Arte japonés por épocas

Cómo cuenta Japón su historia

Japón no divide su historia en siglos, sino en épocas, y cada una tiene un nombre. El período Edo debe su nombre a la ciudad de Edo, la actual Tokio, adonde el shogunato Tokugawa trasladó su sede de gobierno en 1603. A partir de 1868, las épocas siguen los nombres de reinado de los emperadores: Meiji significa «gobierno ilustrado», Taishō «gran rectitud», y el nombre Heisei se eligió expresamente para representar una era de paz. Una época termina con un cambio en la cúpula del Estado: en 1868 con la Restauración Meiji, en 1912 con la muerte del emperador Meiji, en 2019 con la abdicación del emperador Akihito, a la que siguió la era Reiwa. Quien colecciona arte japonés encuentra estos nombres por todas partes: en descripciones, en cajas de madera y en dataciones.

Período Edo (1603–1868): las tradiciones toman forma

Unos 250 años de paz bajo los Tokugawa y el aislamiento casi total del país a partir de 1624 dieron lugar a una cultura muy propia. La escuela Kanō marcaba la pintura oficial, y junto a ella florecieron la pintura decorativa Rinpa sobre fondo de oro, la pintura Nanga inspirada en los ideales de los letrados chinos y el grabado en color Ukiyo-e. Tradiciones cerámicas como Hagi, Kutani y la porcelana de Arita adquirieron entonces su forma decisiva, y la ceremonia del té pasó de ser un ritual de los gobernantes a una práctica de la burguesía acomodada.

Meiji (1868–1912) y Taishō (1912–1926): apertura y modernidad

Con la Restauración Meiji, Japón se abrió a Occidente a un ritmo vertiginoso. En pintura, el Nihonga, la «pintura japonesa», se distanció deliberadamente de la pintura al óleo occidental (Yōga), y muchos pintores siguieron trabajando en el lenguaje de la escuela Kanō en la que se habían formado. En las exposiciones universales de Viena y París, la artesanía japonesa desencadenó el japonismo, y la porcelana de Kutani y Arita vivió un segundo auge exportador. La breve era Taishō dio lugar al romanticismo Taishō, una fusión de la imaginería japonesa con el Art Nouveau y el Art Déco; el gran terremoto de Kantō de 1923 destruyó además numerosas colecciones y talleres.

Shōwa (1926–1989): crisis y renacimiento

La época más larga de la historia moderna de Japón se divide en un primer período Shōwa hasta 1945 y un período Shōwa tardío posterior. Durante los años de guerra, muchos talleres de cerámica tuvieron que reducir o detener su producción. Tras 1945, la artesanía tradicional vivió un renacimiento: el movimiento Mingei en torno a Yanagi Sōetsu y Hamada Shōji puso en valor la belleza de los objetos cotidianos y funcionales, el Estado distinguió a maestros destacados como «Tesoros Nacionales Vivientes» (Ningen Kokuhō), y Arakawa Toyōzō reconstruyó el esmalte Shino.

Heisei (1989–2019) y Reiwa (desde 2019): la tradición en el presente

Tras el estallido de la burbuja económica, la artesanía hecha a mano cobró nueva importancia en Japón como contrapunto a los productos de masas efímeros. Centros cerámicos como Bizen, Hagi o Shigaraki ganaron aprecio dentro y fuera del país, y conceptos como el wabi-sabi o el kintsugi se conocieron en todo el mundo. Las piezas de las eras Heisei y Reiwa proceden a menudo de artistas que siguen trabajando hoy, con frecuencia en talleres cuyo nombre se transmite de generación en generación.

Qué indica la época al comprar

La indicación de época describe el objeto: el papel o la seda, los colores empleados, el estado del soporte y, en la cerámica, el barro, el esmalte y las huellas de uso. Es una valoración de la pieza que tiene delante. El nombre del artista, en cambio, recoge lo que está escrito en ella. Ambos datos son independientes y pueden no coincidir, por ejemplo cuando un rollo de la era Shōwa lleva el sello de un maestro fallecido mucho antes. Las piezas antiguas muestran además su edad: un rollo del período Edo o Meiji casi siempre presenta huellas que forman parte de su historia.

Cómo se fundamenta una datación

El primer testigo es el propio soporte: con las décadas, el papel y la seda adquieren un tono más cálido, aparecen manchas de humedad y la tinta penetra en las fibras. También los colores ayudan a datar: el azul de Prusia se usó ampliamente en Japón desde la década de 1830, y los colorantes sintéticos de anilina no se documentan allí antes de la década de 1860. El montaje de un kakemono dice poco, pues tradicionalmente se renueva cada cien a doscientos años. En la cerámica, firma, sello y tomobako –la caja de madera rotulada por el artista– completan el cuadro. La inscripción suele indicar objeto, horno, nombre del artista y sello, y en las dinastías de ceramistas también la generación, a menudo la verdadera clave para situar una pieza en el tiempo. Firma y caja por sí solas no prueban la antigüedad; junto con el estilo, permiten una valoración fundada.

En qué se fijan los coleccionistas

Lea por separado la época y el nombre del artista: uno indica la antigüedad probable de la pieza; el otro, qué nombre aparece en ella. En los rollos, lo decisivo es si están pintados a mano: un kakemono pintado a mano es una pieza única, sea de la época que sea. La caja de madera, la bolsa de tela y los papeles adjuntos se conservan con el objeto, porque juntos forman su cadena de procedencia. Y un kakemono no se cuelga de forma permanente: se expone unas semanas con luz indirecta y humedad estable, y luego reposa enrollado en su caja.