima del 2011. Proprio in questa incertezza l'artigianato artistico fatto a mano guadagnò nuovo apprezzamento come contrappunto alla merce di massa di breve durata, mentre il wabi-sabi e il kintsugi divennero conosciuti a livello internazionale. Segue il periodo Shōwa e si concluse nel 2019 con l'abdicazione di Akihito; da allora vige il periodo Reiwa. I pezzi datati Heisei sono quindi opere contemporanee.

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Periodo Jōmon 縄文時代

Il periodo Jōmon è l'epoca preistorica del Giappone, generalmente datata a circa 14.000-300 a.C.; le indicazioni variano a seconda dei ritrovamenti e dello stato della ricerca. Prende il nome dai motivi impressi con cordicelle sui suoi vasi – Jōmon significa «motivo a corda» – ottenuti facendo rotolare cordicelle attorcigliate sull'argilla ancora umida. Questa ceramica, cotta a fuoco aperto a temperature relativamente basse, è considerata una delle più antiche al mondo. Al periodo Jōmon segue il periodo Yayoi, con la coltivazione del riso in risaie allagate e vasi dalle forme decisamente più sobrie; Jōmon si colloca così all'inizio della storia della ceramica giapponese.

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Periodo Kamakura 鎌倉時代

Il periodo Kamakura (1185–1333) è l'epoca del primo governo militare del Giappone: Minamoto no Yoritomo, dopo la vittoria sui Taira, istituì il proprio shogunato a Kamakura, mentre la corte imperiale rimase a Kyōto. Per l'arte è soprattutto il periodo in cui il buddhismo Zen giunse in Giappone dalla Cina – Eisai portò la linea Rinzai, Dōgen la linea Sōtō – e in cui si sviluppò una scultura marcatamente realistica intorno a Unkei e Kaikei. A questa epoca e al precedente periodo Heian risale anche la produzione dei Rokkoyō, i sei antichi forni. Il periodo si conclude nel 1333 con la caduta dei reggenti Hōjō e sfocia nel periodo Muromachi.

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Periodo Meiji 明治時代

Il periodo Meiji (1868–1912) è l'epoca in cui l'imperatore Mutsuhito, dopo la fine dello shogunato Tokugawa, riconquistò l'effettivo potere di governo e il Giappone si modernizzò nel giro di pochi decenni secondo il modello occidentale. Per l'arte fu una svolta dai due volti: il confronto con la pittura a olio occidentale (yōga) portò alla consapevole distinzione della tradizione pittorica autoctona come nihonga, mentre le esportazioni giapponesi scatenarono in Europa il japonisme, di cui centri della ceramica come Arita e Kutani beneficiarono notevolmente. Allo stesso tempo, con la fine del dominio feudale, molte fornaci locali persero i propri finanziamenti. Il periodo Meiji segue il periodo Edo e termina nel 1912 con l'inizio del periodo Taishō.

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Periodo Muromachi 室町時代

Il periodo Muromachi (1333–1573) è l'epoca in cui lo shogunato Ashikaga governò da Kyoto; prende il nome dall'omonimo quartiere cittadino di Muromachi. Per l'arte giapponese è uno dei periodi più fecondi in assoluto: in esso nascono il teatro Nō, la pittura a inchiostro sul modello cinese, lo stile abitativo shoin con il tokonoma e gli inizi della cerimonia del tè nel senso del wabi. Segue il periodo Kamakura e sfocia nel periodo Azuchi-Momoyama, in cui la ceramica da tè vive la sua prima grande fioritura.

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Periodo Shōwa 昭和時代

Il periodo Shōwa (1926–1989) è l'epoca più lunga della storia giapponese moderna, chiamata così in base al nome di regno dell'imperatore Hirohito. Si suddivide in una fase iniziale (1926–1945) segnata da militarismo, economia di guerra e produzione artigianale drasticamente limitata, e in una fase successiva (1945–1989) caratterizzata da un riordino democratico e dal miracolo economico. Nel dopoguerra nacque il movimento Mingei attorno a Yanagi Sōetsu, e il sistema statale Ningen Kokuhō dei «Tesori nazionali viventi» premiò maestri di rilievo; tecniche ritenute perdute, come lo smalto Shino, furono ricostruite. Poiché molte botteghe assunsero allora la forma che conservano tuttora, gran parte della ceramica d'uso giapponese più antica reca la datazione Shōwa.

Anche: periodo Showa, periodo Shōwa, era Showa, era Shōwa, Showa

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Periodo Taishō 大正時代

Il periodo Taishō (1912–1926) è la breve epoca compresa tra il periodo Meiji e il periodo Shōwa, che prende il nome dall'imperatore Taishō, gravemente limitato nella salute, sotto il quale il parlamento guadagnò peso politico – la cosiddetta democrazia Taishō. In questi quattordici anni di benessere economico e crescente cultura urbana nacque il romanticismo Taishō, una fusione tra il linguaggio figurativo tradizionale giapponese e lo stile Liberty e l'art déco europei. Le botteghe tradizionali continuarono a lavorare, ma si aprirono con cautela a forme e decori di influenza occidentale, mentre una più ampia classe borghese di acquirenti acquistava ceramica e pittura di alta qualità. Il grande terremoto del Kantō del 1923 distrusse numerose collezioni e botteghe.

Anche: periodo Taishō, Taishō, era Taishō, periodo Taisho, era Taisho, Taisho

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R

Raden 螺鈿

Raden (螺鈿) è la tecnica giapponese dell'intarsio in madreperla: sottili placchette levigate ricavate da conchiglie o gusci di lumaca marina vengono ritagliate, inserite nel fondo laccato o incassate in un incavo, ricoperte di lacca e infine riportate alla luce mediante nuova levigatura. Il risultato cambia colore a seconda dell'incidenza della luce, tra blu, verde e rosa, e si stacca come un bagliore freddo dal nero profondo dell'urushi. Con questa tecnica si decorano cofanetti, ciotole, scatole da tè e mobili. A differenza del maki-e, dove il motivo è formato da polvere d'oro o d'argento cosparsa, il raden lavora con pezzi di materiale solido e incastonato; le due tecniche vengono spesso combinate su uno stesso oggetto.

Anche: madreperla, intarsio di madreperla, tecnica raden, raden

Rakkan 落款

Il rakkan è l'autenticazione di un dipinto giapponese o di una calligrafia, composta da una firma autografa e da un'impronta di sigillo rossa, generalmente apposta ai margini della composizione. In senso stretto, il termine indica entrambi gli elementi insieme; nel commercio d'arte, tuttavia, viene spesso usato anche per la sola impronta di sigillo. La stampa si esegue con lo shuniku, la pasta per sigilli di colore rosso cinabro, e il sigillo reca di solito il nome dell'artista nell'arcaica scrittura sigillare tensho. Il rakkan va distinto dall'hanko, il timbro inteso come oggetto, e dal kakihan, un monogramma tracciato a pennello senza l'uso di un timbro. Per l'osservatore, il rakkan non è mai un semplice attestato, bensì un accento rosso collocato consapevolmente nella composizione dell'immagine.

Anche: sigillo del nome, firma e sigillo, rakkan-in, impronta del sigillo, sigillo rosso, hanko

Raku-yaki 楽焼

La ceramica Raku-yaki è una tradizione ceramica giapponese nata nel XVI secolo dalla collaborazione tra il vasaio Chōjirō e il maestro del tè Sen no Rikyū, che produce soprattutto chawan per la cerimonia del tè. Le ciotole vengono formate a mano senza tornio, cotte a una temperatura relativamente bassa e raffreddate rapidamente; ciò dà origine alle caratteristiche sottili screpolature e a colature di smalto mai riproducibili. Tipi di base diffusi sono il Kuro-Raku nero e l'Aka-Raku rosso. Il nome deriva da un riconoscimento conferito da Toyotomi Hideyoshi; la famiglia Raku porta avanti la tradizione a Kyōto fino ad oggi. Nella gerarchia tramandata delle ciotole da tè, il Raku precede Hagi e Karatsu.

Anche: Raku-yaki, ceramica Raku, Aka-Raku, Raku

Reisho 隷書

Il reisho (隷書) è la scrittura cancelleresca, il secondo più antico dei cinque stili classici della calligrafia dell'Asia orientale. Nacque nella Cina dell'epoca Qin come forma semplificata e di scrittura più rapida della scrittura sigillare tensho, e sotto la dinastia Han divenne la scrittura ufficiale per documenti e iscrizioni su pietra. Caratteristici sono i caratteri ampi e piuttosto piatti e il tratto orizzontale finale con svolazzo, chiamato in giapponese hataku. Dal reisho derivarono gli stili più recenti: la scrittura regolare kaisho, la semicorsiva gyōsho e la scrittura corsiva sōsho. In Giappone il reisho è ancora oggi visibile laddove la scrittura deve trasmettere dignità: su banconote, testate di giornali, targhe con nomi e sigilli.

Anche: Reisho-tai, stile clericale, Clerical Script, scrittura dei funzionari

Rinpa 琳派

Rinpa (琳派) indica una corrente decorativa della pittura giapponese che raffigura motivi naturali fortemente stilizzati - erbe, fiori, onde, uccelli - spesso su fondo oro. Il nome deriva dal pittore Ogata Kōrin, «ha» significa scuola. A differenza della scuola Kanō, il Rinpa non veniva tramandato come impresa di famiglia, bensì attraverso lo studio dei modelli: Sakai Hōitsu (1761–1829), ad esempio, non fu mai allievo di Kōrin, ne approfondì l'opera da autodidatta e fondò l'Edo-Rinpa. Il linguaggio pittorico piatto e ornamentale, con le sue silhouette nitide, influenzò nel XIX secolo anche l'arte europea dello Jugendstil.

Anche: Rinpa, Rimpa, scuola Rinpa, scuola Rimpa, scuola Kōrin, Kōrin-ha

Rokkoyō 六古窯

Rokkoyō, i «Sei Antichi Forni», è la denominazione collettiva di sei centri ceramici giapponesi che producono ininterrottamente sin dal medioevo: Seto, Tokoname, Shigaraki, Bizen, Echizen e Tamba. Tutti e sei cuocevano dapprima grès grezzo e non smaltato per l'uso quotidiano – vasi da dispensa, ciotole per macinare, recipienti per l'acqua e i cereali – e furono considerati artigianato artistico solo molto più tardi; Seto costituisce in questo un'eccezione, poiché lì si sviluppò precocemente una ceramica smaltata. Il termine stesso è più recente della cosa che designa: fu coniato attorno al 1948 dallo storico della ceramica Koyama Fujio. Nel 2017 i Sei Antichi Forni sono stati riconosciuti congiuntamente come patrimonio culturale giapponese.

Anche: Rokkoyo, Rokkoyō, Sei antiche fornaci, Sei antichi forni, Six Ancient Kilns

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Rokuro 轆轤

Il rokuro è il tornio da vasaio giapponese e allo stesso tempo il termine che indica il lavoro al tornio. Sono diffusi il keri-rokuro, azionato a pedale, il te-rokuro, messo in rotazione a mano, e oggi il tornio elettrico. Chi lavora al tornio solleva la parete con le dita; si formano così le sottili rigature a spirale ascendente dalle quali si riconosce la ceramica tornita. In quasi tutto il Giappone il tornio gira in senso orario – il villaggio di vasai di Tachikui, a Tamba, è una delle poche eccezioni. Da distinguere dal rokuro è il tebineri, la tecnica di costruzione a mano completamente priva di tornio.

Anche: tornio da vasaio, rokuro, keri-rokuro, tornio, tecnica del rokuro

Ryū 龍

Ryū è il drago giapponese: una creatura simile a un serpente, priva di ali, che domina l'acqua, la pioggia e il cielo e nella mitologia è generalmente considerata un protettore benevolo. La sua iconografia nacque dalla fusione di concezioni cinesi, indiane e delle tradizioni autoctone shintō. Dai suoi omologhi cinesi si distingue tradizionalmente per il numero delle dita: tre invece di quattro o cinque. A differenza del drago occidentale, non sputa fuoco e non ha bisogno di ali; per la creatura alata e sputafuoco di tradizione europea si è affermato nel giapponese moderno il prestito linguistico Doragon. Nei kakemono il drago rappresenta il potere, la saggezza e la protezione dagli spiriti maligni.

Anche: Drago, Tatsu, drago giapponese, Ryu, Ryū

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S

Sakazuki 盃

Il sakazuki (盃) è la coppa da sake giapponese piatta e ampiamente aperta, tradizionalmente usata soprattutto in occasioni cerimoniali – ad esempio nel san-san-kudo, lo scambio rituale di coppe da sake durante un matrimonio shintoista, così come nei giorni di Capodanno e nelle festività. Viene realizzato in ceramica o in legno laccato, spesso laccato di rosso e decorato con oro. Rispetto ai recipienti d'uso quotidiano si distingue soprattutto per la forma: mentre l'ochoko e il guinomi sono a forma di bicchiere e profondi, il sakazuki è ampio e basso, cosicché il liquido resta visibile come uno specchio. Per il consumo quotidiano di sake è la forma meno pratica, per le occasioni festive è quella adatta.

Anche: coppa da sake piatta, coppa da sake cerimoniale, coppa sakazuki, sakazuki

Sakoku 鎖国

Sakoku (鎖国, «chiusura del paese») è la politica dello shogunato Tokugawa che isolò il Giappone dal mondo esterno per gran parte del periodo Edo. A partire dal 1624, il commercio e i viaggi furono drasticamente limitati: ai giapponesi era vietato lasciare il paese, il cristianesimo fu proibito e Nagasaki rimase quasi l'unico porto commerciale in cui potevano attraccare navi olandesi e cinesi. La parola stessa è più recente del fenomeno che descrive: nacque solo nel 1801, quando il traduttore Shizuki Tadao tradusse in giapponese un testo di Engelbert Kaempfer. L'isolamento terminò con l'apertura forzata del Giappone a partire dal 1853; proprio in questo isolamento presero forma molte tradizioni dell'artigianato artistico giapponese.

Anche: Sakoku, politica di Sakoku, politica di isolamento del Giappone, chiusura del Giappone, isolazionismo giapponese

Sanadahimo 真田紐

Il sanadahimo è un nastro giapponese stretto e tessuto piatto, con cui vengono chiuse soprattutto casse di legno come il tomobako o il kiribako. A differenza di un cordoncino intrecciato rotondo, viene realizzato al telaio con ordito e trama, il che lo rende compatto, molto resistente alla trazione e poco elastico – originariamente veniva perciò impiegato per i fodri delle spade, per parti di armature e per legare i carichi. Viene tessuto per lo più in cotone o seta, spesso in fini motivi a righe o a quadri, che variano a seconda della scuola del tè, della bottega o della famiglia, fungendo così da segno di riconoscimento. Il nome viene tradizionalmente collegato alla casata guerriera Sanada; questa derivazione è considerata una leggenda.

Anche: Sanada himo, Sanadahimo, nastro Sanada, cordoncino Sanadahimo, fettuccia tessuta

Sangiri 桟切

Sangiri è uno degli effetti di cottura classici della ceramica di Bizen non smaltata: zone grigie, grigio-azzurre fino a quasi nere, che si formano dove un recipiente viene coperto nel forno da cenere e carbone di legna incandescente. Sotto questo strato manca l'ossigeno, il ferro presente nel biscotto viene ridotto e vira dal consueto bruno-rossiccio verso toni grigi freddi; i passaggi sono morbidi e sfumati. Se la copertura si forma spontaneamente per la posizione nel forno, si parla di sangiri naturale; se verso la fine della cottura viene accumulato carbone di legna in modo mirato, si parla di sangiri artificiale. A differenza di goma e bidoro, sangiri non si basa sulla cenere fusa, bensì sull'atmosfera di cottura.

Anche: San-giri, effetto sangiri, sumi-sangiri, sangiri-Bizen

Sansui 山水

Sansui (山水, letteralmente «montagna e acqua») è la pittura paesaggistica giapponese – una cascata tra le rocce, un villaggio di pescatori nella nebbia mattutina, una collina di pini davanti a catene montuose lontane. Vive di gradazioni di inchiostro e di ampi spazi vuoti, letti come nebbia, acqua o cielo, e si apre alla comprensione senza bisogno di conoscenze preliminari: si osserva un'opera simile come una finestra e a ogni sguardo si scopre un dettaglio in più. Dal punto di vista tecnico i paesaggi sono considerati generosi, perché il fondo non dipinto sopporta meglio l'ingiallimento dovuto all'età rispetto a una colorazione estesa. A differenza della calligrafia zen, un sansui non si vincola a una simbologia precisa.

Anche: Sansui-ga, Sansuiga, pittura paesaggistica giapponese, pittura di paesaggio, paesaggio dipinto

Satori 悟り

Il satori è, nel buddhismo zen, l'esperienza del risveglio improvviso, un rovesciamento della percezione in cui la consueta separazione tra osservatore e mondo sembra dissolversi per un istante. È considerato non pianificabile e non esprimibile a parole; per questo viene tramandato in aneddoti e kōan paradossali anziché in enunciati dottrinali. Per l'arte questo concetto è importante perché la calligrafia zen e la pittura a inchiostro non intendono raffigurare un risultato, bensì uno stato mentale nel momento stesso del tratto di pennello – un enso ne è l'esempio più noto.

Anche: Satori, illuminazione, risveglio, Kenshō, esperienza del satori

Satsuma-yaki 薩摩焼

Il satsuma-yaki è una tradizione giapponese di ceramica di grès proveniente dall'antica provincia di Satsuma, nella parte meridionale dell'odierna prefettura di Kagoshima, fondata da vasai coreani giunti a Kyūshū alla fine del XVI secolo. Si distinguono due linee: lo shiro-satsuma, con argilla color avorio, smalto trasparente finemente craquelé e una fitta decorazione sopra smalto con oro, originariamente riservata alla casata dei Shimazu, e il kuro-satsuma, ricavato da un'argilla ricca di ferro con smalto scuro, destinato al vasellame d'uso quotidiano. La distinzione più importante è questa: il satsuma non è porcellana, bensì grès - l'argilla resta opaca, ha un suono sordo e presenta quasi sempre il craquelé. La porcellana altrettanto riccamente dipinta proviene per lo più da Kutani.

Anche: Satsumayaki, ceramica di Satsuma, ceramica Satsuma, grès di Satsuma, Shiro Satsuma, Kuro Satsuma, Nishikide

Seiza 正座

Seiza (正座, letteralmente «modo corretto di sedersi») è la postura formale giapponese: in ginocchio sul pavimento, con i glutei appoggiati sui talloni, la schiena eretta e le mani in grembo. Come forma obbligatoria per le occasioni formali, si affermò nel periodo Edo nell'ambiente dei guerrieri e in seguito divenne di uso generale. Nella stanza del tè è la postura di base dell'ospite e degli invitati: a partire da essa vengono maneggiati gli utensili e viene osservato il rotolo verticale nel tokonoma, motivo per cui l'altezza dello sguardo e le proporzioni dello spazio si orientano su di essa. Anche nella calligrafia e nelle arti marziali il seiza è considerato la postura classica.

Anche: Seiza, seduta in ginocchio, posizione formale giapponese, seduta formale giapponese

Seladon 青磁

Il celadon indica uno smalto traslucido, dalla tonalità verde o verde-azzurra, di origine estremo-orientale, nonché la ceramica ricoperta con tale smalto. Il suo colore deriva da una piccola percentuale di ferro presente nello smalto, che durante la cottura in riduzione – ovvero con una sottrazione mirata di ossigeno all'interno del forno – vira dal bruno-rossiccio al verde; anche minime variazioni nella conduzione del forno modificano la tonalità. Fu sviluppato in Cina, dove le fornaci di Longquan sono considerate il punto più alto di questa tradizione; in Giappone è chiamato seiji. Spesso lo smalto presenta una fine rete di crettature, il kannyū. Il nome europeo deriva dal personaggio romanzesco Céladon, tratto da «L'Astrée» di Honoré d'Urfé, il cui abito verde pallido divenne di moda all'inizio del XVII secolo.

Anche: Celadon, seladon, Seiji, ceramica celadon, invetriatura celadon

Sen no Rikyū 千利休

Sen no Rikyū (千利休, 1522–1591) fu il maestro del tè più influente del Giappone e plasmò l'estetica della cerimonia del tè fino ai giorni nostri. Portò all'estremo l'ideale del wabi-cha: minuscole stanze da tè, un ingresso così basso che ogni ospite doveva chinarsi, utensili semplici in legno e argilla comune al posto di preziose importazioni cinesi. Dalla sua collaborazione con il vasaio Chōjirō nacque la ceramica Raku, e da quando frequentava il Daitoku-ji, i rotoli per il tokonoma della stanza da tè provengono tradizionalmente da questo monastero. Rikyū morì nel 1591 per suicidio forzato; il suo allievo Furuta Oribe fu in seguito considerato il maestro del tè di riferimento.

Anche: Rikyū, Rikyu, Sen no Rikyu, Sen Rikyū, Sen no Rikyū

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Sencha 煎茶

Il sencha è il tè verde giapponese più bevuto: foglie cotte a vapore, arrotolate e essiccate, che vengono infuse con acqua calda e non frullate in polvere come il matcha. Si beve nello yunomi, il bicchiere più alto e senza manico, non nell'ampia ciotola da tè. Accanto alla cerimonia del tè a base di polvere, in Giappone si è sviluppata con il senchadō una propria tradizione dell'infusione, meno formalizzata. Per comprendere il vasellame da tè giapponese questa distinzione è fondamentale: infusione e frullatura richiedono recipienti diversi.

Anche: tè verde giapponese, sencha, tè in foglie, sen-cha

Seto-yaki 瀬戸焼

Il seto-yaki è una tradizione ceramica giapponese originaria di Seto e Owariasahi, nella prefettura di Aichi, e rappresenta l'eccezione tra le sei antiche fornaci del Giappone: mentre le altre cinque producevano gres non smaltato, Seto fu per secoli l'unico centro giapponese di ceramica smaltata. Secondo la tradizione, questa tradizione risale a Katō Shirozaemon, che nel XIII secolo studiò in Cina; il celadon cinese e il tenmoku influenzarono la produzione delle origini. Anziché un aspetto uniforme, Seto si distingue per una grande varietà di smalti e per lo stile sometsuke, con decorazione sottosmalto in blu cobalto. I vasai di Seto fuggiti a Mino vi fondarono in seguito le tradizioni Shino, Oribe e Ki-Seto.

Anche: ceramica di Seto, ceramiche di Seto, Setomono, ceramica Setomono

Setoguro 瀬戸黒

Il Setoguro, «Seto nero», è uno dei quattro grandi stili ceramici della regione di Mino, nell'odierna prefettura di Gifu, e rappresenta un nero profondo e vellutato. Si ottiene mediante un procedimento particolare: i pezzi vengono estratti dal forno ancora incandescenti e raffreddati bruscamente, per cui lo smalto ferruginoso si solidifica in nero - da qui anche il nome Hikidashi-guro, «nero estratto». Come Shino, Oribe e Ki-Seto, il Setoguro nacque nel periodo Momoyama, sebbene il nome rimandi alla vicina Seto. La stessa tecnica di raffreddamento brusco viene utilizzata dalle varianti Oribe Kuro-Oribe e Oribe-guro; a differenza della ceramica Raku, formata a mano, qui si lavora al tornio da vasaio.

Anche: Seto-guro, Hikidashi-guro, Setoguro nero, Setoguro-Chawan, ceramica Setoguro

Shakyō 写経

Shakyō (写経, «copiatura del sutra») è la trascrizione manuale di sutra buddisti con pennello e inchiostro, praticata in Giappone da secoli come esercizio meditativo. Il testo copiato più di frequente è il Sutra del Cuore (Hannya Shingyō), i cui 262 caratteri si prestano particolarmente a questo esercizio. Nello zen, lo shakyō non è considerato solo un atto di venerazione, ma soprattutto un esercizio di concentrazione: il tracciare con attenzione ogni singolo kanji orienta chi scrive verso il momento presente, e già la preparazione dell'inchiostro sfregando il bastoncino ne fa parte. Una copia terminata può essere offerta nel tempio come offerta votiva oppure conservata in casa.

Anche: Shakyo, trascrizione di sutra, copiatura di sutra, sutra copiati a mano

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Shasei 写生

Shasei (写生) è la pittura e il disegno dal vero, cioè lo studio condotto sull'uccello vivo e sulla pianta reale invece che sul modello d'atelier. In Giappone, Maruyama Ōkyo (1733–1795) impose questo metodo di lavoro nel XVIII secolo contro la formazione dominante sul funpon; dalla sua cerchia nacque la scuola Maruyama-Shijō, la cui precisa osservazione della natura ebbe effetti che si protrassero fino all'epoca Meiji. Il fatto che lo shasei fosse allora considerato una novità dimostra, all'inverso, quanto la copia fosse fino a quel momento la prassi consueta. Il contrasto, tuttavia, non riguarda la tecnica: anche un'immagine realizzata dal vero resta vincolata, nella conduzione del pennello e nella composizione, al linguaggio formale tramandato.

Anche: Sha-sei, shasei, studio dal vero, disegno dal vero, shasei-ga, Maruyama-Shijō

Shibui 渋い

Shibui è un giudizio estetico giapponese che indica una bellezza discreta, non invadente: semplice a prima vista e riconoscibile come ricca solo dopo un'osservazione più prolungata. La parola significa originariamente aspro o astringente, come il sapore di un cachi acerbo, e nella cultura del tè divenne un elogio per gli oggetti che non cercano l'attenzione. Nel linguaggio internazionale del design è giunta attraverso Yanagi Sōetsu e il movimento giapponese dell'arte popolare (Mingei). A differenza del wabi-sabi, che sottolinea le tracce del tempo e del caso, shibui è anzitutto un giudizio di valore: un pezzo può essere nuovo e senza difetti e tuttavia shibui, purché rimanga discreto.

Anche: Shibusa, Shibumi, estetica shibui

Shichifukujin 七福神

Gli Shichifukujin sono un gruppo di sette divinità portafortuna della religione popolare giapponese, che insieme promettono fortuna, prosperità e una vita appagata: Ebisu, Daikokuten, Bishamonten, Benzaiten, Fukurokuju, Jurōjin e Hotei. Degna di nota è la loro origine da tre tradizioni diverse: solo Ebisu è genuinamente shintoista-giapponese, tre divinità provengono dall'area indiana, tre dalla Cina. Come gruppo, secondo la tradizione, furono riuniti solo verso la fine del periodo Muromachi (1336–1573) a Kyōto. Secondo la leggenda più nota, a Capodanno viaggiano verso gli uomini sulla nave del tesoro Takarabune; in gennaio è diffuso il pellegrinaggio Shichifukujin-Meguri.

Anche: Shichifukujin, Sette dei della fortuna, I sette dei della fortuna, 7 dei della fortuna, Dei della fortuna

Shifuku 仕覆

Uno shifuku (仕覆) è un sacchetto di stoffa giapponese cucito a mano con coulisse, tradizionalmente in broccato di seta, che protegge ulteriormente un oggetto d'arte all'interno della sua scatola di legno. È diffuso soprattutto per gli utensili da tè di particolare pregio, come i barattoli da tè, e occasionalmente protegge anche ciotole o altri pezzi. La sua funzione è quella di costituire uno strato morbido e al tempo stesso traspirante tra la ceramica e il legno; gli oggetti più semplici si accontentano invece di un semplice panno di cotone. Uno shifuku originale appartiene all'oggetto proprio come la scatola e viene conservato insieme ad esso, perché entrambi fanno parte della dotazione e della storia di un pezzo.

Anche: Shi-fuku, sacchetto di broccato, sacchetto di stoffa, sacchetto di seta

Shigaraki-yaki 信楽焼

Lo Shigaraki-yaki è una ceramica giapponese in gres non smaltata proveniente dalla regione intorno a Kōka, nella prefettura di Shiga, ed è uno dei sei antichi centri ceramici del Giappone. La sua argilla ricca di feldspato proviene dai sedimenti dell'antico lago Biwa e conferisce alla superficie una tessitura granulosa, quasi pietrosa, con grosse inclusioni di quarzo. Come il Bizen, viene cotta senza smalto con il procedimento yakishime a circa 1.250-1.300 gradi, durante il quale si formano smalto naturale di cenere, rosso di fuoco e le caratteristiche «occhi di granchio» perlacee. Rispetto al Bizen, lo Shigaraki si distingue soprattutto per questa granulosità chiara e sabbiosa del suo scherzo. Il luogo è inoltre popolarmente noto per le sue tondeggianti figure di tanuki, una tradizione risalente al XX secolo.

Anche: Shigaraki-yaki, ceramica di Shigaraki, Shigaraki ware, Shigaraki

Shikishi 色紙

Uno shikishi (色紙) è un cartoncino da pittura giapponese rigido, di forma quasi quadrata, di circa 24 per 27 centimetri, tradizionalmente utilizzato per la calligrafia, le poesie brevi e la pittura a inchiostro. Caratteristico è il bordo, spesso dorato o argentato, che conferisce all'opera finita una cornice quasi cerimoniale. Nonostante il nome letterale «carta colorata», non si tratta di carta per lavori artistici, bensì di un supporto pittorico multistrato, stabile nella forma, presentabile senza ulteriore montaggio. Rispetto al kakemono, che occupa molto spazio, uno shikishi risulta decisamente più intimo; dal tanzaku, stretto e allungato, lo distingue il formato quadrato compatto, che sostiene composizioni chiuse anziché un singolo verso.

Anche: Shikishi, Shiki-shi, cartoncino Shikishi, cartoncino per calligrafia

Shikki 漆器

Shikki è il termine giapponese per indicare gli oggetti laccati, cioè i manufatti finiti il cui supporto è ricoperto da molti strati sottili di urushi – ciotole, scodelle, bacchette, scatole, cofanetti per la scrittura e mobili. Il supporto, in giapponese kiji, è per lo più di legno tornito o intagliato, più raramente di bambù, carta, cuoio o metallo. Lo shikki si distingue dall'urushi come il materiale dal prodotto: l'urushi è la lacca stessa, lo shikki è l'oggetto realizzato con essa. Tradizioni regionali come il Wajima-nuri o l'Aizu-nuri portano nomi propri. In inglese «japan» indica la lacca, così come «china» indica la porcellana.

Anche: Shikki, Laccheria giapponese, Oggetti laccati, Ceramica laccata giapponese, Lacca giapponese

Shin-hanga 新版画

Lo shin-hanga (新版画, «nuova xilografia») è un movimento di rinnovamento della xilografia policroma giapponese nel XX secolo, sostenuto in modo determinante dall'editore Watanabe Shōzaburō. Il procedimento rimase quello tradizionale: disegnatore, intagliatore e stampatore lavoravano secondo una ripartizione dei compiti, e i fogli venivano prodotti in tiratura. Nuovo era il linguaggio figurativo – luce, atmosfera e immagine dell'uomo del XX secolo, spesso con influssi occidentali. Tra i rappresentanti più noti figura Itō Shinsui (1898–1972), che lavorò anche come pittore nihonga. A differenza dell'ukiyo-e del periodo Edo, lo shin-hanga è una consapevole rinascita di questa tradizione di stampa; per la percezione internazionale dell'arte giapponese questi fogli furono particolarmente efficaci grazie alla loro disponibilità.

Anche: Shin Hanga, Shinhanga, Shin-hanga, nuova stampa giapponese, nuova xilografia giapponese

Shino-yaki 志野焼

La ceramica Shino-yaki è una ceramica giapponese in grès proveniente dalla regione di Mino, nell'attuale Gifu, nata alla fine del XVI secolo e considerata la più antica ceramica giapponese a smalto bianco. È caratteristica uno smalto feldspatico bianco latte applicato in strato spesso, con piccoli pori e piccoli crateri, oltre a macchie di fuoco rossastre; molti pezzi presentano motivi discreti in ossido di ferro sotto lo smalto. All'interno dei quattro grandi stili di Mino, lo Shino è il contrappunto silenzioso e bianco al vivace e verde Oribe. Dopo il declino nel periodo Edo, il vasaio Arakawa Toyōzō (1894–1985) ricostruì la tecnica e dimostrò che essa non proveniva da Seto, bensì da Mino.

Anche: Shino-yaki, ceramica Shino, E-Shino, Shino

Shizen-yū 自然釉

Lo shizen-yū è la naturale caduta di cenere sulla ceramica non smaltata: la cenere volatile del fuoco a legna si deposita durante la cottura sulle spalle e sui bordi dei vasi e lì si fonde con il ferro presente nell'argilla formando uno strato vetroso. Questo smalto non viene quindi applicato, ma si forma nel forno – per questo non risulta mai due volte uguale ed è più marcato sul lato rivolto verso il fuoco. Le zone particolarmente limpide e dai riflessi verdastri si chiamano bidoro, dal portoghese vidro, ovvero vetro. A Bizen alcune di queste manifestazioni portano nomi propri: goma per le tracce di cenere screziate, hidasuki per le linee rosse lasciate dalla paglia di riso.

Anche: Shizen yu, Shizen-yu, smalto naturale a cenere, smalto a cenere naturale, glassa naturale a cenere

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Shōchikubai 松竹梅

Shōchikubai è il termine giapponese per il gruppo di motivi composto da pino, bambù e susino, reso in italiano perlopiù come «i tre amici dell'inverno». Ogni pianta porta un proprio significato: il pino rimane verde anche d'inverno e rappresenta la costanza e la longevità, il bambù si piega sotto il peso della neve senza spezzarsi, e il susino fiorisce per primo nel freddo, ancor prima del ciliegio. Insieme, i tre sono considerati un motivo di buon auspicio per il nuovo anno e le feste e compaiono su kakemono, ceramica e lacche. In Giappone l'ordine Shō-Chiku-Bai serve inoltre come comune scala di qualità a tre livelli.

Anche: Shōchikubai, Sho-Chiku-Bai, Shochikubai, i tre amici dell'inverno, pino bambù susino, pino bambu susino

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Shodai-yaki 小代焼

Lo shodai-yaki è una ceramica giapponese in grès proveniente dal nord della prefettura di Kumamoto, in particolare da Arao e Nankan, ai piedi del monte Shōdai. I suoi inizi risalgono al 1632, quando Hosokawa Tadatoshi si trasferì da Buzen alla provincia di Higo, portando con sé vasai delle famiglie Hinkōji e Katsuragi; la tecnica si colloca così nella stessa linea di influsso coreano di Agano e Karatsu. Si lavora con un'argilla ricca di ferro e contenente piccole pietre, sulla quale viene stesa uno smalto di cenere di paglia e, con il mestolo, viene versato sopra un secondo smalto in ampie strisce, procedimento chiamato nagashi-gake. A seconda del risultato della cottura, i prodotti sono chiamati shodai bianco, blu o giallo.

Anche: Shōdai-yaki, ceramica Shodai, ceramica di Shodai, Shodai yaki, Shodai

Shodō 書道

Lo shodō (書道, «via della scrittura») è la calligrafia giapponese, un'arte della scrittura mutuata dalla Cina, eseguita con pennello e inchiostro nero, che non consente di correggere i tratti una volta tracciati. Il Dō, la stessa «via» presente in budō o chadō, rimanda a un percorso di pratica che dura tutta la vita: non si tratta tanto di una bella scrittura decorativa quanto dell'esecuzione concentrata della sequenza di tratti prestabilita. Vengono insegnati cinque stili classici – tensho, reisho, kaisho, gyōsho e sōsho –, eseguiti con i «quattro tesori dello studio del letterato»: fude, sumi, suzuri e washi. Lo shodō è strettamente legato al buddhismo zen, in particolare tramite la copiatura dei sutra, shakyō.

Anche: Shodo, Calligrafia giapponese, Shodō, Via della scrittura

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Shoin 書院

Shoin indica in origine il luogo di scrittura di un monaco zen, una sporgenza a baia rivolta verso lo spazio con davanzale, e diede in seguito il nome a un intero stile architettonico: lo shoin-zukuri, lo stile abitativo dell'aristocrazia guerriera. A esso vengono generalmente attribuiti quegli elementi d'arredo che caratterizzano ancora oggi lo spazio abitativo giapponese: la nicchia decorativa tokonoma, le mensole sfalsate chigaidana e il pavimento continuo in tatami. Per l'arte questo stile è importante perché ha dato per la prima volta al rotolo verticale e al vaso da fiori un luogo fisso, costruito appositamente per loro.

Anche: Shoin-zukuri, stile Shoin, architettura Shoin

Shōji 障子

Gli shōji sono i leggeri elementi scorrevoli della casa giapponese: un fine reticolo di legno rivestito su un lato con carta washi traslucida. Separano gli ambienti o li chiudono verso l'esterno, lasciando filtrare la luce del giorno in modo attenuato e diffuso, invece di farla passare in modo diretto come il vetro. È proprio questa luce morbida e diffusa a caratterizzare la percezione della ceramica e della pittura negli interni tradizionali. Vanno distinti dai fusuma, i pannelli scorrevoli opachi, spesso dipinti, con carta su entrambi i lati.

Anche: Shoji, shōji, porta scorrevole giapponese, parete scorrevole di carta, parete shōji

Shōmen 正面

Shōmen (正面, lato anteriore) indica il lato più bello, deliberatamente pensato come fronte, di un utensile da tè giapponese, in particolare di una ciotola da tè. Poiché una ciotola formata a mano non è mai uniformemente rotonda, c'è sempre un punto in cui lo smalto scende in modo più bello o in cui uno spigolo cattura meglio la luce. Nella cerimonia del tè, il padrone di casa colloca la ciotola in modo che lo shōmen sia rivolto verso l'ospite. Questi, prima di bere, la ruota di circa due piccoli quarti di giro per allontanarla, in modo che la sua bocca non tocchi il lato anteriore, e poi la riporta nella posizione originale - una cortesia, non una regola fine a se stessa.

Anche: Shomen, lato anteriore, lato principale, fronte

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Shunyata 空

Shunyata è il termine buddhista per la vacuità: la consapevolezza che tutte le cose e i fenomeni non esistono in modo indipendente e per virtù propria, ma sono privi di una natura fissa e inerente. La parola sanscrita viene resa in giapponese con il carattere 空 (Kū). La sua formulazione più nota si trova nel Sutra del Cuore, che riassume l'insegnamento in 262 caratteri e lo condensa nella frase «la forma è vacuità, la vacuità è forma». Non si intende dunque un nulla, bensì l'assenza di un'essenza propria permanente. Nell'arte, il concetto è presente soprattutto tramite l'enso, il cui spazio interno vuoto viene letto come possibilità aperta.

Anche: Śūnyatā, Sunyata, Kū, vacuità, vuoto

Sometsuke 染付

Sometsuke è la denominazione giapponese per il blu sottosmalto: una decorazione con gosu contenente cobalto sul biscotto bianco preventivamente cotto, sopra la quale viene poi applicato uno smalto trasparente. Nella cottura dello smalto a circa 1.300 gradi il blu affonda nello smalto e acquisisce la sua caratteristica profondità; si trova sotto la superficie e non può quindi essere né percepito al tatto né strofinato via. I pezzi dipinti a mano mostrano un tratto pennellato irregolare, i decori stampati mostrano al microscopio una fine trama a punti. A differenza di akae e kinrande, che vengono applicati come smalti sopra smalto in una seconda cottura più fredda, il sometsuke si ottiene in un'unica cottura ad alta temperatura.

Anche: Sometsuke, blu sottosmalto, porcellana bianca e blu, decorazione in blu cobalto, pittura Gosu

Sōsho 草書

Sōsho (草書, «scrittura erbacea») è la scrittura corsiva fortemente legata della calligrafia giapponese, in cui i tratti vengono contratti e intere parti dei caratteri abbreviate in svolazzi. Viene scritta in modo particolarmente rapido, seguendo tuttavia forme di abbreviazione fisse, ed è spesso quasi indecifrabile per chi non ha esperienza – va letta più come traccia di movimento che come testo. Rispetto a kaisho e gyōsho, sōsho è il più libero dei cinque stili classici e per questo è considerato particolarmente adatto all'espressione immediata; anche un enso viene solitamente tracciato in questa maniera rapida e corsiva. Impararla è possibile solo sulla base degli stili più rigorosi.

Anche: Sosho, Sōsho, Sōsho-tai, scrittura corsiva giapponese, stile corsivo

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Sueki 須恵器

Il sueki è la ceramica grigia, cotta a fuoco vivo, dell'antichità giapponese, la cui tecnica giunse in Giappone dalla penisola coreana verso la metà del V secolo. Viene formato al tornio a rapida rotazione e cotto in un forno a tunnel scavato nel pendio a oltre 1.100 gradi in carenza di ossigeno; da qui il caratteristico scherzo blu-grigio, densamente sinterizzato, sul quale in alcuni punti si deposita cenere volatile fusa. Si distingue nettamente dall'hajiki rossastro, cotto contemporaneamente ma in modo aperto e ricco di ossigeno. Il sueki fu prodotto fino al periodo Heian, e nella misura più ampia nel distretto di fornaci di Suemura, presso Ōsaka. È considerato la base tecnica delle successive tradizioni di gres come quelle di Bizen o Shigaraki.

Anche: Sueki, ceramica Sueki, ceramica Sue

Suiban 水盤

Un suiban (水盤) è un recipiente basso e ampiamente aperto per la composizione floreale: una ciotola bassa in ceramica, metallo o vetro, per lo più rotonda, ovale o rettangolare, in cui la superficie dell'acqua rimane visibile. È il recipiente dello stile moribana: poiché i rami non trovano appoggio contro una parete del recipiente, vengono fissati su un supporto ad aghi (kenzan) che poggia nell'acqua bassa. La stessa forma serve anche come base per bonsai e per paesaggi in miniatura. Dal recipiente alto a vaso del nageire il suiban si differenzia in modo sostanziale: lì è la parete del recipiente a sostenere, qui è la piastra ad aghi.

Anche: Sui-ban, suiban, vaso piatto per ikebana, ciotola per acqua, ciotola per fiori

Suibokuga 水墨画

Il suibokuga è la pittura a inchiostro giapponese, nella quale si lavora esclusivamente con inchiostro nero e acqua, cosicché l'effetto pittorico nasce unicamente dalle gradazioni tra il nero profondo e il grigio chiaro. La tecnica giunse in Giappone dalla Cina in relazione al buddhismo zen e a partire dal XIV secolo caratterizzò paesaggi, raffigurazioni di bambù e figure. Il termine viene spesso usato come sinonimo di sumi-e; il suibokuga accentua maggiormente la velatura e la sfumatura dell'inchiostro diluito, mentre il sumi-e indica più in generale la pittura a inchiostro.

Anche: pittura a inchiostro, pittura a inchiostro sumi, sumi-e, suiboku, suibokuga

Sumi 墨

Il sumi (墨) è l'inchiostro solido giapponese – un bastoncino di nerofumo fine e colla animale (nikawa), che prima di scrivere o dipingere viene stemperato con acqua su una pietra da macinare. Si distingue tra il nerofumo ottenuto dalla combustione di legno di pino e quello ottenuto da olio da lampada; entrambi danno toni di nero leggermente diversi. Nara è considerata da secoli il centro della produzione. Quanto a lungo e con quanta acqua si strofina determina la densità dell'inchiostro e quindi le gradazioni nell'immagine; nella pratica zen lo stesso atto di strofinare è già considerato un primo passo meditativo. A differenza dell'inchiostro liquido già pronto, il sumi può essere regolato di volta in volta per ogni opera.

Anche: Sumi, inchiostro di sumi, inchiostro giapponese, bastoncino di inchiostro, stick di inchiostro sumi

Sumi-e 墨絵

Il sumi-e (墨絵) è la pittura a inchiostro giapponese, in cui i motivi nascono esclusivamente con inchiostro nero, un pennello e una pressione graduata sulla punta del pennello. Chiamata anche suibokuga, la tecnica giunse in Giappone dalla Cina attraverso monaci buddhisti e fu perfezionata nell'ambito del buddhismo zen durante il periodo Muromachi (1333–1573). Forma, volume e profondità atmosferica si ottengono interamente senza colore, unicamente attraverso le gradazioni dell'inchiostro e il fondo non dipinto. Motivi classici sono i paesaggi, i «Quattro nobili» – orchidea, bambù, crisantemo e fiore di susino – nonché i patriarchi zen come Bodhidharma. A differenza del nihonga, che come termine collettivo comprende l'intera tradizione pittorica nazionale, il sumi-e designa una tecnica specifica.

Anche: Sumie, Suibokuga, pittura a inchiostro giapponese, pittura sumi-e, sumi-e

Suzuri 硯

Un suzuri (硯) è la pietra per macinare la tinta della calligrafia giapponese e della pittura a inchiostro, sulla quale il bastoncino di inchiostro solido viene strofinato con poca acqua fino a ottenere inchiostro liquido. È costituito per lo più da ardesia a grana fine o da roccia di analoga densità e presenta due zone: una superficie di sfregamento leggermente inclinata e una cavità più profonda in cui si raccoglie l'inchiostro pronto. La grana della superficie determina la finezza con cui viene macinata la fuliggine e l'uniformità con cui scorre l'inchiostro. Insieme al pennello (fude), all'inchiostro (sumi) e alla carta (washi), il suzuri fa parte dei «Quattro tesori dello studio del letterato».

Anche: suzuri, pietra per inchiostro, pietra per inchiostro sumi, pietra per macinare l'inchiostro

T

Tada-yaki 多田焼

La ceramica di Tada è una ceramica giapponese proveniente dal quartiere di Tada, nella città di Iwakuni, prefettura di Yamaguchi. Nacque nel 1700 come fornace della casata Kikkawa, che vi fece venire vasai da Kyōto, e per circa un secolo fornì soprattutto ciotole da tè e vasi per fiori come doni allo shogunato. Caratteristici sono uno scherbo chiaro sotto una glassa verde di celadon (seiji-yū) e una rete di crettature particolarmente fine, chiamata in giapponese kannyū; spesso si aggiunge una decorazione incisa. La fornace storica si spense verso la fine del XVIII secolo; solo all'inizio degli anni Settanta del Novecento il vasaio Tamura Unkei fece rivivere la tradizione basandosi su antichi documenti. I pezzi storici sono estremamente rari.

Anche: Tadayaki, Tada, Tada Iwakuni, Unkeizan-gama, Tada-yaki, ceramica di Tada

Takarabune 宝船

Il Takarabune (宝船, «nave del tesoro») è la piccola imbarcazione tozza dalla vela rigonfia, sulla quale, secondo la leggenda più nota, i Sette Dei della Fortuna giungono tra gli uomini a Capodanno. È carica di sacchi di riso e simboli di buon auspicio; come motivo figurativo compare su rotoli verticali, biglietti di Capodanno e stampe. Era diffusa l'usanza di porre un simile foglio sotto il cuscino nella notte tra l'1 e il 2 gennaio, per ottenere un primo sogno di buon auspicio dell'anno (Hatsuyume); a essa è legata una poesia palindroma, che si legge allo stesso modo in avanti e all'indietro. Come associazione fissa tra la nave e i sette dei, il motivo divenne popolare nel periodo Edo.

Anche: Takarabune, Takara-bune, nave dei tesori, nave del tesoro, nave della fortuna, nave dei sette dei della fortuna

Takasago 高砂

Takasago indica la leggenda giapponese di un'anziana coppia che si rivela essere gli spiriti di due pini uniti tra loro – il pino di Takasago e il suo pino compagno nella lontana Sumiyoshi. Il racconto divenne celebre grazie all'omonimo dramma Nō di Zeami, considerato fin dal periodo Muromachi uno dei più importanti drammi beneauguranti. Nella pittura la coppia appare solitamente con rastrello e scopa sotto il pino, spesso accompagnata da gru. Come motivo pittorico, Takasago simboleggia un matrimonio lungo e duraturo ed è tradizionalmente considerato un regalo di nozze, in alcune regioni anche un regalo per il 25° o il 50° anniversario di matrimonio.

Anche: Leggenda di Takasago, Aioi no Matsu, Takasago no Matsu, Takasago

Takatori-yaki 高取焼

La ceramica Takatori-yaki è una ceramica da tè giapponese originaria della prefettura di Fukuoka, fondata intorno al 1600 dal vasaio coreano Hassan, in giapponese Takatori Hachizō, su incarico del signore feudale Kuroda Nagamasa. Nel primo periodo Edo la fornace ricevette indicazioni dal maestro del tè Kobori Enshū e da allora è considerata una delle sette fornaci a cui si attribuisce il suo gusto. Sono tipiche una parete tornita molto sottile e smalti sovrapposti su più strati, in cui una colata bianco-latte scende su un fondo di smalto ferruginoso bruno. Alla ceramica Agano, anch'essa a parete sottile, la ceramica Takatori è stilisticamente vicina; a separare le due è stato soprattutto il signore feudale di riferimento.

Anche: ceramica Takatori, Takatori yaki, Enshū-Takatori, Takatori

Tamba-yaki 丹波焼

La ceramica Tamba-yaki è una ceramica giapponese di tipo grès proveniente dal villaggio di Tachikui, nell'attuale Tamba-Sasayama, prefettura di Hyōgo, i cui inizi vengono datati al tardo XII secolo. Come uno dei sei antichi forni, il luogo produsse per secoli giare da conservazione, ciotole per macinare e fiaschi da sake non smaltati; la loro superficie è determinata unicamente dalla naturale deposizione di cenere (shizen-yū), le cui zone dalla chiara lucentezza verdastra sono chiamate bidoro. Intorno al 1611 si aggiunsero il forno a camera di tipo coreano e un tornio a pedale a rotazione sinistrorsa, raro in Giappone. Dal punto di vista tecnico, la Tamba-yaki è vicina alla ceramica Shigaraki e alla ceramica Bizen, ma si distingue chiaramente da entrambe per colore e linguaggio formale.

Anche: Tamba, Tamba-yaki, ceramica di Tamba, Tamba-Tachikui-yaki, Tachikui-yaki

Tanuki 狸

Tanuki è il nome giapponese del cane procione, un canide dalle abitudini notturne molto diffuso in Giappone, che non è imparentato né con il procione lavatore né con il tasso. Nella tradizione popolare è considerato da secoli un maestro della metamorfosi: come Bake-danuki assume forma umana o si trasforma in oggetti. Come figura di ceramica è legato soprattutto a Shigaraki - figure panciute e in piedi con cappello di paglia e fiasco di sake, poste davanti a negozi e locande come portafortuna. Gli otto attributi che oggi gli vengono attribuiti sono stati messi insieme solo negli anni '50 come «Hachisō Engi».

Anche: tanuki, cane procione, Shigaraki-Tanuki, figura di tanuki, statuetta di tanuki, Bake-danuki

Tanzaku 短冊

Un tanzaku (短冊) è una striscia di carta giapponese lunga e stretta, tipicamente di circa 7,5 per 36 centimetri, che tradizionalmente viene scritta con singoli versi poetici, soprattutto waka e haiku. Il formato verticale e stretto richiede una disposizione fluida e verticale dei caratteri e segue così il flusso del linguaggio di una poesia spesso in modo più immediato rispetto allo shikishi quadrato, che porta piuttosto composizioni chiuse in sé stesse. Entrambi i formati fanno ancora oggi parte del materiale classico della calligrafia giapponese. I tanzaku sono noti inoltre per la festa del Tanabata, durante la quale strisce scritte con desideri personali vengono appese a rami di bambù.

Anche: tan-zaku, tanzaku, striscia di poesia, striscia di carta per calligrafia, striscia Tanabata

Tatami 畳

I tatami sono le spesse stuoie da pavimento dell'ambiente domestico giapponese, tradizionalmente costituite da un'anima di strati pressati di paglia di riso, uno strato superficiale di giunco igusa intrecciato e un bordo in tessuto sui lati lunghi. Sono al tempo stesso la misura dello spazio: in Giappone le dimensioni delle stanze si indicano in base al numero di stuoie, e una stanza da tè di quattro stuoie e mezzo è considerata il formato classico. Le dimensioni esatte variano a seconda della regione. Per l'arte questo è rilevante in quanto l'altezza di osservazione e la posizione seduta davanti a un tokonoma presuppongono di sedersi sulla stuoia.

Anche: tatami, tatami mat, stuoia di tatami, tatami giapponese

Tebineri 手捻り

Il termine tebineri indica la formatura di un vaso interamente a mano, senza tornio: l'argilla viene modellata premendo e tirando da un blocco unico, oppure costruita a colombino, e successivamente lavorata con spatole di legno e metallo, le hera. Lo si riconosce da uno spessore della parete che cambia nettamente da punto a punto, da superfici di taglio piatte e da un bordo volutamente irregolare – le scanalature del tornio sono assenti. Con questa tecnica nascono tradizionalmente le ciotole Raku e Ohi. Il termine opposto è rokuro, il lavoro al tornio, che produce forme più tonde e regolari, mentre il tebineri conferisce a ogni ciotola una silhouette propria.

Anche: Tebineri, Te-bineri, lavorazione a mano, modellato a mano, tecnica di costruzione a mano, ceramica costruita a mano

Tenmoku 天目

Tenmoku indica uno smalto scuro, molto ricco di ferro, così come la forma conica della ciotola da tè con cui giunse in Giappone – quindi non una regione né una fornace. Ha origine nelle fornaci di Jian, nella provincia cinese del Fujian, che durante la dinastia Song Meridionale (1127–1279) producevano ciotole da tè smaltate di nero; il nome deriva dal monte Tianmu, da cui monaci giapponesi portarono con sé tali ciotole. Durante il raffreddamento, l'ossido di ferro disciolto si separa formando cristalli in superficie, generando gli effetti decorativi Nogime, Yuteki e il raro Yōhen. Poiché uno smalto non è legato a un luogo, il Tenmoku si trova a Seto così come a Kyōto o a Mino.

Anche: Tenmoku, Temmoku, smalto Tenmoku, Tenmoku-yaki, Jianzhan, ciotola da tè nera

Tensho 篆書

Il tensho è la scrittura sigillare arcaica, il più antico dei cinque stili classici della calligrafia dell'Asia orientale. I suoi caratteri sono costruiti in modo rigoroso, formati da tratti di spessore uniforme, e riempiono un campo pressoché quadrato; anche in Giappone viene letta correntemente di rado. Proprio per questo si è conservata laddove la scrittura è al tempo stesso ornamento: quasi ogni sigillo d'artista reca il proprio nome in tensho. Accanto ad essa si collocano il reisho, la scrittura di cancelleria, il kaisho, la scrittura stampata conforme alle regole, il gyōsho, la semicorsiva, e il sōsho, la corsiva fortemente legata. Le scritte sulle scatole sono per lo più redatte in sōsho, i sigilli invece quasi sempre in tensho.

Anche: Tenshō, scrittura sigillare, Tensho-tai, Seal Script, tensho

Tobe-yaki 砥部焼

Il tobe-yaki è una porcellana giapponese originaria della città di Tobe, nella prefettura di Ehime, sullo Shikoku. Deriva da un'ordinanza del feudo di Ōzu del 1775, che intendeva sfruttare gli scarti della produzione locale di pietre per affilare; nel 1777 il vasaio Sugino Jōsuke riuscì nella prima cottura utilizzabile. Caratteristici sono uno scherzo insolitamente spesso e resistente agli urti, un bianco leggermente tendente al grigio e una decorazione sottosmalto sobria, dipinta a mano in blu cobalto (sometsuke). Il tobe si pone così come il contrappunto della porcellana da esportazione a pareti sottili di Arita: è sempre stato vasellame d'uso quotidiano. Nel 1953 Yanagi Sōetsu, Bernard Leach e Hamada Shōji resero omaggio alla lavorazione artigianale ivi conservata.

Anche: Tobe-yaki, porcellana di Tobe, ceramica di Tobe, Tobe

Tōki 陶器

Tōki è il termine giapponese per indicare il terraglia ovvero la ceramica comune: ceramica realizzata con argilla comune da vasaio, cotta a una temperatura di circa 800-1.200 gradi, che mantiene un impasto colorato e poroso. Poiché questo assorbe l'acqua, il tōki viene di norma smaltato; se percosso produce un suono sordo, al tatto risulta più caldo e non è traslucido. Ad esso si contrappone il jiki, la porcellana bianca e compatta. Il linguaggio tecnico giapponese conosce inoltre il doki, la cottura a bassa temperatura non smaltata, e il sekki, il grès compatto - nell'uso comune, tuttavia, tradizioni cotte ad alta temperatura come Bizen o Shigaraki vengono per lo più ricondotte al tōki.

Anche: Tōki, gres, terraglia, ceramica Tōki

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Tokkuri 徳利

Il tokkuri (徳利) è la bottiglia giapponese panciuta per il sake, con collo ristretto, dalla quale si versa in ochoko o guinomi. Tradizionalmente ne contiene circa un gō – l'antica unità di misura giapponese per liquidi di circa 180 millilitri. Il collo stretto non è un elemento decorativo: dosa la mescita e rallenta il raffreddamento quando il sake viene servito caldo. Per scaldarlo, si immerge il tokkuri pieno in un bagnomaria, di solito a una temperatura di circa 40-50 gradi; il riscaldamento diretto sul fornello o sbalzi termici bruschi danneggiano la ceramica. Tokkuri e coppe da sake vengono spesso proposti in set, ma non devono necessariamente appartenere l'uno all'altro.

Anche: tokkuri, fiasca per sake, caraffa per sake, bottiglia per sake, fiasca da sake giapponese

Tokobashira 床柱

Il tokobashira è la colonna decorativa laterale di un tokonoma – il pilastro che delimita la nicchia per il quadro rispetto al resto della stanza. Si tratta spesso di un tronco appena lavorato, che conserva la corteccia, i nodi dei rami o una curvatura naturale, costituendo così l'unico elemento volutamente irregolare in una costruzione altrimenti rigorosamente rettilinea. Da esso va distinto il tokogamachi, il bordo anteriore visibile, spesso tinto di scuro o laccato, del pavimento rialzato. Chi riproduce un tokonoma in un'abitazione europea non ha bisogno di un vero tokobashira: elementi costruttivi giapponesi ricostruiti vi apparirebbero facilmente come una scenografia, mentre la riduzione all'essenziale sostiene già l'idea.

Anche: Colonna decorativa, colonna del tokonoma, toko-bashira, tokobashira

Tokoname-yaki 常滑焼

Il Tokoname-yaki è una ceramica giapponese proveniente dalla città di Tokoname, sulla penisola di Chita, nella prefettura di Aichi, e rientra tra i sei antichi forni del Giappone. Le sue origini risalgono al XII secolo, quando qui si producevano soprattutto grandi contenitori da conservazione non smaltati. Oggi Tokoname è nota soprattutto per i kyūsu, le teiere con presa laterale in argilla rossa ferruginosa (shudei), che vengono cotte senza smalto; si dice che il loro impasto poroso attenui l'asprezza del tè verde. A differenza della vicina Seto, che fin da subito produsse ceramica smaltata, a Tokoname l'attenzione rimane ancora oggi rivolta all'impasto non smaltato e densamente sinterizzato.

Anche: Tokoname-yaki, ceramica di Tokoname, Tokoname ware, Tokoname

Tokonoma 床の間

Il tokonoma è la nicchia rialzata per l'esposizione di opere d'arte nella stanza di ricevimento di una casa giapponese tradizionale: una nicchia poco profonda nella parete, con il pavimento leggermente sopraelevato, sulla cui parete di fondo è appeso un kakemono e sulla cui superficie si trova un vaso da fiori, occasionalmente anche un kōro (bruciaincenso). Questa forma architettonica viene solitamente ricondotta allo stile shoin. Il tokonoma è considerato il posto d'onore della stanza: non lo si calpesta, non si depone nulla davanti ad esso e non vi si ripongono oggetti di uso quotidiano. A differenza di uno scaffale, non è un luogo di accumulo, bensì una superficie per pochissimi oggetti, che cambiano secondo la stagione – la maggior parte di essa rimane volutamente vuota.

Anche: Toko, nicchia tokonoma, nicchia per rotoli verticali

Tomobako 共箱

Un tomobako (共箱) è la scatola di legno pertinente a un'opera d'arte giapponese, iscritta dall'artista o dall'atelier – letteralmente la «scatola che accompagna». Sul coperchio è riportata in calligrafia la denominazione dell'opera; all'interno o sul fondo l'artista appone di proprio pugno la firma, di solito accompagnata da un sigillo rosso. Viene chiusa con un cordoncino intrecciato, il sanadahimo. In questo modo è più di un semplice imballaggio: attesta la provenienza e l'autenticità e appartiene inscindibilmente all'opera; se ne viene separata, ciò è considerato dai collezionisti un chiaro motivo di svalutazione. La differenza rispetto al kiribako (桐箱) risiede nell'iscrizione, non nel materiale.

Anche: tomobako, scatola d'artista, scatola originale, scatola di paulownia, scatola in legno di kiri, scatola firmata, scatola d'accompagnamento

Tsuboya-yaki 壺屋焼

La ceramica Tsuboya-yaki è la ceramica del quartiere di Tsuboya a Naha, sull'isola di Okinawa, e rappresenta la più importante tradizione ceramica delle antiche isole Ryūkyū. Nacque nel 1682, quando il governo del regno riunì in questo luogo tre più antichi distretti di fornaci. Si distinguono l'Arayachi, gres non smaltato e cotto a temperatura più bassa, destinato a giare da conserva e a recipienti per l'Awamori, e lo Jōyachi, vasellame smaltato con decori vivaci. A differenza delle fornaci dell'isola principale, Tsuboya segue una propria linea di tradizione con influssi cinesi e sudest-asiatici; ad essa appartengono anche le figure guardiane Shīsā. Localmente la ceramica non si chiama Yakimono, bensì Yachimun.

Anche: ceramica di Tsuboya, Tsuboya yaki, Yachimun, Tsuboya

Tsuru 鶴

Tsuru è la parola giapponese per gru, uno dei simboli di buon augurio più diffusi nell'arte giapponese. L'uccello è tradizionalmente considerato un simbolo di longevità e fedeltà coniugale; il detto «Tsuru wa sennen, kame wa mannen» – la gru vive mille anni, la tartaruga diecimila – spiega perché la gru e la tartaruga, Tsuru e Kame, compaiano così spesso insieme su rotoli verticali, ceramica e lacche. Come motivo in coppia, la gru si addice a matrimoni e anniversari, da sola a compleanni importanti. Nella pittura accompagna inoltre Jurōjin, il dio della longevità, e sopravvive come figura di origami, Orizuru, nell'arte della carta.

Anche: Tsuru, gru, gru giapponese, motivo della gru, Tsuru e Kame

Tsutsu-jawan 筒茶碗

La tsutsu-jawan (筒茶碗) è la ciotola da tè giapponese alta e cilindrica per i mesi freddi. La sua apertura stretta disperde poco calore, le mani avvolgono la parete e il matcha resta percettibilmente caldo più a lungo. Il prezzo da pagare è un po' più di pazienza nel montare, poiché il chasen ha nella forma stretta meno spazio che in una ciotola ampia. La tsutsu-jawan è la controparte invernale della hira-jawan piatta dell'alta estate. Chi possiede una sola ciotola farebbe meglio invece a scegliere la comune forma rotonda, che si può usare durante tutto l'anno.

Anche: Tsutsujawan, Tsutsu-chawan, ciotola cilindrica, ciotola da tè invernale

U

Ukiyo-e 浮世絵

Ukiyo-e (浮世絵, «immagini del mondo fluttuante») è una tradizione pittorica giapponese di stampo popolare del periodo Edo, nata inizialmente come pittura e diffusasi a partire dal XVII secolo soprattutto come xilografia a colori. I motivi provengono dalla vita di svago urbana: attori kabuki, cortigiane dei quartieri di piacere, paesaggi e, in seguito, anche scene storiche e mitologiche. Maestri come Katsushika Hokusai e Utagawa Hiroshige divennero noti a livello internazionale e influenzarono l'impressionismo europeo. Come opera di grafica a stampa, l'ukiyo-e nasceva da un lavoro suddiviso tra più figure - disegnatore, intagliatore e stampatore - ed era fin dall'inizio concepito per la produzione in serie. In questo si distingue radicalmente dalle opere uniche dipinte a mano della tradizione nihonga.

Anche: Ukiyo-e, Ukiyoe, Xilografia giapponese, Stampa giapponese, Stampa policroma giapponese, Immagini del mondo fluttuante

Urushi 漆

Urushi (漆) è la lacca naturale giapponese, ottenuta dalla resina dell'albero della lacca e applicata in numerosi strati sottili su un supporto per lo più ligneo. Durante l'indurimento polimerizza e diventa straordinariamente resistente all'acqua, all'alcol e agli acidi; i pezzi ben lavorati durano secoli. Tipici sono il nero e il rosso intensi, spesso impreziositi con oro nella tecnica maki-e o con madreperla in intarsi raden. Tossica è soltanto la linfa grezza dell'albero, con il suo urushiolo allergenico; la lacca indurita è invece adatta al contatto con gli alimenti. Gli oggetti laccati non vanno mai messi in lavastoviglie, microonde o forno, ma vanno puliti a mano.

Anche: lacca urushi, urushi, lacca giapponese, oggetti in lacca, lacca naturale

Usucha 薄茶

Usucha (薄茶, tè leggero) è la preparazione quotidiana del matcha: poca polvere, abbondante acqua calda ma non bollente, sbattuta rapidamente con il chasen fino a formare uno strato di schiuma a grana fine. Ogni ospite riceve la propria ciotola, e l'etichetta è decisamente più rilassata rispetto al tè denso. Ideale è una ciotola con una superficie di fondo ampia, perché lì il frustino può lavorare in modo piatto e veloce; la polvere per l'usucha viene invece conservata classicamente nel natsume laccato. La forma opposta è il koicha, il tè denso delle occasioni solenni. Chi beve matcha a casa beve quasi sempre usucha.

Anche: tè leggero, matcha leggero, usu-cha, koicha

Utsushi 写し

Utsushi (写し) indica la ripresa di un'opera più antica come appropriazione e omaggio al tempo stesso. Chi copia entra in un dialogo con il maestro del passato: ne fa propri la tecnica, il materiale e le scelte estetiche, unendo la propria epoca a un'epoca precedente. Nella cultura del tè questo è del tutto naturale: i maestri del tè successivi riprendono consapevolmente gli utensili apprezzati dai loro predecessori, e i vasai realizzano utsushi di celebri ciotole da tè. L'utsushi si distingue espressamente dal mozō (模造), la semplice riproduzione, e non ha nulla a che fare con una falsificazione: un utsushi non tace il proprio modello, bensì vi si richiama apertamente, e chi lo realizza firma di norma con il proprio nome.

Anche: Utsushi-mono, opera derivata, copia-omaggio, ripresa, Mozō

W

Wabi-Cha 侘茶

Il wabi-cha (侘茶) è la corrente volutamente sobria della cerimonia del tè giapponese, che sostituisce i preziosi utensili cinesi d'importazione con recipienti semplici, spesso di produzione locale, ed eleva a ideale la piccola e spoglia stanza del tè. Il suo fondatore è considerato Murata Jukō, che unì la pratica zen al tè; Takeno Jōō sviluppò ulteriormente questo atteggiamento, mentre a portarlo alla piena maturazione, nel XVI secolo, fu Sen no Rikyū, dalla cui esigenza nacque la ceramica Raku. Il wabi-sabi indica invece l'atteggiamento estetico generale che concepisce l'imperfezione e la caducità come fonte di bellezza: il wabi-cha ne è la concreta espressione nella via del tè.

Anche: Wabicha, Wabi cha, Wabi-cha, Sōan-cha, Soan-cha, Sōan cha

Wabi-Sabi 侘寂

Il wabi-sabi è un atteggiamento estetico giapponese che intende l'imperfezione, la caducità e l'incompiutezza come autentica fonte di bellezza. Il termine unisce due parole in origine autonome: wabi, l'apprezzamento della semplicità e della rinuncia consapevole, e sabi, la bellezza che nasce con il tempo e la patina. Questo atteggiamento fu forgiato dalla cerimonia del tè di Sen no Rikyū nel XVI secolo; lo si riconosce nella ceramica di Bizen o di Shigaraki non smaltata e nella riparazione con oro kintsugi. A differenza del mono no aware, che indica la commozione per la caducità, il wabi-sabi descrive un atteggiamento compositivo, ossia un deliberato riserbo, non trascuratezza.

Anche: Wabi Sabi, Wabi-Sabi, estetica wabi-sabi, filosofia wabi-sabi, Wabi, Sabi

Washi 和紙

Il washi (和紙) è carta giapponese fatta a mano, tradizionalmente prodotta con le lunghe fibre di libro dell'arbusto kōzo e di altre piante autoctone. Le lunghe fibre lo rendono al contempo assorbente e insolitamente resistente allo strappo – due caratteristiche su cui si fonda gran parte dell'arte giapponese. Nella calligrafia e nella pittura a inchiostro, l'assorbenza consente il caratteristico effetto di scorrimento dell'inchiostro, motivo per cui i calligrafi esperti scelgono consapevolmente la carta in base allo stile di scrittura e all'espressione. Nel montaggio di un rotolo verticale, il washi funge da materiale di supporto: lo hyōgu-shi incolla il honshi retrocollandolo con più strati sottilissimi e colla di amido di frumento, in modo che la banda possa essere arrotolata senza spezzarsi.

Anche: carta giapponese, washi, wa-shi, carta Washi, carta fatta a mano

Y

Yahazu 矢筈

Uno yahazu (矢筈) è una lunga asta con l'estremità biforcuta, utilizzata per appendere e staccare i rotoli verticali giapponesi; tradizionalmente è fatta di bambù. Il nome indica in realtà la tacca all'estremità di una freccia, quella che si appoggia sulla corda dell'arco: la biforcazione dell'attrezzo ha esattamente lo stesso aspetto. Con lo yahazu si può far passare con sicurezza il cordino di sospensione di un kakemono ancora arrotolato sopra un gancio posto in alto, senza dover salire su una scala e senza lasciare il rotolo dalle mani. Nello staccarlo, l'attrezzo svolge la stessa funzione in ordine inverso.

Anche: Ya-hazu, asta per rotolo verticale, asta per kakemono, bastone per rotolo verticale

Yakimono 焼き物

Yakimono, letteralmente «cosa cotta», è il termine generico giapponese per la ceramica di ogni tipo – dal grès non smaltato alla porcellana più fine. Comprende le sottocategorie Doki, Tōki, Sekki e Jiki e di per sé non dice nulla sulla materia prima, la temperatura di cottura o lo smalto; chi vuole classificare un pezzo con maggiore precisione ha bisogno di questi termini più specifici. Usato in larga misura come sinonimo è il termine Tōjiki. Va notato che Yakimono in giapponese designa contemporaneamente anche un gruppo di pietanze grigliate – quale significato sia inteso risulta soltanto dal contesto.

Anche: Yaki-mono, Tōjiki, Tojiki, ceramica giapponese

Yakishime 焼締

Yakishime indica un grès giapponese cotto ad alta temperatura, non smaltato, la cui superficie si forma esclusivamente nel forno. L'argilla sinterizza in modo compatto alle alte temperature, così che un recipiente diventa impermeabile anche senza bagno di smalto; ciò che su questi pezzi appare lucido e vitreo è cenere volatile fusa durante la cottura. Questa tecnica è tipica di Bizen, Shigaraki, Tokoname, Echizen e Tamba, dove le cotture a legna durano più giorni. Un vero pezzo yakishime ha sempre un lato rivolto al fuoco e un lato più tranquillo – cambia aspetto quando lo si gira tra le mani. Un prodotto industriale con un'imitazione di smalto marrone appare invece uguale su tutti i lati.

Anche: Yaki-shime, gres non smaltato, ceramica Yakishime, cottura ad alta temperatura senza smalto, cottura senza smalto

Yamato-e 大和絵

Lo yamato-e (大和絵) è la tradizione pittorica cortese e decisamente autoctona del Giappone, sviluppatasi a partire dal periodo Heian (794–1185) con colori intensi, un uso decorativo dell'oro e motivi narrativi. Vengono raffigurate scene di corte, soggetti letterari e motivi naturali; l'esempio più celebre sono gli emakimono, rotoli pittorici orizzontali che illustrano opere come la «Storia del principe Genji» in una sequenza pittorica continua. Questa tradizione fu portata avanti fin dal medioevo soprattutto dalla scuola Tosa, strettamente legata alla corte imperiale di Kyōto. Lo yamato-e si distinse consapevolmente dalla pittura di impronta cinese e si pone quindi in contrapposizione all'estetica ridotta e monocroma della pittura a inchiostro zen.

Anche: Yamato-e, Yamatoe, pittura Yamato, pittura di corte giapponese, scuola Tosa

Yōga 洋画

Yōga (洋画, «immagine occidentale») indica la pittura giapponese secondo la maniera occidentale: pittura a olio, acquerello e disegno con prospettiva centrale, modellazione chiaroscurale e supporti pittorici europei. Il termine nacque nel periodo Meiji come contrapposizione a nihonga, sotto cui veniva riassunta la tradizione pittorica autoctona; entrambe le parole ricevettero il loro significato proprio da questa contrapposizione. Come precursore è considerato Takahashi Yuichi (1828–1894), che era stato inizialmente formato nella scuola Kanō; determinante divenne in seguito Kuroda Seiki, che nel 1893 tornò dalla Francia. Yōga non è quindi una tecnica di origine giapponese, bensì l'appropriazione della pittura europea da parte di artisti giapponesi.

Anche: Yōga, pittura Yōga, pittura occidentale in Giappone, pittura a olio giapponese

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Yohaku no bi 余白の美

Yohaku no bi (余白の美, «la bellezza dello spazio bianco rimasto») è il principio compositivo giapponese secondo cui la superficie non dipinta di un'immagine è una parte pittorica a pieno titolo. Non è un residuo per cui è mancato il tempo, ma nebbia, acqua, cielo o distanza – il suo effetto nasce esclusivamente dai margini del dipinto. Il concetto fu ripreso, verso il XII secolo, dalla pittura di paesaggio cinese; in Giappone si unì ai concetti buddhisti di kū (空, vuoto) e mu (無, assenza). Un rotolo verticale la cui carta rimane per due terzi intatta non è quindi incompiuto, ma concepito in modo tale che sia l'osservatore a portare con sé il resto.

Anche: Yohaku, bellezza del vuoto, spazio vuoto nell'immagine, vuoto pittorico, yohaku no bi

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Yōhen 曜変

Yōhen, la «trasformazione iridescente», è la manifestazione più rara dello smalto Tenmoku: macchie scure circondate da un alone iridescente in blu e viola, tale che la ciotola, a seconda della luce, ricorda un cielo stellato. Secondo la tradizione giapponese, sono sopravvissute solo tre ciotole Yōhen complete; tutte e tre sono classificate come tesori nazionali. Questo termine va distinto dall'omofono Yōhen scritto con altri caratteri (窯変, «trasformazione del forno»), con cui a Bizen e in altre tradizioni di cottura a legna si indicano i forti viraggi cromatici della cottura. Si tratta di due cose diverse, che in tedesco si confondono facilmente.

Anche: Yohen, Yōhen Tenmoku, Yohen Tenmoku, ceramica Yohen, Yohen glaze

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Yūgen 幽玄

Yūgen è un concetto fondamentale dell'estetica giapponese classica, che indica una bellezza profonda e misteriosa, che si limita ad accennare a sé stessa e non si mostra mai completamente. Letteralmente la parola sta per l'oscuro-misterioso; nella poesia di corte e più tardi soprattutto nel teatro Nō divenne il criterio di qualità centrale. Nella pittura Yūgen indica ciò che nasce dall'omissione: un paesaggio nebbioso, una montagna semicoperta, un motivo nel formato ridotto di uno shikishi. A differenza del wabi-sabi, che riguarda le tracce del tempo e dell'uso, Yūgen descrive l'effetto dell'accennato – profondità attraverso il velamento, non attraverso il deterioramento.

Anche: Yugen, estetica Yūgen, estetica Yugen, Yūgen

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Yunomi 湯呑

Uno yunomi (湯呑, letteralmente «bevitore di acqua calda») è il bicchiere da tè giapponese più alto e senza manico, destinato al tè in foglie infuso come il Sencha, il Bancha o l'Hōjicha tostato. Il tè viene prima lasciato in infusione in una teiera, il kyūsu, e solo dopo versato; il recipiente deve soltanto mantenerlo caldo e stare bene in mano, per questo può essere più alto che largo. Sono tipici un diametro di circa sei-otto centimetri e un'altezza di otto-dieci centimetri. A differenza del chawan, nello yunomi il tè non viene preparato, vi arriva soltanto già pronto. Gli yunomi vengono spesso venduti in coppia di dimensioni disuguali, il meoto-yunomi.

Anche: yunomi, tazza da tè giapponese, bicchiere da tè giapponese, tazza yunomi

Yuteki 油滴

Yuteki, «goccia d'olio», è una manifestazione dello smalto Tenmoku: macchie rotonde dai riflessi argentei o bluastri su fondo nero intenso. Si formano nei punti in cui, durante la cottura, le bolle di gas hanno rotto la superficie dello smalto e, in fase di raffreddamento, i cristalli di ossido di ferro si concentrano nelle piccole cavità rimaste. Le dimensioni e la densità delle gocce dipendono soprattutto dalla velocità di raffreddamento: il motivo può essere favorito con l'esperienza, ma non predeterminato con esattezza. Da distinguere da Yuteki sono il Nogime, la striatura simile a pelo di lepre della medesima famiglia di smalti, e il ben più raro Yōhen, con i suoi aloni iridescenti.

Anche: Yūteki, Yuteki, smalto a gocce d'olio, Yuteki Tenmoku, Oil Spot, gocce d'olio

Z

Zashiki 座敷

Uno zashiki è la stanza per gli ospiti e per il ricevimento di una casa giapponese, rivestita di tatami, ovvero l'ambiente di rappresentanza in cui si accolgono le visite. Al suo interno si trova solitamente anche il tokonoma, la nicchia rialzata destinata al rotolo verticale e al fiore; lo zashiki è quindi la stanza per cui l'arte giapponese è stata tradizionalmente scelta e periodicamente cambiata. Il nome significa letteralmente qualcosa come «posto a sedere allestito» e ricorda che qui ci si siede sul pavimento – l'altezza dello sguardo su un kakemono deriva proprio da questo.

Anche: sala di ricevimento, stanza degli ospiti, stanza in tatami, zashiki

Zazen 坐禅

Zazen è la meditazione seduta del buddhismo zen e la sua pratica centrale; il nome significa letteralmente «sedersi in raccoglimento». Ci si siede con la schiena eretta nella posizione del loto completo o del mezzo loto, in modo che i glutei ed entrambe le ginocchia sorreggano il corpo, con una respirazione tranquilla, contata o semplicemente osservata. Le due principali scuole giapponesi praticano in modo diverso: nella scuola Sōtō è centrale lo shikantaza, il semplice sedersi senza scopo, così come lo descrive Dōgen nella sua guida Fukan Zazengi; la scuola Rinzai unisce invece la seduta al lavoro su un kōan. Lo zazen si distingue dal satori in quanto pratica in sé, non come suo risultato.

Anche: Za-Zen, meditazione seduta, meditazione Zen, zazen, seduta in meditazione

Zen 禅

Lo Zen è una corrente giapponese del buddhismo Mahayana che risale al Chan cinese e pone al centro la meditazione seduta Zazen. Il nome deriva, attraverso il Chan, dal termine sanscrito Dhyāna, meditazione. In particolare nel periodo Muromachi (1333–1573) lo Zen ha improntato l'arte giapponese, dando origine alla pittura a inchiostro Sumi-e, alla calligrafia Shodō, alla cerimonia del tè Chadō e ai giardini secchi. I motivi pittorici centrali sono l'Enso, il cerchio tracciato in un unico tratto, e le raffigurazioni di Bodhidharma. Le due scuole principali si distinguono nella pratica: il Rinzai lavora con i Kōan, il Sōtō con la meditazione seduta senza scopo Shikantaza.

Anche: Zen, buddhismo Zen, Chan, buddhismo Chan